아치 랜드

Archie Rand
아치 랜드
태어난1949
미국 뉴욕 브루클린
국적미국인의
교육프랫 인스티튜트 예술 학생 연맹
로 알려져 있다.화가, 벽화가

아치 랜드(Archie Rand, 1949년 출생)는 미국 뉴욕 브루클린 출신의 미국인 예술가다.

교육과 경력

브루클린에서 태어난 랜드는 이전에 뉴욕 예술 학생 연맹에서 공부한 적이 있는 프랫 연구소에서 시네그래픽 학사 학위를 받았다.[1][2]

그의 첫 전시회는 1966년 뉴욕의 티보르 드 나기 갤러리에서 열렸다. 그는 그 후 100회 이상의 단독 전시회를 가졌으며, 그의 작품은 200회 이상의 단체 전시회에 포함되었다.[3]

그는 현재 브루클린 대학의[4] 미술학과 교수로 2016년에 그에게 창조적 업적에서 우수상을 수여했다.[5] 브룩클린 대학에 입학하기 전에 랜드는 컬럼비아 대학교 시각예술학과의 학과장을 맡았다.[6] 그는 메릴랜드 대학 예술대학에서 호프버거 회화학교의 소장 대행과 마운트 로열 대학원 프로그램 부국장을 역임했다.[7] 1992~1994년 대학미술협회[8] 국립스튜디오예술프로그램 공동의장으로 임명되었고, 1998~2003년 대학미술협회 예술명문교수상 전국위원회 위원장을 역임하였다.[9]

컬럼비아 대학의 미국 이탈리아 고등학원은 1995년에 그에게 시에나 상을 수여했다.[10] 1999년 구겐하임 재단 펠로우십을 수상하였고, 유대교문화재단 수상자로 선정되어 시각예술 기여 공로훈장을 수여하였다.[11] 2002년에 그는 컬럼비아 대학교에서 교수 우수상을 받았다.[12]

또한 2002년에 그는 헐크를 제작하여 영화 감독 앙 리의 예술 고문이 되었고,[13] 마일스톤 필름즈로부터 앙리-조지스 클로조트의 1955년 고전 영화 피카소의 신비로움의 DVD 발매에 대한 해설 트랙을 제공해 달라는 요청을 받았다.[14]

소설가 아모스 오즈의 취임선고에 이어 2020년 랜드가 유대인 인문문화진흥재단 파라시 재단에서 수여하는 10만 달러의 파라시 펠로우십의 두 번째 수상자가 됐다.니티와 문화."[15]

일

초기 작업

아치 랜드의 초기 주요 작품들은 기술적으로 창의적이고 벽화 크기의 캔버스 시리즈인 "편지 그림" (또는 "재즈 그림")이다. 레터 페인팅즈는 주로 남성과 여성 아프리카계 미국인 음악가들의 이름을 포함시킴으로써 개념 예술, 색장, 패턴과 장식, 일기 입력, 사회 해설 등 현대적인 많은 운동을 혼합시킴으로써 지배적인 미학적 범주를 훼손했다.[16]

레터 페인팅즈는 개별적으로 전시되어 있었지만, 1983년 카네기 미술관에서 열린 전시회에서 처음으로 하나의 단위로 전시되었다. 레터 페인팅스 선정은 1991년 엑시트 아트 전시회 이후 미국과 유럽(제노바 팔라초 두칼레 포함)의 연속 멀티벤치 전시 투어에 관한 것이었다. 뉴욕 타임즈의 미술 비평가이자 현대 미술 강사인 로베르타 스미스는 그들을 "기묘하고 조숙하며 서정적인"이라고 묘사하면서 "런드의 그림들은 미국 미술에서 유별나게 비옥한 시대의 역사에서 상당한 위치를 요구한다"[17]고 썼다. 다른 사람들은 그들을 "불행히도 정확한 올바른 방향", [18]"찰리 파커 솔로 혹은 빅 조 터너의 호울러로 흥분"[19] 그리고 거의 30년이 지난 후에 "공상적인 프로젝트의 힘"[20]을 지니고 있다고 묘사했다.

