아코디언

아코디언은 다양한 음악 장르로, 주로 전통 음악과 대중 음악에 있습니다.유럽과 북미와 같은 일부 지역에서는, 그것은 주로 전통, 민속, 그리고 민족 음악으로 제한되었습니다.멕시코와 같은 다른 지역에서는 노르테뇨와 같은 장르에서 이 악기가 매우 인기가 있고 브라질에서는 세르타네호와 포르로와 같은 대중 음악 스타일의 고정 장치입니다.

예술 음악에서 그것은 북미의 아코디언 연주자 프랭크 마로코와 오페라와 가벼운 클래식 음악 ^[1]레퍼토리로부터의 전사로 중요한 대표적인 재즈 음악에 사용됩니다.

전통 음악에 사용

1829년 아코디언의 발명 이후, 그것의 인기는 폴카 열풍으로 인해 적지 않게 전 세계로 퍼졌습니다."1844년 봄 동안 폴카가 파리와 런던에서 유행하자, 폴카 마니아들은 파리를 점령했습니다. . . . . 1844년 3월, 폴카 마니아들은 일반인, 하인, 노동자들, 그리고 누군가는,너무 답답하지 않은 다른 사람들은 수도의 거리에서 그리고 곧 보르도와 다른 프랑스 도시들에서도 폴카를 추고 있었습니다.일주일 정도 후에 런던은 폭풍에 휩쓸렸습니다.그리고 패션, 제국, 그리고 영향력의 이 두 개의 거대한 중심지에서, 폴카는 프랑스와 영국 사회의 나머지 부분으로 빠르게 퍼져 나갔고,^[2] 세계의 다른 부분으로 퍼져 나갔습니다."

살롱 음악 콘서트 동안 아코디언이 프랑스 귀족들에 의해 연주되었던 1830년대와 1840년대의 짧은 시간을 제외하면, 그 악기는 항상 서민들과 연관되어 왔습니다.아코디언은 19세기 말과 20세기 초에 세계 각지로 이주한 유럽인들의 물결에 의해 전 세계에 퍼졌습니다.

19세기 중반 아코디언은 몇 가지 이유로 포크 음악가들이 가장 좋아하는 악기가 되었습니다: "새로운 악기의 인기는 독특한 특성의 결과였습니다.첫째로, 그것은 모든 오래된 민속 악기들을 합친 것보다 훨씬 더 시끄러웠습니다.그것은 춤추는 발 위에서 가장 거친 술집에서도 쉽게 들을 수 있었습니다.왼쪽에는 베이스와 코드가, 오른쪽에는 멜로디를 위한 버튼이 있는 '원맨 밴드'의 원형이기도 했고, 여전히 따라 부르고 발로 박자를 맞출 수 있었습니다.그 악기는 튜닝이 필요 없고 항상 연주할 준비가 되어 있었지만, 초기 1열 스퀴즈 박스의 가장 기발한 점은 당신이 그것을 정말로 나쁘게 연주할 수 없다는 것이었습니다.당신이 멜로디를 잃었다고 해도 여전히 괜찮은 ^[3]것처럼 들렸습니다."

그것의 발명 이후로, 아코디언은 유럽의 폴카와 콜롬비아의 발레나토에서부터 한국의 트로트 음악에 이르기까지 전 세계의 다양한 전통 음악 스타일에 대중적으로 통합되었습니다.아코디언이 포함된 전통 음악 스타일 목록을 참조하십시오.드물게 보는 것이지만, 많은 초기 빅 밴드(글렌 밀러와 같은 스윙 밴드)의 악보에는 피아노 파트가 "Piano/Piano Acordion"으로 표시되어 있습니다.

때때로, 슈람멜 음악을 위한 슈람멜 아코디언, 바스크 음악을 위한 트리키키사, 또는 멕시코 콘준토와 노르테뇨 ^[4]음악의 디아토닉 버튼 아코디언과 같은 특정한 전통 음악 스타일이 심지어 특정한 유형의 아코디언에 연결될 수도 있습니다.아코디언이 음악적 전통에서 중요한 역할을 하지 않은 나라의 이름을 밝히기는 어려울 것입니다.그것은 심지어 ^[5]문학에서도 이상화되었습니다.

