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합창단

Choir
'초이르걸'과 '초리스터'가 여기로 방향을 틀었다.Cold Chisel의 노래는 합창단걸(노래)을 참조한다.경주마는 초리스터(말)를 보라.
다른 용도는 합창단(동음이의)을 참조하십시오.
조각난 초르스탈을 선보이며 요크 민스터의 퀘어에서 에벤송 리허설
다음에 대한 시리즈 일부
음악교육
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합창단(/ˈkwaɪər/; 합창단 또는 합창단이라고도 함)은 가수의 음악적 앙상블이다.합창음악은 다시 그러한 앙상블이 연주할 수 있도록 특별히 쓰인 음악이다.합창단은 중세부터 현재에 이르는 고전음악 레퍼토리 또는 대중음악 레퍼토리로부터 음악을 연주할 수 있다.대부분의 합창단은 지휘자가 지휘하며, 지휘자는 팔, 손, 얼굴 몸짓으로 공연을 이끈다.

단체로 함께 공연하는 가수의 몸을 합창단 또는 합창단이라고 한다.전자는 교회 소속 그룹(실제로 합창단을 점거하든 말든)에, 두 번째는 극장이나 공연장에서 공연하는 그룹에 매우 많이 적용되지만, 이러한 구분은 경직되지 않는다.합창단은 피아노나 파이프 오르간, 작은 앙상블 또는 오케스트라의 반주로 악기 반주 없이 노래할 수 있다.

합창단이라는 용어는 앙상블의 하위집합에 대한 부차적인 정의를 가지고 있다. 따라서 사람들은 오케스트라의 "목관악 합창단" 또는 다부 합창곡으로 목소리나 악기의 다른 "취"를 말한다.전형적인 18~21세기 오라토리오와 미사에서 합창이나 합창은 대개 한 파트당 한 명 이상의 가수를 암시하는 것으로 이해되는데, 이들 작품에도 등장하는 솔로 연주자의 4중주와는 대조적이다.

구조

합창단은 지휘자나 지휘자가 지휘하는 경우가 많다.대부분의 합창단은 4부 합창으로 구성되는 4부 합창으로 구성되지만, 이 부분을 부를 수 있는 가수가 있는 한 가능한 단원의 수에 제한이 없다.토마스 탈리스가 40부로 구성된 모테를 작곡한 것은 각각 5부로 구성된 8개의 합창단을 위한 것이다. 크리즈토프 펜데레키의 Stabat Matter는 각각 16개의 목소리를 가진 3개의 합창단을 위한 것이다. 총 48개의 파트.4개 이외에 3개, 5개, 6개, 8개가 가장 많다.

합창단은 기악 반주를 포함하거나 포함하지 않고 노래할 수 있다.반주 없이 노래를 부르는 것은 아카펠라 노래라고 불린다(미국 합창감독협회는[1] 아카펠라가 "예배당에서처럼" 노래를 부르는 것을 의미하기 때문에 "무반주"를 선호하기 때문에 이러한 사용을 금하고 있지만, 오늘날에는 많은 무반주 음악이 세속적이다).수반되는 악기는 오직 하나의 악기(피아노 또는 파이프 오르간)부터 70~100명의 음악가들로 구성된 완전한 오케스트라까지 매우 다양하다; 리허설에는 종종 피아노나 오르간 반주가 사용된다, 비록 다른 악기들이 공연을 위해 계획되어 있거나 합창단이 무반주 음악을 리허설하고 있다 하더라도.

많은 합창단이 교회, 오페라 하우스 또는 학교 홀과 같은 하나 또는 많은 장소에서 공연을 한다.어떤 경우에 합창단은 특별한 콘서트를 위해 공연하는 하나의 "미사" 합창단이 되기 위해 합류한다.이 경우 그들은 다른 사람들을 축하하고 즐거움을 제공하기 위해 일련의 노래나 음악 작품을 제공한다.

