스티브 토빈(Steve Tobin, 1957년 ~ )은 청동, 강철, 돌, 유리 및 도자기 분야의 기념비적인 조각 설치물과 혁신적인 기술로 유명한 미국의 개념 예술가입니다. 토빈의 조각은 산업 과정과 결합된 자연 기반 공리 철학으로 유명합니다. 1980년대부터 토빈은 수학적 패턴을 예술로 만들면서 실존적 전환과 환경의식을 키워왔습니다. 그의 가장 중요한 작품은 성을 보호했던 70년 된 시카모어 나무의 20피트 높이의 청동 주조물인 트리니티 루트입니다.9/11에 떨어진 잔해에서 나온 바울 예배당. 2005년부터 2015년까지 트리니티 교회 안뜰에 있는 뉴욕 금융 지구에 전시되어 뉴욕 타임즈에서 볼 수 있습니다.

초기의 삶과 교육

토빈의 예술 여정은 과학 훈련에서 비롯된 물리학 실험을 통해 예술을 접하게 되면서 형식적인 교육과 구별됩니다. 그는 툴레인 대학에서 이론 수학과 물리학을 공부했고, 1975년에 프로젝트 펠로우십을 수여받은 펜실베니아 대학의 물질 구조 연구소(LRSM)에서 물질 과학 실험을 했습니다. 토빈은 물질의 구조에 대한 실험을 하고 있던 물리학자 캠벨 레어드 박사의 연구 보조원이 되었습니다. 이러한 실험은 금속에서 결정을 성장시키고, 그것들을 연마하고, 전자 현미경으로 형성을 연구하는 것을 포함하며, 오늘날까지 토빈의 실천에 깊은 정보를 주고 있습니다. 1976년 툴레인 대학교에 입학하여 미술학과에서 도자기와 유리를 탐구하기 시작했습니다. 1979년, 그는 툴레인에서 이론 수학 학위를 받았습니다. 토빈은 그의 과학적 배경과 조각에 대한 독특한 접근법을 결합하여 21세에 전국적으로 전시되었습니다. 그는 계속해서 수많은 펠로우십과 레지던스 아티스트를 받았습니다.

경력 하이라이트 및 주목할 만한 작품

저의 예술적 과정은 이벤트에 의한 창작 중 하나입니다. 제 작품은 과학과 예술의 만남에 대한 기념물입니다.

스티브 토빈

1979년부터 1990년대 후반까지, 토빈은 전 세계의 유리 스튜디오에서 일하는 자신이 발명한 유리 제작 기술에 집중했습니다. 이 기간 동안, 그는 일본에서 이탈리아 무라노에 이르기까지 전 세계에서 그의 기술을 가르치고 있었습니다. 이 기간 동안 토빈은 철강, 세라믹 및 유리에 이르기까지 다양한 소재로 전 세계 잡지에 17개 이상 표지를 장식했습니다. 1985년, 토빈은 도쿄 유리 예술 연구소에서 유리 조각을 가르치기 위해 초대되었습니다. 그는 일본어 말하기를 배웠고 일본 전역에서 수많은 성공적인 전시회를 열었습니다. 1987년, 토빈은 그의 전례 없는 대규모 유리 코쿤 시리즈로 테이블 상판에서 유리를 떼어낸 최초의 유리 공예가가 되었습니다. 그의 날려버린 유리와 강철 작품들은 높이가 15피트에 달했고 유럽의 "Neues Glas" 매거진에서 그의 첫 국제적인 커버 스토리를 얻었습니다.

1988년, 토빈은 필라델피아의 무어 예술 디자인 대학에서 코쿤 시리즈를 전시했습니다. 1989년, 그는 유리를 만드는 것으로 유명한 베니스 외곽의 마을인 이탈리아 무라노에 스튜디오를 짓도록 초대된 최초의 외국인 예술가가 되었습니다. 이탈리아와 미국의 스튜디오를 오가며 베네치아 방언을 배웠습니다. 1990년, 토빈은 프랑스의 루앙 뒤샹 파빌리온(Rouen's Duchamp Pavillion)에서 전시했는데, 그곳에서 그의 혁신적인 작품들은 새로운 "Verre Nouveau"로 찬사를 받았습니다. 그의 3층 높이의 글래스 리버는 그에게 유럽에서 국제 잡지 "Neues Glass"의 두 번째 표지를 가져다 주었습니다. 1992년, 워터글라스 컬럼은 뉴욕의 미국 공예 박물관에서 전시되었습니다. 이 설치물은 높이가 41피트로 뉴욕 타임즈는 토빈을 "모든 유리 예술가들 중 가장 광기스럽고 웅장한" 사람으로 만들었습니다. 1993년 핀란드 푼카하르주에 있는 레트레티 박물관은 화가 마르크 샤갈과 함께 토빈에게 2인 공연을 허락했습니다. 레트레티는 1992년 피카소를 전시한 주요 미술관으로 토빈의 모든 전시 공간이 지하 동굴에 있다는 점에서 독특했습니다. 이 전시를 위해 토빈은 자신의 워터 리버를 만들었는데, 이 워터 리버는 샤갈의 전시가 박물관의 현대적인 구역의 위층에 있는 동안 12.000 제곱 미터의 대규모 유리 설치물을 따라 전시되었습니다.