뉴욕타임스는 랜드의 첫 단독 추상 콜라주 캔버스 전시회를 "인상적인 데뷔"라고 평가했다.[21]

1974년에 랜드는 브루클린에 있는 신도 비나이 요세프로부터 위촉장을 받았다. 랜드는 회당의 전체 내부 표면에 16,000 평방피트(1,500m2) 크기의 테마 벽화를 그려달라는 요청을 받았다. 이 작업은 3년이 걸렸고, 이 위원회를 완성한 랜드는 세계에서 유일하게 서술적으로 그려진 회당의 저자로, 2세기 두라-에우로포스 이후 우리가 아는 유일한 회당의 저자로 만들었다. 전통적으로 우상화적인 공간에 벽화를 배치해 제기됐던 종교적 법적 논란은 당시 세계 유수의 탈무드 학자로 평가받던 [3][11]랍비 모셰 파인스타인 교수의 판결로 해결됐다.

존 애쉬베리에 따르면, 그 벽화들은 매우 열정적으로 받아들여졌다.

랜드가 벽화에서 다뤄온 주제들이 너무 다양하고 복잡해서, 그가 고용한 스타일들의 집중을 너무 다면화하여, 벽화를 묘사하는 것은 어렵다. 그들은 볼 것을 요구한다. 그 광풍과 절충주의는 놀랄만한 결말을 더한다. 혼혈인이 되기 위한 용기는 비교적 적은 수의 예술가들에게 주어진다; 그것은 여기에서 필요했고 랜드는 그것을 공급했다. 이 작품은 경이로움, 영성과 지성의 환경, 기쁨과 공포의 환경 속에서 하나님을 둘러싸고 있지만 대부분 기쁨이 있다. 그것은 창조 자체만큼 다양해지려고 시도하고 거의 성공한다.[2]

다른 사람들은 이 벽화를 "흥미롭고 예외적인"[22] 그리고 "놀라울 정도로 인상적인 성과" 그리고 "에너지 여행-탈세력"[23]이라고 묘사하면서 똑같이 칭찬했다. 회당 자체가 '도색된 슐'로 알려지게 된 것이다.[3] 비나이 요세프 벽화를 기록한 아말라 레인 감독의 45분짜리 영화 '페인트링 슐'은 2003년에 개봉되었다.[24][25]

매튜 베이겔이 최근에 썼듯이, "B'Nai Yosef 벽화, 그렇다면, ...의 관점에서 생각해 보면. 그의 비유적이고 추상적인 요소들의 혼합; 그의 상상에 대한 호소와 예술가의 창의성에 대한 인식은, 전체적으로, 유태인 미국 예술에서 혁명적인 것에 지나지 않는다. 이런 벽화 이후 유대계 미국인 예술가들에게는 어떤 것이든 가능해졌다고 말했다.[26] B'Nai Yosef 벽화의 미학적 요구는 랜드의 작품에 전환점을 맞았다. 이후 그의 변신은 1960년대 후반에 자신의 작품이 변형된 필립 구스톤과의 우정에 영향을 받았는지도 모른다. 구스톤처럼 랜드도 "순전히 추상적인 형태의 한계에 화가 났다"고 말했다.[26]

1994년 《The Forward》에서 랜드의 작품을 리뷰하고 있는 로빈 켐발레스트는 다음과 같이 언급했다.

몇 년 전까지만 해도 랜드 씨는 본질적으로 예술계에서 두 개의 평행한 경력을 가지고 있었다. 현대무대에서 그는 주로 추상주의자로 알려져 있는데, 어린 신동으로 시작되어 존 애쉬베리부터 줄리안 슈나벨에 이르기까지 그의 추종자들이 다양하다. 유대인 세계에서 그는 정교회 회당에서 성경의 장면을 그리는 독불장군 벽화학자다.[27]

그 이후로, 화풍과 스케일이 상당히 다양한 랜드는 미술계에서 존경 받고 분류할 수 없는 인물로 여겨져 왔다.

부인할 수 없는 것은 1970년대에 갤러리에 전시된 많은 예술가들, 예를 들어 랜드 그 자신은 작품이 쉬운 분류에 저항하는 억누를 수 없는 개인주의자였다는 점이다. 놀랄 만큼 재능 있는 랜드는 물질에 기반한 추상화에서 서술적 묘사, 만화적 상징에 이르기까지 현대인에게 알려진 모든 이미지 메이킹 언어를 통해 때로는 모두 동시에 그의 연구 결과를 규칙적으로 보여줄 수 있는 기회가 주어지고 있었다.[28]