대중 음악에 사용

아코디언은 1910년경부터 1960년경까지 대중음악에서 자주 들렸습니다.기타(특히 일렉트릭 기타)와 록 음악의 인기가 높아지면서, 유럽과 북미에서 아코디언의 인기는 크게 떨어졌습니다.그러나 브라질과 멕시코와 같은 일부 국가에서는 아코디언이 대중음악의 고정물로 계속 사용되고 있으며 그 인기는 줄어들지 않고 있습니다.

이 반세기는 종종 "아코디언의 황금기"라고 불립니다.세 명의 연주자가 다른 어떤 연주자보다 이 악기에 대한 인기의 시대를 열었는데, 이들은 모두 미국으로 이주자들이었습니다.피에트로 프로시니, 그리고 두 형제는 귀도 데이로 백작과 피에트로 데이로.^[6]세 명의 선수 모두 보드빌 서킷의 유명인사였고 보드빌 시대에 북미, 유럽, 호주 전역에서 공연했습니다.그들은 빅터 토킹 머신 컴퍼니, 컬럼비아 레코드, 데카 레코드, 에디슨 레코드 앤 실린더, 그리고 다른 ^[7]레이블들을 위해 수백 개의 78RPM 레코드를 녹음했습니다.Guido Deiro는 1910년대와 1920년대 동안 가장 성공적이고 유명한 아코디언 연주자였으며, 유명인사, 사치품, 빠른 차, 빠른 ^[8]여성들로 가득 찬 삶을 살았습니다.폴 화이트맨 오케스트라와 같은 많은 인기 있는 밴드들은 직원 아코디언 ^[9]연주자들을 고용했습니다.

대공황 동안 대부분의 보드빌 극장들이 문을 닫은 후, 아코디언 연주자들은 여전히 1930년대 동안 라디오를 위해 가르치고 공연하는 일을 찾았습니다.Charles Magnante는 가장 위대한 미국 대중 아코디언 연주자 중 한 명으로 여겨집니다.그의 경력이 절정에 달했을 때,^[10] 그는 매주 30번의 라디오 생방송과 8번의 스튜디오 세션을 했습니다.또 다른 인기 있는 미국의 아코디언 연주자는 호레이스 하이트 오케스트라와 함께 순회 공연을 했고 "세계에서 가장 위대한 아코디언 연주자"로 칭송받았던 딕 콘티누였습니다.그는 에드 설리번 쇼에 48번이나 ^[11]출연했습니다.게다가, John Serry, Sr.는 1930년대에 Shep Fields and His Ripling Rhythm 재즈 오케스트라와 함께 투어에서 전국적인 인정을 받았고, 1940년대와 1950년대에 ^[12]CBS 라디오와 텔레비전 네트워크에서 협연했으며, 1950년대와 1960년대에 브로드웨이 극장에 출연했습니다.

1950년대부터 1980년대까지 아코디언은 로렌스 웰크 ^[13]쇼에서 로렌스 웰크와 함께 아코디언 연주자인 마이런 플로렌의 공연으로 텔레비전에서 큰 노출을 받았습니다.하지만, 1950년대 후반과 1960년대 초반에 로큰롤의 등장과 세대 차이로, 젊은 세대가 ^[14]아코디언을 "사각형"으로 간주하면서 인기가 떨어졌습니다.

유럽과 북미(멕시코 밖)에서, 현대 주류 팝 음악(청소년 문화 참조)에서 아코디언의 사용은 보통 이국적이거나 구식으로 간주됩니다.그럼에도 불구하고, 몇몇 인기 있는 활동들은 그들의 독특한 소리에 그 악기를 사용하고, 2014년 로스앤젤레스 타임즈 기사는 그 악기가 현지에서 ^[15]인기를 얻고 있다고 보고합니다. (아코디언을 포함한 인기 있는 음악 활동 목록을 참조하십시오.)19세기 후반부터, 테자노 음악은 미국에서 악기를 위한 선도적인 장르 중 하나로 부상했습니다.Narciso Martínez와 같은 개척자들은 멕시코계 미국인들의 문화 음악에서 악기의 주요 부분을 제공했습니다.초기 테자노 음악의 진화의 중심은 코리도와 마리아치와 같은 전통적인 형태와 19세기 후반에 독일과 체코 정착민들에 의해 도입된 폴카와 같은 유럽 대륙 스타일의 혼합이었습니다.특히, 아코디언은 20세기의 전환기에 테하노 민속 음악가들에 의해 채택되었고, 텍사스와 멕시코 북부의 아마추어 음악가들에게 인기 있는 악기가 되었습니다.

