샌드페인팅

Sandpainting
싱가포르에서 인도 모래 회화의 인기 있는 형태인 랑골리.

샌드페인팅(Sandpainting)은 채색 모래, 광물이나 결정에서 나온 분말 색소, 또는 다른 천연 또는 합성 원료의 색소를 표면에 부어 고정되거나 붙지 않은 모래 그림을 만드는 기술이다. 혼합되지 않은 모래 그림은 전 세계의 수많은 사회 집단에서 오랜 기간 동안 확립된 문화 역사를 가지고 있으며, 종종 종교적인 의식이나 치유의식을 위해 준비된 일시적이고 의례적인 그림이다. 이런 형태의 예술은 드라이페인팅이라고도 한다.

드라이페인팅은 미국 남서부의 원주민, 티베트와 불교 승려, 호주 원주민, 그리고 특정 기독교 성일에 라틴 아메리카인이 행한다.

SLNSW 75764 매복전사 시리즈 49 원주민 미스틱 보라 의식

역사

아메리카 원주민 모래 도장

나바호 샌드페인팅, 에드워드 S의 포토그래브. 커티스, 1907년 의회 도서관

미국 남서부 원주민들의 모래그림(그 중 가장 유명한 것은 나바호[디네]로 알려진 모래그림)에서 메디컬 맨(또는 하타위이)은 의식이 행해지는 호건의 땅이나 벅스킨이나 천의 방수포에 유색 모래를 통제력과 기술로 손가락 사이로 흐르게 하여 느슨하게 그린다. 나바호에는 600~1,000가지의 다양한 샌드페인팅 전통 디자인이 있다. 그들은 그림을 정적인 물건으로 보지 않고, 영적이고 살아 있는 존재로 간주하여 큰 존경을 표한다. 30개 이상의 다른 모래 도장은 하나의 의식과 관련될 수 있다.

그림의 색상은 대개 자연적으로 채색된 모래, 부순 석고(흰색), 황색 오크레, 붉은 사암, 숯, 숯과 석고(파란색)의 혼합물로 이루어진다. 갈색은 빨강과 검정을 섞어서 만들 수 있다; 빨강과 흰색은 분홍색을 만든다. 다른 착색제로는 옥수수 식사, 꽃가루 또는 가루로 된 뿌리와 나무껍질이 있다.

그 그림들은 단지 치유를 위한 것이다. 그 중에는 예이비체이(성스러운 백성)의 모습이 많이 담겨 있다. 그림을 그리는 동안 약사는 예이비체이에게 그림 속으로 들어와 환자를 치료하는 데 도움을 청하며 노래를 부를 것이다.

약사는 그림을 다 그리면 그 정확성을 확인한다. 그림의 순서와 대칭은 환자가 삶에서 다시 세우고자 하는 조화를 상징한다. 모래 페인팅의 정확성이 신성한 도구로서의 효능을 결정한다고 믿어진다. 약사가 힐링 구호를 진행할 때 환자에게 모래 페인트 위에 앉도록 요청할 것이다. 모래 페인팅은 영혼들을 끌어들이고 그들이 오고 갈 수 있도록 하는 포탈 역할을 한다고 한다. 시술자들은 모래그림판에 앉아 있으면 환자가 영적인 힘을 흡수하는 데 도움이 되고, 반대로 성민이 병을 흡수하여 빼앗는 데 도움이 된다고 믿는다. 이후 모래 페인팅이 그 목적을 달성했을 때, 병을 흡수했기 때문에 독성이 있는 것으로 간주된다. 이 때문에 그림이 파괴된다. 의식의 신성성 때문에, 모래장식은 12시간 이내에 시작, 완성, 사용, 파괴된다.

H.S. Polley의 사진 Navajo 모래 페인트칠, c. 1890-1908, Library of Congress.

