기악의 르네상스에서 바로크로의 이행
Transition from Renaissance to Baroque in instrumental music| 시리즈의 일부 |
| 르네상스 음악 |
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| 개요 |
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| 의 주요 시대 서양 고전 음악 | ||||||||||||||
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| 초기 음악 | ||||||||||||||
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| 공통실천기간 | ||||||||||||||
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| 19세기 후반, 20세기 후반, 21세기 후반 | ||||||||||||||
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유럽에서 1600년을 중심으로 음악의 목적, 글쓰기, 연주에 대한 사고방식에 몇 가지 뚜렷한 변화가 나타났다.이러한 변화는 피렌체 카메라타라고 알려진 피렌체의 지식인 집단에 의해 의도적으로 선동된 혁명적인 것이었고, 새로운 바로크 양식의 전조가 르네상스 훨씬 이전으로 거슬러 올라갈 수 있다는 점에서 진화적인 것이었고, 변화는 단지 현존하는 형태와 관행에 기초하고 있을 뿐이다.이러한 변화는 북부 이탈리아의 문화 중심지에서 시작되었고, 로마, 프랑스, 독일, 그리고 스페인으로 퍼져나갔고,[1] 마침내 영국에 도달했다.기악의 관점에서 보면, 관용적 글쓰기, 질감, 악기 사용, 오케스트레이션의 네 가지 별개의 영역에서 변화를 볼 수 있다.
인스트루먼트
르네상스와 바로크 기악곡의 한 가지 중요한 차이점은 악기 연주이다. 즉, 악기가 특정 작품에 사용되거나 사용되지 않는 방식이다.이 개념과 밀접하게 관련되어 있는 것은 관용적 글쓰기의 개념이다. 작곡가들이 다른 악기의 관용적 능력을 모르거나 무관심하다면, 그들은 그들이 원하는 악기를 명시할 이유가 거의 없을 것이기 때문이다.
지정된 계측
데이비드 슐렌버그에 따르면, 르네상스 작곡가들은 일반적으로 어떤 악기가 어떤 부분을 연주해야 하는지 명시하지 않았다; 어떤 작품에서도, "각 파트는 그 [1]파트의 범위를 아우르는 어떤 악기로도 연주할 수 있었다."또한 그들은 개별적인 악기 공명이나 심지어 관용적인 악기 [1]능력에 대해서도 관심이 없었다.예를 들어, 자루버트를 위한 사중주곡이나 라켓츠를 위한 육중주곡을 작곡하는 개념은 르네상스 작곡가들에게 분명 외국 것이었다.따라서, 사람들은 악기들의 주요 레퍼토리가 차용된 성악으로 구성된 르네상스 시대에 작은 기악 그 자체가 쓰여졌다고 추론할 수 있다.
하워드 브라운은 르네상스 기악 레퍼토리에서 성악 전사의 중요성을 인정하면서도 16세기 기악의 6가지 카테고리를 특정했다.
처음 세 가지는 발성적으로 쉽게 연주될 수 있는 반면, 마지막 세 가지는 본질적으로 분명히 중요한 것으로, 16세기에도 작곡가들은 성악이 아닌 특별히 기악적인 능력을 염두에 두고 작곡했다는 것을 암시한다.작곡가들의 악기 음색에 대한 무관심에 대해, 브라운은 또한 이미 1533년에 피에르 아티냥이 [2]다른 악기들보다 비슷한 악기의 특정 그룹에 더 적합한 것으로 몇몇 성악 편곡을 표시했다고 지적했다.게다가, 피렌체 카메라타로 알려진 저명한 1580년대 학자들과 예술가들의 모임의 주최자인 조반니 드 바르디 백작은 다른 악기들의 추골 효과를 분명히 알고 있었고 다른 악기들이 특정한 기분을 [3]표현하는데 적합하다고 여겼다.
관용문
16세기에 관용 문자의 부재로,[1] 연주에서 특징적인 악기 효과가 즉흥적으로 만들어졌을지도 모른다.반면에, 관용적인 글쓰기는 목소리보다 악기에 대한 관용적인 연주가 될 정도로 [2]성대모사상의 즉흥적인 장식으로부터 비롯되었을지도 모른다.