1970년대와 1980년대에 랜드는 동시에 명성을 쌓고 유지했다. 하나는 눈에 보이는 갤러리와 박물관 예술가로,[29] 다른 하나는 유대인의 우상화학의 권위자로써. 당시 댄 캐머런은 예술계에서 "신흥적인 재능과는 거리가 먼 아치 랜드는 역사가 마침내 따라잡고 있는 노련한 젊은 고수"라고 관측했다.[30] 배리 슈워브스키가 설명했듯이, "그의 경력은 프로테아적인 스타일의 변화 흐름이었습니다. 존 애쉬베리(John Ashbery)가 말한 것처럼 랜드의 "혼합이 되고자 하는 용기"는 그가 컬러 필드 페인팅에서 눈부신 불협화음의 조합적인 화가의 이미지 메이킹으로 이끌었다. [그에 의해] 그림(아직 일반적으로 인정되지 않은 위치)에서 자기 세대의 '내용' 재발견의 최전선에 자신을 밀어넣었다."[31]

1980년대와 1990년대

1980년과 1981년에 그는 안셰 에메트 시너고그와 템플 숄롬이라는 두 개의 시카고 회당에 대해 일련의 스테인드 글라스 창문을 하도록 의뢰받았고, 1984년에는 예루살렘 교사대학에서 외부 벽화를 그려달라는 제의를 받았다. 이 프로젝트를 위해 랜드는 골든 아티스트 컬러스의 마크 골든에게 풀 컬러 아웃도어 페인트를 영구적으로 도포할 수 있는 시스템을 개발할 것을 요청했다.[32] 이 벽화에 사용된 이미지 중 일부는 그의 후속 그림으로 재활용되었다. 1970년대 중반부터 이어진 전시회는 벽화 스케일의 회화를 발표했고, 만화 스타일로 그려진 서술에 대한 충성과 함께 선견지명이 있는 신표현주의를 보여주었다. 존 야우가 아트포룸에서 쓴 것처럼, "아치 랜드는 그의 세대의 가장 야심차고 더 중요한 예술가 중 한 명이다."[33] 올랑드 코터는 1986년 미국 아트 인 아메리카에서 열린 랜드의 공연을 복습하면서 "그의 전기는 베테랑의 전기처럼 읽힌다. 그의 최근 그림은 실제로 축적되고, 얻은 경험을 담고 있다. 이는 이 작품을 매우 매력적으로 만든다. 이 작품은 구식, 즉 비판적이고 동시에 복음적인 포괄성을 바탕으로 제작되었기 때문에 랜드의 동시대인들 중 시도에 관심이 있는 사람은 거의 없고, 내가 알기로는 그에 필적할 만한 사람은 없다."[34]

1988년, 마스터 프린터인 존 콘과 함께, 랜드는 놀랍고 상상력이 풍부한 일련의 감자 인쇄물을 제작했는데, 몇몇 판본과 몇몇 매우 큰 것이 여러 공공 기관과 사설 기관에서 전시되었다.[35] 2012년 이슬립 미술관 전시회에 참석한 베스 지아쿰모 관장의 지적에 따르면 다음과 같다.

아치 랜드의 "감자 프린트"는 현대 미술사에서 예상치 못한 틈새를 얻었다. 그들은 즐거움을 발산하고 모든 연령대의 시청자들에게 인정받고 있다. 시각적인 충격에서 과감하게, 그들은 인간성과 매력으로 가득 차 있다. 기술적으로 주목할 만한 성과라고 칭송받는 그들은 순수한 재미로 남아 있다.[36]

인쇄공이자 비평가인 론 넷스키는 "관객들은 20세기에 행해진 감자 조각 중 가장 절묘한 조각이 분명 어떤 것인지 놓치지 말아야 한다"[37]고 촉구했고, 로렌스 J 메릴은 "랜드는 더 많은 것을 아우르는 뻔뻔한 식욕을 가진 예술가"라고 상세히 말했다. 즉, 우주의 심미적인 팽창... 랜드는 공식 예술계에 의해 허가되지 않은 프로젝트에 매력을 느낀 경력을 가지고 있다. 결국 예술 언론에 의해 발견되고 트럼펫을 날린..."[38]

1988년 20개의 대형 트립티치 시리즈("분산의 노래")가 1989년 여러 장소에서 상영되었다.[39]

1989년부터 1991년까지 그는 잔여 권위를 유지하는 일련의 대규모 흑백 추상화를 발표했다. 도날드 쿠스핏은 당시 아트포룸에서 흑백 시리즈를 리뷰했다. "런드의 작품은 최고의 의미에서 포스트 모더니즘이다. 랜드가 불러일으키는 친밀감은 폴 클리의 친밀감을 연상시킨다. 그는 친숙한 모양의 알파벳을 다시 만들어 낸다. 그리고 그 결과는 마법의 의미와 느낌의 일차적인 감각을 불러일으킨다."[40] 이 전시회는 현대 추상화의 형식을 놀랍고 효과적으로 수정할 수 있는 대형 그림들을 선보여 평론가 테리 R을 자극했다. Flash Art에 쓸 Myers:

