코믹 오페라

때때로 가벼운 오페라로 알려진 코믹 오페라는 가볍거나 코믹한 성질의 노래된 극적 작품이며, 대개 해피엔딩으로 끝나며 종종 회화적인 대화를 포함한다.

코믹 오페라의 형태는 17세기 후반 이탈리아에서 처음 발전했다.1730년대까지 오페라 세리아의 대안으로 새로운 오페라 장르인 오페라 부파가 등장했다.그것은 프랑스로 빠르게 진출했고, 그곳에서 오페라의 희곡이 되었고, 결국 다음 세기에 자크 오펜바흐를 가장 뛰어난 연주자로 하여 프랑스 오페레타가 되었다.

이탈리아어와 프랑스어의 영향은 유럽의 다른 지역으로 확산되었다.많은 나라들이 그들만의 음악적 전통과 함께 이탈리아와 프랑스 모델들을 통합하면서 그들만의 장르의 코믹 오페라를 개발했다.예를 들어 독일의 싱피엘, 비엔나 오페라, 스페인의 자르주엘라, 러시아 코믹 오페라, 영어 발라드와 사보이 오페라, 북미 오페레타와 뮤지컬 코미디가 있다.

이탈리아 오페라 부파

17세기 후반 이탈리아에서는 가벼운 음악극이 오페라 세리아(17세기 고전신화에 기반을 둔 이탈리아 오페라)의 대안으로 제공되기 시작했다.알레산드로 스트라델라의 일 브라이놀로 투토레는 오페라 부페의 초기 선구자였다.이 오페라는 희극적인 줄거리를 가지고 있으며, 우스꽝스러운 수호자 브라이놀로와 하녀 데스피나의 캐릭터들은 나중에 오페라 부파 장르에서 널리 사용되는 캐릭터들의 원형이다.

그 형태는 알레산드로 스카를라티의 일 트리온포 델로노레(1718)와 함께 나폴리에서 번성하기 시작했다.처음에 나폴리 사투리로 쓰여진 이 작품들은 스카를라티, 페르골레시(La serva padrona, 1733), 갈루피(Il filosofo di campagna, 1754), 피치니(La Cecchina, 1760), 파이시엘로(Paisiillimona, 1789), 치마로사(Cimarosa)의 오페라와 함께 "이 되었다..

처음에, 코믹 오페라는 일반적으로 더 진지한 작품들 사이의 인터메지로 표현되었다.나폴리인과 그 당시 이탈리아 코믹 오페라는 독립적인 형태로 성장했고 약 1750년부터 1800년까지 이탈리아에서 가장 인기 있는 무대 엔터테인먼트의 형태가 되었다.페르골레시가 죽은 지 13년이 지난 1749년, 그의 라 세르바 파드로나가 이탈리아와 프랑스를 휩쓸면서 루소와 같은 프랑스 계몽주의자들의 찬사를 받았다.

1760년, 니콜로 피치니는 위대한 베네치아의 극작가 카를로 골도니의 텍스트에 맞춰 라 체치나에게 곡을 썼습니다.그 텍스트는 새뮤얼 리처드슨의 인기 있는 영어 소설 파멜라, 또는 덕후 보상 (1740)에 바탕을 두고 있다.수년 후, 베르디는 라체치나를 "최초의 진정한 이탈리아 코믹 오페라"라고 불렀습니다. 즉, 그것은 모든 것을 가지고 있었습니다: 그것은 사투리가 아닌 표준 이탈리아어로 되어 있었습니다; 그것은 더 이상 단순한 인터메조가 아니라 오히려 독립적인 작품이었습니다; 그것은 사람들이 좋아하는 실제 이야기를 가지고 있었습니다; 그것은 극적인 다양성을 가지고 있었고, 음악적으로, 심지어 강한 멜로디와 심지어 s를 가지고 있었습니다.강한 '스탠드 아론' 서곡을 포함한 관현악 파트를 지원하는 트롱(즉, 서곡을 독립된 관현악곡으로 즐길 수도 있습니다.베르디는 또한 음악이 남부 이탈리아인에 의한 것이고 북부인이 보낸 텍스트이기 때문에 베르디의 범이탈리아적 비전에 호소했다.