초기 바로크 시대에는 르네상스 시대에 즉흥적으로 만들어졌던 이러한 멜로디 장식이 표준화된 멜로디 제스처로서 작곡에 통합되기 시작했다.바로크가 독주자를 거장으로 강조하면서, 최초의 역동적인 마크뿐만 아니라, 이전에는 거장 즉흥 연주에서만 볼 수 있었던 음색과 특징적인 테크닉이 이제 기대 기준으로 [1]쓰이게 되었다.반면, 서곡, 토카타,[clarification needed] 억양과 같은 위에 열거된 몇몇 기악 장르는 애초에 즉흥에 기반을 두고 있었다.심지어 16세기 초에도, 이러한 장르는 진정, 관용적으로 중요한 것이었다; 그들은 일관된 다성어 [2]스타일로 작곡되지 않았기 때문에 목소리에 적응할 수 없었다.
따라서, 문장은 아니더라도 르네상스 공연에 관용적인 악기 효과가 있었다.그러나, 초기 바로크 시대까지, 작곡가들이 원하는 악기, 특히 클라우디오 몬테베르디를 오페라 [citation needed]악보에서 지정하기 시작했을 때, 그들은 분명히 글쓰기에 그들의 길을 찾았다.
식감
르네상스와 바로크 문자의 또 다른 중요한 차이점은 그 질감이다: 모든 음성이 이론적으로 동일한 대위성 다성음악에서 바소 콘티뉴의 발전과 함께 단음과 고음 극성으로의 변화.이 새로운 스타일의 작문에서는, 솔로 멜로디와 베이스 라인 반주가 중요한 대사가 되어, 내면의 목소리가 조화를 이루고 있다.
기악문자에 대한 이 원칙의 적용은 의도적으로 음악 작곡 방식을 바꾸려고 노력한 피렌체 카메라타와 그들의 우두머리 조반니 드 바르디 백작으로부터 비롯된 성악문 변화의 힘의 연장선상에 있었고, 음악 [3]르네상스의 가장 중요한 목표를 채택했다.1580년 작곡가이자 카메라타의 멤버인 줄리오 카치니에게 보낸 편지에서 바르디는 성악 설정에서 원문에 대한 대위법의 모호함을 비난하고 원문에 대한 직접적이고 이해하기 쉬운 반주로 구성된 고대 그리스 음악으로의 회귀를 옹호했다.그는 카치니에게 "구절을 잘 배열하고 가능한 [3]한 이해할 수 있게 단어를 발음하는 것을 주요 목표로 삼으라"고 지시했다.바르디의 편지가 성악을 다룬 반면, 단 하나의 선율이 단순한 반주를 지배한다는 원칙은 쉽게 기악계로 넘어간다.이것은 1601년 [1]카치니의 르 누브 뮤직헤 직후에 시작된 지금까지 알려지지 않은 독주 기악 소나타의 확산에서 볼 수 있다.
기악모노디의 부상은 오로지 성악에만 뿌리를 둔 것은 아니다.부분적으로, 그것은 한 목소리로 고음선을 부르고, 다른 것들은 악기나 단일 건반 [1]악기로 연주한 반면, 현존하는 16세기 다성 마드리갈을 연주한 관행에 기초했다.따라서, 이러한 다성 구성에서는 모든 목소리가 이론적으로 여전히 같았지만, 실제로 듣는 사람은 한 목소리를 멜로디로 듣고 다른 목소리를 반주로 들었을 것이다.게다가, 16세기 후반과 17세기 초에 등장한 새로운 음악 장르들, 특히 기악 소나타는 작곡과 연주에 대한 생각의 변화를 보여주었는데, 이는 동등한 사람들의 협연에서 상대적으로 중요하지 않은 [1]반주에 의해 뒷받침되는 독주자로의 전환을 보여준다.또한, 16세기 중반에도, 대부분의 성악과 루트를 위한 작품들은 특별히 그렇게 생각되었다.예를 들어, 영어의 영역에서, 이것은 John Dowland와 Adrian Le Roy와 같은 작곡가들이 이미 대위법이 아닌 "조화 [2]효과를 위해 계획된" 화음으로 채워진 이분법적인 멜로디와 베이스를 생각하고 있다는 것을 의미했다.