도체의 역할

지휘는 손, 팔, 얼굴, 머리로 보이는 몸짓으로 합창 콘서트 등 음악 공연을 연출하는 예술이다.지휘자나 첼리마스터의 주요 임무는 연주자를 통일하고 템포를 맞추고, 명확한 준비와 비트(미터)를 실행하며, 비판적으로 듣고 앙상블의 소리를 형상화하는 것이다.[2]

지휘자 또는 합창 지휘자는 일반적으로 상승된 플랫폼에 서 있으며 지휘봉을 사용할 수도 있고 사용하지 않을 수도 있다. 지휘봉을 사용하면 지휘자의 몸짓이 더 잘 보이게 되지만, 많은 합창 지휘자들은 특히 더 작은 앙상블을 다룰 때 더 큰 표현력을 위해 손으로 지휘하는 것을 선호한다.2010년대에는 클래식 역사 초기에는 악기를 연주하면서 앙상블을 이끄는 것이 일반적이었지만 지휘할 때는 대부분의 지휘자가 악기를 연주하지 않는다.1600년대부터 1750년대까지 바로크 음악에서는 2010년대에 연주하는 지휘자들이 하프시코드나 바이올린을 연주하면서 앙상블을 이끌 수도 있다(콘서트마스터 참조).피아노를 연주하면서 지휘하는 것은 또한 뮤지컬 극장 피트 오케스트라와 함께 할 수도 있다.커뮤니케이션은 공연 중에 전형적으로 비언어적이다(예술 음악에서는 엄밀히 말하면 그러하지만 재즈 빅 밴드나 대형 팝 앙상블에서는 가끔 구어적 지시가 있을 수 있다).그러나 리허설에서는 일반적으로 앙상블의 음악 해석을 교묘하게 다듬는 예술감독 역할도 하기 때문에 지휘자가 앙상블에게 구두 지시를 내리는 경우가 많다.

지휘자들은 그들이 지휘하는 합창단의 안내자 역할을 한다.그들은 공연할 작품을 선택하고 그들의 점수를 연구하는데, 그들이 특정한 조정(예: 템포, 섹션의 반복, 보컬 솔로의 할당 등)을 할 수 있고, 그들의 해석을 하고, 가수들에게 그들의 비전을 전달한다.합창단이 합창단과 오케스트라를 위한 곡을 부르고 있다면 합창 지휘자들은 오케스트라와 같은 기악 앙상블을 지휘해야 할 수도 있다.그들은 또한 리허설 스케줄,[3] 콘서트 시즌 계획, 오디션 청취, 미디어에서의 그들의 앙상블 홍보와 같은 조직적인 문제에도 참석할 수 있다.

예배중

반주

이집트 알렉산드리아 주 사무엘 메나셰 유대교 회당에서 열린 이집트 알렉산드리아 유대인 합창단 라빈 모셰 코헨

대부분의 동방 정교회 기독교 교회, 일부 미국 개신교 단체, 전통 유대교 회당 등은 악기와 함께 그들의 노래에 동행하지 않는다.서부 의식의 교회들에서 수반되는 악기는 대개 오르간이지만 식민지 미국에서는 모라비아 교회가 현과 바람의 그룹을 사용했다.현대 예배 형식을 사용하는 많은 교회들은 노래에 동반하기 위해 작은 증폭된 밴드를 사용하고, 로마 가톨릭 교회들은 그들의 재량에 따라 추가 오케스트라 반주를 사용할 수 있다.

리트러시 함수

찬송가, 예배음악 등 교인들이 참여하는 노래를 이끄는 것 외에도 일부 교회 성가대에서는 프로퍼(성찬가, 점진적, 성찬식 대척수)를 비롯한 전곡을 노래한다.이들 중 가장 중요한 것은 성공회와 로마 가톨릭 교회들이다. 그러나 훨씬 더 흔한 것은 예배에서 지정된 시간에 안테스나 모테트를 수행하는 것이다.

종류들

2013년 헬싱키 성당의 보이초이르 칸토레스 미니어레스

합창단의 주요 분류 중 하나는 성별과 연령에 따른 것이다. 이러한 요소들은 합창단이 어떻게 소리를 내고 어떤 음악을 연주하는지에 큰 영향을 주기 때문이다.유형들은 전문적이고 진보된 아마추어 또는 반전문가 수준의 대략적인 보급률의 내림차순으로 여기에 나열되어 있다.