샌드 페인팅과 관련된 의식은 보통 "치즈"라고 불리는 순서에 따라 행해지고, 의식에 따라 일정 일수가 지속된다. 매일 적어도 하나의 신선하고 새로운 모래 페인팅이 만들어진다.

나바호 법 및 금기 사항 중 일부는 모래 도장 작업과 관련되며, 성스러움을 보호한다.

  • 가임기 여성은 예이비체이(Yeibichii) 이는 둘 다 이 의식이 태음인에게 부상을 입힐 가능성이 있기 때문이며, 생리 중인 여성의 참석을 막는 금기 사항 때문이다. (일부 문화는 생리를 나타내는 것처럼 월경과 피의 존재를 억제해야 하는 강력한 영적 사건으로 여겼다.) 폐경 후 여성은 체조자나 진단학자가 될 가능성이 더 높다.
  • 진품 샌드페인팅은 좀처럼 촬영되지 않아 의식의 흐름에 지장을 주지 않는다. 여러 가지 이유로, 의학자들은 신성한 의식 안에서 외부인을 거의 허용하지 않을 것이다. 많은 외부인들이 모래 페인팅에 대해 궁금해하기 때문에, 일부 약사들은 반전된 색상과 변형을 사용하여 전시 목적으로만 작품을 만들 수도 있다. 단지 보기 위한 진짜 모래 그림을 만드는 것은 불경스러운 행위일 것이다. 상점과 인터넷에서 판매하기 위한 샌드 페인팅은 상업적으로 생산되며, 실제 샌드 페인팅은 신성시되기 때문에 고의적인 오류가 포함되어 있다.
  • 전통적인 나바호 모래 도장(태피스트리나 다른 매체가 아닌 색색의 모래로 주조됨)이 영구적인 형태로 판매되는 것으로 인정된 가장 초기 사례는 1945년에서 1955년 사이에 추적되었다. 주 공은 일반적으로 프레드 스티븐스 주니어(그레이 다람쥐)라는 나바호 하타위이에게 주어지는데, 그는 아직도 사용되고 있는 상업용 샌딩에 대해 "퍼매팅"하는 일차적인 방법을 개발했다.[1]

오스트레일리아 토착 모래 도장

앨리스 스프링스의 예술품

호주 토착 예술은 3만년 이상의 역사를 가지고 있으며, 다양한 토착 전통과 스타일을 가지고 있다. 이것들은 최근 수십 년 동안 연구되어 왔고 그 복잡성은 국제적인 인정을 증가시켰다.[2] 원주민 예술은 무기와 도구에서 발견되는 예술적 장식뿐만 아니라 모래그림, 나뭇잎 그림, 나무 조각, 바위 조각, 조각, 의복 등 매우 다양한 매체를 다루고 있다. 예술은 원주민 문화의 중요한 의식 중 하나이다. 그것은 영토를 표시하고, 역사를 기록하고, "꿈꾸는 것"에 대한 이야기를 전하기 위해 사용되었다.

원주민들은 그들의 전통 모래 그림을 현대적인 기술과 재료를 사용하여 보다 영구적인 형태로 변형시키는 것을 택했다.[3]

제프리 바든은 서사막 운동의 원주민 예술을 창조하고, 호주의 토착 예술을 세계의 주목을 받는 데 공헌한 호주의 미술 교사였습니다."... [바돈 감독, 원로들]은 1960년대와 70년대 국제화, 특히 뉴욕 미니멀리즘의 극단적 도식화에서 특정 이슈와 상호작용을 시작했다. 그림의 역사에서"Lyrical 추상화는 1960년대 말에 댄 크리스텐슨 주아프가니스탄 로니 Landfield, 피터 영과 다른 사람들의 그림을 통해, 플럭서스 운동과 포스트 미니멀리즘(1969년 용어가 처음 로버트 Pincus-Witten에 의해 Artforum의 페이지에 만들어진 용어)[4]과 함께 집중함으로써 추상적인 그림과 미니멀리즘의 경계를 확장하고자 노력해 포함하고 있다.에 프로세스, 새로운 재료 및 새로운 표현 방식."

