모양 캔버스

Shaped canvas
리처드 터틀, 레드 캔버스, 1967년, 국립 미술관(워싱턴 DC, 미국)

캔버스 모양은 평범한 평면, 직사각형 구성에서 벗어나는 그림이다. 캔버스는 평면성을 유지하면서 윤곽을 변경하여 모양을 낼 수 있다. 고대의 전통적인 예로는 둥근 판넬이나 캔버스에 그려진 톤도(tondo)가 있다: 라파엘은 물론 다른 르네상스 화가들도 가끔 마돈나 그림에서 이 형식을 택했다.[1] 또는 캔버스는 평탄도를 잃고 3차원 표면을 가정하여 변형될 수 있다. 아니면, 그들은 둘 다 할 수 있다. 즉, 직사각형 이외의 모양을 가정할 수 있고, 표면 특징도 3차원이다. 논란의 여지가 있는 것은, 그림의 표면 구성을 바꾸는 것이 그것을 조각으로 바꾼다는 것이다. 그러나 모양 캔버스는 일반적으로 그림으로 여겨진다.

어떤 미적 고려를 떠나서, 캔버스의 재료로서의 본질과 관련이 있는 기술적인 문제들이 있는데, 캔버스의 그림의 표준으로서 평평한 직사각형을 지지하는 경향이 있다. (아래 직사각형에서 출발을 참조하십시오.)

미술사와 비평의 문헌에서, 모양 캔버스라는 용어는 특히 그러한 작품들의 다양성과 양이 매우 많이 생산되었던 시기인 1960년경 이후에 주로 뉴욕에서 만들어진 특정 작품들과 연관되어 있다. 럿거스 대학 전시장의 논평에 따르면, "...모양 캔버스에 대한 최초의 유의미한 미술사적 관심은 1960년대에 일어났다...."[2]

현대식 캔바스 회화의 선구자

피터 라즐로 페리는 1921년과 1924년 사이에 일어난 컨스터리비스트 운동의 일환으로 다색 색채의 "컷아웃" 그림을 만들었다. 1945년 이후에 만들어진 "모양 캔버스"를 예상하는 이 작품들은 1920년대에 널리 전시되었고, 특히 베를린 더 스터름 갤러리에서 열린 라슬로 모홀리-나기와의 두 번의 공동 전시와 1922년, 1926년 뉴욕 소시에테 아노니메 브루클린 박물관이 주최한 국제 현대 미술 전시회에서 두드러졌다. [3] [4] 아브라함 조엘 토바이어스는 1930년대에 "모양 캔버스"를 만들었다.[5] 우루과이 출신의 화가 Rhod Rothfuss는 1944년 말 Arturo 잡지에 실린 "El marko: un problema de la plastica real"이라는 세미 텍스트로 1948년 프랑스 파리에서 "모양 캔버스"를 전시한 것을 경험하기 시작했다.[7] 뉴올리언스 태생의 추상화가 에드워드 클라크가 1957년 뉴욕 브라타 갤러리에서 전시한 그림도 캔버스 그림이라고 불렸다.[8][9]

1950년대 후반에서 1960년대 중반까지 재스퍼 존스는 모양과 구획이 있는 캔버스, 특히 그의 '삼국기' 그림으로 한 캔버스를 실험했는데, 한 캔버스가 다른 큰 캔버스 위에 놓여 있었다. 1950년대의 로버트 라우센버그의 실험 조립과 "결합"도 분열되고 형형색색의 캔버스의 변형을 탐구했다. 아르헨티나의 예술가 루치오 폰타나도 1959년 콘세토 스파지알레 시리즈와 함께 모양과 구획이 있는 캔버스 실험에서 일찍부터 시작했다. 전후 형상의 캔버스 그림의 기원에 날짜를 지정하는 것은 불가능할 수도 있지만, 확실히 1950년대 후반에 이르러 생겨났다.