  • 성인 혼성합창단(남성과 여성의 목소리가 함께 함)이것은 아마도 가장 보편적이고 지배적인 유형일 것이며, 대개 SATB로 약칭되는 소프라노, 알토, 테너, 베이스 음성으로 구성된다.[4]종종 하나 이상의 목소리가 두 부분으로 나뉘는데, 예를 들어 각각의 음성이 두 부분으로 나뉘는 SSAATTB와 합창단이 두 개의 반독립적인 4부 합창단으로 나뉘는 SATBSATB이다.때때로 바리톤 목소리(예: SATBarB)도 사용되는데, 높은 베이스에 의해 종종 노래된다.남자 수가 적은 소규모 합창단에서는 SAB, 또는 소프라노, 알토, 바리톤 편곡으로 소수의 남자들이 테너와 베이스의 역할을 한 파트에서 공유할 수 있다.
  • 같은 SATB를 가진 남성 합창단(또는 남성 & 소년 합창단)은 혼합 합창단처럼 목소리를 내지만, 소년들이 상부를 노래하는(흔히 트레블스 또는 소년 소프라노라고 부른다)과 남성들이 카운터테너라고도 불리는 알토(가성)를 노래하는 것이 특징이다.이 형식은 영국 대성당 합창단(예: 킹스칼리지, 세인트 폴스, 웨스트민스터 사원)의 전형적인 형식이며, 영국에서 두 번째로 널리 퍼져 있는 유형의 합창단이다.
  • 성인 남성 합창단인 남성 합창단(Ménnerchor, 낮은 목소리만, 보통 두 개의 테너, 바리톤, 베이스로 구성되어 있으며, 흔히 TTBB(또는 상부가 가성을 알토 레인지로 부르는 경우 ATBB)로 약칭된다.ATBB는 몇몇 이발소 4중주곡에서 볼 수 있다.더 높은 목소리가 부족한 이런 유형의 남성 그룹들은 아마도 영국 밖에서 두 번째로 널리 퍼져 있는 성가대 유형일 것이다.[4]
  • 소년 합창단인 소년 합창단은 전형적으로 SSA나 SSAA를 부르는데, 때로는 목소리가 변하는 소년/청년들을 위한 캠비아타/테너 파트와 목소리가 바뀐 소년/청년들을 위한 바리톤 파트를 포함한다.
  • 성인 여성의 합창단인 여성 합창단만 높은 음성으로 구성되며, 보통 소프라노와 알토 음성으로 구성되며, 각각 2부씩, 또는 소프라노 I, 소프라노 II, 알토(alto)로 축약되는 경우가 많다.
  • 어린이 혼성 합창단(남성과 여성의 목소리가 있는)은 종종 SA 2부나 SSA 3부 합창단, 때로는 더 많은 목소리를 낸다.
  • 소녀 합창단, 소녀 합창단, 높은 목소리만, 전형적으로 SSA나 SSAA.

여성 합창단, 혼성 어린이 합창단, 전 여자 합창단은 높은 목소리를 내는 소년 합창단, 낮은 음성의 남성 합창단 또는 전체 SATB 합창단에 비해 전문적으로 덜 성행하는 경향이 있다.[4]

합창단은 또한 그들이 운영하는 기관에 의해 분류된다.

1960년대 람부룩 학교 합창단, 당시의 대표적인 소년 학교 합창단.

어떤 합창단은 연주하는 음악 종류에 따라 분류되기도 하는데, 예를 들면 다음과 같다.

학교에서는

미국에서는 중학교와 고등학교가 학생들에게 합창단을 수업이나 활동으로 제공하는 경우가 많다.몇몇 합창단은 대회에 참가한다.고등학교에서 인기 있는 합창단의 한 종류는 쇼합창단이다.중고등학교는 학생들의 목소리가 바뀌는 시기인 만큼 중요한 시기다.비록 소녀들이 음성 변화를 경험하지만, 그것은 소년들에게 훨씬 더 극단적이다.음악교육의 많은 문학은 남성 목소리가 어떻게 변화하는지, 사춘기 남성 가수들을 어떻게 도울 것인지에 초점을 맞춰왔다.[5]존 쿡시(John Cooksey)의 연구는 남성 음성 변화를 5단계로 분류하고 있으며, 대부분의 중학생 소년들은 변화의 초기 단계에 있다.[5]남학생과 여학생 모두 음성이 바뀌는 동안 음역이 제한될 수 있고 합창단 교사들이 적응할 수 있어야 하기 때문에 이 연령대를 가르치는 데 어려움이 있을 수 있다.[6]

