잭슨 폴락

Jackson Pollock
잭슨 폴락
1928년 경 폴락
태어난
폴 잭슨 폴록

(1912-01-28) 1912년 1월 28일
코디, 와이오밍, 미국
죽은1956년 8월 11일 (1956-08-11) (44세)
스프링스, 뉴욕, 미국
교육뉴욕 예술 학생 연맹
로 유명함페인팅
주목할 만한 작업
움직임.추상 표현주의.
배우자.
(m. 1945)
서명

폴 잭슨 폴록(Paul Jackson Pollock, 1912년 1월 28일 ~ 1956년 8월 11일)은 미국의 화가입니다. 추상적 표현주의 운동의 주요 인물인 폴락은 액체 상태의 가정용 페인트를 수평면에 붓거나 튀기는 "낙하 기술"로 널리 주목을 받았으며, 이를 통해 그의 캔버스를 모든 각도에서 보고 칠할 수 있습니다. 그가 캔버스 전체를 덮고 온몸의 힘을 사용하여 그림을 그렸고, 종종 광란의 춤을 추는 스타일로 그림을 그렸기 때문에 그것은 올오버 페인팅과 액션 페인팅이라고 불렸습니다. 이 극단적인 형태의 추상화는 비평가들을 분열시켰습니다: 어떤 사람들은 창조의 즉각성을 칭찬했고, 다른 사람들은 무작위 효과를 비웃었습니다. 2016년 폴록의 Number 17A라는 제목의 그림은 개인 구매로 2억 달러에 낙찰된 것으로 알려졌습니다.

은둔적이고 변덕스러운 성격인 폴락은 대부분의 삶을 알코올 중독으로 고생했습니다. 1945년, 그는 그의 경력과 유산에 중요한 영향을 미친 예술가 리 크라스너와 결혼했습니다. 폴락은 운전 중 알코올과 관련된 단일 차량 충돌로 44세의 나이로 사망했습니다. 폴록은 사망한 지 4개월 후인 1956년 12월 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 추모 회고전을 열었습니다. 그의 작품에 대한 더 크고 포괄적인 전시회가 1967년에 그곳에서 열렸습니다. 1998년과 1999년, 그의 작품은 MoMA와 런던의 Tate에서 대규모 회고전을 여는 영예를 안았습니다.[1][2]

조생(1912~1936)

폴 잭슨 폴록은 1912년 와이오밍주 코디에서 다섯 형제 [3]중 막내로 태어났습니다. 그의 부모인 스텔라 메이(성 맥클루어)와 르로이 폴록은 아이오와주 팅글리에서 태어나고 자랐으며 팅글리 고등학교에서 교육을 받았습니다. 폴록의 어머니는 아이오와 링골드 카운티 팅글리 묘지에 안장되었습니다. 그의 아버지는 맥코이라는 성을 가지고 태어났지만, 그의 부모가 서로 1년 안에 사망한 후 그를 입양한 이웃들인 양부모의 성을 따왔습니다. 스텔라와 르로이 폴록은 장로교 신자였고, 그들은 각각 아일랜드계와 스코틀랜드계 아일랜드계였습니다.[4] LeRoy Pollock은 농부였고 나중에 정부의 토지 조사관이 되어 다른 직업으로 옮겼습니다.[3] 스텔라는 10대 때 옷을 만들어 팔았고, 자신의 가족의 유산을 자랑스럽게 여겼습니다.[5] 1912년 11월, 스텔라는 그녀의 아들들을 샌디에고로 데려갔습니다; 잭슨은 단지 10개월이었고, 코디로 다시는 돌아오지 않을 것이었습니다.[5] 그는 그 후에 아리조나와 캘리포니아의 치코에서 자랐습니다.

로스앤젤레스 버몬트 스퀘어 근처에 사는 동안, 그는 Manual Arts High School에 등록하여 [6]퇴학을 당했습니다. 그는 이미 1928년에 다른 고등학교에서 퇴학을 당했습니다. 그의 어린 시절 동안, 폴락은 그의 아버지와 함께 측량 여행을 하면서 북미 원주민 문화를 탐험했습니다.[3][7] 그는 또한 멕시코 벽화가들, 특히 호세 클레멘테 오로즈코에 의해 많은 영향을 받았으며,[8][9] 그의 프레스코 벽화 프로메테우스는 나중에 "북미에서 가장 위대한 그림"이라고 불렀습니다.[10]

1930년 형 찰스 폴록에 이어 뉴욕으로 이주하여 둘 다 예술 학생 연맹에서 토마스 하트 벤튼 밑에서 공부했습니다. 벤튼의 시골 미국 주제는 폴록의 작업에 거의 영향을 미치지 않았지만, 그의 리드미컬한 페인트 사용과 치열한 독립성이 더 오래 지속되었습니다.[3] 1930년대 초, 폴락은 미술학과 동기생인 글렌 라운즈와 그들의 선생님인 벤튼과 함께 미국 서부를 순회하며 여름을 보냈습니다.[11][12]

커리어 (1936~1954)

폴락은 1936년 뉴욕에서 열린 실험 워크숍에서 멕시코 벽화가 다비드 알파로 시케이로스에 의해 액체 페인트의 사용법이 소개되었습니다. 여름에, 그는 José Clemente Orozco의 3,200 평방 피트 벽화인 "미국 문명의 서사시"를 공부하기 위해 다트머스 대학에 갔습니다.[13] 그는 후에 붓는 페인트를 1940년대 초반의 캔버스에 붓는 것을 여러 기법들 중 하나로 사용했습니다. 예를 들어, '남녀'와 '붓는 것으로 작곡하기' 등입니다. 뉴욕의 스프링스로 이사한 후, 그는 화폭을 스튜디오 바닥에 깔고 그림을 그리기 시작했고 나중에 그의 "드립" 기법이라고 불리는 것을 개발했습니다.