이러한 연관성은 60년대 후반의 피터 영(예술가)의 그림과 파푸니아 툴라에서 제작된 70년대 초반에 이어지는 그림 사이의 연관성에서 가장 뚜렷하게 나타난다.[5][6]

파푸냐 툴라(Papunya Tula Artists Pty Ltd.)는 1972년 결성된 예술인 협동조합으로 호주 서부 사막 출신 원주민들이 소유하고 운영하는 곳이다. 카아파 it핏진파는 초기 파푸냐 툴라 예술가 중 한 명으로 굴가르디로 알려져 있다. 호주 토착화가 최초로 현대미술상을 수상하고, 파푸냐 회화를 대중에게 최초로 인정받은 작품이라는 점이 눈에 띈다.[1]

티베트 샌드페인팅

주요기사 : 샌드 만다라
라싸 세라 수도원의 모래로 만든 만다라
차크푸르의 사용을 보여주는 만다라 사블 2008-05

티베트 불교의 모래 그림은 주로 만다라를 구성했다. 티베트어로 둘-트손-킬-호르(색가루의 만달라)라고 한다. 모래는 크고 평평한 탁자 위에 조심스럽게 놓여 있다. 공사 과정은 수일이 걸리며, 만달라는 완공 직후 파괴된다. 이것은 모든 우발적이고 복합적인 현상(산스크리트어: Pratītya-samutpada)의 "불멸성"(Pali: anicca)에 대한 교구이자 은유로서 행해진다.

만다라 모래 페인트 작업은 개막식부터 시작되는데, 그 동안 라마, 즉 티베트 사제들이 이곳을 성결하게 하고 선한 힘을 불러 일으킨다. 그들은 노래를 부르고, 의도를 선언하고, 무드라, 아사나, 프라나야마, 시각화, 음악 연주, 만트라를 암송한다.

만달라 느티나무는 Vajra를 사용하여 그림을 형식적으로 나누었다.
티베트 수도승들이 만다라를 깨뜨린 후 의식을 거행하고 있다.

첫날, 라마는 나무 단상에 그려질 만다라의 윤곽을 그리는 것으로 시작한다. 그 다음 날에는 차크푸르라고 불리는 전통적인 금속 깔때기의 모래를 부어 만든 색색의 모래가 깔리는 것을 볼 수 있다. 각 스님은 톱니 모양의 표면에 쇠막대를 달면서 한 손에 차크푸르트를 들고 있는데, 그 진동으로 인해 모래가 액체처럼 흐르게 된다. 기하학적 모양과 다수의 고대 영적 상징을 포함하는 전통적인 처방된 우상화(예: 아스파타망갈라와 이담의 신성한 속성, 씨앗 음절, 만트라, 모래로 칠한 만다라는 무수한 목적을 위한 도구나 도구로 사용된다. 일차적인 목적은 지구와 그 주민을 재검거하는 것이다. 명상이 완성되면, 모래 그림은 Vajra를 사용하여 형식적으로 파괴되고 모래는 모아져서 제물을 바치기 위해 물 한 덩어리로 가져간다.

일본 쟁반 사진

일본의 40대 황제 덴무 천황(631년 – 686년)은 본세키 기법을 사용하여 풍경과 자연물을 묘사하였다. 교토에 있는 여러 정원도 본세키를 이용하여 설계한 것으로 여겨진다. 고칸 시렌 스님의 1300년 에세이 '작은 풍경정원 위 하이엠프로스'는 본세키 원리와 정원 건축에 대한 내용을 담고 있다. 본세키는 아시카가 요시마사(1443~1490) 재위 기간 동안 일본 귀족들의 대중적인 예술 형태가 되었다. '일본의 차길'(1522~1591)에 가장 큰 영향을 미친 역사적 인물이 본세키를 실천했다. 15세기부터 일본에서는 쇼군 시대의 불교 예술가들이 마른 색의 모래와 조약돌을 평범한 검은 색의 옻칠한 쟁반 표면에 뿌리면서 본세기 기술을 연습하였다. 그들은 모래 표면을 바다 풍경과 풍경화로 만들기 위해 새 깃털을 붓으로 사용했다. 이 쟁반 사진들은 종교의식에 사용되었다.