전국적으로 남학생들은 여학생들보다 훨씬 낮은 숫자로 합창단에 등록되어 있다.[7]음악교육 분야는 음악프로그램의 '미움남성'에 오랫동안 관심을 가져왔다.[7]왜 합창단에 소년들이 그렇게 많지 않은지에 대한 추측과 가능한 해결책은 매우 다양하다.한 연구원은 중학교에서 합창단을 즐기는 소년들이 단순히 그들의 일정에 맞지 않기 때문에 고등학교 합창단에 항상 가지 않을 수도 있다는 것을 발견했다.[8]일부 연구에서는 소년들의 합창단 참여가 저조한 이유 중 하나는 미국이 남자 가수들을 격려하지 않기 때문이라고 추측하고 있다.[9]종종, 학교에는 여성 합창단이 있을 것인데, 이 합창단은 여분의 여가수를 맡아 혼성 합창단이 직면하고 있는 균형 문제를 해결하는데 도움을 준다.하지만, 남성 합창단이 없다면, 이것은 남학생들에게 소녀만큼 노래할 기회를 주지 않음으로써 문제를 더 악화시킬 수 있다.[7]다른 연구원들은 앙상블이나 심지어 남자 가수들을 위한 워크샵을 갖는 것이 그들의 자신감과 노래 능력에 도움을 줄 수 있다고 언급했다.[8][9]

무대 위의 준비

하나의 가능한 레이아웃
오케스트라 앞 합창단

다양한 섹션이 무대에 어떻게 배치되어야 하는지에 대한 다양한 생각의 학교들이 있다.다양한 음성 유형이 어디에 배치되는지에 대한 지휘자의 결정이다.교향 합창단에서는 오케스트라 뒤에 있는 합창단을 전형적인 현악 배열에 해당하는 최고음에서 최저음성으로 명령하는 것이 일반적이다(그러나 결코 보편적인 것은 아니다).아카펠라나 피아노와 함께 하는 상황에서는 남성이 뒤에 있고 여성이 앞에 있는 것이 드문 일이 아니다; 어떤 지휘자들은 외부의 목소리가 서로 조율할 필요가 있다고 주장하며 소프라노 뒤에 베이스를 두는 것을 선호한다.

좀 더 경험이 많은 합창단은 목소리가 뒤섞인 채 노래를 부를 수도 있다.때로는 같은 목소리를 가진 가수들이 짝을 지어 그룹화되기도 한다.이 방법의 찬성론자들은 각각의 가수가 다른 부분에 대해 듣고 조율하는 것을 더 쉽게 만들지만, 각각의 가수들로부터 더 많은 독립성을 필요로 한다고 주장한다.반대론자들은 이 방법이 관객들에게 다른 가치 있는 특징인 개별 음성 라인의 공간적 분리를 상실하고, 단면공명을 제거해 합창의 유효량을 줄인다고 주장한다.이중(또는 복수의) 합창단이 있는 음악의 경우, 대개 각 합창단의 단원들이 함께 있고, 때로는 크게 분리되기도 하며, 특히 16세기 음악(예: 베네치아 다부 합창 스타일의 작품)의 연주에서는 더욱 그러하다.일부 작곡가들은 실제로 벤자민 브리튼의 전쟁 레퀴엠에서처럼 합창단을 분리해야 한다고 명시한다.일부 작곡가들은 분리된 합창단을 사용하여 "안티포날" 효과를 만들어내는데, 한 합창단이 음악 대화에서 다른 합창단에 "답답하는" 것처럼 보인다.

가수들의 공백도 고려한다.연구 결과, 실제 형성은 물론, 공간(측면적으로나 우회적으로나)의 양이 성악가와 감사인에 의한 음의 인식에 영향을 미친다는 사실이 밝혀졌다.[10]

역사

고대

주요 기사:고대 그리스의 음악
참고 항목:고대 음악
안도감, 지금 아테네에서, 디오니소스를 마스크와 드럼을 들고 여배우들과 함께 보여 주고 있다.