1938년부터 1942년까지 폴락은 WPA 연방 미술 프로젝트에서 일했습니다.[14] 이 시기 동안 폴락은 그의 확립된 알코올 중독을 다루기 위해 노력했습니다; 1938년부터 1941년까지 그는 조셉 L 박사와 함께 융기안 심리 치료를 받았습니다. 헨더슨과 후에 1941-42년 바이올렛 스타우브 드 라즐로 박사와 함께. 헨더슨은 폴락이 그림을 그리도록 격려하면서 그의 예술을 통해 그를 참여시켰습니다. 융기의 개념과 원형은 그의 그림에 표현되었습니다.[15][16] 일부 정신과 의사들은 폴락이 양극성 장애를 가지고 있었을 것이라고 가정했습니다.[17] 폴락은 1943년 7월 페기 구겐하임과 갤러리 계약을 맺었습니다. 그는 그녀의 새로운 타운 하우스 진입을 위해 가로 8m 세로 20피트(2.4m x 6.1m) 크기의 벽화([18]1943)를 만들어 달라는 의뢰를 받았습니다. 친구이자 조언자인 마르셀 듀챔프의 제안으로 폴락은 이 작품을 벽이 아닌 캔버스에 그려 휴대가 가능하도록 했습니다. 그 큰 벽화를 본 후, 미술 평론가 클레멘트 그린버그는 이렇게 썼습니다: "저는 그 벽화를 한 번 보고 '이제 그것은 위대한 예술입니다'라고 생각했고, 저는 잭슨이 이 나라가 만들어낸 가장 위대한 화가라는 것을 알았습니다."[19] 그의 첫 번째 전시회를 소개하는 카탈로그는 폴록의 재능을 "화산학적"이라고 묘사했습니다. 불이 났어요. 예측할 수 없습니다. 그것은 규율이 없습니다. 그것은 아직 결정화되지 않은 광물질의 방탕함 속에서 저절로 쏟아져 나옵니다."[20]

점적기간

폴락의 가장 유명한 그림들은 1947년에서 1950년 사이의 "낙하 시기"에 만들어졌습니다. 그는 1949년 8월 8일 라이프 잡지에 "그가 미국에서 가장 위대한 살아있는 화가인가?"라는 4페이지 분량의 글을 게재한 후 유명해졌습니다. 폴락의 절친한 친구인 알폰소 오소리오와 미술사가 미셸 타피에의 중재로 1952년 3월 7일부터 젊은 갤러리 소유주 폴 파체티는 파리와 유럽의 그의 스튜디오 폴 파체티에서 1948년부터 1951년까지[21] 폴락의 작품을 처음으로 전시하는 것을 실현할 수 있었습니다.[22] 그의 명성이 절정에 달했을 때, 폴락은 갑자기 드립 스타일을 포기했습니다.[23] 폴록의 물방울 그림은 화가 자넷 소벨의 영향을 받았습니다. 미술 평론가 클레멘트 그린버그는 폴록이 소벨의 작품이 "그에게 인상을 주었다"고 나중에 보고했습니다.[24]

1951년 이후 폴록의 작품은 프라이밍되지 않은 캔버스에 검은색으로 칠해진 컬렉션을 포함하여 색상이 더 어두웠습니다. 이 그림들은 그의 "검은 붓기"로 일컬어져 왔으며, 그가 뉴욕의 베티 파슨스 갤러리에 전시했을 때, 그 그림들은 하나도 팔리지 않았습니다. 파슨스는 나중에 친구에게 반값에 하나를 팔았습니다. 이 작품들은 폴락이 추상화와 인물 묘사 사이의 균형을 찾으려고 시도하는 것을 보여줍니다.[25]

그는 나중에 색을 사용하는 것으로 돌아왔고 비유적인 요소들을 계속했습니다.[26] 이 기간 동안 폴락은 더 상업적인 갤러리인 시드니 제니스 갤러리로 이사했습니다. 수집가들로부터 그의 작품에 대한 수요가 컸습니다. 이러한 압박에 개인적인 좌절감과 함께 그의 알코올 중독은 더욱 심화되었습니다.[27]