감히 비평가가 '인기'와 같은 단어를 종이에 내려놓고, 그것의 더 큰 의미에서의 진솔한 의미를 담고, 아직도 예술계라는 학파 사이에서 목소리가 있다고 생각하는가? 나는 아치 랜드의 최근 그림에 어떤 종류의 공상적인 영향이 있다고 믿고 싶지만, 요즘 그런 주장은 기껏해야 정신없고 최악의 불법으로 보일 것이다. 이 최근의 작품들은 그것들을 분류하려는 망각적인 시도들로 변형되는데, 이것은 잘못된 예술 역사의 지도를 정확히 지적하는 것이 어려울 랜드에게는 전혀 새로운 것이 아닐 것이다. 하지만 시청자의 입장에서의 당혹감이 항상 예술가의 위대함으로 이어지는 것은 아니다. 랜드의 최근 그림은 매우 예외적일 수 있다.[41]

1990년대 내내 랜드는 추상적인 작품과 비유적인 작품을 동시에 제작했지만, 모든 작품들은 표현을 개념적인 형식으로 다시 통합하려는 의도를 나타냈다.[42] 1999년에 그는 벽화 스케일의 그림 전시회를 열었다. 이 전시회는 수백 개의 구획화된 만화 같은 이미지들을 보여준다.[43] 1992년 갑발라의 히브리 알파벳 22글자 관점을 타로 데크의 22개의 주요 아르카나 카드에 연결시킨 연재화 전시회를 계기로 데이비드 브라운은 "자신이라고 부르기로 선택한 어떤 스타일에든 매우 유능하며 젊은 연주자들이 재즈계에서 위대한 업적을 말하는 아치에 대해 다음과 같이 말할 수 있다"고 썼다.오디는 손가락만 부러뜨리면 돼."[44] 2005년에 그는 Aetna를 위한 실질적인 그림 작업을 마쳤다.[45]

일부 비평가들은 그의 생산량이 빈둥거리기 힘들었다는 것을 인정하지만 그의 작품은 영향력 있는 것으로 언급되어 왔다.[46] 랜드의 그림들은 창의적이고 정교하게 실행된 접근법의 광범위하고 알기 쉬운 메뉴를 보여준다. 그는 폴 셀란, 모이스하-레이브 할퍼른, 유제니오 몬탈레, 예후다 아미차이, 레이너 마리아 릴케, 사무엘 베케트/폴 엘루아르, 잭 스파이서 등의 작품 이후 많은 시리즈를 완성했다. Working often with poets, he has produced books and continues to engage in publishing collaborative projects with, among others: Robert Creeley,[47] John Ashbery,[48] Clark Coolidge,[49] Kenneth Koch, David Plante,[50] Maryline Desbiolles, John Yau,[51] Jim Cummins,[52] David Lehman, Bob Holman, Bill Berkson, Lewis Warsh, and David Shapiro. 랜드가 시인과 함께 작업한 것에 대한 비판적인 반응은 크리리와의 작품에 대한 이 평론에서처럼 풍부하고 찬사를 받았다.

...이것은 지극히 기쁜 일이고, 자연스럽고, 아무런 제약도 없는 일이다... 대부분 랜드 덕택에 고양이와 성벽을 응시하는 동화와 크리리의 시와 함께 실제의 감정과 욕망의 눈부신 응축이 있다. 지난해 나이아가라 폭포에 있는 카스텔라니 미술관이 탑재를 하고 현재 전국을 순회하고 있는 '로버트 크리리의 협업'은 시각 예술에 대한 시인의 관심의 경이로운 범위를 기록하고 있다. 이 예술가들 중에서 랜드는 특히 양립할 수 있다. 뉴욕시 예술가는 비유적이고 추상적인 모드에서 자유롭게 움직이며, 종종 두 사람을 하나의 작품으로 결합시킨다. 거의 전설적인 에너지와 발명의 화가인 랜드는 미국과 유럽 전역에서 널리 전시해 왔다. 전혀 개성을 잃지 않고 랜드는 쉽게 렘브란트와 프라고나르드에서 마티스와 마네로 거장 드로스트맨을 불러낸다. 어떤 식으로든 시인과 화가는 언제나 섬세하고 꽤 마법적인 균형을 유지한다. 그것은 보기에 즐거운 공연이다.[53]

