스튜디오 시스템

Studio system

스튜디오 시스템은 영화 제작과 배급이 소수의 대형 영화 스튜디오에 의해 지배되는 영화 제작 방법입니다.그것은 1920년대부터 1960년대까지 헐리우드의 황금기 동안 할리우드 영화 스튜디오와 관련하여 가장 많이 사용되었는데, 스튜디오는 주로 장기적 계약 하에 크리에이티브 인력과 함께 자체 제작장에서 영화를 제작하고 수직적 통합, 즉 소유권 또는 효과적인 콘텐트를 통해 전시회를 지배했다.배급사 및 전시를 통해 블록 부킹과 같은 조작적인 예약 기법을 통해 영화의 추가 판매를 보장합니다.

1948년 대법원이 배급과 전시를 분리하는 판결을 내리면서 스튜디오 시스템의 종식을 앞당겼다.1954년 TV가 시청자를 위해 경쟁하고 주요 제작 스튜디오와 극장 체인 사이의 마지막 운영 연결이 끊어지면서 스튜디오 시스템의 역사적인 시대는 끝났다.

사운드 모션 영화의 도입에서 스튜디오 시스템의 종말의 시작인 1927년부터 1948년까지를 일부 영화사학자들은 헐리우드의 황금기라고 부른다.골든 에이지란 순전히 기술적인 구분이며 1917년부터 1963년까지 발전하여 오늘날까지 특징지어 온 미국 영화 스타일인 클래식 할리우드 영화라고 알려진 영화 비평 스타일과 혼동해서는 안 된다.소위 황금시대 동안, 8개의 회사가 할리우드 스튜디오 시스템을 보급한 주요 스튜디오를 구성했다.이들 8개 중 5개는 제작 스튜디오, 배급 부서 및 실질적인 극장 체인의 소유권과 배우 및 영화 제작 인력과의 계약을 합친 완전히 통합된 대기업이었습니다.

사운드와 빅 파이브

1927년과 1928년은 일반적으로 할리우드 황금기의 시작이자 미국 영화 산업의 스튜디오 시스템 제어를 확립하는 마지막 주요 단계로 여겨진다.1927년 최초의 장편 "토키"인 재즈 싱어의 성공은 당시 중간 규모였던 워너 브라더스 스튜디오에 큰 힘을 실어주었다.그 다음 해에는 업계 전반에 걸쳐 사운드가 전반적으로 도입되었고 Warners는 두 번의 스매시를 더 받았습니다.'노래하는 바보', '재즈 싱어'의 훨씬 더 수익성이 높은 후속편, 그리고 할리우드의 첫 '올토킹' 특집 영화 '라이트 오브 뉴욕'이 그것이다.많은 오프스크린 개발도 마찬가지로 중요했습니다.이제 수입이 넘쳐나는 워너 브라더스는 1928년 9월에 광범위한 스탠리 극장 체인을 인수했다.한 달 뒤 퍼스트 내셔널 제작사에 대한 지배지분을 매입했는데, 이는 얼마 전 워너스 자체보다 더 두드러졌다.First National은 135에이커(55ha)의 스튜디오와 백샷뿐만 아니라 또 다른 대형 영화관을 인수했다.워너스는 대박을 터뜨렸다.

1928년 골든 에이지의 마지막 "빅 5" 할리우드 재벌인 RKO 픽처스가 등장했다.데이비드 사노프가 이끄는 RCA는 모회사인 제너럴 일렉트릭이 소유한 새로운 상표의 RCA 포토폰인 영화 음향 특허를 이용할 방법을 찾고 있었다.주요 영화 제작사들이 모두 웨스턴 일렉트릭과 기술 독점 계약을 체결할 준비를 하고 있었기 때문에 RCA는 영화 사업 자체에 뛰어들었다.1월에 제너럴 일렉트릭은 미래의 존 F.의 아버지인 조셉 P. 케네디가 소유한 배급사이자 소규모 제작사인 FBO(Film Booking Office of America)에 상당한 지분을 인수했습니다. 케네디.RCA는 10월에 일련의 주식 양도를 통해 FBO와 Keith-Albee-Orpheum 극장 체인을 모두 장악하고 단일 벤처로 합병하여 Radio-Keith-Orpheum Corporation, Sarnoff 이사장을 설립하였습니다.RKO랑 워너 브라더스랑.(조만간 워너 브라더스가 된다.)First National)은 Fox, Paramount, Loew's/MGM에 주요 선수로 합류하여 30년간 유지되었던 빅 5가 자리를 잡았습니다.