이 장르는 19세기 전반 지오아치노 로시니(Gioachino Rossini)에 의해 세비야의 이발사(1816)와 라 체렌톨라(1817)와 같은 그의 작품에서, 그리고 엘리시르 다모레의 개타노 도니제티(1832)와 돈 파스칼레(1843년)에 의해 더욱 발전되었지만, 19세기 중반에는 쇠퇴하였다.

프랑스 오페라의 희곡과 오페라

프랑스 작곡가들은 이탈리아 모델을 오페라 코미크라고 부르며 열심히 붙잡아 그들만의 모델로 만들었다.초기 지지자들은 이탈리아의 이지디오 뒤니, 프랑수아-앙드레 필리도르, 피에르-알렉산드레 몽시그니, 앙드레 그레트리, 프랑수아-아드리앙 뵈엘디외, 다니엘 프랑수아 오베르, 아돌프 아담을 포함했다.원래 덜 진지한 작품들을 위해 남겨져 있었지만, 오페라 코미크라는 용어는 어떤 의미에서도 코믹하지 않은 셰루비니의 메데와 비제의 카르멘과 같은 작품들을 포함하여, 회화 대화를 포함하는 모든 오페라를 가리키게 되었다.

Florimond Hervé는 프랑스 오페라 부페, 즉 오페레트의 ^[1]발명가로 알려져 있다.같은 모델로 작업한 Jacques Offenbach는 90편이 넘는 오페라를 써서 그를 빠르게 능가했다.초기 프랑스 코믹 오페라가 감정과 유머가 뒤섞인 반면, 오펜바흐의 작품은 오로지 재미를 주기 위한 것이었다.일반적으로 잘 만들어지고 유머러스한 풍자와 웅장한 오페라 패러디로 가득 차 있지만, 그의 작품 속 줄거리와 인물들은 종종 서로 교환할 수 있었다.그가 일하는 광란의 속도로 볼 때, 오펜바흐는 때때로 하나 이상의 오페라에서 같은 소재를 사용했다.이 형태를 취한 또 다른 프랑스인은 찰스 르코크였다.

독일 싱피엘과 비엔나 오페레타

싱글피엘은 18세기 비엔나에서 발전하여 오스트리아와 독일 전역으로 퍼져나갔다.프랑스 오페라의 희곡에서와 같이, 싱글피엘은 대화하는 오페라였고, 모차르트의 Die Entführung aus dem Serail (1782년)과 마법피리 (1791년)와 같은 보통 코믹한 주제였다.베토벤의 피델리오 (1805)와 베버의 데르 프라이슈츠 (1821)와 같은 이후 싱글들은 그 형태를 유지했지만, 더 심각한 주제를 탐구했다.

19세기 비엔나 오페레타는 싱글피엘과 프랑스 모델 둘 다로 지어졌다.프란츠 폰 수페는 주로 그의 제안으로 기억된다.요한 슈트라우스 2세는 "왈츠 왕"으로 디 피더마우스(1874)와 집시 남작(1885)을 기고했다.Theater an der Wien의 오랜 지휘자인 Carl Millöcker는 또한 Der Betelstudent, Gasparone 그리고 Der Arme Jonathan을 포함한 19세기 후반의 가장 인기 있는 오페레타를 작곡했다.

20세기 이후 프란츠 레하르는 <즐거운 과부>(1905)를 썼다.오스카 스트라스는 아인 발츠트라움 ("A Waltz Dream")과 초콜릿 솔져 (1908)를 제공했고, 에메리치 칼만은 디 크사르다스퓌르스틴(1915)을 작곡했다.

스페인 자르주엘라

17세기에 스페인에서 소개된 자르주엘라는 인기 있는 스페인 전통 뮤지컬 극장에 뿌리를 두고 있다.그것은 말하는 장면과 노래하는 장면을 번갈아 가며, 후자는 춤을 포함하며, 합창곡과 유머러스한 장면들은 대개 듀엣이다.이 작품들은 대중들에게 어필하기 위해 비교적 짧고 티켓 가격도 저렴했다.자르주엘라에는 두 가지 주요 형태가 있습니다: 바로크 자르주엘라 (1630년–1750년 경)와 낭만적인 자르주엘라 (1850년 경–1950년 경)는 게네로 그란데와 게네로 치코의 두 하위 장르로 더 나눌 수 있습니다.