합창 음악의 기원은 전통 음악에서 찾아볼 수 있는데, 이는 큰 그룹으로 노래하는 것이 전통 문화에서 극히 널리 퍼져 있기 때문이다(둘 다 고대 그리스에서처럼 한 부분으로 노래하는 것, 또는 일치하여 노래하는 것뿐만 아니라 현대 유럽의 합창 음악에서와 같이 일부 또는 조화롭게 노래하는 것).[11]

현존하는 가장 오래된 합창 레퍼토리는 고대 그리스의 것으로, 그 중 기원전 2세기 델픽 찬송가와 서기 2세기이다.메소메데스의 찬송가가 가장 완벽하다.원래 그리스 합창은 그리스 드라마에서 제 몫을 불렀고, 유리피데스(오레스트)와 소포클레스(아약스)의 작품 파편이 파피리로부터 알려져 있다.세이킬로스 비문(Seikilos 비문, 기원전 2c)은 완전한 곡이다(솔로보이스의 경우는 가능하지만).가장 최근의 사례 중 하나인 옥시린쿠스 찬송가(3c)도 가장 초기 기독교 음악으로 관심을 끌고 있다.

로마 드라마의 음악 중 테렌스의 한 대사가 18세기에 등장했다.그러나 음악학자 토마스 J. 마티센은 그것이 더 이상 진짜가 아니라고 말한다.[12]

중세 음악

주요 기사:중세 음악
교회노래, 타쿠이눔 사니타티스 카사나텐시스(14세기)

서유럽의 가장 초기 공증음악은 그레고리우스 성가곡이며, 후에 가톨릭교회에 의해 소급(또는 때로는 억압)된 몇 가지 다른 종류의 성가곡과 함께 연주된다.이러한 합창단 노래 전통은 성 시대 사이의 어느 시기부터 지속되었다. 암브로즈(4세기)와 그레고리(6세기)는 현재까지.후기 중세에는 오르가눔이라고 불리는 여러 멜로디 파트를 포함하는 새로운 형태의 노래가 특정 기능들에 지배적이 되었지만, 처음에는 이 다성음악은 솔로 연주자들에 의해서만 불려졌다.이 기술의 추가적인 발전은 클로스울레, 컨덕터스, 모테(가장 두드러진 것은 부정맥 모테)를 포함했는데, 르네상스 모테와는 달리 다른 음성으로 동시에 노래된 서로 다른 텍스트로 구성된 작곡을 묘사하고 있다.한 부분당 두 명 이상의 가수를 가진 다성음악의 첫 번째 증거는 올드 홀 원고(1420년, 14세기 후반의 음악을 포함함)에 나타나는데, 이 원고에는 명백한 디비시가 있고, 한 부분은 동시에 두 개의 소리 내는 음으로 나뉜다.

르네상스 음악

주요 기사:르네상스 음악
루카 델라 롭비아의 칸토리아, 피렌체 델 오페라 델 두오모

르네상스 시대에, 신성한 합창 음악은 서유럽에서 공식적으로 공증된 음악의 주된 유형이었다.특정 기간과 특정 지역에서 악기의 역할을 놓고 약간의 분쟁이 있지만, 그 시대 내내 수백 개의 미사와 모테트(다양한 다른 형태뿐만 아니라 여러 가지 형태)가 아카펠라 합창단을 위해 작곡되었다.이 시기에 가장 잘 알려진 작곡가들로는 기욤 뒤페이, 조스킨 데 프레즈, 조반니 피에루이지 다 팔레스트리나, 존 던스타블, 윌리엄 버드가 있다. 르네상스 다성음악의 영광은 유럽 전역에서 뛰어난 기술과 명성을 지닌 합창단에 의해 합창되었다.이 시기의 합창 음악은 오늘날 전 세계의 많은 합창단들에게 계속해서[13] 인기가 있다.

아마추어가 실내에서 노래할 수 있도록 고안된 파르띠갈은 이 시기에 시작되었다.마드리갈은 초기에는 이탈리아에서 짝사랑 시나 신화 이야기를 드라마틱하게 배경으로 삼았지만, 영국으로 수입되어 좀 더 춤과 같은 발레토와 합쳐져 계절의 태평스러운 노래를 축하하거나 먹고 마시기도 했다.대부분의 영어권 사용자들에게 있어, madrigal이라는 단어는 각각 7음절과 11음절로 구성된 선의 시적 형태를 가리키는 것이 아니라 후자를 가리킨다.