  • 보름달이 보이는 쟁반 풍경을 만드는 여성. 1899년 요슈 지카노부 우키요에 목판 인쇄

  • 후지본세키 산

  • 직장에서 본세키 아티스트

테이블 데크업

17~18세기 유럽의 왕실에서는 '테이블 데커'를 고용하였는데, 이들은 일본인들의 '본세키' 기법을 개조한 왕실 연회장의 사이드 테이블을 장식하였다. 식탁 데커들은 흰 식탁보 표면에 채색 모래, 대리석 먼지, 당분 등을 뿌려 과일, 꽃, 새, 촌스러운 풍경을 담지 않은 사진으로 만들었다. 각 디자인 공간 사이에는 과일 그릇과 달콤한 고기 요리가 마련되어 있어 만찬의 주요 코스 사이에 손님들이 기분전환할 수 있었다. 이 화려한 사진들은 잔치의 잔해와 함께 버려졌다.

영국 베드퍼드셔의 워번 애비에는 식탁 데커들의 공예의 좋은 예로 유리로 보호되는 모래그림으로 장식된 3개의 패널이 장식된 화려한 병풍이 있다. 중앙 1에는 단맛 피라미드 요리를 위한 5개의 공간이 있고, 스크린의 양 옆잎에는 과일 쟁반을 위한 3개의 공간이 있다. 화면 측면 패널의 각 코너에는 모래 그림이 4장씩 달려 있어 18세기 목회 장면을 담고 있으며, 화면의 나머지 부분에는 나비, 비둘기, 과일, 꽃 등이 장식되어 있다. 스크린은 옆 테이블의 표면에 놓여질 것이다. 그것은 과일, 봉본, 달콤한 고기가 들어 있는 정교한 도자기 그릇과 유리 쟁반의 서빙 거점으로, 주인과 손님들은 식당 메인 테이블에서 제공되는 여러 코스 사이에서 교제하거나 다리를 뻗으면서 스스로 먹을 수 있었다. 이 화면은 아마도 독일의 장인 F의 작품이었을 것이다. 네덜란드의 화가 얀 반 후이섬의 스타일로 정물학을 전공한 슈바이크하르트.

조지아 샌드페인팅

벤자민 조벨(19세기 초)의 웨이사이드 신사 옆 은둔자

공예로서의 샌드 페인팅은 스스로 숙련된 시계 제작자 겸 공예가였던 조지 3세 왕으로부터 영감을 받아, 왕실 연회장의 하얀 식탁보를 무첨가색 모래와 설탕을 사용하여 장식한 화려한 중앙 조각으로 장식한 탁상 데커로 알려진 왕실 기능공들이 보여준 기술에 관심을 가졌다. '페인트'와 '브러쉬'로서의 새 깃털은 일본에서 일하는 장인들을 관찰한 유럽 여행자가 소개한 공예품이다.