페드로 칼데론 데 라 바르카는 "엘 골포 데 라스 사이레나스"라는 작품에서 자르주엘라라는 용어를 사용한 최초의 극작가였다.로페 드 베가는 곧 라 셀바 신 아모르, 드라마 콘 오르케스타라는 제목의 작품을 썼다.악기 오케스트라는 관객으로부터 숨겨졌고, 배우들은 화음을 맞춰 노래를 불렀으며, 음악 구성 자체는 감정적인 반응을 불러일으키기 위한 것이었다.이 초기 작품들 중 일부는 사라졌지만, 1672년에 초연된 후안 히달고와 후안 벨레스의 로스 셀로스 하켄 에스트렐라("Jealousies Turn Into Stars")가 남아 있어 17세기 장르가 어땠는지 알 수 있다.

18세기에 이탈리아 오페라 스타일은 자르주엘라에 영향을 미쳤다.그러나 부르봉 왕 샤를 3세의 통치 이후 반이탈리아 정서가 고조되었다.자르주엘라는 돈 라몬 데 라 크루즈의 성당과 같은 작품에서 인기 있는 스페인의 전통으로 돌아왔다.이 장르에서 이 작가의 첫 번째 작품은 로드리게스 데 히타의 음악을 담은 "Las segadoras de Vallecas" (1768년)이다.

단막 자르주엘라는 "작은 장르" 또는 "작은 형식"인 게네로 치코로 분류되었고, 3막 이상의 자르주엘라는 "큰 장르" 또는 "큰 형식"인 게네로 그란데로 분류되었다.자르주엘라 그란데는 마드리드 테아트로 데 라 자르주엘라 데 마드리드에서 계속 싸웠지만, 거의 성공적이지 못했고 관중도 적었다.그럼에도 불구하고, 1873년 자르주엘라 그란데를 위해 새로운 극장인 테아트로 아폴로(Teatro Apolo)가 문을 열었는데, 이 극장은 자르주엘라 극장의 실패를 공유했고, 결국 그 프로그램을 게네로 치코 극장으로 변경해야만 했다.

러시아 희극

1731년 러시아에서 처음 상연된 오페라는 이탈리아 작곡가 조반니 알베르토 리스토리의 희극 오페라였다.이어 갈루피, 페이시에로, 시마로사 등 다른 이탈리아인과 벨기에/프랑스 작곡가 그레트리의 코믹 오페라가 이어졌다.

최초의 러시아 코믹 오페라는 아뉴타였다.이 텍스트는 미하일 포포프가 작곡했고, 무명의 작곡가가 작곡했으며, 리브레토에 명시된 인기 있는 노래 선곡으로 구성되어 있다.또 다른 성공적인 희극인 마법사, 사기꾼, 중매쟁이였던 방앗간꾼은 루소의 데빈과 비슷한 주제를 다룬 알렉산더 아블레시모프의 텍스트로 미하일 소콜롭스키의 작품이다.이반 케르젤리, 바실리 파슈케비치, 그리고 예브스티니 포민도 18세기에 성공적인 코믹 오페라를 썼다.

19세기에 러시아 희극은 알렉세이 베르스토프스키에 의해 더욱 발전되었는데, 그는 30개 이상의 오페라 보드빌과 6개의 그랜드 오페라(대화음 포함)를 작곡했다.이후 모데스트 무소르그스키는 두 편의 희극 오페라 소로친치에서의 요정(The Fair at Sorchyntsi)과 셰니트바(The Marriage)를 작업했는데, 이 두 작품은 20세기에 완성되었다.표트르 차이코프스키는 희극 오페라 체레비치키를 썼다.니콜라이 림스키 코르사코프는 1878년-1879년 메이 나이트와 1906년-1907년 황금닭을 작곡했다.

20세기에 러시아 작곡가들에 의한 희극 오페라의 가장 좋은 예는 이고르 스트라빈스키의 마브라와 갈퀴의 진보, 세르게이 프로코피예프의 세 개의 오렌지에 대한 사랑 그리고 수도원의 베트로탈 그리고 드미트리의 쇼스트리였다.동시에, 경음악, 오페레타, 뮤지컬 코미디, 그리고 나중에는 록 오페라의 장르는 이사크 두나예프스키, 드미트리 카발레프스키, 드미트리 쇼스타코비치(오페라 105: 모스크바, 체료무시키, 3막 오페레타, 티콘 크렌코브, 나중에 글래디노프)와 같은 작곡가들에 의해 발전되었다.