RKO는 예외였지만 '영화계의 거물'인 서부 해안의 스튜디오 수장 루이 B는 몇 년 전부터 대부분 자리를 지키고 있었다. MGM의 메이어, 워너 브라더스의 잭 L. 워너, 파라마운트의 아돌프 주코, 윌리엄 폭스와 대릴 F. 자누크(2035년부터), 유니버설의 칼 렘레, 콜롬비아의 해리 콘.

메이저의 통치와 첫 번째 쇠퇴

수익성(시장점유율과 밀접하게 관련됨) 면에서 빅 5의 순위는 황금기 동안 거의 일치했습니다. MGM은 1931년부터 41년까지 11년 연속 1위를 차지했습니다.초기 사운드 시대(1928-30년)에 가장 수익성이 높았던 스튜디오인 파라마운트는 이후 10년 동안 쇠퇴했고 폭스는 MGM의 통치 기간 대부분 동안 2위를 차지했다.파라마운트는 1940년에 꾸준한 상승세를 타기 시작했고, 2년 후 마침내 MGM을 간신히 제쳤다. 그 이후 1949년 재편성될 때까지 이 회사는 다시 5대 기업 중 재정적으로 가장 성공적이었다.1932년(MGM을 제외한 모든 기업이 손해를 보고 RKO가 경쟁사보다 다소 적은 손실을 입은 경우)을 제외하면 RKO는 골든 에이지의 마지막 또는 마지막 해로, 일반적으로 Warner는 그 뒤에 서 있었습니다.소규모 메이저인 리틀 쓰리, 유나이티드 아티스트는 1930년대에 콜롬비아가 [1]가장 강했고 1940년대 대부분 유니버셜이 앞서며 안정적으로 후방을 지켰다.

할리우드의 성공은 대공황 기간 동안 성장했는데, 아마도 영화가 관객들의 개인적 어려움에서 벗어나도록 도왔기 때문일 것이다.프랭클린 델라노 루스벨트 대통령은 셜리 템플에 대해 "이번 대공황 기간 중 어느 때보다도 국민의 정신이 약해질 때, 단 15센트로 영화를 보러 가서 아기의 웃는 얼굴을 보고 고민을 잊을 수 있는 것은 멋진 일이다"[2]라고 말했다.1939년까지 미국에는 은행보다 많은 15,000개의 영화관이 있었다; 1인당 극장 수는 1980년대 중반의 두 배였다.영화 산업은 사무용 기계보다 더 컸다.매출액으로는 14위에 그쳤지만 임원 수익률로는 2위였다.빙 크로스비와 클라우데트 콜버트와 같은 톱스타들은 연간 40만 달러[3] 이상의 연봉을 받았다.[4]

제도의 종말과 RKO의 죽음

스튜디오 시스템을 지원하기 위해 사용된 기술 중 하나는 여러 필름을 하나의 단위로 극장에 판매하는 시스템인 블록 예약이었다.이러한 단위(대부분의 1940년대 표준 관행)는 5편의 영화가 일반적이었습니다. 일반적으로 특히 뛰어난 영화는 한 편뿐이었고, 나머지는 질이 낮은 A급 영화와 B급 [5]영화가 혼합되어 있었습니다.Life지가 1957년 스튜디오 시스템에 대한 회고전에서 썼듯이, "그것은 좋은 오락도 아니고 예술도 아니었다. 그리고 제작되는 대부분의 영화들은 획일적인 평범함을 가지고 있었지만, 그들은 또한 균일하게 수익성이 있었다...백만 달러짜리 평범함은 할리우드의 근간이었다."[6]

1948년 5월 4일, 파라마운트 소송으로 알려진 연방 독점 금지 소송에서 미국 대법원은 블록 부킹을 특별히 금지했다.대법관들은 대기업이 반독점 행위를 한 것은 사실이라며 이를 어떻게 시정할지에 대한 최종 결정을 삼갔지만, 이 사건은 제작-유통업자와 전시 지분을 완전히 분리한 이혼을 제안하는 문구로 다시 하급법원으로 돌려보냈다.erations: 정답입니다.그러나 빅 5는 이미 파라마운트 소송이 1938년 7월 20일에 제기되었음이 입증되었기 때문에 법적 절차를 몇 년 동안 지속하고 질질 끌기로 결심한 듯 보였다.