1994년, Water Column 이후, 그는 강철과 청동으로 조각을 추구하기 위해 유리에서 물러났습니다. Tobin은 자신의 혁신적인 청동 공정으로 전례 없는 수준의 세부 사항을 달성하는 작품을 만들기 위해 자신의 청동 주조 공장을 구축하기로 결정했습니다. 1995년, 토빈은 펜실베니아, Collegeville에 있는 Philip and Muriel Berman Museum of Art에서^[4] "Reconstructions"라는 제목의 전시회에서 금속으로 된 첫 2년간의 작품을 전시했습니다. 그는 30피트 길이의 골벽을 만들었습니다. 버먼은 필라델피아 미술관의 수장이었습니다. 1996년, 그는 포레스트 플로어 브론즈로 지구 청동 시리즈를 시작했고, 지구를 청동으로 주조했습니다. 그는 GLASS 잡지의 표지를 강철과 유리로 만듭니다. 1997년, 토빈은 흰개미 언덕을 도시의 맥락에서 보여줌으로써 자연의 힘과 정교함을 강조하기 위해 서아프리카의 가나로 여행을 갔습니다.

1998년, Tobin's Bronze Termite Hills는 매사추세츠주 Brockton의 Fuller Museum에서 전시되었습니다. 그 해 토빈은 악명 높은 미술상이자 전 레오 카스텔리 갤러리 디렉터 이반 카프(Ivan Karp)와 10년 동안의 관계를 시작했습니다. 흰개미 힐스는 그의 갤러리 OK Harris에 전시되었고 동시에 뉴욕의 Artet Industrie 갤러리에 전시되었습니다. Termite Hills 전시회는 뉴욕 갤러리 가이드, People Magazine 및 전 세계 수많은 출판물을 커버합니다. 1999년, 토빈의 지구 청동은 뉴욕의 미국 자연사 박물관에서 1년 동안 전시를 위해 설치되었고, 웨스트 할렘의 몬테피오레 공원에서 보조 전시를 했습니다. 이 전시회는 뉴스위크 매거진에 실렸습니다. 토빈은 이스터 섬, 기자 피라미드, 스톤헨지의 고대 건축물에서 더 많은 영감을 얻었습니다. 자신의 땅에서 죽은 참나무를 발굴한 후, 그는 루츠(Roots)라는 제목으로 청동으로 주조한 거대한 나무 지하 뿌리 시스템의 복제품 시리즈를 시작했습니다. 뿌리 조각들은 뉴욕의 브로드웨이에서 처음 전시되었고 그 후 브리티시 콜롬비아의 밴쿠버와 워싱턴의 커클랜드에서 밴쿠버 국제 조각 프로젝트의 중심 작품이 되었습니다.

2000년대 초는 유명한 갤러리스트이자 미술상인 이반 카프와 소호에 있는 그의 OK 해리스 갤러리와의 장기적인 관계를 봉합하면서 토빈에게 새로운 10년을 기념했습니다. 카프는 토빈의 스튜디오에 있는 작품들의 에너지와 배열에 매우 매료되어 그것을 "인디아나 존스 창고"라고 표현했습니다. 9/11 테러가 일어난 후, 토빈은 유리와 도자기의 순수한 관행에서 벗어나 청동과 강철로 된 작품을 대량으로 만들기로 결심했습니다. '뿌리'와 '철근'이라는 제목의 이 새로운 작품들은 그가 일본에서 가르친 세월 동안 배운 아시아 서예에 존재하는 나무의 뿌리 체계와 붓글씨의 유동적인 움직임에서 직접적인 영감을 얻었습니다. 그의 가장 유명한 작품인 삼위일체의 뿌리는 "철학자로서의 자연"이라는 보이지 않는 권력 주제를 바탕으로 한 이 개념 작업의 직계 후손입니다. 2001년, 토빈은 이탈리아 베니스 비엔날레 동안 마르코 폴로 갤러리에서^[7] 전시되었던 1800년대의 손으로 그린 골동품 유리 랜턴 슬라이드를 사용하여 랜턴 하우스 시리즈를 시작했습니다. 토빈은 예술가 요코 오노와 토니 크레이그와 함께 전시했습니다. 그의 작품들은 Sculpture Magazine에 실렸습니다.