21세기 러시아 코믹 오페라는 "오페라-극"으로 묘사될 수 있는 두 작품의 시끄러운 초연으로 시작되었다.차르 데미안 – 무서운 오페라 공연.레오니드 데야트니코프, 비야체슬라프 가이보론스키 등 5명의 저자로 구성된 공동 프로젝트가 이 작품을 썼다. 모스크바 출신의 페테르부르크, 이라다 유수포바, 블라디미르 니콜라예프, 그리고 유명한 음악 평론가 표트르 포스펠로프의 필명인 창작 집단 콤포지터.이 대본은 민속극 차르 막시밀리얀에 바탕을 둔 엘레나 폴레노바의 작품으로 2001년 6월 20일 상트페테르부르크의 마린스키 극장에서 초연되었다.상 '골드 마스크, 2002'와 '골드 소핏, 2002'

레오니드 데야트니코프의 2막 오페라 '로젠탈의 아이들'과 블라디미르 소로킨의 대본.이 작품은 볼쇼이 극장의 의뢰로 2005년 3월 23일에 초연되었다.그 오페라의 상연에는 흥미진진한 스캔들이 뒤따랐지만 엄청난 성공을 거두었다.

영국 발라드와 사보이 오페라

영국은 경쾌한 오페라의 전통을 발라드 오페라로 거슬러 올라가는데, 발라드 오페라는 일반적으로 인기 있는 곡에 맞춰진 노래를 혼합한 희극이다.존 게이의 '거지의 오페라'는 이것들 중 가장 초기 작품이고 가장 인기가 있었다.리처드 브린슬리 셰리던의 듀에나(1775년)는 토마스 린리의 악보로 분명히 "만화 오페라"^[2][3]로 묘사되었다.

19세기 후반까지, 런던 뮤지컬 무대는 판토마임과 뮤지컬 버렐레스크뿐 아니라, 거칠고 잘못 번역된 대륙 오페레타들에 의해 지배되었고, 종종 매우 까다로운 관심을 보이는 "발레"를 포함하여, 극장을 방문하는 것은 존경할 만한 대중들, 특히 여성과 아이들에게 혐오감을 느끼게 되었다.아저씨와 아줌마.1855년부터 시작된 토마스 저먼 리드와 다른 많은 영국인들은 뮤지컬 극장의 지저분한 상태를 개탄하고 가족 친화적이고 음악 오락의 지적 수준을 높이기 위해 고안된 짧은 코믹 오페라를 선보였다.제시 본드는 이렇게 썼다.

무대는 썰물이었고 엘리자베스의 영광과 조지아의 인공은 모두 과거로 사라졌고, 비극과 저속한 익살은 연극인들이 선택해야 할 전부였고, 극장은 정의로운 영국 가정주에게 악명 높은 장소가 되었다.이 격차를 메우기 위한 첫 번째 노력은 독일 리드 ^[4]엔터테이너스에 의해 이루어졌다.

그럼에도 불구하고, 1867년에 제작된 오펜바흐의 게롤슈타인 여대공작(프랑스 초연 7개월 후)은 보다 세심하게 제작된 리브레토와 악보로 가벼운 오페라에 대한 영국인들의 욕구에 불을 지폈고, 1860년대와 1870년대 영국에서는 레스 클로체 드 콘을 포함한 유럽 대륙 오페레타가 계속해서 큰 인기를 끌었다.종종 H. B. Farnie와 Robert Reice에 ^[3]의해 각색된 1880년대의 Eville, Madame Favart 및 기타.F. C. 버넌드는 1860년대와 1870년대에 영국 주제에 대한 몇 편의 희극 오페라를 쓰기 위해 콕스와 박스의 아서 설리번을 포함한 여러 작곡가들과 협력했다.