랜드가 현대 시인과 힘을 합치거나, 그가 소송 관련 서적을 고용하거나, 죽은 시인의 작품을 공동으로 사용하는 모든 프로젝트에서, 그는 다른 시각적 페르소나를 활용하는데, 그것은 그가 항상 일해 온 양식적 도가니의 흔적이며, 그가 점차적으로 비논리적이라는 발명에 받침이 된다고 보는 것이다.유대인의 [54]우상화 이 접근은 화가 R.B. 키타즈와 교신하는 것을 자극했다.[55] 히브리 성경의 54개 사단에 각각 한 점씩 그림을 바친 랜드의 선구적인 1989년 시리즈 '장화'는 유대인 박물관에서 발원해 다른 장소를 여행한 획기적인 1996년 'Too 유태인' 전시회를 선동했다.[56] 빈센트 브룩이 본 것처럼 "포스트모던 미국 유대인 미술의 시작을 알리는 유용한 날짜는 1989년이다. 천안문 광장 대학살, 베를린 장벽 붕괴, 사인펠트 초연을 본 해는 아치 랜드가 뉴욕의 유대인 박물관에 연달아 토라 독서의 주기에서 영감을 받아 그림 54점을 전시한 해이기도 했다. 당시 유대인 예술가들은 미국 미술계의 상류층에게는 낯선 사람이 아니었지만, 대머리인 유대인의 우상화는 그랬다."[57]

그의 유대인 서사시에 대한 관심은 수많은 최근 그림 시리즈에서 볼 수 있는데, 이 그림들은 각각 "성경의 섹시 그림"(1992), "18"(1994), "창조의 7일"(1996), "1992", "Had Gadya"(2005)와 같은 새로운 기술적 그리고/또는 내용적 접근법으로 그려진다. 메나켐 웨커는 1994년 시리즈 18편의 전시회를 2005년 평론하면서 "[Rand]는 다른 사람들이 따라갈 수 있도록 명확하게 구분된 길을 제시했다. 그 나름대로 그는 우리 나머지 사람들이 유대인 예술을 바라보는 방식을 효과적으로 혁명적으로 변화시켰고, 그 때문에 랜드가 그것을 키워 결실을 맺게 할 때까지 멸종위기에 처한 종족이었다."[58]

2000년대와 2010년대 초반

2003년에 랜드는 포트워스의 베스 엘 회중을 위해 두 개의 벽화를 만들었고 2005년에는 샌안토니오에 있는 회중 베스엘에서 대형 입구 벽화를 실행했다.[59]

2004년에는 뉴욕의 예시바 대학 박물관에서 회고전이 개최되어 매우 긍정적인 평가를 받았다.

이거 한번 먹어봐. 그것은 정말 중요하다. Google에서 '아카이치 랜드: '아이코코클라스'-- 예시바 대학 박물관이 주최하거나 개최하는 가장 중요한 전시회가 될 것이다. 그가 누구인지, 그가 왜 위대한지 말해줄게... 아치의 시리즈 '성경에서 온 섹시 페인팅스'(1992)는 성경의 장면들을 담고 있으며, 고전 작품, 표현주의자, 거의 만화가 같은 대사, 그리고 과감한 파스텔 색상으로 그것들을 보여준다. 그 이미지들은 성서 등장인물들이 실제로 말한 것을 전달하는 말풍선을 포함하고 있다. 만화와 성서의 이야기들을 아치에게... 다른 스타일의 조각들을 만들어냄으로써, 성경은 ... 만화의 거품 형태로 '영어가 히브리어로 된 텍스트에서 얻을 수 없는 것을 보상하는 방법'을 제공한다. 만약 당신이 경험적인 유대교와 미적 비전을 연결하려는 도전에 직면해 있다면, 아치 랜드가 내가 아는 가장 완벽한 가이드다.[60]

같은 전시회를 맞이하여 글을 쓴 리처드 맥비는 다음과 같이 결론을 내렸다.