리 크라스너와의 관계

폴락과 리 크라스너는 1942년 맥밀렌 갤러리에서 전시하는 동안 만났습니다. 크라스너는 생소하면서도 폴록의 작품에 흥미를 느꼈고 갤러리 전시가 끝난 후 그를 만나기 위해 예고 없이 아파트로 갔습니다.[28] 1945년 10월 폴록과 크라스너는 이 행사에 참석한 두 명의 목격자와 함께 교회에서 결혼식을 올렸습니다.[29] 11월에 그들은 도시를 벗어나 롱아일랜드 남쪽 해안에 있는 이스트햄튼의 스프링스 지역으로 이사했습니다. 페기 구겐하임의 계약금 대출의 도움으로, 그들은 스프링스 벽난로 830번지에 있는 나무 틀의 집과 헛간을 샀습니다. 폴락은 헛간을 스튜디오로 바꿨습니다. 그 공간에서 그는 페인트로 작업하는 그의 큰 "드립" 기술을 완벽하게 완성했고, 그 기술로 그는 영구적으로 신원이 확인될 것입니다. 부부가 일에서 자유롭다는 것을 알게 되었을 때, 그들은 요리와 베이킹, 집과 정원에서 일하는 것, 그리고 친구들을 즐겁게 하는 것을 즐겼습니다.[30]

뉴욕 스프링스에 있는 폴록의 스튜디오

남편의 예술에 대한 크라스너의 영향력은 1960년대 후반에 이르러 비평가들이 재평가하기 시작한 것은 당시 페미니즘의 부상 때문이었습니다. 크라스너의 현대 예술과 기술에 대한 광범위한 지식과 훈련은 폴락이 현대 예술이 무엇이어야 하는지에 대한 최신 정보를 얻도록 도왔습니다. 크라스너는 종종 그녀의 남편에게 모더니즘 회화의 교리를 가르친 것으로 여겨집니다.[32][33] 폴락은 그 후 그의 스타일을 현대 미술의 더 체계적이고 세계적인 장르에 맞게 바꿀 수 있었고, 크라스너는 그가 신뢰할 수 있는 유일한 심사위원이 되었습니다.[32][34] 두 예술가의 결혼 초기에 폴락은 자신의 작품에서 무엇이 작용했는지 또는 작동하지 않았는지에 대한 동료들의 의견을 신뢰했습니다.[34] 크라스너는 또한 떠오르는 예술가로서의 경력을 발전시키는 데 도움을 줄 Herbert Matter를 포함한 많은 수집가, 비평가, 그리고 예술가들에게 그를 소개하는 데 책임이 있었습니다.[35] 미술상 존 버나드 마이어스(John Bernard Myers)는 "리 폴록이 없었다면 잭슨 폴록은 존재하지 않았을 것"이라고 말한 반면, 동료 화가 프리츠 불트먼(Fritz Bultman)은 폴록을 크라스너의 "창조물, 그녀의 프랑켄슈타인"이라고 언급했으며, 두 사람 모두 크라스너가 폴록의 경력에 미친 엄청난 영향을 인식했습니다.[36]

잭슨 폴락이 아내의 작품에 미친 영향은 미술사학자들에 의해 자주 논의됩니다. 많은 사람들은 크라스너가 자신의 작품에서 남편의 혼란스러운 물감이 튀는 것을 재현하고 재해석하기 시작했다고 생각했습니다.[37] 크라스너가 자신의 예술에 자연을 재현하기 위해 폴록의 '나는 자연이다' 기법으로 나아가기 위한 방법으로 자신의 직관을 사용하고자 했던 몇 가지 설명이 있습니다.[38]

말년과 죽음(1955~1956)

1955년 폴락
잭슨 폴록의 묘소 뒤쪽에 리 크라스너의 묘소가 그린 리버 묘지에 있습니다.

1955년, 폴락은 그의 마지막 두 그림인 향기와 탐색을 그렸습니다.[39] 그는 1956년에 전혀 그림을 그리지 않았지만 토니 스미스의 집에서 철사, 거즈, 석고로 조각을 만들고 있었습니다.[26] 모래 주조로 형성된 그들은 폴락이 그의 그림에서 자주 만들었던 것과 비슷한 질감이 있는 표면을 가지고 있습니다.[40]

폴락과 크라스너의 관계는 1956년까지 폴락의 지속적인 알코올 중독과 또 다른 예술가 루스 클리그먼(Ruth Kligman)과 관련된 불륜으로 인해 무너지기 시작했습니다.[41] 폴록은 1956년 8월 11일 오후 10시 15분 음주운전을 하다가 올즈모빌 컨버터블에서 1중 추돌사고로 사망했습니다. 그 당시, 크라스너는 유럽에 있는 친구들을 방문하고 있었습니다. 그녀는 갑자기 친구로부터 소식을 듣고 돌아왔습니다.[41] 승객 중 한 명인 에디스 메츠거(Edith Metzger)도 폴록의 집에서 1마일도 채 떨어지지 않은 곳에서 발생한 이 사고로 사망했습니다. 다른 승객 루스 클리그먼은 살아남았습니다.[42] 폴록은 사망한 지 4개월 후인 1956년 12월 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 추모 회고전을 열었습니다. 그의 작품에 대한 더 크고 포괄적인 전시회가 1967년에 그곳에서 열렸습니다. 1998년과 1999년, 그의 작품은 MoMA와 런던의 The Tate에서 대규모 회고전을 여는 영예를 안았습니다.[1][2]

그녀의 남은 인생 동안, 그의 미망인 리 크라스너는 그의 재산을 관리했고, 변화하는 예술 세계 트렌드에도 불구하고 폴록의 명성이 굳건히 유지되도록 했습니다. 이 부부는 스프링스의 그린 리버 묘지에 그의 무덤을 표시하는 큰 바위와 그녀의 무덤을 표시하는 작은 바위와 함께 묻혀 있습니다.