하지만, 오랫동안 재벌들 중 재정적으로 가장 불안한 RKO의 배후에서, 법원의 판결은 스튜디오에 유리하게 사용될 수 있는 발전으로 여겨지게 되었다.이 결정이 내려진 같은 달 백만장자 하워드 휴즈는 이 회사에 대한 지배적 지분을 취득했다.RKO가 빅 5 중 가장 적은 극장을 통제하고 있었기 때문에, 휴즈는 이혼 도미노 효과를 시작하는 것이 실제로 그의 스튜디오를 경쟁자들과 대등한 위치에 놓는데 도움을 줄 수 있다고 결정했다.휴즈는 연방 정부에 그의 영화 사업 파산을 의무화하는 동의서를 만들겠다는 의지를 나타냈다.계약에 따르면 휴즈는 자신의 스튜디오를 RKO 픽처스와 RKO Theatrees Corporation의 두 법인으로 분할하고 특정 날짜까지 둘 중 하나의 지분을 매각하기로 약속했다.휴즈가 이혼을 인정하기로 한 결정은 결국 그러한 결별이 불가능하다는 5대 변호사들의 주장을 약화시켰다.

오늘날 많은 사람들이 5월 법원의 판결을 지적하고 있지만, 실제로 휴즈가 1948년 11월 8일에 서명한 연방 정부와 맺은 협정은 할리우드의 황금기에 대한 진정한 종말이었다.파라마운트는 곧 항복했고 이듬해 2월 비슷한 동의서를 작성했다.오랫동안 이혼에 반대하며 싸워온 스튜디오는 1949년 12월 31일 분할을 마무리하면서, 예정보다 일찍 해체된 첫 번째 메이저 스튜디오가 되었다.이때까지 [7]미국에는 19,000개의 영화관이 있었다.

휴즈가 연방 당국 및 곧이어 이어진 다른 스튜디오와의 거래를 통해 스튜디오 시스템은 또 다른 50년 동안 계속되었다.가장 즉각적인 성공과 함께 새로운 환경에 적응한 주요 스튜디오는 가장 작은 유나이티드 아티스트스였습니다; 1951년에 인수된 새로운 경영팀 하에서, Pickford-Fairbanks 제작 시설과 임대 계약을 종료하고 현재는 종종 심각한 관계가 있는 독립 생산자들과의 새로운 관계에 의해 오버헤드를 줄였습니다.앞으로 몇 년 동안 할리우드가 점점 더 모방하게 될 비즈니스 모델인 CT 투자가 위조되었습니다.30년 동안 업계가 조직되어 온 스튜디오 시스템은 1954년 마지막 홀드아웃인 Loew's가 MGM과의 모든 운영 관계를 끊었을 때 마침내 만료되었습니다.

Hughes의 갬빗은 스튜디오 시스템을 무너뜨리는데 도움이 되었지만 RKO에게는 거의 도움이 되지 않았다.업계 전체에 영향을 미치고 있는 텔레비전으로 관객이 몰리면서 그의 파괴적인 리더십은 할리우드의 관찰자들에게 명백한 타격을 주었습니다.휴즈는 1952년 RKO의 관심에서 벗어나려고 할 때 영화 경험이 없는 수상한 딜러들이 이끄는 시카고에 본사를 둔 신디케이트에 의존해야 했다.이 거래는 무산되었고, 그래서 1953년 마침내 RKO 극장 체인이 의무대로 매각되었을 때 휴즈는 다시 책임자가 되었다.그 해, 10년 된 소규모 방송 사업부를 확장하고 있던 General Tire and Rubber Company는 RKO의 영화 라이브러리를 프로그래밍할 수 있는지에 대해 Hughes에 문의했다.Hughes는 1954년 12월에 RKO Pictures의 거의 완전한 소유권을 인수하여 이듬해 여름 스튜디오 전체를 위한 General Tire와의 판매를 완료했다.

새 소유주들은 그들이 아끼던 도서관의 TV 판권을 음료 회사인 C&C TV에 팔아서 그들의 돈을 재빨리 회수했다. (RKO는 제너럴 타이어가 가져온 몇 개의 TV 방송국에 대한 판권을 보유했다.이 계약 하에, 이 영화들은 C&C에 의해 지역 방송국으로 보내지기 전에 RKO의 정체성을 잃게 되었다; 그 유명한 오프닝 로고와 글로브와 라디오 타워는 스튜디오의 다른 상표들과 마찬가지로 제거되었다.