아코디언은 멕시코 음악의 주요 악기였습니다.주로 1990년대 이후 멕시코에서 가장 인기 있는 음악 장르 중 하나가 된 노르테뇨 음악과 관련이 있지만, 이 악기는 컴비아와 같은 다른 장르에도 특징이 있습니다.라몬 아얄라는 멕시코에서 가장 잘 알려진 아코디언 연주자이며, "아코디언의 왕"이라는 별명을 가진 아얄라는 1960년대부터 113개 이상의 앨범을 녹음했습니다.

게다가, 아코디언은 도미니카 공화국을 대표하는 장르인 머랭 음악의 고정물이 되었습니다.

브라질과 같은 일부 국가에서는 아코디언이 주류 대중 음악의 고정 장치입니다(팔라만사, 미셸 텔로, 아비오에스 두 포르로와 같은 주류 그룹에서 증명됨).이 악기는 십대들이 흔히 배우는 악기로 기타에 버금가는 인기를 누리고 있습니다.일부 지역(예를 들어 산포나라고 불리는 북동부 지역)에서는 아코디언이 젊은이들 사이에서 기타를 능가합니다.그러나 브라질에서 아코디언은 보통 매우 건조한 조율을 사용하는데, 이는 유럽 민속 음악에서 발견되는 더 젖은 소리와 분리합니다.

이 악기는 또한 도널드 덕의 노래 "Quack Quack" 뿐만 아니라 20,000 League Under the Sea의 디즈니 노래 "Whale of a Tale"에도 사용되었습니다.그것은 "크리스마스를 위한 견과류"라는 노래의 크리스마스 배경에서 사용되었습니다.

작곡가 니시우라 토모히토는 레이튼 교수의 게임 시리즈에서 아코디언을 자주 사용합니다. 예를 들어, "연구실"이나 "돈 파올로의 테마"에서 그렇습니다.하지만, 사운드트랙의 '라이브 버전'이 출시되면, 아코디언은 때때로 교체됩니다(레이튼 교수의 "런던 3"과 같이).게임의 모든 '테마'는 어떤 용량에서 아코디언을 사용합니다.

브라질 음악의 전통 악기, 특히 북동부의 바이앙입니다.루이스 곤차가는 바이앙의 ^{[citation needed]}왕이라고 불립니다.

아코디언은 전통적인 이집트 음악, 특히 발라디 스타일에 많이 특징적입니다.

1990년대와 21세기 첫 10년 동안 형성된 핀스터포스, 핀트롤,^[16] 투리사스와^[17] 같은 다양한 포크 메탈과 바이킹 메탈 밴드는 ^{[citation needed]}아코디언을 특징으로 합니다.

클래식 음악에 사용

비록 아코디언이 주로 민속 악기로 가장 잘 알려져 있지만, 그것은 고전 작곡가들에 의해 점점 더 자주 사용되어 왔습니다.아코디언을 위해 작곡된 가장 오래된 콘서트 작품은 아코디언 연주자이자 아마추어 작곡가인 파리의 루이즈 레이스너가 1836년에 작곡한 메토 아코디언입니다.

러시아 작곡가 Piotr Ilyitch Tchaikovsky는 3악장에 약간의 색을 더하기 위해 C 장조 2번 관현악 모음곡에 4개의 선택적인 단일 액션 디아토닉 아코디언을 포함시켰습니다.

이탈리아 작곡가 움베르토 조르다노는 그의 오페라 페도라 (1898)에 단동 디아토닉 아코디언을 포함시켰습니다.아코디언 연주자는 피콜로 연주자와 삼각 연주자로 구성된 포크 트리오와 함께 무대에 등장하며, 3막(스위스를 배경으로 함)에서 짧고 간단한 노래를 반주합니다.