1875년 대륙 오페레타에 대한 대응책으로 프레데릭 클레이와 에드워드 솔로몬과 같은 작곡가에 의해 가족 친화적인 경극의 영어 학교를 설립하려는 인상파 중 한 명인 리처드 도일리 카트는 클레이의 협력자인 W.S. 길버트와 유망한 젊은 작곡가 아서 설리번에게 짧은 글을 의뢰했다.오펜바흐의 '라 페리콜'의 애프터피스로 쓰일 테 오페라그 결과는 배심원 재판이었고, 그 성공으로 길버트와 설리번의 파트너십이 시작되었다.'미스터 R. 도일리 카르트의 오페라 부페 컴퍼니'는 오펜바흐와 알렉상드르 샤를 르코크의 프랑스 작품과 함께 순회공연을 가졌다.프랑스식 무대의 영향으로부터 영국 무대를 해방시키고자 하는 열망과 배심원 재판의 성공에 힘입어 카르테는 1877년 ^[5]"합법적인 종류의 가벼운 오페라"를 공연하기 위해 신디케이트 by Jury의 성공에 용기를 얻었다.길버트와 설리번은 세계적으로 인기를 끈 H.M.S. 피나포어, 펜잔스의 해적 그리고 미카도를 포함한 사보이 오페라로 알려지게 된 시리즈를 시작하면서 새로운 코믹 오페라인 마법사를 쓰도록 의뢰받았다.도이 카르테 오페라단은 1982년 문을 닫을 때까지 길버트와 설리번을 거의 지속적으로 공연했다.

길버트와 설리번 스타일은 동시대의 사람들에 의해 널리 모방되었고, 작가들 스스로 1890년대에 다른 협력자들과 함께 이 스타일로 작품을 썼다.그러나 이들 중 어느 것도 지속적인 인기를 끌지 못했고, 사보이 오페라는 사실상 오늘날까지 살아남은 유일한 대표작이었다.최근에 와서야, 이러한 다른 영국 경극들 중 일부는 학자들에 의해 탐구되고 공연과 녹음을 받기 시작했다.

북미 오페레타와 뮤지컬 코미디

미국에서 빅터 허버트는 길버트와 설리번이 유명하게 만든 가족 친화적인 형식의 가벼운 오페라를 처음 접한 사람 중 한 명이었지만, 그의 음악은 유럽 오페레타 작곡가들의 영향도 받았다.1894년 아나니아스 왕자를 시작으로 한 그의 초기 작품들은 "코믹 오페라"로 불렸지만, 그의 후기 작품들은 "뮤지컬 엑스트라바간자", "뮤지컬 코미디", "뮤지컬 플레이", "뮤지컬 익살", 그리고 심지어 "오페라 코믹"으로 묘사되었다.6개 이상의 히트곡 중 그의 가장 성공적인 두 작품은 토이랜드의 바비스와 개구쟁이 마리에타였다.^[6]

비슷한 맥락에서 글을 쓴 다른 사람들로는 Reginald de Koven, John Philip Sousa, Sigmund Romberg, 그리고 Rudolf Friml이 있었다.현대 미국 뮤지컬은 쇼 보트나 웨스트 사이드 스토리와 같은 작품들과 함께 영국과 미국의 경전극의 요소들을 통합했는데, 이 작품들은 보다 심각한 주제를 탐구했고 책, 악장, 그리고 가사가 긴밀하게 통합된 것을 특징으로 했다.

캐나다에서는 오스카 퍼디난드 텔그만과 조지 프레드릭 카메론이 길버트와 설리번 스타일의 가벼운 오페라를 작곡했습니다.왕실 사관학교인 레오가 1889년 7월 11일 온타리오 킹스턴에 있는 마틴 오페라 하우스에서 처음으로 공연되었다.

경극과 최근의 다른 형식들 사이에 선을 긋는 것은 어렵다.몇몇 작품들은 오페라 하우스에서 공연되느냐 아니면 극장에서 공연되느냐에 따라 캔디드와 스위니 토드와 같이 오페레타나 뮤지컬로 다양하게 불린다.또한, 최근 미국과 영국의 일부 뮤지컬은 예를 들어 반복되는 모티브를 포함하는 오페라 구조를 사용하며, 심지어 대화 없이 노래될 수도 있다.오케스트라 악보를 가진 사람들은 보통 "뮤지컬"로 불리고, 전자 악기로 연주되는 사람들은 종종 록 오페라로 불리고 있습니다.

메모들

외부 링크

• 툴린, 낸시"18세기 이탈리아의 진지하고 코믹한 오페라"웹 사이트 기사1991년 12월 6일
• Vor.ru 러시아 코믹 오페라 에세이
• 코믹 오페라 길드 사이트에는 번역, 오케스트레이션, 축제, 녹음 등에 대한 가벼운 오페라 정보가 포함되어 있습니다.
• 자르주엘라의 역사(Zarzuela.net)