르네상스 다성음악에서의 성악의 상호작용은 수세기 동안 서양 음악에 영향을 미쳤다.작곡가들은 특히 18세기 음악 이론가 요한 조셉 푸스에 의해 성문화된 것처럼 오늘날까지 일상적으로 "팔레스트리나 스타일"로 훈련받고 있다.20세기 초의 작곡가들도 르네상스 시대의 영감을 받은 문체로 썼다.허버트 하웰스는 전적으로 엄격한 르네상스 스타일로 도리안 모드로 미사를 썼고, 랄프 본 윌리엄스의 G단조 미사는 이런 스타일의 연장선이다.안톤 베번 교수는 하인리히 이삭의 초랄리스 콘스탄티누스에 관한 논문을 썼으며, 그의 연작음악의 대척적 기법도 이 연구에 의해 알 수 있을 것이다.

바로크 음악

한 부분 한 목소리를 가진 바로크 칸타타

음악에서 바로크 시대는 1600여 가지의 음색 베이스와 바소 연속체계의 발달과 관련이 있다.도식화된 베이스 부분은 최소한 코드 연주 악기(예: 파이프 오르간, 하프시코드, 루트)와 베이스 악기(예: 비올론)를 포함하는 바소 연속체 그룹에 의해 수행되었다.바로크 성악은 플로렌타인 카메라타의 모나디와 초기 오페라의 발전 등 솔로 성악의 영역에서 극적인 함의를 탐구했다.사실 이러한 혁신은 골격 감소 점수(그렇지 않으면 잃어버린 곡을 재구성할 수 있는 경우) 또는 최저 소리 내는 부분(베이스 부분)을 포함하는 단일 스태프의 일부인 바소 세그엔트(baso seguente)에서 장기에 합창 음악을 수반하는 확립된 관행의 연장선이었다.

새로운 장르는 목소리와 악기를 결합한 성악 협주곡이었다. 그 기원은 베네치아 학교의 다곡 음악에서 찾을 수 있을 것이다.클라우디오 몬테베르디(1567–1643)는 그의 베스퍼스와 그의 제8권 마드리갈스로 완벽을 기했다. 이 책은 가수와 악기가 모두 뛰어난 기교를 필요로 한다.(그의 다섯 번째 책에는 "하프시코드 또는 루트를 위한" 바소 연속곡이 수록되어 있다.)그의 제자 하인리히 슈츠 (1585–1672) (이전에 조반니 가브리엘리와 함께 공부했던)는 독일에 새로운 스타일을 소개했다.제2의 프라티카의 새로운 음악과 함께, 19세기까지 강건한 안티코나 구식의 콘트라푼탈 모테트가 잘 쓰여졌다.이 시기에 합창단은 보통 꽤 작았고, 가수는 교회나 실내 노래에 적합하다고 분류될 수 있었다.자신이 가수였던 몬테베르디는 파트당 한 목소리를 내는 그의 Magnificat 공연에 참여한 것으로 기록되어 있다.[14]

독립적인 악기 반주가 합창 음악의 새로운 가능성을 열었다.이 장르의 가장 잘 알려진 작곡가는 올랜도 기븐스와 헨리 퍼셀이었다.그랜드스 모테트(Lully와 Delalande와 같은)는 이들 구간을 별도의 움직임으로 구분했다.오라토리오스(그 중에서 지아코모 카리시미가 선구자였다)는 이 개념을 주로 성서나 도덕적인 이야기에 바탕을 둔 콘서트 장편 작품으로 확장시켰다.

바로크 합창곡의 정점인 (특히 오라토리오)은 조지 프리데릭 헨델의 작품, 특히 이집트의 메시아와 이스라엘에서 찾아볼 수 있다.수백 명의 현대 합창단이 합창 협회의 성장과 그의 100주년 기념 콘서트를 기다려야 하는 동안, 우리는 헨델이 이미 찬도스 안템스의 독주자들부터 더 큰 그룹에 이르기까지 다양한 공연력을 사용하고 있음을 발견한다(그 비율은 여전히 현대 오케스트라 합창과는 상당히 다르다).