할리우드로 돌아온 RKO의 새 소유주들은 영화 제작 사업에서 거의 성공을 거두지 못했으며 1957년 제너럴 타이어는 생산을 중단하고 주요 RKO 시설을 루실 볼과 데시 아르나즈의 제작사인 데실루에 매각했다.유나이티드 아티스트와 마찬가지로, 스튜디오는 이제 더 이상 스튜디오가 없었다; UA와 달리, 그것은 오래된 영화들을 거의 소유하지 않았고 새로운 영화들을 만드는 데 있어서 이익을 보지 못했다.1959년에 그것은 영화 사업을 완전히 포기했다.

유럽 및 아시아에서는

스튜디오 시스템은 대부분 미국의 현상으로 알려져 있지만, 다른 나라의 영화 제작사들은 때때로 할리우드의 5대 영화들과 비슷한 방식으로 완전한 통합을 달성하고 유지한다.역사학자 제임스 채프먼이 묘사했듯이

영국에서 완전한 수직 통합을 달성한 회사는 단 2개사뿐입니다(랭크 조직과 Associated British Picture Corporation).수직통합이 어느 정도 이루어진 국가는 1920년대 독일(Universum Film Aktiengesellschaft, Ufa), 1930년대 프랑스(Gaumont-Franco-Film-Aubert 및 Pathé-Natan) 및 일본(Nikkatsu, Shochuku 및 Tohoho)이다.홍콩에서는 쇼 브라더스가 1950년대와 60년대에 걸쳐 우시아 영화를 위해 스튜디오 시스템을 채택했다.자국 및 아시아 교민 시장을 모두 장악하고 있기 때문에 아마도 미국 영화 산업의 유일한 심각한 라이벌인 인도는, 이와는 대조적으로, 수직적 [8]통합을 이루지 못했다.

예를 들어 1929년에는 일본 영화관의 75%가 당시 [9]가장 큰 두 스튜디오였던 닛카쓰나 쇼치쿠와 연결되어 있었다.

시스템 후

상세 정보:주요 영화사

개인보다는 기업과 거래하는 우리 자신을 발견합니다.

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스타 구동식 시스템

1950년대에 할리우드는 세 가지 큰 도전에 직면했습니다.파라마운트 사건은 스튜디오 시스템을 종식시키고, 텔레비전의 새로운 인기, 그리고 시청자들에게 많은 다른 레저 선택권을 제공하는 소비자 지출.흥행 성공과 실패의 규모는 이전 시대에는 돈을 벌 수 있었을 영화들로 구성된 "위험한 중간"과 함께 커졌다.한 영화 제작자는 1957년에 "오늘날 그의 가장 큰 재앙 중 하나는 백만 달러의 평범함을 만드는 것이다.그 중 하나는 투자 총액뿐만 아니라 셔츠 총액을 잃을 수 있습니다."그 [6]해까지 할리우드는 1920년대 약 700편의 장편 영화를 만들었던 것에 비해 일년에 약 300편의 장편 영화를 만들었다.20세기 폭스의 대표인 대릴 F. 자누크는 1956년부터 [10]1962년까지 스튜디오와 루이 B와 직접적인 관계가 없었다. MGM에서 1951년에 해고된 메이어는 [11]1957년에 사망했다.이듬해 [12]사망한 컬럼비아의 해리 콘은 1957년 스튜디오 연례보고서에서 투자자들에게 다음과 같이 알렸다.

우리는 이러한 인재[스타, 감독, 제작자, 작가]들을 위한 경쟁이 치열한 시장에 있습니다.오늘날의 세금 구조에서는, 우리가 거래하고 있는 사람들의 급여는 자본 이득의 기회보다 덜 매력적이다.따라서 우리는 개인보다는 기업과 거래하고 있습니다.우리는 또한 과거처럼 보장된 월급이 아닌 영화 수익의 비율로 거래해야 한다는 것을 알게 되었다.이것은 [6]톱스타들 사이에서 가장 두드러진다.