전후 현대 미술과 모양 캔버스

프랜시스 콜핏("60년대 그림의 모양"; 아트 저널, 1991년 봄)은 "그 모양 캔버스가 1960년대 추상화의 지배적인 형태였다"고 단언한다. 그녀는 "그림과 조각의 잡종이라고 자주 묘사되기는 하지만, 모양 캔버스는 추상화의 문제에서 벗어났으며, 뒤틀림 환상주의를 거부함으로써 화가들이 실제 공간으로 나아가고자 하는 열망을 보여주는 증거였다"고 쓰고 있다.[10]

Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Charles Hinman Ronald Davis, Richard Tuttle, Leo Valledor, Neil Williams, John Levee, David Novros, Robert Mangold, Gary Stephan, Paul Mogenson, Clark Murray, and Al Loving are examples of artists associated with the use of the shaped canvas during the period beginning in the early 1960s. 예를 들어 기하학적 추상화가, 미니멀리스트, 그리고 최첨단 화가들은 직사각형 형식을 받아들이기보다는 그림의 모양을 정의하기 위해 이미지의 가장자리를 사용하기로 선택할 수도 있다. 사실, 모양 캔버스의 사용은 주로 1960년대와 1970년대의 그림들과 관련이 있는데, 그 그림들은 시원시원하게 추상적이고, 형식주의적이며, 기하학적이며, 객관적이고, 합리주의적이며, 깨끗한 줄무늬가 있고, 끝이 날카롭거나, 성격상 미니멀리스트적이다. 여기에는 추상적인 표현주의자들의 신비주의, 초주체주의, 그리고 그림그 자체를 극적으로 보이게 하는 것에 대한 강조와 더불어 진지한 그림을 위한 거의 의식적인 전제조건으로 평직사각형을 엄숙하게 받아들이는 것에 대해 반응하는 후화적 추상화와의 연관성이 있다. 모양 화폭은 처음에는 정형화된 직사각형 모양의 그림들에 도전했지만, 곧 이차원성의 제약에 의문을 품게 되었다. 도날드 저드에 따르면: '그림의 가장 큰 잘못은 벽에 평평하게 놓여진 직사각형의 평면이라는 것이다. 직사각형은 모양 그 자체다. 직사각형은 분명히 전체 모양이다. 직사각형은 그 위에 있거나 안에 있는 것의 배열을 결정하고 제한한다."[11] 1964년, 솔로문 R. 구겐하임 박물관은 로렌스 엘레이가 큐레이터로 만든 최종 전시회 '모양 캔버스'를 기획했다. 루시 Lippard이 이 쇼는 독점적으로 1965년에서"계속되는 하나의 표면 -sided"[12] 가지고 그림에 초점을 맞춘 프랭크 스텔라와 프랭크 Geldzahler Tibor에서 중요한 그룹 쇼"모양과 구조"의 예술가들 찰스 Hinman과 윌 Insley에 의해 3차원 셰이프드 캔버스를 도입함으로써 생긴 캔버스로 이 정의에 맞섰다 지적했다.드 뉴욕의 나구이.[13] 그림에 의한 제3차원의 침입은 회화와 조각의 경계에 의문을 제기하면서 형형색색의 캔버스의 중요한 발전이었다.

1960년대와 1970년대에 제인 프랭크의 조리개 있고 겹치고 여러 개의 캔버스는 특별한 경우로, 일반적으로 평평하고 직사각형이긴 하지만, 그것들은 앞쪽 캔버스나 캔버스에 크고 불규칙한 모양의 구멍이 있어 조각화되어 있는데, 이 곳을 통해 하나 이상의 도색 캔버스를 추가로 볼 수 있다. 한스 호프만의 제자로, 자연에 대한 경외심과 더불어 그림의 깊이에 대한 그의 관심을 공유하는 그녀는 또한 복잡하고, 뉘앙스적이며, 유기적이거나 토양이 있는 색깔, 질감, 모양 등을 선호하여, 그녀의 작품은 다른 많은 형태의 캔바스 화가의 작품과는 더욱 차별화되는, 음색이나 내성적인 특징을 준다.

1960년대 후반, 영국 세인트의 대표 멤버인 트레버 벨(Trevor Bell. 이브스 그룹은 급진적이고 각진 구조와 추상적인 표현주의 감성을 결합한 역동적인 모양의 캔바스 그림을 선보였다. 이 작품들은 벨의 작품이 워싱턴 DC의 코르코란 미술관과 런던의 테이트 미술관에 전시되면서 1970년대까지 계속 진화했다. 거대한 캔버스에 그려진 화가의 색채가 짙은 밭 표면은 형상의 회화와 그 물체를 둘러싼 그 이후의 빈 공간이 동등한 중요도의 상태로 합쳐졌다. 이탈리아 화가 루이지 애슐리도[14] 1960년대 후반에 캔버스 모양의 실험을 했다.