예술성

영향력과 기법

토마스 하트 벤튼, 파블로 피카소, 조안 미로의 작품은 폴록에게 영향을 미쳤습니다.[43][44][45] 폴락은 알키데나멜이라는 합성수지를 사용한 페인트를 사용하기 시작했는데, 당시에는 새로운 매체였습니다. 폴락(Pollock)은 예술가의 페인트 대신 가정용 페인트를 사용하는 것을 "필요에 의한 자연스러운 성장"이라고 설명했습니다.[46] 그는 페인트 도포기로 경화된 브러시, 스틱, 심지어 바스팅 주사기까지 사용했습니다. 폴락이 물감을 붓고 떨어뜨리는 기술은 액션 페인팅이라는 용어의 기원 중 하나라고 생각됩니다. 이 기술로 Pollock은 자신이 선택한 도구에서 캔버스로 물감이 흘러가는 자신만의 독특한 스타일의 팔림프테스트 그림을 얻을 수 있었습니다. 직립한 표면에 그림을 그리는 관습을 거부하고 모든 방향에서 자신의 캔버스를 보고 칠할 수 있게 됨으로써 새로운 차원을 더했습니다.[47]

1936년 폴락은 멕시코 벽화가 다비드 알파로 시케이로스가 운영하는 실험 워크숍에 참여했습니다.[48] 1940년대 초에서 중반까지 우크라이나계 미국인 예술가 자넷 소벨(1894-1968)의 작품을 접하기 훨씬 전에 액체 에나멜 페인트를 처음 사용한 것이 그곳이었습니다.[49] 페기 구겐하임(Peggy Guggenheim)은 1945년 그녀의 세기의 예술 갤러리(The Art of This Century Gallery)에 소벨(Sobel)의 작품을 포함시켰습니다.[50] 잭슨 폴락과 미술 평론가 클레멘트 그린버그는 1946년 그곳에서 소벨의 작품을 보았고 이후 그린버그는 소벨이 "잭슨 폴락의 물방울 그림 기법에 직접적인 영향을 미쳤다"고 언급했습니다.[51] 그의 에세이 "미국형 회화"에서 그린버그는 그 작품들이 그가 본 모든 그림 중 첫 번째 작품이라고 언급했고, "폴록은 이 그림들이 그에게 인상을 남겼다는 것을 인정했습니다."라고 말했습니다.[52]

이렇게 그림을 그리면서 폴락은 비유적 표현에서 벗어나 이젤과 붓을 사용하는 서양 전통에 도전했습니다. 그는 그림을 그리기 위해 온몸의 힘을 사용했고, 그것은 커다란 캔버스에 표현되었습니다. 1956년, 타임지는 폴락의 그림 스타일 때문에 "잭 더 드리퍼"라고 이름 붙였습니다.[53]

제 그림은 이젤로 된 것이 아닙니다. 저는 늘지 않은 캔버스를 단단한 벽이나 바닥에 붙이는 것을 선호합니다. 단단한 표면의 저항력이 필요합니다. 바닥에서는 더 편안합니다. 이렇게 하면 그림 주변을 걷고, 네 면에서 작업하고, 말 그대로 그림 속에 있을 수 있기 때문에 더 가깝고, 더 많은 부분을 느낄 수 있습니다.

저는 이젤, 팔레트, 붓 등과 같은 일반적인 화가의 도구에서 계속 더 멀리 떨어져 있습니다. 저는 막대기, 두루마리, 칼, 떨어지는 액체 페인트 또는 모래, 깨진 유리 또는 기타 이물질이 추가된 무거운 임파스토를 선호합니다.

그림을 그릴 때는 제가 무엇을 하고 있는지 모릅니다. 일종의 '친한' 기간이 지나고 나서야 제가 어떤 일을 했는지 알 수 있습니다. 그림에 나름의 생명이 있기 때문에 변화를 주거나 이미지를 파괴하는 등의 두려움이 없습니다. 저는 그것을 통과시키기 위해 노력합니다. 그림과 연락이 끊겼을 때만 결과가 엉망이 됩니다. 그렇지 않으면 순수한 조화가 있고 쉽게 주고받을 수 있으며 그림이 잘 나옵니다.