1915년, 미국 작곡가 찰스 아이브스는 그의 오케스트라 세트 2번에 두 대의 피아노, 첼레스타, 하프, 오르간, 지터 및 선택적 테르민과 함께 디아토닉 아코디언 (또는 협주곡^{[notes 1]})의 합창을 포함시켰습니다.오른손만을 위한 아코디언 부분은 18분간의 3악장 작업의 맨 마지막 부분에 18개의 측도로 구성되어 있습니다.위의 모든 작품들은 진단 버튼 아코디언을 위해 쓰여졌습니다.

색 아코디언을 위해 특별히 쓴 최초의 작곡가는 폴 힌데미트였습니다.1921년에 그는 12명의 연주자들을 위한 4악장의 실내악 작품인 캄머뮤식 1번에 하모니움을 포함시켰지만, 나중에 아코디언을 위해 하모니움 부분을 다시 썼습니다.다른 독일 작곡가들도 아코디언을 ^[18]위해 작곡했습니다.

1922년, 오스트리아 작곡가 알반 베르크는 그의 획기적인 오페라 "Wozzeck, Op. 7"에 무대 위의 짧은 아코디언 부분을 포함시켰습니다.이 악기는 Zieharmonika bzw로 표시되었습니다. 악보의 아코르데온은 두 개의 바이올린(음조를 맞춘 바이올린), C의 클라리넷, F(또는 베이스 튜바)의 기타와 봄바로 구성된 무대 위의 앙상블과 함께 선술집 정원(위르하우스가르텐) 장면에서만 나타나 도이치 비에르가르텐 설정에 진정성을 부여합니다.

아카데미의 전당에서, 미국의 콘서트 아코디언 연주자 로버트 데이빈은 1950년대 후반 동안 미국 내에서 아코디언 연주의 몇 안 되는 주요 학문 과정 중 하나를 설립하는 데 중심적인 역할을 했습니다.덴버 대학의 라몬트 음악 학교의 아코디언 학부의 설립자이자 학장으로서, Davine은 그가 마스터 ^[19][20]클래스를 가르쳤던 미국과 중화인민공화국의 학생들에게 영향을 주었습니다.데비네는 플루트, 클라리넷, 아코디언을 위한 디베르티멘토를 작곡한 것 외에도, 교향악단, 실내 관현악단, 현악 ^{[21][22][23][24]}사중주를 포함한 다양한 고전적인 관현악 앙상블 내에서 광범위하게 협연하고 녹음한 것으로 인정받고 있습니다.

20세기 전반기 동안 아코디언을 위해 작곡한 주목할 만한 작곡가들은 다음과 같습니다.

• 버질 톰슨:3막 4성자 (1928)
• 세르게이 프로코피예프: 10월 혁명 20주년을 위한 칸타타, Op. 74 (1936)
• 폴 데소:마더 용기 (1936)와 다이 베루르테이룽 데 루쿨루스 (1949)
• 드미트리 쇼스타코비치: 재즈 스위트 2번 (1938)
• 장 프랑수아: 성 요한 묵시록. 존 (1939)
• 다리우스 밀하우드: "리두아르" (1946)의 전주곡과 전주곡
• 헨리 브랜트: 올 소울즈 카니발 (1949)
• 발레단의 유명한 조지 안테일:아코디언과 오케스트라를 위한 아코디언 댄스 (1951)
• 존 세리, Sr.: ^[25]몇 가지 예를 들자면, 아메리칸 랩소디 (1955)

1937년에 첫 아코디언 협주곡이 러시아에서 작곡되고 연주되었습니다.

폴린 올리베로스는 아코디언을 미국의 실험 전통에 도입했습니다.

클래식 음악의 프리베이스 아코디언

아코디언 연주자들과 단체들이 아코디언을 클래식 음악계의 진지한 악기로 보여주기 위한 노력에도 불구하고, 주요 아코디언 연주자들이 스트라델라 베이스 아코디언(만으로 제한된 악기)을 다소 포기한 후에야 본격적인 음악계의 주류로의 많은 시도가 이루어졌습니다.왼쪽 매뉴얼의 저음과 미리 설정된 코드 버튼), 그리고 자유음향 아코디언(오른쪽 매뉴얼과 유사하게 3옥타브 이상의 범위로 왼쪽 매뉴얼에서 단일 피치를 재생할 수 있는 악기)을 수용했습니다.작곡가들은 프리 베이스 아코디언이 제한된 범위의 베이스 음표(장조 7번, C부터 B까지만)와 미리 설정된 코드 ^{[notes 2]}버튼으로부터 악기를 해방시켜주었기 때문에 훨씬 더 매력적이고 쓰기 쉽다는 것을 알았습니다.