왕이 상갑판을 보면서 임시로 상보 표면에 놓여 있는 모래 그림이 잔치의 잔해와 함께 버려지는 것이 아니라 영구히 제자리에 고정될 수 있다면, 이렇게 하면 많은 시간과 에너지를 절약할 수 있을 것이라고 제안했다.숙련된 일 그래서 어느 날 왕은 장인들에게 "왜 고치지 않느냐!"고 외쳤다. 이로써 하스, 슈바이크하르트, 벤자민 조벨(독일 메밍겐, 1762년 9월 21일~영국 런던, 1830년 10월 24일) 등 독일 출신 장인들이 서로 독립적으로 이 목표를 달성하기 위한 적절한 방법을 성공적으로 개발하게 되었고, 이 그림들은 당대 왕족과 베컴의 의뢰로 제작되었다.e 귀족들이 높이 평가한다. 왕의 동생 요크 공작은 비록 모래 예술가들이 경쟁자들로부터 그들의 방법을 훌륭하게 지켜냈지만, 조벨과 다른 사람들의 많은 작품들을 의뢰했다. 조벨은 '몰랜드의 모습의 돼지들', 요크 공작의 애견인 '넬슨', '조지 스터브스의 뒤를 이은 호랑이', 인상적인 '독수리와 뱀'을 그렸다.[citation needed] 비록 많은 조벨의 작품들이 살아남았지만, 관측자들은 그의 작품이 조벨의 작품보다 우월하다고 여겼지만, 하스의 작품들 중에서는 시간이 흐르면서 살아남은 것은 거의 없었다. 이것은 각 예술가가 사용하는 다른 기술들을 반영할지도 모른다. 한 다이어리스트는 조벨이 아라비아와 흰 납을 섞은 껌으로 베이스보드 표면을 코팅하고 접힌 종이 깔때기를 붓으로 사용하여 끈적끈적한 표면에 모래를 뿌리는 것을 관찰했다. 접착제가 몇 시간 안에 마르기 때문에 그는 빨리 일을 해야 했다. 그의 잔존 사진 몇 장이 반대로 미완성 작품이 있다. 하스는 일본에서 개발된 기술을 좀 더 면밀히 따랐지만, 마른 가루로 만든 아라비아산 껌과 모래를 섞고, 혼합물을 체에 뿌려 깃털을 브러시로 사용하여 밑판에 그림을 그린 다음, 그가 비밀로 지킨 어떤 방법으로 그것들을 고쳤다. 그 날의 많은 웅장한 가정들의 축축한 환경 때문에, 그의 사진들은 몇 년 이상 지속되지 못했다. 한 번은 하스가 붙지 않은 모래 그림을 작업하던 중 불려갔다. 그가 돌아왔을 때 그는 윈저 성의 고양이들 중 한 마리가 사진 위에 웅크리고 있는 것을 발견했고, 그래서 그것을 손상시켰다!

결국 조벨은 바이에른의 메밍겐으로 돌아왔고, 거기서 그는 계속해서 그의 기술을 성공적으로 추구했다. 그의 작품 중 일부는 메밍겐 시청에 전시되어 있다. 하스는 자신의 사진들과 함께 계속되는 재난 때문에 어쩔 수 없이 모래 그림을 포기해야 했다. 그는 대신에 윈저에 빵집을 열었고, 그의 케이크에 있는 아이싱은 모래 대신 색 설탕으로 장식된 그림으로 장식되었을 것이다.[citation needed]

이러한 그루지야 장인들의 죽음과 요크 공작의 수집품 처리로 모래그림 작업에 있어 진화한 관심과 기술이 쇠퇴하였다. 이 공예에 더 관심을 갖게 된 유일한 왕실 인물은 고(故) 메리 여왕으로 조지아 5세의 부녀로 빅토리아와 앨버트 박물관에 자신의 조지아 모래 그림을 유품했고, 와이트섬의 캐리스브룩 캐슬 박물관에 소장한 바 있다.

20세기 전반기 중령. 라이봇 대령은 모래 회화의 열성적인 수집가였는데, 그것은 당대의 예술과 공예 잡지에 그 주제에 관한 기사의 출처였다. 결국 1956년 6월 15일 소더비 뉴 본드 스트리트 갤러리에서 열린 경매에서 그의 모래 그림 모음집 중 37점이 주요 특징이었다.

