니콜라스 푸신

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니콜라스 푸신
Nicolas Poussin 078.jpg
니콜라스 푸신, 1650년 자화상
태어난(1594-06-00)1594년 6월
프랑스 노르망디 레 안델리스 인근
죽은1665년 11월 19일 (1665-11-19) (71)
로마, 교황청(현 이탈리아)
국적프랑스
로 알려져 있다.페인팅
주목할 만한 작품
아르카디아 에고, 1637–1638
움직임고전주의
바로크

니콜라스 푸신(영국: /ˈpuːsæ/, 미국: /puːsæ/,[1][2] 프랑스어: [nikɔla push̃]; 1594년 6월 1665년 11월 19일)은 로마에서 대부분의 직장 생활을 보냈음에도 불구하고 프랑스 바로크 양식의 대표적인 화가였다. 그의 작품 대부분은 소수의 이탈리아와 프랑스 수집가들을 위해 그려진 종교적이고 신화적인 주제들에 관한 것이었다. 그는 루이 13세와 리슐리외 추기경 밑에서 국왕에게 첫 화가로 봉사하기 위해 짧은 기간 동안 파리로 돌아왔지만, 곧 로마로 돌아와 좀더 전통적인 주제를 다시 시작했다. 말년에 그는 그림 속의 풍경화에 점점 더 두각을 나타냈다. 그의 작품은 명료함과 논리, 질서가 특징이며, 색보다 선호를 더 선호하는 것이 특징이다. 20세기까지 그는 자크 루이스 데이비드, 장 오귀스트 도미니크 잉그레스, 폴 세잔과 같은 계급 지향적인 예술가들에게 주요한 영감으로 남아 있었다.

푸신의 예술적 훈련의 세부사항은 다소 불명확하다. 1612년경 그는 파리로 여행을 가서 소학사 밑에서 공부하여 초창기 생존작품을 완성하였다. 파리의 왕실 소장품에서 본 이탈리아 작품에 대한 그의 열정은 1624년 로마로 여행하게 되었고, 그곳에서 르네상스와 바로크 화가들, 특히 라파엘의 작품들을 연구했는데, 그는 그의 스타일에 강력한 영향을 끼쳤다. 그는 고전화 경향을 공유하는 많은 예술가들과 친구가 되었고, 프란체스코 바르베리니 추기경이나 항쿼리인 카시아노 달 포초와 같은 중요한 후원자들을 만났다. 푸신이 종교, 신화, 역사적 주제들을 적당히 스케일로 그린 그림들로 받은 위원회는 그가 <게르마니쿠스의 죽음>, <무고한 사람들의 학살>, 그리고 그의 두 시리즈 중 첫 번째 시리즈인 <세븐 사크라멘트>와 같은 작품들에서 그의 개인 스타일을 발전시킬 수 있도록 했다.

그는 1640년 프랑스에 돌아와 국왕에게 첫 화가가 되라는 설득을 받았으나, 과도한 업무량과 궁정의 호기심에 불만을 품고 1년 남짓 만에 영구히 로마로 돌아왔다. 그의 말년의 중요한 작품들로는 태양을 찾는 오리온 블라인드, 헤라클레스와 카쿠스가 있는 풍경, 그리고 더 시즌스가 있다.

전기

초기 – Les Andelys and Paris

니콜라스 푸신의 초기 전기 작가는 그의 친구인 지오반니 피에트로 벨로리였는데,[3] 그는 푸신이 노르망디의 레 안델리스 근처에서 태어났으며, 그가 라틴어를 포함하는 교육을 받았으며, 이것은 그를 지지해 줄 것이다. 또 다른 초기 친구이자 전기 작가인 안드레 페리비엔은 "그는 자신의 상상력만이 만들어낼 수 있는 무한한 수의 다른 인물들로 스케치북을 채우는 것을 멈추지 않고 바빴다"[4]고 보도했다. 그의 초기 스케치는 안델리스에서 얼마간의 시간을 보낸 쿠엔틴 바린의 주의를 끌었지만, 그의 전기 작가들은 그의 후기 작품들이 특히 그들의 스토리텔링, 얼굴표정의 정확성, 정교하게 칠해진 휘장, 풍부한 색상으로 바린의 영향을 보여주었음에도 불구하고 바린의 스튜디오에서 정식 훈련을 받았다는 언급은 없다.[5] 그의 부모는 그를 위해 그림 그리기에 반대했고, 인은 1612년경, 열여덟 살 때 파리로 도망쳤다.[4]

그는 마리 드 메디치가 자신의 궁전을 장식하기 위해 준 왕실의 수수료의 결과로 예술이 번창하고 있을 때, 그리고 예술을 구입한 부유한 파리 상인들의 발흥으로 파리에 도착했다. 최근 종식된 프랑스 종교전쟁 때 파괴된 파리 외곽의 교회들을 다시 꾸미고, 파리 등 여러 도시의 수많은 수녀원들을 위한 실질적인 그림 시장도 있었다. 그러나 푸신은 대부분의 예술 위원회를 독점하고, 이 직업에 침입하려는 푸신과 같은 외부인을 상대로 소송을 제기했던 화가와 조각가들의 강력한 길드의 일원이 아니었다.[6]