— Jackson Pollock, My Painting, 1947[54]

폴락은 1940년대에 아메리카 원주민들의 모래 그림 시연을 관찰했습니다. 바닥에 있는 자신의 그림 스타일을 언급하며 폴락은 "이렇게 하면 그림 주위를 걷고, 네 면에서 작업하고, 말 그대로 그림에 있을 수 있기 때문에 더 가깝고 그림의 일부로 느껴집니다. 이것은 서양의 인도 모래 화가들의 방식과 비슷합니다."[55] 그의 드립 기법에 대한 다른 영향으로는 멕시코 벽화가와 초현실주의 자동주의가 있습니다. 폴락은 "사고"에 대한 의존을 부인했습니다. 그는 보통 특정 작품이 어떻게 등장하기를 원하는지에 대한 아이디어를 가지고 있었습니다. 그의 기술은 그가 통제할 수 있는 몸의 움직임, 페인트의 점성 흐름, 중력의 힘, 그리고 페인트가 캔버스에 흡수되는 것을 결합했습니다. 통제 가능한 요소와 통제 불가능한 요소가 혼합되어 있었습니다. 펄럭이고, 뚝뚝 떨어지고, 쏟아지고, 튀고, 거의 춤을 추는 것처럼 화폭 주위를 활기차게 움직이며, 보고 싶은 것을 볼 때까지 멈추지 않았습니다.

오스트리아 예술가 볼프강 팔렌(Wolfgang Paalen)이 예술가의 관점에서 토테미즘 예술의 공간 개념을 고려한 브리티시 컬럼비아(British Columbia) 원주민 토테미즘 예술에 대한 기사는 폴록(Pollock)에게도 영향을 미쳤습니다. 폴록은 서명되고 헌정된 미국 팔렌 잡지 번호(DYN 4-5, 1943)의 사본을 소유했습니다. 그는 또한 1940년 전시회에서 파알렌의 초현실주의 그림을 본 적이 있습니다.[56] 또 다른 강력한 영향은 "보이지 않는" 또는 "가능한" 것을 묘사하기 위한 새로운 방법을 찾는 화가들에게 어필한 파알렌의 초현실주의 훈증 기법이었을 것입니다. 이 기법은 한때 마타의 작업장에서 시연되었는데, 스티븐 나이페는 "한 번은 마타가 초현실주의 기법인 [폴렌] 후마지를 시연하고 있을 때 잭슨 [폴록]이 (피터) 부사를 향해 무대 속삭임으로 '나는 연기 없이도 그렇게 할 수 있다'고 말했다"고 보도했습니다.[57] 폴록의 화가 친구인 프리츠 불트먼(Fritz Bultman)은 심지어 다음과 같이 말했습니다. "이 모든 것을 시작한 것은 볼프강 팔렌이었습니다."[58]

1950년, 젊은 사진작가인 한스 나무스(Hans Namuth)는 직장에서 폴락(Pollock)의 스틸 사진과 움직이는 사진을 찍고 싶었습니다. 폴락은 특히 사진 촬영 시간을 위해 새로운 그림을 시작하기로 약속했지만, 나뮈스가 도착했을 때 폴락은 사과하고 그림이 완성되었다고 말했습니다.

사진작가 한스 나뮈(Hans Namuth)는 폴록의 독특한 그림 기법을 광범위하게 기록했습니다.

나무스는 스튜디오에 들어섰을 때 이렇게 말했습니다.

물방울이 뚝뚝 떨어지는 젖은 캔버스가 바닥 전체를 뒤덮었습니다. 완전한 침묵이 흘렀다... 폴락은 그림을 보았습니다. 그리고는 뜻밖에도 캔과 그림 붓을 집어 들고 캔버스 주위를 돌기 시작했습니다. 마치 그가 그림이 완성되지 않았다는 것을 갑자기 깨달은 것 같았습니다. 처음에는 느렸던 그의 움직임은 점점 더 빨라졌고, 마치 그가 검고, 하얗고, 녹슨 색의 물감을 캔버스에 던지듯이 더 춤을 추었습니다. 그는 리와 내가 그곳에 있었다는 것을 완전히 잊었습니다. 그는 카메라 셔터가 딸깍거리는 소리를 듣지 못한 것 같았습니다. 제 사진 촬영 시간은 그가 계속 그림을 그리는 한 30분 정도 지속되었습니다. 그 모든 시간 동안 폴락은 멈추지 않았습니다. 어떻게 하면 이 수준의 활동을 유지할 수 있을까요? 마지막으로 그는 "이거다"라고 말했습니다.

폴락의 가장 훌륭한 그림들... 그의 전체적인 선이 긍정적이거나 부정적인 영역을 낳지 않는다는 것을 밝히십시오. 우리는 캔버스의 한 부분이 지면으로 읽히는 다른 부분에 대해 추상적이든 표상적이든 도형으로 읽히도록 요구하지 않습니다. 폴락의 선이나 이동하는 공간의 내부나 외부는 없습니다... Pollock은 세계의 사물을 표현하는 기능뿐만 아니라 캔버스 표면에 추상적이든 표현적이든 모양이나 도형을 묘사하거나 경계를 짓는 작업에서도 선을 자유롭게 할 수 있었습니다.