계측기 사용 및 미관
르네상스와 바로크 음악의 세 번째 차이점은 어떤 악기가 선호되고 연주에 사용되었는가이다.이것은 주로 피렌체의 카메라타에서 비롯된 음악 미학의 큰 변화와 직접적으로 관련이 있다.그의 Dialogo della musica antica e della moderna에서 빈센조 갈릴레이는 바르디와 마찬가지로 그리스인들의 음악이 청취자들에게 "virtiful하고 놀라운 효과"를 가지고 있다고 확신하면서, 현대 작곡가들은 "마음의 개념을 최대한 효과적으로 표현하는 방법"을 알지 못한다고 말했습니다.듣는 [3]사람의 마음에 새겨집니다.음악은 듣는 사람들을 감동시키거나 감동시키고 전형적인 감정 상태를 자극할 수 있고 그래야 한다는 생각은 음악에 대한 생각의 변화를 증명했다.이것은 위에서 논의한 다성음악에서 모노디로 전환하는 것과 함께 이루어졌는데, 솔로 악기 또는 한 쌍의 악기가 이상적인 유일한 멜로디 수단이 될 뿐만 아니라 "가장 효과적인 [3]효과로 (청자에게) 감동을 줄 수 있을 것"이기 때문이다.
이것은 필연적으로 작곡가들이 선호하는 악기의 유형을 변화시켰다. 왜냐하면 르네상스의 많은 악기는 음역 범위가 크게 제한되었고, 동적인 범위뿐만 아니라 악기의 협력체에서만 신중한 역할을 하도록 설계되었기 때문이다.라켓과 숄과 같은 모든 악기 패밀리는 역동적인 변형이 불가능하기 때문에 독창적인 멜로디 라인을 전달하기에 부적합했고, 현악기 중심의 [1]앙상블에서 사용되지 않거나 기껏해야 색을 제공하게 되었다.목관악단의 낮은 악기들은 거의 [1]버려졌다.심지어 현악기에서도, 비올 패밀리의 구성원들은 필요한 바소의 연속음을 제공하는 베이스 비올을 제외하고, 점차 새롭고 매우 뛰어난 바이올린으로 대체되었다.루트와 비올라 다 감바는 반주적인 역할로 계속 쓰였지만 볼륨 [1]면에서는 바이올린과 경쟁할 수 없었다.숄은 오보에로 대체되었는데, 오보에의 소리는 더욱 세련되고 역동적인 [1]뉘앙스를 낼 수 있었다.르네상스 시대에는 자루프가의 소프라노 멤버로 기능하는 경향이 있었지만 17세기 초에는 바이올린과 견줄 만한 레퍼토리가 많아 독주 악기로 살아남았지만 [1]결국 사라졌다.하지만, 르네상스 시대의 악기는 사용에서 빠르게 사라지지 않았다; 현대의 참고 문헌들은 그러한 악기가 17세기 내내 그리고 심지어 [4]18세기까지 실내나 군사적 맥락에서 살아남았다는 것을 보여준다.
그러나 일반적으로 바로크 시대의 악기는 멜로디 라인을 단독으로 전달할 수 있는 악기에 대한 압도적 선호도를 볼 수 있다: 크고 높은 악기는 다양한 역동성을 얻을 수 있고, 그들 자신을 명석한 표현과 감정 표현에 적합하게 만들었지만, 르네상스 시대의 악기는 없었다.e를 실현합니다.저음 악기는 역학을 바꿀 수 없거나 거추장스러운 악기는 권장되지 않았다.따라서 바로크식 정신에서 선율의 우월성은 작곡가들과 제작자들에 의해 이루어진 악기 선택에 광범위한 결과를 가져왔다.