2002년, 로스앤젤레스의 핸콕 파크의 라 브레아 타르 핏스 근처 페이지 박물관에서 토빈의 벌거벗은 지구라는 제목의 주요 설치물. 이 쇼에는 흰개미 언덕, 본 월, 루츠가 포함되었습니다. 랜턴 하우스는 뉴욕 로체스터의 조지 이스트먼 하우스에서 전시되었습니다. 2003년, 토빈의 벌거벗은 지구는 로스앤젤레스 카운티 자연사 박물관에서 열린 거대한 전시회였습니다. 그것은 볼프강 퍽과 그의 아내 바라바라 라자로프가 후원한 10개의 트럭 분량의 예술품을 필요로 했습니다. 2004년, 루츠 조각품들은 미주리주 세인트 루이스의 라우미어 조각 공원으로 옮겨졌습니다. 2005년, 토빈은 그의 가장 잘 알려진 작품인 트리니티 루트(Trinity Root)를 원래 세인트루이스에 설치했습니다. 로어 맨하탄에^[9] 있는 폴스 채플.

9월 11일 세계 무역 센터^[11] 공격 동안, 예배당은 70년 된 시카모어 나무에 의해 부분적으로 손상으로부터 보호되었습니다. 그는 나무의 그루터기와 뿌리를 청동으로 조각한 조각품을 만들었는데, 지금은 월스트리트와 브로드웨이 모퉁이에 있는 교회 앞에 놓여 있습니다. 토빈은 20,000명의 시간이 소요되는 조각상에 자금을 지원하여 주택 지분 대출을 받았습니다. 2006년, 토빈은 캘리포니아에 있는 American Museum of Ceramic Art에서 그의 폭발한 지구 시리즈의 첫 번째 전시회를 열었습니다. 이 전시회는 도자기 매거진과 도자기 테크니카 호주의 표지를 장식했으며 조각과 스미스소니언 매거진에 실렸습니다. 2007년, 뉴욕 공원 및 레크리에이션 부서는 40년간의 예술 전시회인 프로스펙트 파크, 브루클린의 스틸루트(Steelroots in the Parks)의 일부로 포함시켰습니다. 2008년, 스틸루트는 플로리다의 프로스트 박물관에서 전시되었습니다. 그해 토빈은 한국에서 열린 세계도자비엔날레에서 미국 대표로 뽑혔습니다. 2009년, 토빈은 시카고 모튼 수목원에서 다양한 마감재의 14개의 나무 뿌리 조각을 전시했습니다.

2010년, 토빈의 첫 번째 모노그래프 스티브 토빈의 자연사가 허드슨 힐스에 의해 출판되었습니다. 2011년 미네소타 대학교 차스카, 미네소타 대학교 미니애폴리스 조경 수목원 터치 어스 & 스카이(Touching Earth & Sky). 2012년, 토빈의 미술상 이반 카프(Ivan Karp)가 세상을 떠났는데, 이는 토빈이 상업 갤러리 서킷과 갤러리 벽에서 벗어나 사회적 관행으로 예술에 집중하기로 결정한 중추적인 사건이었습니다. 그 해, 토빈은 플로리다주 나폴리에 있는 나폴리 미술관 회고전과 뉴저지주 해밀턴에 있는 에어리얼 루츠 오브 스컬프쳐에서 두 개의 대규모 전시회를 열었습니다.