빅토리아 시대의 모래 그림 기념품

수 천개의 장소들이 공예품을 위해 천연색 모래를 수집할 수 있는 곳에 존재하며, 모래를 통해 유입되는 광물 충전 물의 내용물에 따라 전 세계적으로 다양한 색상을 이용할 수 있다. 그러나 관광객들에게 와이트 섬의 알룸 베이의 수직 모래 절벽은 시각 지질 현상의 중심 부분을 형성하는데, 이 현상은 바늘과 테니슨 다운스의 인상적인 분필 첨탑을 캡슐화한다. 관광객들은 더 이상 절벽에서 자신의 모래를 얻도록 권장하지 않지만, 섬의 수많은 회사들은 모래 페인팅을 목적으로 모래를 판다.

알버트 왕자와 결혼하고 코우즈 근처의 오스본 하우스를 새로운 가족 휴양지로 선택한 후에 빅토리아 여왕은 이 옛 뒷물의 젠트리피케이션의 주동자였고, 부유한 방문객의 유입으로 혜택을 받은 지역 장인들이 많았고, 다수의 장인들이 그들의 고정된 모래 그림과 경관을 특징으로 하는 혼합되지 않은 모래 항아리를 팔았다. 섬의 독특한 유산으로써.

이 모래 그림들 중 일부는 작고 조잡했으며 서명되지 않은 채로 남아 있었지만, 1840년대에 Arreton의 Edwin과 John Dore는 훌륭한 작품을 만들었다. 사진들은 엽서 크기와 캐리스브룩 성 같은 지역관, 그리고 다른 관광지들의 주제였다. 에드윈은 항상 지도펜과 인디언 잉크로 그의 진기한 그림에 서명했는데, 그의 가장 성공적인 대량 생산 주제 중 하나는 '바늘 절벽 위의 새알 수집'이다. 존 도어는 인쇄된 레이스 디자인의 테두리로 장식된 카드를 사용했는데, 이 카드에는 비록 그의 작품의 질이 그의 형보다 떨어지지만 그의 모래 그림을 실행할 수 있었다.

아일랜드의 모래 예술가들은 거의 하늘을 가득 채우지 않았고, 그 세세한 부분까지 마무리 손질로 가볍게 색칠을 해 주었으며, 때로는 인도 잉크로 막혀 있을 문과 창문에서 모래를 빼내기도 했다. 1860년대와 1870년대 J. 시몬즈 오브 코우즈(Symons of Cowes)는 엽서 크기보다 훨씬 큰 현지 뷰를 연출하고, 유약을 바른 오크나무나 단풍나무 액자에 장착하고, 그 반대로 작가의 서명을 받아 좋은 작품을 계속 이어갔다. 뉴포트의 네이트 부부는 캐리스브룩 캐슬게이트 외곽의 한 노점에서 그들의 작품을 팔았는데, 방문객들은 각각 1/2에서 2/6까지의 가격대의 모래 사진과 모래 항아리를 제공받았고, 아들은 그의 사진에 있는 모래를 분배하기 위해 비정상적으로 손톱을 길렀다. 1930년대와 1940년대 R.J.호수의 눈은 그루지야 공예가들의 방식으로 모래 그림을 제작하는 데 가장 가까이 다가왔지만, 엽서 크기는 그가 약간의 훌륭한 의뢰 작품, 특히 바다와 하늘도 모래에 '도색'되어 있는 데본의 오디콤베의 경관을 제작했지만, 전쟁 후 엽서 모래 그림의 질이 악화되었다. 맛이나 기술이 별로 없는 대량 생산 물품은 몇 실링에 판매된다.

세네갈

세네갈 다카르 모래그림 작업실

세네갈에서 디자인은 배 안에 붙어있고 전형적으로 풍경 속의 인물들이다.

모래병

1879년 앤드류 클레멘스의 모래병

1860년대부터 1890년대에 미국 아이오와주 두부크에서 태어난 청각장애인 앤드류 클레멘스는 유리병이나 화려한 화학 항아리 안에 압축된 다색 모래를 사용하여 고정되지 않은 그림을 만드는 기술로 유명해졌다. 그 모래는 미시시피강이 내려다보이는 엄포에서 채취한 것이다. 그의 모래 병의 주제는 화려하게 장식된 감상적인 시구, 항해하는 배, 식물, 동물, 초상화 등을 포함했다.