대부분의 배우들은 스튜디오 [13]시스템이 끝난 후 프리랜서가 되었다.재정 후원자들은 실패 위험을 줄이기 위한 프로젝트에 스타 배우, 감독 및 작가들을 점점 더 많이 요구했습니다.1957년까지 할리우드 총 수익의 40-50%에 달하는 해외 시장의 중요성이 커지면서 스타들의 이름도 흥행 명소로 부각되었습니다.그들의 새로운 힘으로, 월급 대신 일정 비율의 수익을 받는 "무료 노동"은 스타들의 지위가 되었다.톱 액터는 최소 보증과 함께 수익의 50% 또는 총 수익의 10%를 기대할 수 있습니다.예를 들어 캐리 그랜트는 '도둑 잡기'(1955년)의 총수입의 10%에서 70만 달러 이상(2020년 540만 달러에 상당)을 받은 반면, 감독 겸 제작자인 알프레드 히치콕은 5만 달러 미만을 받았다.파라마운트는 애꾸눈 잭(1961년)의 수익의 75%를 Marlon Brando에게 약속했습니다.(할리우드 회계로 인해 스튜디오는 수익을 나누기 전에 수익의 상당 부분을 받았습니다.따라서 그들은 총이익의 10%보다 이익의 50%를 선호했습니다.)더 많은 급여는 MCA의 르위 와서만과 같은 재능 에이전트의 힘을 증가시켰으며, 그의 사무실은 현재 "포트 녹스"[6]라는 별명을 얻었다.

1957년까지 독립 제작자들은 미국 영화의 50%를 제작했다.그레고리 펙과 프랭크 시나트라 같은 톱 배우들은 다른 사람들을 위해 일하는 것을 넘어 그들만의 제작사를 만들고 대본을 구입했다.최고의 독립 감독인 조지 스티븐스, 빌리 와일더, 그리고 윌리엄 와일러도 그들의 출연료가 증가했는데, 부분적으로 그들이 스타 배우들을 끌어들였기 때문이다.스튜디오는 점점 더 많은 자금과 시설을 독립 제작자들에게 제공했고, 그들 자신의 영화를 만드는 대신, 혹은 United Artists와 마찬가지로 배급에 초점을 맞췄다.텔레비전이 할리우드에 피해를 입혔지만, 데실루와 같은 TV 제작사와 영화 스튜디오의 TV 사업부는 사용되지 않는 [6]시설을 사용함으로써 영화 산업을 구하는데 도움을 주었다.

신디케이션, 텔레비전, 불황 및 대기업 할리우드

1960년대 초에는 주요 스튜디오 신디케이션 나이 든 영화들 재발급 받으려면 구입자 증빙 서류와 주로 telefilms과 b-movies 프로그램으로 TV의 수요를 만족하기에 생산으로 탈바꿈 시작했다.[14]:17 1969년과 1971년 사이 그 산업이 심각한 불경기, 부분에서 많은 예산의 실패작에 때문에 발생하지만, 곧 예술적으로 대부(1972년)과 차이나 타운(1974년)과 같은 영화들과 함께 회복했다.

현대 블록 버스터 스티븐 스필버그 감독의 1975년 Jaws[15][16]와 조지 루카스의 스타워즈(1977년)가 원형이다.[14]:19 이전에 죠스로 대부분의 영화 처음에 몇가지 핵심 도시이고 후에는"2차 시장"에 그러한 시장에서 응답 — 시스템입니다"platforming에 기반하여 확산될 풀려날 수 있었습니다."[16]죠스 대신 즉시 동시에 전국, 약 70만달러를 TV광고 등 예산으로 처음 트레일러 네트워크 텔레비전 —에 대한 광대한 홍보 merchandizing과 함께 풀려났다 — 지원을 발표했다.[16]루카스의 스타워즈에 속편 같은 히트 영화로 만든 영화의 장소 수백개의 방출이 된 것, 그 제국의 귀환보다는, 제다이 기사단, 잃어버린 성궤와 ET의 막을 올렸고, home-video과 케이블 TV의 발전과 스필버그의 연속 성공의 귀환입니다.한편 천국의 문(1980년), 그리고 그것의 제한된 흥행 수입의는 통제 받지 않는 예산 유나이티드 아티스츠의 판매로 이어졌다.