이게 그거다. 이 전시회는 현대 유대 미술이 조금이라도 중요한지 꼭 봐야 한다. 아치 랜드는 지난 20년 동안 용감하게 급진적인 유대인 예술을 창조해 왔으며, 현대 미술 설립과 유대 문화의 공급자들 모두에게 도전해 왔다. 이 오만함의 결과로 그는 중대한 광야에 해당하는 것으로 유배되었다. 이제 그를 망명에서 구해야 할 때인데, 유대 대중들이 오늘날 유대 미술의 가장 뛰어난 창시자의 업적을 기록하고 인정해야 할 때다. 우리의 문화적 미래는 그것에 달려있다.[61]

2008년, 한 창고 벽에 랜드는 1700 평방피트(17' x 100')에 제임스 로젠퀴스트의 F-111 크기의 거의 두 배나 되는 그림인 "The 613"을 장착했다. 그것은 지금까지 만들어진 가장 큰 자유분방한 그림들 중 하나이다. "The Segments" 그림을 연상시키는 그것은 위협적일 정도로 거대하다. 역설적이게도 매니큐어 표면에서 형형색색의 섬광을 뿜어내는 요란한 만화 바이트에도 불구하고 '613'은 따스하게 빛을 발한다. 전체적인 효과는 이상하게도 차분하고 장엄하다. 614개의 연속된 판넬로 구성되어 있으며, 각 판넬은 히브리 성경을 문자 그대로 읽음으로써 현자들이 구해낸 613계명 중 한 수를 다루고 있다. '더 613'의 시청은 하루 만에 이뤄져 4시간만 진행됐다. 그 행사에는 1,000명이 참석했다.[62] Menachem Wecker는 "Rand's 시리즈는 아마도 가장 야심찬 유대인 예술 기업일 것이다. 아마도... 신마이모니데안 기업으로서 계명과 시각적으로 씨름하려는 랜드의 노력을 생각하면 아마도 가장 유익할 것이다. 중세 학자가 성경을 좀 더 쉽게 접할 수 있게 한 작품을 썼던 것처럼 랜드는 본문과 대치할 수 있는 접근 가능한 시각적 우상을 개발한다. 그리고 마이모니데스와 마찬가지로 그의 경력은 분명 사후의 삶을 누릴 것이며, 그럼에도 다음 세대에는 다른 세대의 시각적 금기가 시성되기 때문이다."[63] 이 전시회에 자극받은 미술사학자 매튜 베이겔은 2009년 한 기사에서 랜드의 업적을 반성했다.

그는 틀림없이 가장 잘 알려져 있고, 가장 중요하며, 가장 상상력이 풍부하고, 가장 다작이며, 위험을 무릅쓰려는 예술가가 될 것이다. 그는 미국에서 유대인을 주제로 한 예술의 가장 창조적이고 노골적인 지지자가 되었다. 그는 이 예술의 실행 가능성, 가시성 및 연속성을 보장하기 위한 느슨한 합동 시도를 그 누구보다도 더 크게 말과 이미지로 표현했다.[26]

2011년 랜드의 "Had Gadya" 시리즈 전시회에 대한 기사에서 데이비드 카우프만은 다음과 같이 썼다.

아치 랜드는 그림을 많이 그리고, 큰 그림을 그리고, 복잡한 그림을 그린다. 1966년 첫 갤러리 전시회가 열여섯 살에 불과했던 그는 엄청난 재능을 지닌 예술가로 인정받고 있다. 30년 반 넘게 그는 미국에서 가장 중요한 유대인 화가 중 한 명으로 변모했다.[64]

2020년까지 그의 업적을 인정받아 파라시 재단 펠로십을 수상하면서 랜드는 일반적으로 현대 종교 예술의 선구적인 지지자로 여겨졌다. Matthew Baigell은 그의 저서 <유대인의 정체성 in American Art(2020)>에서 그것을 문맥화했다.

1970년대부터, 현대 예술, 문화, 사회적 발전에 대응하면서, 이 예술가들은 또한 그들의 종교적, 문화적 배경과 함께 그들의 일상 미국 경험들을 결합하는 방법을 찾기 시작했다... 예술가들이 동의할 수 있는 최소한 세 가지 사실이 있다. 첫째, 1974년 아치 랜드가 뉴욕 브루클린에 있는 비나이 요세프 시노고그 내부를 채우기 위해 그린 그림이 이 시기의 가장 중요한 초기 작품이라고 해도 무방하다... 1985년 '랍비스'라는 제목의 그림 세트에서... 랍비들을 그들의 높은 존경을 받는 자리에서 몰아냄으로써, 그는 자신의 상상력과 의도에만 순종하면서, 자신의 그림의 전체적인 색조와 효과의 결정권자로서 자신을 발표한다.[65]