1912년 초에 발명되었음에도 불구하고, 그 악기는 고전 아코디언 연주자들에 의해 "발견"된 20세기 중반까지 실제로 인기를 끌지 못했습니다.많은 사람들에게 아방가르드 아코디언 운동의 아버지로 여겨지는 덴마크의 아코디언 연주자 모겐스 엘레가르드는 새로운 아코디언에 대한 자신의 소개를 다음과 같이 설명했습니다.

"제가 시작했을 때는 아코디언 문화가 전혀 없었습니다.아코디언 문화를 '옴 파'나 뻐꾸기 왈츠라고 정의하지 않는 한 말입니다.프리베이스 아코디언은 존재하지 않았습니다. 제가 어렸을 때는 전혀 알려지지 않았습니다.그 당시 아코디언 세계는 화려한 고립 속에서 살고 있었습니다.외부 음악계와의 접촉이 전혀 없습니다.

그는 그들이 "프로시니, 데이로 레퍼토리 또는 민속 음악"이 있는 쇼를 들었다고 말했습니다.하지만, 그는 아코디언 연주자들이 주요 음악 학교에서 받아들여지지 않았기 때문에 아코디언에 대한 좋은 교육을 받는 것이 불가능하다는 것을 발견했습니다.솔로 가수들이 바랄 수 있는 최고의 것은 주말에 나이트클럽에서 연주하는 것이었습니다.

엘레가드는 계속해서 말했습니다.

"하지만 1953년에 덴마크에서 최초의 프리베이스 아코디언이 도입되었고, 우연하게도 저는 1957년에 그러한 악기를 처음으로 얻은 학생들 중 한 명이었습니다."쥬빌레세의 세계 초연을 주최[d]하다

작곡가 올레 슈미트는 이 악기를 좋아했고 1958년 아코디언과 ^[26]오케스트라를 위한 교향곡 판타지와 알레그로를 작곡했습니다."

심포니 판타지와 알레그로는 작곡가가 지휘하는 덴마크 라디오 심포니에 의해 초연되었습니다.올레 슈미트는 이 작품에 대해 "저는 모겐스 엘레가드를 만나기 전까지 아코디언을 싫어했습니다.그는 제가 ^[27]그를 위해 아코디언 협주곡을 쓰기로 결심하게 했습니다."

다른 덴마크 작곡가들은 곧 ^{[notes 3]}슈미트를 따랐습니다.

• 닐스 비고 벤츠존은 아코디언을 위한 협주곡 (1962–63), 동물원에서 (1964), 신포니아 콘체르탄테 (1965)를 6개의 아코디언, 현악 오케스트라 및 타악기로 작곡했습니다.
• Per Nørgord는 덴마크 아코디언 아카데미의 감독인 Lars Dyremose에게 헌정된 아코디언과 오케스트라를 위한 Anatomic Safari (1967)를 작곡했습니다.
• 카를 에이지 라스무센이 발명을 썼습니다 (1972)
• 한스 아브라함센은 솔로 아코디언을 위해 칸존 (1977-8)을 썼습니다.
• Nørgord의 학생인 Steen Pade는 아코디언과 세 개의 솔로 작품을 위한 협주곡을 작곡했습니다: 투어와 함께하는 여행 (1984), Aprilis (1987), 그리고 Cadenza (1987).
• Vagn Holmboe는 소나타, Op. 143A를 썼습니다.

유럽에서, 프리 베이스 아코디언 연주는 매우 높은 수준에 도달했고 그 악기는 ^{[citation needed]}음악원에서 진지하게 연구할 가치가 있는 것으로 여겨집니다.소피아 구바이둘리나, 에디슨 데니소프, 루치아노 베리오, 페르 노르고르, 아르네 노르헤임, 진드리히 펠드, 프랑코 도나토니, 호소카와 토시오, 마우리시오 카겔,패트릭 넌과 매그너스 린드버그가 프리 베이스 아코디언을 위해 작곡했으며 이 악기는 새로운 음악실과 즉흥 그룹에 더 자주 통합되고 있습니다.