톰 웨셀만, 짐 디너, 제임스 로젠퀴스트 같은 팝 아티스트들도 이 모양 캔버스 매체를 차지했다. 로빈 랜다는 자신의 '스모커' 그림에서 "웨셀만은 (랜다가 캔버스라는 뜻으로) 용기의 모양을 사용해 연기의 유기적 품질을 표현한다"고 쓰고 있다.[15] 그러나 콜핏에 따르면 1960년대 팝아티스트들이 이 캔버스를 사용한 것은 적절한 표현으로 "동시에 이데올로기적 추구로서 팝아트를 배제하는 경향이 있었던 모양 캔버스로서의 자격을 갖춘 모든 구호물품이 아니다."(오피트, 페이지 52)라고 한다.

좀 더 최근 형태의 캔버스 아트

보다 최근 세대에 걸친 모양 캔버스 예술가들 사이에서 엘리자베스 머레이(1940~2007)는 장난스럽게 캔버스를 '폭발'하여 모양과 색의 풍부함이 규범적인 직사각형 밖으로 밀려나거나 1981년 뉴욕 타임즈의 논평에 따르면 "...내부 모양은 계류장에서 분출되어 그림 전체가 펄럭이게 한다.ys arrest."[16]

싱가포르의 앤서니 푸온(1945~2006)은 1960년대 모양 캔버스와 연관된 시원하고 추상적이며 미니멀한 기하학의 전통을 이어갔다. 그의 작품에서 분석적인 침착함과 굴곡진 반복은 얼윈 하우어, 노먼 칼버그와 같은 모듈형 구성주의 조각가들의 작품을 다소 상기시킨다.

필리핀 화가 파키타 아바드(19462004)는 이 기법(그녀가 일종의 퀼팅 기법이라고 부르는 것)과 자유 바퀴 혼합 미디어 효과, 폭동색, 축제용 수제 섬유, 또는 파티용 가재 등을 연상시키는 추상 패터닝 등을 결합해 입체적인 효과를 위해 페인트를 박제하고 꿰맸다.스트림어, 풍선, 색종이처럼. 총효과는 "멋지다"의 미니멀리스트 버전과 팝 아트 버전 둘 다와는 정반대로 유쾌하게 외향적이고 따뜻하다.

로빈 랜다는 잭 라일리(1950년 출생)의 형상화된 그림에 대해 "많은 현대 화가들은 형상화된 캔버스를 사용함으로써 그림의 장이 크게 확장될 수 있다고 느낀다. 이동은 컨테이너(캔바스) 자체뿐만 아니라 컨테이너 내부 공간에서도 성립된다."[15] 1981년 Artweek의 한 리뷰는 "이 복잡하게 구성된 작품들은 벽 조각과 관련이 있으며, 그림과 조각 사이의 간격을 좁히고, 환상적 조각의 존재를 지니고 있다"[17]고 말했다. 라일리의 앞선 작품에서 형상화된 캔버스의 부가적인 기능은 추상 미술에서 화보 공간의 애매함을 강조하는 것이었다.

아르헨티나의 예술가 라디슬라오 파블로 규리(1963년 출생)는 1990년대에 비대표적이고 엄격한 기하학적 제형에 관심을 갖게 되었다.[18] 앞서 언급한 로드 로스푸스의 그림에 대한 연구는 그를 마디 터닝 페인팅-릴리프(비정규적인 틀)와 그 기하학적 구조의 3D 디지털 애니메이션을 실현하는 데 일조하게 했다. 줄라 코시체(Scula Kosice, 시인, 이론가, 1940년대 아르헨티나 아방가르드의 창시자 중 한 명)는 다음과 같이 썼다: "그는 마디 아트의 원시 사상을 합리적으로 전산화했다... 그의 작품은 부정할 수 없는 질과 독창성을 발산한다고 확신했다.[19]

직사각형이 아닌 그림

예술가들은 종종, 특히 특별 위원회를 필요로 하는 상황에서, 앨버트 C를 위해 헨리 마티스가 그린 그림들을 예로 들 수 있다. 반즈와[20] 넬슨 록펠러에게.