1990년부터 1995년까지 뉴 할리우드는 재벌들의 할리우드의 그리고 빠르게 전 세계 연예계를 더한 게 됐지.[14]:25–26 오늘날, 3황금 시대 전공.—Universal, 파라마운트, 그리고 워너 브라더스—continue 이 모든 것에 의해 그리고 더 큰 미디어 기업들과 합병 인수되었고 많은 다른 회사에 의해서 정복당했습니다 주요 헐리우드 스튜디오 실체로 존재하는 것을.까지 20세기 폭스의 디즈니까지 매각이 늦은 2017년에 이른 2019년에 다시 한번"빅 파이브"가 되고 완성되었다 발표하는 동안 소니 소니 픽처스를 형성하게 한"빅 식스"에 콜롬비아와 트라이 스타 합병 날짜 게다가, 디즈니의 월트 디즈니 스튜디오 주요로 급부상했다.디즈니와 소니, 모든 이러한 소위 메이저 스튜디오 제작의 본질적으로 고전적인 빅 5 아니라 오래 된 유나이티드 Artists의 모델에 기초한다:저것은 포함하지 못하고 그들은은 일차적으로 backer-distributors(및 물리적 스튜디오 leasers)보다는 실제 생산 업체들.

1996년 타임워너는 터너 브로드캐스팅 시스템 인수를 통해 한때 독립했던 뉴라인 시네마를 인수했다.2008년, 뉴 라인은 워너 브라더스에 합병되어 자회사로 존속하고 있습니다.오늘날의 빅 5는 각각 파라마운트 밴티지와 같은 준독립적인 "아파트" 부서를 통제하고 있습니다.미라맥스 필름스(원래는 독립 스튜디오였다)는 2010년까지 디즈니 소유였다.또한 대부분 장르 영화, B 영화, 말 그대로 예산이 적기 때문에 또는 영적인 면에서 소니의 스크린 젬에 초점을 맞춘 부문도 있습니다.소위 인디 부문이라 불리는 유니버설스 포커스 피처스는 그 주요 브랜드로 Arhouse 영화를 개봉합니다.포커스와 디즈니의 아트하우스 부문인 서치라이트 픽처스는 미니 마조르 자격을 갖출 만큼 규모가 크다.Lionsgate와 Metro Goldwyn Mayer라는 두 개의 대형 독립 회사도 미니 마조 자격을 갖습니다.그들은 1930년대와 1940년대에 콜롬비아와 유니버셜이 그랬듯이, Lionsgate와 The W.C.가 시장 점유율의 약 절반을 차지하고 있고, Samuel Goldwyn Inc.와 David O.의 회사와 같은 골든 에이지 독립 생산 의상의 선두 주자 사이 어딘가에 있습니다. 셀즈닉.

독립시대와 제2의 쇠퇴의 시작

2010년대 중반, 주요 스튜디오는 관객들에게 어필할 수 있는 주류 영화(장르 영화, 속편, 3-D, 슈퍼히어로 영화)를 제작하는 쪽으로 방향을 틀었습니다.이 영화들 중 다수는 박스오피스에서 돈을 잃을 위험이 있다.대부분의 관객들이 영화관에 가는 것을 거부하기 시작하면서, 이것은 부분적으로 제2의 쇠퇴를 촉발시켰다.이러한 새로운 감소와 함께, 독립 회사들이 최근 몇 년 동안 아카데미 작품상을 수상하기 위해 다른 주요 스튜디오 영화들을 뒤엎은 영화들을 제작할 기회가 열렸다.아카데미 영화 예술 과학상(Academy of Motion Picture Arts and Sciences)은 일반적으로 인기 있는 주류 영화보다는 실속 있고 고품질의 영화에 최우수 작품상을 수여한다.최근 몇 년간 스포트라이트(오픈로드, 2015), 문라이트(A24, 2016), 기생충(네온, 2019), CODA(애플TV+, 2021) 등 독립영화의 복수상 수상은 다른 주요 스튜디오 영화의 흥행과 주요 스튜디오 자체의 운명에 큰 영향을 미쳤으며, 최근 독립영화사 자체의 운명에도 영향을 미쳤다.이 독립영화의 지속적인 지배는 3-D, CinemaScope, 또는 IMAX와 같은 대형 포맷에 의존하지 않는다는 증거이다.칸 영화제의 최근 결과와 이러한 상을 수상한 미국 영화의 부족 또한 독립 영화의 지배력에 영향을 미쳤을 수 있다.

점점 더 많은 관객들이 영화관에서 Netflix, Hulu, 그리고 앞서 언급한 Apple TV+와 같은 스트리밍 서비스로 전환하기 시작하면서 현재의 COVID-19 위기는 또한 현재의 감소에 기여했다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

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원천

출판된

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