2012년부터 2022년까지, 2012년 이반 카프가 사망한 후, 토빈은 예술 제작에 대한 사회적 실천 접근 방식을 육성하기 위해 상업 갤러리의 서킷에서 벗어나기로 결정했습니다. 그는 박물관에서 공공 정원, 수목원까지 20여 개국을 여행하는 일련의 대형 조각 전시회에 착수했습니다. 다양한 소재의 약 70점의 예술 작품으로 구성된 전체 컬렉션은 다양한 토빈의 예술적 천재성과 정신을 보여줍니다. 인본주의와 환경주의적 이상에 깊이 관심을 가진 토빈스는 "저는 사람들에게 영향을 미치는 작품을 만들고, 그들이 세상을 바라보는 관점을 바꾸도록 돕는 것을 좋아합니다. 내 전시품들은 모두 자연의 증류물입니다 - 뿌리, 구름, 그리고 물." 그의 전시 제목들은 인간과 자연 사이의 정신적인 연관성을 육성하고 해독하려는 그의 강한 열망에서 직접적인 영감을 얻은 것입니다: 벌거벗은 지구, 이 세상 밖으로, 뿌리, 감동적인 지구와 하늘, 지구에서 하늘, 코쿤 각성 또는 토빈의 자연사.

2013년 코네티컷 켄트의 모리슨 갤러리에서 대형 철제 조각품 전시회 Roots on 7. 2014년, 미치너 미술관은 세상 밖: 스티브 토빈의 작품들을 전시했습니다. 2016년, 토빈은 제 6회 징안 국제 조각 프로젝트(JISP) 엑스포에서 중국 상하이의 특별 예술가였습니다. 그의 작업실은 그의 기념비적인 Steel Roots Series에서 나온 여러 조각을 포함하여 설치를 위한 48개의 청동과 강철 조각품을 보냈습니다. Steelwaters라는 제목의 토빈의 조각품들은 상하이 자연사 박물관 앞과 징'에 있는 것을 포함하여 상하이시 주변의 여러 곳에 자리를 잡았습니다.조각공원. 그의 조각품 중 몇 개는 영구 설치물로 구입되었습니다. 그 해에 그는 워싱턴 DC의 캐피톨 힐(Capitol Hill)에 대형 스틸루트(Steelroots)를 전시했습니다. 2019년, 토빈의 작품은 피비 호반(Pobe Hoban)의 에세이와 함께 리졸리(Rizzoli)의 책 "Mind Over Matter"의 주제입니다. The Art of the Killing)와 데이비드 W의 서문.휴스턴, 크리스털 브리지스 미술관 큐레이터.

2020년부터 2024년까지 토빈은 나폴리 식물원(2020)부터 휴스턴 식물원(2023), 상하이 국제 조각공원(2023), 하와이 마우이의 이무아 재단과 정원(2024)까지 공공 환경과 수집품에 예술적 의미를 제공하는 조각 전시회를 계속 여행했습니다.

아티스틱 스타일

저는 역동적인 관찰 과정을 통해 수학적 프랙탈 패턴, 유체 역학 및 우주론적 사건을 예술로 변환합니다. 표시되면 뷰어와 공유됩니다. 그것은 나의 독특한 세상 보는 방법입니다. 스티브 토빈

토빈은 자연, 기술, 장인정신의 요소를 가리키는 그의 독특한 예술 스타일로 유명합니다. 토빈은 물리학과에서 실험을 하면서 금속을 다루는 법을 배웠고, 추상 수학을 배우면서 변수에 대한 생각과 분리를 연습했습니다. 그의 조각품은 유기적인 형태와 산업 재료를 매끄럽게 혼합하여 자연적인 것과 인공적인 것 사이의 대화를 만듭니다. 그의 창조적인 과정들은 산업적인 과정들과 재활용된 재료들로 생기를 불어넣은 수학과 물리학에 스며들어 있습니다. 토빈(Tobin)은 자신의 재료를 자연 과정의 실험적 잔여물로 예술로 변형한다고 주장합니다.

그의 거대한 작품 스틸루트는 텍사스에서 캐나다로 공급되는 재활용 오일 파이프로 만들어졌습니다. 토빈은 자연의 관찰과 그의 관습적인 불교 명상 수행을 통해 과학을 우주와의 관계 속에서 인간의 경험으로 변환하는 실험을 수행합니다. 역사와 새로운 영토에 대한 열정으로 스튜디오의 과학적 방법을 넓힌 토빈의 많은 자연 여행은 90년대 트레킹 아프리카 정글에서 비롯된 청동 테르마이트 힐스와 같은 여러 시리즈의 작품에 영감을 주었습니다.