어떤 경우에는 캔버스 그림을 조각과 벽면 구조와 관련하여 그림으로 볼 수 있다. 1960년대 초반에서 중반까지 1920년대, 1930년대 그리고 1940년대에 태어난 많은 젊은 화가들이 평평한 직사각형 그림에서 캔버스 그림으로 전환했다; 그 예술가들 중 일부는 조각을 만들기로 결정했고, 케네스 놀랜드, 프랭크 스텔라, 엘즈워스 켈리와 같은 몇몇 화가들은 둘 다 했다. 캔버스 대신 다른 재료들을 사용할 수 있다. 좀 더 실용적인 재료는 모양 캔버스의 단점 중 일부를 없앨 수 있다.

참고 항목

메모들

  1. ^ Arthistory.about.com 페이지 라파엘의 "데 브레시" 톤도 캔버스 페인팅
  2. ^ 짐머리 미술관에서 1935년 아브라함 조엘 토비아스(Rutgers University)의 캔바스 그림 이미지
  3. ^ "Laszlo Peri - LAROUSSE".
  4. ^ "László Peri. In Front of the Table. 1922 MoMA".
  5. ^ 웩슬러, 제프리; 아브라함 조엘 토바이어스; 제인 보헤스 짐머리 미술관.; 퀸즈 박물관. 아브라함 조엘 토바이어스 : 1930년대의 조각화(뉴브런즈윅, N.J. : The Museum, 1987년) OCLC 18137181
  6. ^ 콜레치온 시스네로스 "알레퀸 1944"
  7. ^ Lenbachhaus – Rupprecht Geiger zum 100. Geeburtstag 2007-12-22 웨이백 머신 Lenbachhaus – Rupprecht Geiger zum 100에 보관. 게부르트스타그
  8. ^ "Edward Clark – The HistoryMakers". thehistorymakers.com.
  9. ^ 에드워드 클라크의 메트로 타임즈 북 리뷰: 디트로이트 메트로 타임즈는 클라크가 1956년에 처음으로 연장된 형태화(종이와 나무로 직사각형 틀에서 그림을 계속 그린 것)를 만든 것에 대해 널리 인정받고 있다고 말했다. 클라크는 "당시에는 형상화라고 불리지 않았다"고 말했다. 제목 없는 작품은 1957년 브라타 갤러리에서 전시되었다.."
  10. ^ 1960년대 그림의 모양, 2010년 6월 23일 회수
  11. ^ Judd, Donald (1975). Complete Writings 1959–1975. Halifax: Press of the Nova Scotia College of Art and Design. pp. 181–182.
  12. ^ Meyer, James (2004). Minimalism: Art and Polemics in the Sixties. Yale University Press. ISBN 978-0-300-10590-2. Retrieved 26 November 2014.
  13. ^ 이비드, 마이어
  14. ^ 바베라, 루치오, 루이지 악미: Percorsi 델라 메모리 1959–1999, 로마: Gangemi Editore, 1999 ISBN 88-7448-906-4 [1]
  15. ^ a b 랜다, 로빈. 설계 소개, Inglewood: 프렌티스 홀, 1983 ISBN 0-13-480624-7
  16. ^ NY 타임즈 리뷰: 1981년 5월 8일 "예술: 엘리자베스 머레이의 캔버스 폭발"
  17. ^ 자콘슨, 린다 1981년 11월 21일 Artweek, Vol.12
  18. ^ lpgyori.net Gyzri의 디지털 작품, 예술과 시, 1984/2003년, Madi Printings-Relief
  19. ^ 기리, 라디슬라오 파블로 첫 25 Visual Years, Artgentina, 2010, 페이지 29, ISBN 978-987-05-8040-9
  20. ^ 반즈 벽화는 웨이백 기계에 2011-07-20을 보관했다. 2007년 8월 7일 접속

참조

외부 링크

  • JSTOR 온라인 카피 프랜시스 콜핏 기사 "1960년대 그림의 모양" [전체 액세스 구독자만 해당]
  • 코르코란 미술관: 컬러 이미지와 함께 리처드 터틀의 팔각화 레드 캔버스(1967)에 대한 논의