어제 [10월 6일] 웨스트민스터-아비에서 열린 대관식 애국가 리허설에서 유명한 헨달씨의 연주로 40명의 목소리가 나오고 160여 개의 바이올린, 트럼펫, 하우트보이, 주전자 드럼즈, 배스의 연주에 비례하는 연주도 있었다.

— Norwich Gazette, October 14, 1727

루터의 작곡가들은 종종 합창곡에 기초하여 악기적으로 칸타타를 작곡했다.루터교회의 칸타타는 18세기 초까지 더 성문화되고 인식 가능한 형태를 가정하지 않았지만, 떠오르는 독일 전통에 실질적으로 17세기 후반의 신성한 합창 작품들이 존재한다(디트리히 벅스후드의 칸타타가 대표적인 예가 된다.게오르크 필리프 텔레만(프랑크푸르트 소재)은 1000개가 넘는 칸타타를 썼는데, 그중 많은 칸타타를 새기고 출판(예: 그의 하모니셰 고테스디엔스트), 1400년에 크리스토프 그루프너(달슈타트 소재)가 썼다.요한 세바스티안 바흐(1685–1750)의 칸타타는 아마도 이 레퍼토리에 대한 가장 인정받을 만한 (흔히 수행되는) 공헌도일 것이다: 그의 부고는 그의 칸타타의 다섯 사이클을 언급하고 있는데, 이 중 200여 편의 작품으로 구성된 세 사이클이 모테츠 외에 오늘날까지 알려져 있다.바흐 자신도 칸타타라는 용어를 거의 사용하지 않았다.모테는 오케스트라 반주가 없는 그의 교회음악을 말하지만, 목소리와 함께 콜라 파르테를 연주하는 악기를 말한다.반주를 곁들인 그의 작품은 그의 열정, 미사, 장엄함, 칸타타 등으로 구성되어 있다.

오늘날 뜨거운 논쟁의 요점은 유명한 '엔트워프' 바흐가 라이프치히 시의회에 보낸 1730년 메모(잘 임명되는 교회음악을 위해 짧지만 가장 필요한 초안)를 최소한 12명의 가수를 요구하는 이른바 '리프킨 가설'이다.4개의 교회에 음악을 제공하고 각각의 목소리를 대신하여 이중 합창 작곡을 할 수 있는 바흐의 책임에 비추어, 조슈아 리프킨은 바흐의 음악은 보통 한 부분당 한 목소리를 염두에 두고 작곡되었다고 결론짓는다.몇 세트의 독창적인 연주 부분에는 성악 4중주단을 슬라브적으로 두 배로 늘리기 보다는 보강하는 리피에니가 있다.

클래식과 낭만주의 음악

18세기 후반의 작곡가들은 교향곡과 다른 기악곡의 새로운 가능성에 매료되었고, 일반적으로 합창음악은 무시되었다.모차르트의 대부분 신성한 합창 작품은 그의 가장 위대한 작품들 중 일부로서 두드러진다(C단조에서의 "위대한" 미사, D단조에서의 Requiem 등, 후자는 높이 평가된다).하이든은 1790년대에 영국을 방문한 후, 큰 힘에 의해 공연된 다양한 헨델 오라토리오를 들었을 때, 그의 생애 말기에 합창 음악에 더 관심을 갖게 되었다; 그는 1797년부터 시작된 일련의 대중들과 그의 두 위대한 오라토리오 The Creation and The Seasons를 작곡했다.베토벤은 비록 그의 미사 솔레미스가 길이, 어려움, 그리고 대규모의 득점 때문에 아마도 가장 웅장한 의식에만 적합할 지라도 둘 다 소송용으로 의도된 두 개의 미사만을 썼다.또한 제9번 교향곡과 합창 판타지아로 교향곡의 일부로서 합창의 사용을 개척하였다.