그의 경력을 통해, 그는 청동, 도자기, 유리 부는 기술에서 독특한 기술을 발명했고, 그의 많은 뛰어난 스타일을 만들었습니다. 토빈의 끊임없는 창의성은 크고 작은 우주의 수학과 물리학을 보면서 다양한 형태로 나타납니다. 박물관장이자 설립자인 데이비드 암스트롱은 2006년 AMOCA에서 열린 토빈의 폭발한 지구 전시회를 언급하며 "스티브가 매우 능숙하게 사용하는 이 도구들은 보통 파괴의 산물로 생각됩니다. 하지만 스티브의 손에서 그것들은 자연의 창조물 밖에서는 거의 발견되지 않는 수준까지 무작위성을 이용하는 방식으로 사용되는 '창조의 도구'입니다." 이 도자기들에게 휘발성, 화약, 폭발물은 작가가 역동적인 형태를 형성하는 데 불가항력으로 사용한 요소들입니다. "저는 자연의 힘을 문서로서 형태로 번역하는 것에 관심이 있습니다."라고 토빈이 말했습니다. "'폭발된 지구'의 경우, 폭발은 질서에서 혼돈으로의 이동을 기록하는 역할을 하는 구조를 만듭니다. 점토 몸체는 폭발의 무한히 복잡한 세부 사항과 패턴을 기록하여 지질 형성이나 수정으로 가득 찬 지오데와 은하 형성과 다르지 않은 잔해를 남깁니다. 유명한 끈 이론가인 브라이언 그린은 토빈의 폭발적인 작품들을 "빅뱅 직후로 거슬러 올라가는 우주론적 형성에서의 평행한 사건들"에 비유했습니다. 토빈의 벌거벗은 지구 전시회에서 우주비행사 버즈 올드린은 토빈에게 달의 빛을 상기시키며 그의 작품에 포인트 소스 빛의 드라마를 사용한 방법에 대해 논의했습니다.

토빈의 작품은 자연의 야생과 교류하며 많은 정보를 얻고 있습니다. 그의 큰 작품은 특별한 형태로 형성된 자연 환경에서 직접적인 영감을 얻습니다. 그의 폭발한 클레이, 스틸루트, 고드름, 구름, 흰개미 언덕, 물유리, 고치, 트위스티스 시리즈는 우주와 보이지 않는 힘과의 관계에서 시청자를 재배치하기 위한 것입니다. 토빈은 그가 현실 세계에서 패턴과 공식, 물리학을 보고 그것을 예술 작품으로 번역하여 보는 사람이 우주를 보는 방식과 자연에서 추출된 패턴을 볼 수 있도록 한다고 주장합니다. 토빈의 예술을 보는 것은 예술가의 독특한 세계관의 렌즈를 통해 보는 것과 같습니다. 점토에서 유리, 강철과 청동에 이르기까지 그의 경력은 재료와 공정의 극적인 변화로 정의됩니다. 토빈의 조각들의 앙상블은 자연 세계에서 많은 영감을 얻었지만, 문화적이고 역사적인 의미를 가지고 있습니다. 그의 작품 속에는 춤 동작과 일본 서예를 모두 전달하는 송유관으로 만들어진 '춤추는 뿌리'를 통해 전해지는 유희적 요소가 있습니다. 그의 트위스티스는 하늘을 향해 회전하는 용도가 변경된 파이프로 만들어진 긴 금속 스파게티와 같습니다. 구름 속의 머리

철학과 영향

현실의 시는 환상의 시가 아니라 내가 창조하고 있는 것입니다. 스티브 토빈

"물리적 전환을 통한 의식 유발"은 토빈의 지속적인 사명이자 초점이었습니다. 그의 작품은 관객을 "실존적인 변신"으로 재배치하는 것을 목표로 합니다.

그의 서사는 그의 관계로부터 프랙탈 수학과 공리 철학에 이르기까지 구축되어 있습니다. 그의 예술 철학은 과학에서 철학, 인식에서 시에 이르기까지 세계에 대한 그의 과학적 이해를 중심으로 전개됩니다.

토빈은 자신의 작품에서 의도적인 선을 표시하는 것을 허락하지 않는 것은 의도가 마음에 의해 감싸질 것이고, 순수한 반응 과정은 엉망이 될 것이라고 강조합니다. 그는 이렇게 말합니다. "저는 장식적인 선택에 관심이 없습니다. 오히려 그는 과학적으로 책임 있는 결정에 몰두합니다. 예술가에게 철학은 시각적 미학이 아니라 결정을 결정합니다. 토빈은 공리적 진리와 철학의 예로 자신의 작품 시리즈 중 네 가지를 꼽습니다. 구름 형성 및 연기 이동과 같은 자연의 유체와 평행한 사건인 흰개미 언덕, 폭발 점토, 고드름 및 우주 퀼트.