2011년에 Hyams Museum은 "Archie Rand: '세 개의 주요 작품'은 '시편 68, 1994', '장화'의 전 시리즈와 '성경에서 온 섹시 그림 1992'의 선곡이 수록된 공연이다. 2012년에 이슬립 박물관은 "감자 인쇄물"을 전시했다.[66] 또한 2012년에 랜드는 뉴욕 CUNY 대학원 인문학 센터에서 시문학 문서 이니셔티브에 의해 발행된 분실물 자문 위원회에 임명되었다.[67]

랜드는 2008년에서 2017년 사이에 15개의 개인전에 작품을 전시했는데, 그들 중 많은 작품들은 성서 이후에 그린 그림이나 시인과 함께 한 작품들을 보여준다. Including "Had Gadya, 2005", Borowsky Gallery, Philadelphia, PA (2011); "Gods Change, Prayers Are Here To Stay (after Yehuda Amichai), 2000", Katz Gallery, Atlanta, GA (2014); "Psalm 68, 1994", Derfner Museum, Riverdale, NY (2014); "The Chapter Paintings", Tribeca Gallery, NY (2015); "Men Who Turn Back (after Eugenio Montale), 1995", SRO Gallery, Brooklyn, NY (2016); "Sixty Paintings From the Bible" & "The Book of Judith, 2012", Cleveland State University Galleries, Cleveland, OH (2016) & The American Jewish Museum, Pittsburgh, PA (2017); "Archie Rand: Early Works With Poetry: Jack Spicer, 1991 and Samuel Beckett/Paul Eluard, 1993", St. Francis College, Brooklyn, NY (2017).

"613년"

2015년 블루라이더/펜갱/랜덤하우스는 613호를 발행하여 그림 속 614장당 한 장씩 컬러 플레이트를 할당했다. 월스트리트저널(WSJ)은 The 613을 '역동적'으로 규정했다. 주목할 만한 ... 뉴욕타임스([68]NYT)는 이 책을 '편집자의 선택'으로 선정하고 두 편의 별도 리뷰에서 '멋진 멋쟁이'라고 칭하며 '613'을 위한 예술계를 준비한 것은 아무것도 없다고 선언했다.[69]워싱턴 포스트에 따르면 613은 '살인자의 증언 줄에 불을 지핀다'[70]고 보도했다. 데이비드 밴 비마는 워싱턴 포스트에 기고한 글에서도 랜드 씨를 "놀라운 일"이라고 부르며 "신앙의 고동치는 텍스트 심장들을 끊임없이 다루는 무스텀 퀄리티 아티스트들은 작은 밴드, 그중에서도 랜드가 가장 중요하다"[71]고 덧붙이며 뉴욕 타임즈는 613호가 "훌륭한"이었다고 언급하고 다음과 같이 결론지었다.

종교는 쉽지 않다... 하지만 그것은 또한 아치 랜드의 '613'을 우리에게 준다. 하느님께 감사하다.[72]

출시 직후인 613은 아마존의 베스트셀러 목록에서 두 개의 별도 부문에서 1위를 차지했다.[73]

2017년 뉴욕 링컨센터에서 열린 뉴욕유대인영화제 첫날 개막작으로 타티아나 맥카베가 예레미야 록우드의 음악과 613의 예술작품을 사용한 영화 콜 니드레 #3가 초연됐다.[74]

2017년 7월 개관한 613호는 샌프란시스코 현대 유대인 박물관에 한 폭의 그림으로 전체가 설치되었다. 이스라엘 타임즈는 613호를 "대담한 야심"이라고 불렀다.[75] 라디오 퍼스널리티인 라울 길요트는 랜드를 "유대인 테마 미국 미술의 필수적 창조적이고 노골적인 지지자"[76]라고 칭했고, 로리 스타 박물관 관장은 이 전시회에 대해 "우리는 미술계의 가장 중요하고 독창적인 독불장군 중 한 명이 이 중요한 작품의 박물관 데뷔를 발표하게 되어 영광이다"[77][78]라고 평했다.

이 613기는 버지니아 주 해리슨버그에 있는 제임스 매디슨 대학교의 듀크 미술관에서 열린 전시회에서 2018년 9월부터 10월까지 다시 전시되었다. 갤러리 디렉터 겸 큐레이터인 존 로스는 윈체스터 스타에게 이 전시회에 대해 "놀라운 사업이다... 나는 사람들이 이것의 범위를 이해하기 시작하기를 바란다. 우리는 종교적인 신앙에 대해 이야기하지만, 나는 예술적인 신앙에 대해서도 이야기한다고 생각한다. 그런 가차없는 짓도."[79]

랜드의 시리즈 "Misfits"(2005)는 그가 613호를 건설하는 동안 그려졌다. 민속학적으로 의로운 것으로 확인된 36명을 표현한 이 사진들은 2019년 뉴욕 토타 갤러리에 전시되었다. 브룩클린 레일에서 열린 전시회를 검토한 앤 맥코이는 다음과 같이 썼다.