이탈리아 작곡가 살바토레 시아리노 (b. 1947)는 최근 아코디언 연주자 테오도로 안첼로티를 위해 "Storie di Altre Storie"라는 제목의 곡을 썼는데, 이 곡은 악기에 프리 베이스 아코디언을 사용할 것을 요구하고, 볼프강 아마데우스 모차르트의 유리 하모니카인 Domenico Scarlatti의 키보드 소나타를 떼어냈습니다.그리고 기욤 드 마쇼의 발라드.대부분의 유럽 관객들에게 좋은 반응을 얻었고 겨울과 겨울 레이블에 있는 시아리노의 다른 작품들의 컴필레이션 디스크로 발매되었습니다.아코디언을 위해 작곡한 젊은 세대 작곡가들로는 스트라델라 베이스와 크로마틱 버튼 시스템 사이의 결합된 사용을 특징으로 하는 솔로 아코디언 (2009)의 "Virgules"를 작곡한 Christina Athinodorou (b. 1981)가 있습니다.

미국에서는 가끔 프리베이스 아코디언 소리가 들립니다.1960년대부터, 음악의 거장들에 의한 클래식 피아노 작곡의 아코디언에 대한 경쟁적인 공연이 일어났습니다.비록 더 큰 음악적 장면에서 주류가 된 적은 없지만, 전통적인 클래식 음악과의 융합은 젊은 아코디언 연주자들이 이전에는 ^{[citation needed]}경험하지 못했던 클래식 음악에 궁극적으로 참여하도록 이끌었습니다.

많은 미국 악기 연주자들이 국내 최고의 콘서트 장소에서 공연하는 동안 프리 베이스 아코디언의 독특한 오케스트라 능력을 보여주는데 성공했습니다.그 과정에서 그들은 현대 작곡가들이 이 악기를 위해 작곡하도록 장려했습니다.선도적인 관현악단 예술가들 중에는 존 세리, Sr. 콘서트 아코디언 연주자, 독주자, 작곡가, 그리고 편곡자가 포함되어 있었고, 세리는 라이브 라디오와 텔레비전 방송뿐만 아니라 교향악단과 재즈 앙상블 모두에서 광범위하게 공연했습니다.그의 세련된 시적 예술성은 20세기 초의 저명한 클래식 음악가들과 지휘자들 사이에서 진지한 콘서트 악기로서 프리 베이스 아코디언에 대한 존경을 받았습니다.게다가, 그의 무료 베이스 아코디언을 위한 협주곡은 1966년에 완성되었고 그 ^[28][29]악기의 방대한 관현악적 잠재력을 보여줍니다.

최근 가이 클루체프섹은 포크 스타일과 고전적인 형태를 결합하는 것으로 명성을 쌓았고 프리 베이스를 광범위하게 사용합니다.많은 장르에서 작곡하고 공연하는 뉴욕의 윌리엄 쉬멜은 "퀸트" 스타일의 프리 베이스 시스템의 대표적인 주창자이며 표준 스트라델라 시스템과 함께 광범위하게 사용합니다.로스앤젤레스에 기반을 둔 아코디언 연주자이자 작곡가인 Nick Ariiondo는 프리 베이스와 표준 스트라델라 시스템 모두를 위한 대규모 레퍼토리를 만들어냈고, 그의 경력 내내 성악가들과 독주회, 실내악 환경, 오케스트라와 함께 공연했습니다.윌러드 파머가 디자인한 티타노 아코디언 "quint" 프리 베이스 시스템과 반대로 아리온도와 고 토미 구미나는 역 "quint" 프리 베이스 시스템(컨버터 없이, 오직 프리 베이스만)을 연주하는 미국의 두 아티스트입니다.아리온도의 "영구적 움직임" (파가니니) 비디오는 프리 베이스 아코디언의 예술적 능력을 보여줍니다 [2].

캐나다에서 몇몇 연주자들은 북미 전역의 오케스트라 앙상블의 존경받는 멤버로서 프리 베이스 아코디언을 받아들이는 데 광범위하게 기여했습니다.선도적인 연주자, 교육자, 작곡가 중에는 이 ^[30][31]악기를 위한 현대 및 고전 작곡의 통역사로서 널리 인정받은 조셉 마케롤로가 있습니다.

메모들

레퍼런스