그는 자신의 작품을 성당에 전시했다. 루이까또라이 무역 박람회에서 몇 시간 동안 병에 담긴 그림을 만들었더라면 망치로 병을 파괴함으로써 안에 있는 그림이 고정되지 않았다는 것을 믿을 수 없는 청중들에게 증명할 수 있었을 것이다. 클레멘스의 모래병은 박물관 조각이 되었고 그 이후로 수천 달러에 경매에서 팔린 매우 귀중한 골동품이 되었다.

모래 카펫

타일 바닥의 샌드페인팅(벽면에는 손으로 칠한 장식 타일)
코퍼스 크리스티를 축하하기 위해 라 오로타바 테네리페의 타운홀 광장에 있는 땅의 "카펫".

19세기 후반, 20세기 초 네덜란드의 Drenthe 지방에서는 주로 특별한 행사나 축하를 위해 하얀 모래에 무늬를 쓸 때 뻣뻣한 빗자루를 사용하는 것이 관습이었다. 다음날 그것은 쓸려 올라갔다. 이 풍습은 벨기에 북부에서도 네덜란드어 공동체들에 의해 실행된 반면, 1973년 헤켈렘에서는 "Old Zandtapijt"가 만들어진 지 100년이 되는 해였다. 호텔과 카페는 장인을 고용하여, 지나가는 관광객들에게 브뤼셀을 향해 가던 길에 멈춰서 현지인들의 환대를 받을 수 있도록 하기 위해 그들의 구역의 타일 바닥의 혼합되지 않은 색상의 모래에 모래 그림을 장식할 것이다. 1930년에 태어난 로저 드 보크는 이 공예품의 유명한 지도자로, 그는 접착제를 사용하여 모래 그림을 그의 아틀리에에 있는 방문객들에게 팔기 위해 모래 그림을 적절한 베이스에 고정시켰다. 그의 가장 훌륭한 작품에는 성경적인 장면 외에도 엘리자베스 1953년 여왕과 60년대 초 미국 대통령 존 케네디의 초상화가 포함되어 있다. 이 공예품은 계속되고 있으며, 1973년 2월 1일 백주년을 기념하는 소책자가 발간되었다.[7]

현대 문화

2012년 5월 미술관 '스위트 어웨이(Swept Away)' 전시회에서 볼 수 있는 색색의 모래를 사용한 '비동기식 싱트로피(Synchronous Syntropy(비동기식 신트로피)

현대에는 멕시코와 미국에서 디아 드 로스 무에르토스(Dia de los Muertos, Day of the Dead) 동안 모래 페인팅이 가장 많이 행해진다. 거리는 나중에 쓸려가는 모래 그림으로 장식되어 덧없는 삶의 본성을 상징한다. 시애틀 디아 드 무에르토스 축제 기간 동안 행해진 샌드 페인팅은 물론, 가장 흥미진진한 발전은 젊은 예술가들의 새로운 바람을 일으키고 모든 종류의 모래 그림에 대한 관심을 되살린 샌드 애니메이션의 퍼포먼스 아트였다.

많은 현대 예술가들은 모래를 갈퀴고, 붓고, 조각하고, 독특한 디자인을 만들어 기술을 탐구하는 특정한 문화적 전통에서 벗어나는 방법으로 모래를 사용한다. 이 작품들은 순간적인 것이며 주로 문서화 또는 라이브 공연의 일부를 통해 공유된다.