오케스트레이션
르네상스 양식과 바로크 양식 사이의 변화는 오케스트레이션, 즉 기악 그룹의 영역에서도 확인할 수 있다.위에서 논의한 바와 같이, 16세기의 악기는 고정("전체") 또는 고장(혼합)으로 분류되었다: 같은 계열의 악기로 구성되거나(레코더 또는 비올과 같은) 다른 계열의 악기의 조합으로 구성되거나 고장난 악기는 v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v-v오이스. [5]세기가 지나면서, 다른 악기들의 작은 혼합된 무리들이 표준으로 [5]남아있었다.
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앙상블의 종류에 관계없이, 이러한 앙상블과 그들이 연주한 작품에서는 이질적인 질감이 우세했다. 앙상블의 각 구성원들은 처음부터 끝까지 질감에서 뚜렷한 부분을 가지고 있었다.하지만 16세기 후반, 베네치아의 성 마르코 대성당에서 안드레아와 조반니 가브리엘리는 [6]코리 스피차티로 알려진 교회의 광대한 내부 주변의 반신반의 장소에 다양한 연주자들을 배치하는 실험을 시작했다.
그러한 음악은 모든 합창단이 같은 규모는 아니었고 근본적으로 다른 목소리와 악기의 조합으로 구성될 수 있었기 때문에 음량, 조음, 음색, 질감의 급격한 변화로 매우 극적인 효과를 가능케 했다.17세기 초에 바소 콘티뉴오가 추가되면서, 기본적으로 협주곡(stile concertato) 스타일이 발전했고, 그 중에서 소규모 그룹을 자유롭게 선택하여 다른 스타일로 연속된 악구를 연주하거나 다른 방식으로 동시에 연주할 수 있게 되었다.따라서, 한 구절은 독주적이고, 다음 구절은 모방 다성음악, 다음 동음이의, 다음 구절은 악기 튜티 등입니다.혹은, 코러스는, 동시에 전혀 다른 스타일로 연주되고 있는 동안에, 텍스트의 동음이의 소리를 낼 수 있습니다.- 다른 음계에서, 교회내의 다른 장소에서, 모두 바소 [7]콘티뉴오에서 연주됩니다.스타일레 협주곡은 유럽 전역으로 퍼져 나갔고, 특히 이탈리아와 독일에서 지배적이었으며, 후에 바로크 협주곡, 그로소 협주곡, 그리고 독일 [8]칸타타의 기초를 형성되었다.
레퍼런스
- ^ a b c d e f g h i j k l m Schulenberg, David (2001). Music of the Baroque. New York: Oxford University Press.
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- ^ a b c d e Strunk, Oliver (2001). Source Readings in Music History. New York: Norton.[페이지 필요]
- ^ Owens, Samantha (2005). "Upgrading from Consorts to Orchestra at the Württemberg Court" in From Renaissance to Baroque. Aldershot, England: Ashgate. pp. 234–245.
- ^ a b Warwick Edwards. "Grove Music Online - "Consort"". Retrieved 2013-04-08.
- ^ Denis Arnold; Anthony F. Carver. "Grove Music Online - Cori spezzati". Retrieved 2007-07-09.(가입 필요한)
- ^ Mangsen, Sandra (1990). "Forms and genres," in Companion to Baroque Music. London: Dent and Sons. p. 391.
- ^ Colin Timms; Nigel Fortune; Malcolm Boyd; Friedhelm Krummacher; David Tunley; James R. Goodall; Juan José Carreras. "Grove Music Online - Cantata - The German Cantata to 1800 The 17th-century Protestant cantata: Origins". Retrieved 2007-07-09.(가입 필요한)
추가 정보
- Carter, Tim (1992). Music in Late Renaissance and Early Baroque Italy. London: Batsford. ISBN 0-7134-6730-4.
- Price, Curtis, ed. (1993). The Early Baroque Era: from the late 16th Century to the 1660s. Music & Society. Vol. 3. Lebanon, IN: Prentice Hall. ISBN 978-0-13-223793-2.