— Karmel, 132

이름 지정부터 번호 지정까지

자신의 그림에서 비유적인 요소를 찾는 관람자의 탐색을 계속 피하면서 폴락은 제목을 버리고 자신의 작품에 번호를 매기기 시작했습니다. 그는 이에 대해 "[L]은 수동적으로 보고 그림이 제공하는 것을 받으려고 노력하고 주제나 무엇을 찾고자 하는지에 대한 선입견을 가져오지 않습니다."라고 말했습니다. 그의 아내는 "그는 그의 사진에 관습적인 제목을 붙이곤 했습니다... 하지만 지금은 단순히 숫자를 매깁니다. 숫자는 중립입니다. 그들은 사람들로 하여금 그림이 무엇인지를 보게 합니다. 순수한 그림이죠."[46]

비판적 논쟁

폴락의 작품은 중요한 비판적 논쟁의 대상이 되어 왔습니다. 평론가 로버트 코츠(Robert Coates)는 폴록(Pollock)의 여러 작품들을 "무작위 에너지의 조직적이지 않은 폭발일 뿐이며 따라서 무의미하다"고 조롱한 적이 있습니다.[59] 레이놀드 뉴스는 1959년 헤드라인에서 "이것은 예술이 아닙니다. 나쁜 취향의 농담입니다."라고 말했습니다.[60] 반면 프랑스 추상화가 장 엘리옹은 폴락을 처음 본 순간 "시작도 끝도 없었기 때문에 계속해서 공간을 채웠습니다."라고 말했습니다.[61] 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)는 형식주의적 근거로 폴록(Pollock)의 연구를 지지했습니다. 형식적으로는 진보적인 정화, 역사적 내용의 제거로 미술사를 바라보는 그린버그의 시각과 잘 맞아 떨어집니다. 그는 폴록의 작품을 당대 최고의 그림이자 입체파와 세잔에서 마네까지 이어지는 서양 전통의 절정이라고 여겼습니다.

1952년 ARTnews에 실린 기사에서 해럴드 로젠버그는 "액션 페인팅"이라는 용어를 만들고 "화폭 위에 올라갈 것은 그림이 아니라 사건이었다. '그저 그림을 그리기 위해' 그림을 그리기로 결정한 큰 순간이 왔습니다. 캔버스의 제스처는 정치적, 미학적, 도덕적 가치로부터의 해방의 제스처였습니다." 많은 사람들은[who?] 그가 폴락을 본떠서 자신의 "액션 화가" 패러다임을 만들었다고 추측했습니다.[62]

중앙정보국(CIA)의 후원을 받는 미국의 문화와 가치를 홍보하기 위한 단체인 문화자유회의는 폴락의 작품 전시회를 후원했습니다. 에바 콕크로프트를 포함한 일부 좌파 학자들은 미국 정부와 부유한 엘리트들이 폴록과 추상적 표현주의를 수용하여 미국을 세계 예술의 선두에 놓고 사회주의 리얼리즘을 평가절하했다고 주장했습니다.[60][63] 콕크로프트는 폴록이 "냉전의 무기"가 되었다고 썼습니다.[64]

폴록은 그의 예술을 "우주에서 체포된 움직임은 눈에 보이는 기억을 만듭니다"라고 설명했습니다.[65]

유산

영향을 주다

폴록의 날것의 캔버스 염색은 컬러 필드 화가 헬렌 프랭켄탈러와 모리스 루이스에 의해 각색되었습니다. 프랭크 스텔라(Frank Stella)는 1960년대 작품의 특징인 "전체 작곡"을 만들었습니다. 조셉 글래스코는 1949년 알폰소 오소리오에 의해 폴록에 소개되었습니다.[66] 그의 일생 동안, 글래스코는 폴록의 예술적인 영향에 대해 계속 반성했습니다, 특히 1970년대 초에서 중반까지 그의 스타일이 리듬과 과정에 중점을 두고 전체 콜라주 그림으로 바뀌었습니다.[67] 해프닝스의 예술가 앨런 카프로, 조각가 리처드 세라, 에바 헤세, 그리고 많은 현대 예술가들은 폴록의 창작 과정에 대한 강조를 유지해 왔습니다; 그들은 그의 작품의 외관보다 과정에 대한 그의 접근 방식에 영향을 받았습니다.[68]

2004년, One: 31 Number 1950은 500명의 예술가, 큐레이터, 비평가, 그리고 딜러들을 대상으로 한 여론조사에서 현대 미술 작품 중 8번째로 영향력 있는 작품으로 선정되었습니다.[69]

대중문화와 미디어에서

1990년대 초, 세 그룹의 영화 제작자들은 각기 다른 출처에 기반을 둔 폴락 전기 프로젝트를 개발하고 있었습니다. 처음에 가장 발전된 것처럼 보였던 프로젝트는 Barbra Streisand의 Barwood Films와 Robert De Niro의 TriBeCa Productions (De Niro의 부모님은 Krasner와 Pollock의 친구였습니다) 간의 합작이었습니다. 크리스토퍼 클리블랜드가 쓴 이 대본은 1985년 제프리 포터의 구술 전기인 폴록의 친구들이 회상한 모음집인 폭력의 무덤으로를 바탕으로 한 것이었습니다. 스트라이샌드는 리 크라스너 역을 맡았고, 드 니로는 폴락 역을 맡았습니다. 두 번째는 폴록이 죽기 전 6개월 동안 연인이었던 루스 클리그먼의 회고록인 러브 어페어(1974)를 바탕으로 한 것이었습니다. 이것은 해롤드 베커가 감독하고 알 파치노가 폴록을 연기했습니다.[70]