그는 또한 자신의 실천을 실존주의의 한 형태로 언급하고 아인슈타인과 키르케고르와의 관계를 발견합니다. "사람들은 저의 예술적 영향에 대해 묻습니다. 나는 과학이 시라고 믿습니다 - 그것은 진정한 과학 수학 시이고, 수학은 나에게 시의 세계입니다." - 토빈

박물관 전시 및 소장품

1991년부터, 토빈은 뉴욕의 OK Harris 갤러리와 이탈리아 베니스의 Marco Polo Galleria를 포함한 많은 명망 있는 현대 미술관에서 단독 전시회를 가졌습니다. 그의 작품은 상하이, 베니스, 푼카하르주, 두바이, 로잔, 파리 등 세계적으로 전시되었습니다. 그의 작품은 1993년 핀란드의 푼카하르주에 있는 레트레티 박물관을 포함한 35개의 다른 박물관에서 전시되었습니다; 필립과 무리엘 베르만 미술관, 1995년 펜실베이니아, 1999년부터 2001년까지 뉴욕의 미국 자연사 박물관, 2002년 로스앤젤레스 라브레아 타 핏스의 페이지 박물관, 2004년 미주리의 라우미어 조각 공원, 2006년 미국 캘리포니아의 미국 도자 미술관, 2006년 프로스트 미술관, 마이애미의 미국 미술관, 2008년 플로리다, 2010년 뉴욕 카토나에 있는 카토나 미술관, 2011년 미네소타주 차스카 미니애폴리스 조경 수목원, 2014년부터 2016년까지 캘리포니아주 팜스프링스 미술관, 2014년 플로리다주 딜랜드 미술관, 2014년 펜실베이니아주 마이치너 미술관, 앨런타운 미술관, 2015년 펜실베이니아, 2016년 캘리포니아 산호세의 산호세 미술관, 2016년 테네시 내슈빌의 치크우드 에스테이트 앤 가든 등.

Tobin은 Marc Chagall, Yoko One, Tony Craig를 포함한 주요 아티스트들과 함께 전시했습니다. 그의 조각품은 전 세계의 많은 개인 소장품에 널리 표시되어 있습니다. 그의 작품은 "토빈은 차세대 헨리 무어"라고 말한 저명한 현대 미술 수집가 필립 버먼을 포함한 중요한 수집가들로부터 찬사를 받았습니다. 자선가이자 추상 표현주의 수집가인 데니스 알터(Dennis Alter)는 "스티브의 작품은 나에게 새로운 언어를 가르쳐 주었습니다. 나는 그의 작품에서 자연의 움직임을 듣고 그것에 반응합니다."

전세계적으로 20개가 넘는 박물관들이 스티브 토빈의 조각품들을 그들의 컬렉션에 포함하고 있습니다. 그들 중, 워싱턴 D.C.에 있는 The White House Permanent Arts Collection, Washington D.C.에 있는 The Musée des Arts Decoratifs, 스위스의 Lausanne, Carnegie Museum of Arts, Pittsburgh, Pennsylvania, Frost Museum, Miami, Osaka Foundation, 애틀랜타에 있는 코카콜라 콜렉션, 제임스 A. 펜실베이니아주 도일스타운, 징의 미셰너 미술관상하이의 조각 프로젝트(JISP)와 뉴욕의 Museum of Art and Design(MAD).

유산

금속, 유리, 점토를 사용한 창작 기법의 선구자로서 현대 미술계에 미치는 토빈의 영향은 계속해서 반향을 일으키고 있습니다. 전통적인 경계를 뛰어넘고 세계와 함께하는 예술을 창조하는 그의 능력은 그를 이 분야의 선각자로 돋보입니다.

퍼스널 라이프

과학 훈련과 병행하여, 토빈은 세계적으로 유명한 클래식 색소폰 연주자인 아서 헤그빅과 함께 색소폰과 플루트를 공부했습니다. 1978년, 그는 제임스 부커 등과 함께 뉴올리언스 주변의 클럽에서 전문적으로 음악을 연주했습니다. 자연에 열정적인 토빈은 알래스카 발데즈에서 활화산과 비활성화산 등반, 헬리콥터 익스트림 스키 등 외딴 자연에서의 활동에 끊임없이 도전합니다. 펜실베이니아에 있는 집에는 넓은 정원이 있어 직접 음식을 재배하고 가족과 아이들을 위해 호두/메이플 시럽 브랜드를 직접 만듭니다.

참고문헌