19세기에는 성스러운 음악이 교회에서 빠져나와 콘서트 무대로 뛰어올랐는데, 베를리오즈의 테 드움과 레퀴엠, 브람스의 에인 도이체 레퀴엠 등 교회 사용에 부적합한 대형 성물들이 있었다.로시니의 스테바트 마테, 슈베르트의 미사, 베르디의 레퀴엠도 기악 반주가 제공하는 웅장함을 이용했다.오라토리오스도 계속 쓰여져 헨델의 모델에 분명히 영향을 받았다.베를리오즈의 L'enfance du Christ, 멘델스존의 Elijah와 St Paul이 그 범주에 속한다.슈베르트, 멘델스존, 브람스 등도 세속적인 칸타타를 썼는데, 그중에서 가장 잘 알려진 것이 브람스의 킥살라이드와 네니다.

몇몇 작곡가들이 아카펠라 음악을 개발했는데, 특히 브루크너(Bruckner)는 대중과 모트가 놀라울 정도로 색채적인 조화가 있는 르네상스 대위점을 이루고 있다.멘델스존과 브람스도 아카펠라 모테트를 의미심장하게 썼다.아마추어 합창단(주로 사회적 배출구로 시작됨)은 슈베르트, 슈만, 멘델스존, 브람스 등의 파트송을 위한 구성의 장으로서 진지한 배려를 받기 시작했다.이러한 '노래 동아리'는 종종 여자나 남자들을 위한 것이었으며, 음악은 일반적으로 4부("part-song"이라는 명칭을 사용함)로 되어 있었고 아카펠라나 간단한 악기를 가지고 있었다.동시에 세실주의 운동은 가톨릭 교회의 순수한 르네상스 양식의 복원을 시도하였다.

20세기와 21세기

성가대와 합창단은 리투르기와 오락에서의 그들의 역할 외에도, 정신 건강 치료를[16] 위한 또는 하드 노크 합창단처럼 노숙자와 불리한 사람들을 위한 치료로서 [15]사회 봉사 기능을 가질 수 있다.[17]

참고 항목

참조

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  2. ^ Michael Kennedy; Joyce Bourne Kennedy (2007). Oxford Concise Dictionary of Music (Fifth ed.). Oxford University Press, Oxford. ISBN 9780199203833. Conducting
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  8. ^ a b Sweet, Bridget (2010-02-25). "A Case Study: Middle School Boys' Perceptions of Singing and Participation in Choir". Update: Applications of Research in Music Education. 28 (2): 5–12. doi:10.1177/8755123310361770. S2CID 145316612.
  9. ^ a b Demorest, Steven M. (Jan 2000). "Encouraging male participation in chorus". Music Educators Journal. 86 (4): 38–41. doi:10.2307/3399604. ISSN 0027-4321. JSTOR 3399604. S2CID 142062270.
  10. ^ Daugherty, J. "스페이스, 형성, 합창 소리: 감사인과 합창단에 대한 선호와 인식" 음악 교육 연구 저널1999년 3월 47권
  11. ^ Jordania, Joseph (2011). Why do People Sing? Music in Human Evolution. Logos. ISBN 978-9941401862.
  12. ^ 워렌 앤더슨과 토마스 J. 마티센."테렌스" "The New Grove Dictionary of Music and Musicers," ed.스탠리 새디와 존 티렐(런던: 맥밀런, 2001), xxv, 296.
  13. ^ Bent, Margaret (1 January 2001). "Dunstaple [Dunstable, Dunstapell, Dumstable, Donstaple, etc.], John". Grove Music Online. Oxford University Press.
  14. ^ 리차드 위스트라이치: "La voce e grata assai, ma.." Monteverdi on Singing 1994년 2월 Early Music"에서
  15. ^ Hilliard, R. E. (2002). "The San Francisco Gay Men's Chorus: A historical perspective on the role of a chorus as a social service". Journal of Gay and Lesbian Social Services. 14 (3): 79–94. doi:10.1300/J041v14n03_04. S2CID 140495373. This descriptive study is an investigation into the history of the formation of the nation's first gay men's chorus, and its relevance to the lesbigay community as a social service.
  16. ^ 2013년 10월 10일, ABC 트로피컬 노스 로라 헤가티(Hegarty)의 "미청년의 목소리 합창단"
  17. ^ Australia's Choir of Hard Knocks, Al Jazeera, 23 July 2007

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이 오디오 파일은 2005년 5월 6일(2005-05-06) 날짜의 본 기사의 개정으로 생성되었으며, 이후 편집된 내용을 반영하지 않는다.
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