2000년, 전기 영화 폴락은 퓰리처상을 수상한 전기인 잭슨 폴락을 기반으로 합니다. 에드 해리스가 감독하고 주연을 맡은 아메리칸 사가(American Saga)가 개봉했습니다. 마르시아 게이 하든(Marcia Gay Harden)은 리 크라스너(Lee Krasner) 역으로 아카데미 여우조연상을 수상했습니다. 그 영화는 아카데미 남우주연상 후보에 오른 해리스의 프로젝트였습니다. 해리스는 영화에서 본 작품들을 직접 그렸습니다.[71] Pollock-Krasner 재단은 어떤 생산도 허가하거나 협력하지 않았습니다.[70]

2009년 9월, 미술사학자 헨리 아담스(Henry Adams)는 스미스소니언 잡지에서 폴락(Pollock)이 그의 유명한 그림인 벽화(Mural, 1943)에 그의 이름을 썼다고 주장했습니다.[72] 이 그림은 현재 미화 1억 4천만 달러에 보험에 가입되어 있습니다. 2011년 공화당의 아이오와 주 하원의원 스콧 래커는 장학금을 지원하기 위해 아이오와 대학이 보유한 이 예술품의 판매를 강제하는 법안을 발의했지만, 그의 법안은 이처럼 논란을 일으켜 금세 철회됐습니다.[18][73]

아트마켓

1973년 호주의 고프 휘틀럼 정부가 호주 국립 미술관을 위해 구입한 11번 1952(Blue Poles라고도 함)은 200만 달러(결제 당시 130만 호주 달러)에 구입되었습니다. 이것은 지금까지 현대화에 지불된 가장 높은 가격이었고 그 그림은 현재 가장 인기 있는 전시품 중 하나입니다.[74] 이 작품은 현실 세계에 대한 덧없는 언급만을 담고 있으며 블루 폴스는 자율 예술의 대표가 되었습니다.[75] 블루 폴스는 1998년 뉴욕 현대미술관 회고전의 중심 작품으로, 이 그림이 구매된 이후 미국에서 처음으로 전시되었습니다.

2006년 11월, 폴록의 1948년 5호는 공개되지 않은 구매자에게 미화 1억 4천만 달러에 개인적으로 팔렸을 때 세계에서 가장 비싼 그림이 되었습니다. 또 다른 작가 기록은 2004년에 세워졌는데, 1950년 베니스 비엔날레에서 미국 파빌리온에서 선보였던 중형 물방울 그림 12호(1949)가 뉴욕 크리스티에서 미화 1,170만 달러에 낙찰되었습니다.[76] 레드, 옐로우, 블루, 화이트의 샷이 가미된 은회색 음영의 드립과 붓질의 조합 중 하나인 1951년 28호는 뉴욕 크리스티에서도 2,050만 달러에 팔렸습니다.수수료 포함 미화 2,300만 달러 - 예상 범위는 미화 2,000만 달러에서 3,000만 달러입니다.[77]

2013년, 폴록의 넘버 19(1948)는 경매에서 58,363,750달러에 팔렸고, 하룻밤에 총 4억 9,500만 달러의 판매고에 도달했으며, 크리스티는 이를 현재까지 가장 비싼 현대 미술 경매로 기록하고 있습니다.[78]

2016년 2월 블룸버그 통신은 케네스 C를 보도했습니다. 그리핀은 데이비드 게펜(David Geffen)으로부터 잭슨 폴록(Jackson Pollock)의 1948년 그림 '넘버 17A'를 2억 달러에 구입했습니다.[79]

2023년, 국제 경찰 기관이 국제 예술품 밀수업자들을 추적할 수 있었던 후 불가리아에서 알려지지 않은 폴락 그림이 발견된 것으로 알려졌습니다. 이 그림의 가치는 최대 5천만 유로에 달하는 것으로 알려졌습니다.[80]

진위여부 문제

Pollock-Krasner 인증 위원회는 1978년 카탈로그에 대한 추가 보완 사항을 위해 새로 발견된 작품을 평가하기 위해 1990년 Pollock-Krasner 재단에 의해 만들어졌습니다.[81] 그러나 과거에는 폴락-크라스너 재단이 인증 사건에 관여하는 것을 거부했습니다.[82]

2006년, 1992년 캘리포니아의 한 중고품 가게에서 추상화를 5달러에 구입한 트럭 운전사 테리 호튼에 관한 다큐멘터리 "Who the $$BODY$$amp;% Is Jackson Pollock?"이 제작되었습니다. 이 작품은 잃어버린 폴락화일 수도 있지만, 그 진품에 대해서는 논란이 되고 있습니다. 토마스 호빙(Thomas Hoving)은 다큐멘터리에 나와 있으며 이 그림이 폴락(Pollock)이 결코 사용하지 않은 프라이밍 캔버스(primed canvas)에 있다고 말합니다.