데이비드 토타 갤러리에서 열린 그의 전시회 Misfitts는 수년간의 방심 끝에 마침내 역동적으로 열린 문이라는 느낌을 가지고 있다. 랜드는 그의 낡고 더러운 미스핏들과 함께, 그의 구원의 대리인들을 우리의 일상 생활과 그들의 도움을 필요로 할 수 있는 예술 세계로 데려온다.[80]

뉴욕 로체스터에 있는 메모리얼 아트 갤러리 박물관에서 열린 2021년 "The 613"의 연재에 대해 조나단 브인스토크 관장은 다음과 같이 썼다.

아치 랜드는 50년 넘게 독불장군이자 규칙 위반자로 여겨져 왔고, 613은 그의 가장 야심 찬 작품이다.... 그것은 현대 유대인 우상화학의 건설에서 랜드가 이룬 획기적인 업적을 예시하며, 끈질기게 혁신적인 예술가로서의 그의 위치를 단언하고 있다.... 613은 또한 표현과 표현에 대해 일반적으로 갖고 있는 신념에 도전한다. 이 프로젝트의 복잡성은 미술사와 유대교의 두 가지 지식 체계 모두를 조사하도록 장려하며, 참여적인 관점을 요구한다. 613은 근본적으로 전통의 역학과 의미가 어떻게 만들어지는가에 대한 학문이다.[81]

최근 활동

또한 2016년 랜드 일은 이탈리아, 그 Interchurch Ce에"라 체르 토사 디 Pontignano, 1995년"과"에트나 산, 2005년,"에 완성되었다 두 몸은 한국 화랑 클리블랜드 주립 대학교에서 이 2016년 전시회"Sixty벽화 성경부터"그 그림들에 대해 학구적인 책, 사만다 Baskind에 의해 CSU.[82]에 의해 첫 출간된 것이다.nter 갤러리,[83] 뉴욕 2016년부터 2017년까지 와이오밍 주 샤이엔 주 와이오밍 주립박물관에서 와이오밍 주 의회미술전 주지사의 큐레이터와 주러로 활동했다.[84]

2017년 랜드는 뉴저지주 서밋에서 베스 하티크바 신도에게 벽화를 전달했다. 그것은 아마도 모든 종교 기관에서 게이 프라이드 무지개 엠블럼을 영구적으로 설치하는 것을 특징으로 한다.[85]

2017년 9월과 10월, 시인 밥 홀먼과 협력자인 밥 홀먼은 뉴욕시의 Freight & Volume Gallery에서[86] 50개의 유닛 작품 전체를 전시했다. 잭 스파이서, 새뮤얼 베켓/폴 엘루아드의 시를 이어 1991년과 1993년 두 편의 작품을 전시한 또 다른 2017년 전시회 '아치 랜드: 시로 초기 작품들'은 평론가 라파엘 루빈스타인의 다음과 같은 반응을 이끌어냈다. 그리고 아치 랜드라는 작가와의 협업을 좋아한다."[87] 배리 슈밥스키의 2020년 시인과 함께한 랜드의 협업 작품 전시회에서 본문과 이미지를 결합한 작품들은 랜드가 "세계에서 가장 심오한 아동 책에 걸맞은 이미지를 심어준다"[88]고 결론지었다.

컬렉션

화가, 벽화가, 그래픽 예술가로서 랜드의 작품은 메트로폴리탄 미술관, 현대 미술관., 그 휘트니 박물관 미국 Art,[89]의 미술 연구소 Chicago,[90]더 브룩클린 Museum,[91]은 볼티모어 미술관, 스미소니언 협회, 샌 프란시스코 현대 미술관, 빅토리아&알버트 박물관의 소장품에 열린다.런던에 국립 비블리오테 드 프랑스,[92] 텔아비브 미술관, 카네기 미술관,[93] 댈러스 미술관,[94] 뉴욕 공공도서관.[95] 그의 작품들은 하버드, 예일, 컬럼비아, 브라운, 존스 홉킨스의 대학과 도서관 소장품에 포함되어 있다.[95]

참고 항목

참조

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외부 링크