2012년 화랑에서 선보인 'Swept Away: Dust Away, Rees, Dirts in Codern Art and Design'이라는 제목의 뉴욕시립미술관 전시회에 이런 작가들이 대거 포함됐다.[8][9] 큐레이터 데이비드 리비어 맥패든은 이 전시회를 큐레이션한 자신의 추리를 그가 묘사하는 "비정통적이거나, 특이하거나, 예상치 못한" 소재에 특화된 현대 미술가들의 작품을 조명하고 싶어한다고 설명했다.[10]

모래와 모래 회화와 관련된 기술을 사용하는 전시회에 포함된 화가는 엘비라 베르셰(Elvira Wersche)로,[11] 전 세계의 모래를 수집하여 기하학적 무늬의 그림을 그리는 것이 공연의 일부로서만 파괴되었다.[12] 앤디 골드스워시는 자연을 이용한 순간적인 작품으로 잘 알려져 있으며 1986년부터 모래 그림을 그리기 시작했으며,[13][14] 전시회를 위해 뼈로 가득 찬 해변의 거대한 모래덩어리의 퇴화를 기록했다. 거대한 조각 모래 그림으로 유명한 짐 드네반은 캘리포니아 해변에서 그의 과정을 기록한 문서도 공유했다.[15][16] 이고르 에스킨자는 화랑에서 건축 도면을 그리기 위해 먼지를 사용했다.[17] Cui Fei는 전통 차크푸르와 붓을 이용하여 모래에서 서예 작품을 만든다.[18] 빅 무니즈는 모래 페인팅을 반영하는 방식으로 먼지, 초콜릿 시럽, 모래 알갱이, 설탕, 캐비어, 잡지, 산업 쓰레기를 사용한다.[19][20] 회전하는 전시회 'Swept Away Projects'에는 린다 플로렌스와 조 맹그럼이 등장했는데, 그의 작품은 전작들을 제거한 후 갤러리에 추가되었다.[21] 린다 플로렌스는 바닥의 스텐실 무늬에 분필을 사용했으며 종종 설치물을 만들기 위해 설탕과 같은 다양한 재료를 사용한다.[22] 조 맹그럼은 2012년 5월 8일~9일 이틀 연속 손에서 색색의 모래를 쏟아내 '비동기식 싱트로피'라는 제목을 붙였고 박물관 자체의 우회적인 역할을 하는 야외 프로젝트였다. 망그럼은 이틀 동안 총 24시간 동안 일을 했고, 자발적으로 모래 그림 디자인을 즉흥적으로 만들었지만, 콜럼버스 서클의 발길질 때문에 순식간에 사라지게 했다.[8][23]

는 사람은, 모래로 작업하는 다른 현대 미술가 앤드류 반 데르 Merwe, 케이프 타운에 기반을 두는 모래에 해변에 서예의 영상을 세기,[24]안드레스 아마도르, 해변에 디자인 많은 돈을 번다 미국 예술가이고,[25]아마드 Nadalian는 모래에 그리는 생땅 색소를 사용하는 이란 예술가이고,[26]와 모토이 야마모토는 p.을 포함한다aintings ref소금을 이용하여 태풍과 자연현상을 강의하는 [27][28]것

현대 모래 도장 기법

브라이언 파이크가 1985년에 그린 마가렛 대처의 초상화는 자화된 철 필링들을 구성에 통합했다.

대부분의 예술가들은 자연적으로 발생하는 산화 및 미네랄이 충전된 색색의 모래를 사용하며, 팔레트를 넓히기 위해 가루 숯을 첨가하고, 어떤 경우에는 철제 필링이나 교회 현장에서 버려진 석재와 같은 특이한 재료들을 사용한다. 다른 예술가들은 무절제 작용에 저항할 수 있는 능력을 가진 산업 틴티드 쿼츠 모래와 새로운 세대의 강한 접착제를 사용한다. 그 작업은 스프레이 바니쉬로 보호되어 있다. 모래와 접착제에는 보호유리 프레임이 필요하지 않다. 왜냐하면 그 그림들은 니스에 노랗게 칠하지 않고 직사광선의 효과를 견디는 것으로 증명되었기 때문이다.

참고 항목

참조

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원천

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