뉴욕에 본사를 둔 크노들러 갤러리가 2007년 런던 헤지펀드 억만장자인 피에르 라그랑주에게 1천700만 달러에 팔았던 '무제 1950'이 미국 뉴욕 남부지방법원에 진품 소송 대상이 됐습니다. 화가의 고전적인 드립 앤 스플래시 스타일로 제작되었으며, "J. Pollock"이라는 서명이 붙은 이 수수한 크기의 그림(15 x 28 1/2인치)은 1970년경까지 상업적으로 이용할 수 없는 노란색 페인트 안료를 포함하고 있는 것으로 밝혀졌습니다.[83] 이 소송은 2012년 비밀 계약으로 해결되었습니다.[84]

프랙탈 컴퓨터 분석

1999년 물리학자이자 예술가인 리처드 테일러(Richard Taylor)는 컴퓨터 분석을 사용하여 폴록의 채색 패턴과 자연 경관에서 발견되는 프랙탈(여러 크기의 척도로 반복되는 패턴) 사이의 유사성을 보여주었으며,[85] 이는 폴록 자신의 말인 "나는 자연이다"를 반영합니다.[86] 그의 연구팀은 폴록의 스타일 프랙탈 표현주의라고 이름 붙였습니다.[87]

2003년, 뉴욕 웨인스콧의 한 사물함에서 24점의 폴로케스크 그림과 드로잉이 발견되었습니다. 2005년 폴락-크라스너 재단은 진위 논쟁에서 처음으로 프랙탈 분석을 사용할 것을 요청했습니다.[88][89][90][91][92] 오레곤 대학의 연구원들은 이 기술을 사용하여 분석된 여섯 점의 논쟁적인 그림들과 14점의 확립된 폴락들의 패턴들 사이의 차이점들을 알아냈습니다.[88] 하버드 대학 연구원들이 그림을 분석한 결과, 1980년대까지 특허를 받지 못한 합성 색소의 그림 한 점과 폴록의 일생 동안 사용할 수 없었던 다른 두 점에 존재하는 것으로 나타났습니다.[93][94]

2007년, 이 그림들에 대한 순회 박물관 전시회가 설치되었고, 1990년대의 전 폴락 크라스너 재단 인증 패널 출신의 4명의 현직 학자 중 한 명인 엘렌 G. 랜도와 추상 표현주의 학자인 클로드 세르누스키가 쓴 포괄적인 책인 폴락 매터스(Pollock Matters)가 동행했습니다. 이 책에서 란다우는 그림을 소유한 가족과 잭슨 폴락이 생전에 그 그림들을 그녀가 생각하기에 그들의 적절한 역사적 맥락에 배치하기 위한 많은 연관성을 보여줍니다. 란다우는 또한 하버드 대학의 법의학적 발견을 제시하고 24점의 그림 중 3점에서 발견된 법의학적 불일치에 대한 가능한 설명을 제시합니다.[95][96] 그러나 현대 안료 중 하나를 발명한 과학자는 폴락이 이 페인트를 사용했을 가능성을 "환상에 가까울 정도는 아니다"라고 일축했습니다.[citation needed]

그 후 10개 이상의 과학 그룹이 50개 이상의 폴록의 작품에 대해 프랙탈 분석을 수행했습니다.[97][98][99][100][101][102][103][104][105][106] 프랙탈 분석을 기술 중 하나로 사용한 2015년 연구는 진짜와 가짜 폴락을 구별하는 93%의 성공률을 달성했습니다.[107] 프랙탈 표현주의에 대한 현재의 연구는 프랙탈을 보는 것에 대한 인간의 반응에 초점을 맞추고 있습니다. 인지 신경 과학자들은 폴록의 프랙탈이 컴퓨터로 생성된 프랙탈과 자연적으로 발생하는 프랙탈과 동일한 스트레스 감소를 관찰자에게 유도한다는 것을 보여주었습니다.[108][109]

아카이브

리 크라스너(Lee Krasner)는 1983년 폴록(Pollock)의 논문을 미국 예술 아카이브(Archives of American Art)에 기증했습니다. 그것들은 나중에 그녀 자신의 서류와 함께 보관되었습니다. 미국 예술 기록 보관소는 또한 그의 형제 잭슨과 관련된 서신, 사진 및 기타 파일을 포함하는 찰스 폴락(Charles Pollock) 문서를 보관하고 있습니다.[citation needed]

1985년에는 별도의 단체인 폴락-크라스너 재단이 설립되었습니다. 이 재단은 폴록과 그의 미망인 모두를 위한 공식적인 사유지 역할을 하지만 크라스너의 유언에 따라 "재정적 필요가 있는 공로가 있는 개인 예술가들을 돕기 위한" 역할을 합니다.[110] Pollock-Krasner 재단의 미국 저작권 대표는 Artist Rights Society입니다.[111]

폴락-크라스너 하우스 앤 스튜디오는 스토니브룩 대학교의 비영리 계열사인 스토니브룩 재단이 소유하고 관리합니다. 집과 스튜디오의 정기적인 투어는 5월부터 10월까지 진행됩니다.[citation needed]

주요 작품 목록

1946년부터 1953년까지 뉴욕 스프링스에 있는 폴록의 스튜디오 플로어.

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