그의 초기 스케치는 그에게 기성 화가들의 작업실에 자리를 마련해 주었다. 그는 푸신에게는 별로 흥미가 없는 장르인 거의 독점적으로 초상화를 그린 플랑드르 화가 페르디난드 엘의 작업실에서 3개월 동안 일했다.[7] 그는 조르주 랄레망드의 작업실 옆을 옮겼지만, 랄레망드의 정확한 그림 그리기에 대한 무관심과 그의 인물들이 표현된 것은 분명 푸신에게 불쾌감을 주었다.[7] 더구나 푸신은 여러 명의 화가가 같은 그림을 작업하는 화실 체계에 잘 맞지 않았다. 그 후 그는 매우 느리고 혼자 일하는 것을 좋아했다.[6] 이 시기에 그의 파리 생활에 대해서는 알려진 바가 거의 없다. 법원 기록에 따르면 그가 지불할 수 없는 상당한 빚을 지게 되었다. 해부학과 원근법을 공부했지만 파리에서의 첫 거주에서 가장 중요한 사건은 마리 드 메디시스(Marie de Medicis)의 발레 드 샹브르인 알렉산드르 쿠르투아(Alexandre Courtois)와의 우정 덕분에 왕실 미술품을 발견한 것이었다. 그곳에서 그는 줄리오 로마노의 작품들과 특히 라파엘의 작품이 그의 미래 스타일에 막대한 영향을 미치는 것을 처음으로 보았다.[8]

그는 1617년 또는 1618년에 로마로 여행을 가려고 했으나 플로렌스까지만 여행을 하게 되었고, 그곳에서 그의 전기 작가 벨로리가 보고한 대로 "어떤 사고의 결과로 프랑스로 돌아왔다"[9][10]고 했다. 그가 돌아오자 그는 파리 교회와 수녀원을 위한 그림을 만들기 시작했다. 1622년 로마로 가려고 다시 한번 시도하였으나, 돌아오기 전에 리옹까지만 갔다. 같은 해 여름, 그는 그의 첫 번째 중요한 위촉장을 받았다: 예수회장은 그들의 창시자인 성 프란치스코 사비에의 시성화를 기리기 위해 여섯 개의 대형 그림을 연속적으로 요청했다. (잃어버린 이후) 이 그림들의 독창성과 에너지는 그에게 일련의 중요한 수수료를 가져다 주었다.[11]

마리 드 메디치의 궁정 시인인 지암바티스타 마리노는 그를 고용하여 15개의 그림 시리즈, 11개의 오비드의 변태현상[12], 4개의 로마 역사의 전투 장면들을 묘사했다. 현재 윈저 성에 있는 "마리노 그림"은 푸신의 초기 신원 확인 작품들 중 하나이다.[13] 마리노의 영향으로 마리 드 메디치의 저택인 룩셈부르크 궁전의 어느 정도 꾸미기 위한 커미션으로 이어졌고, 당시 파리 제1대 대주교였던 장 프랑수아 드 곤디로부터 파리 노트르담 대성당에 있는 대주교 가족 예배당을 위해 (잃어버린 이후) 성모 마리아의 죽음을 그린 그림을 위한 커미션으로 이어졌다. 마리노는 그를 집안으로 데리고 들어갔고, 1623년 로마로 돌아오자 푸신을 초대하여 그와 함께 했다. 푸신은 이전의 임무를 마치기 위해 파리에 남아 있다가 1624년 봄에 로마에 도착했다.[14]

로마 최초의 거주지 (1624–1640)

포신은 1624년 로마에 도착했을 때 서른 살이었다. 1623년 선출된 새 교황 우르반 8세는 유럽의 예술 수도로서 로마의 위치를 유지하기로 결심했고, 전 세계의 예술가들이 그곳에 모였다. 푸신은 라파엘과 다른 르네상스 화가들의 작품뿐만 아니라 더 최근의 카라치, 귀도 레니, 카라바조의 작품들을 연구하기 위해 교회와 수녀원을 방문할 수 있었다.[15] 도메니치노 아카데미에서 나체화술을 공부했고, 로마의 대표적인 화가들을 모아놓은 세인트루크 아카데미를 자주 다녔으며, 1624년 그의 머리는 푸신에게 숙소를 제공한 또 다른 프랑스 화가 시몬 부에트였다.[16]

푸신은 로마의 다른 예술가들과 알게 되었고 고전적인 예술적 성향에 있는 사람들, 즉 1626년에 함께 하숙했던 프랑스의 조각가 프랑수아 듀크스노이, 프랑스의 예술가 자크 스텔라, 클로드 로레인, 도메니치노, 안드레아 사키, 그리고 현재의 바로크에 반대하는 예술가들과 후원자들의 비공식 아카데미에 가입하는 경향이 있었다. 요아힘 폰 산드라르트를 중심으로 형성된 [17]스타일 로마는 또한 푸신에게 번창하는 예술 시장과 중요한 수의 예술 후원자들을 소개해주었다. 마리노를 통해 새 교황의 동생 프란체스코 바르베리니 추기경, 추기경의 비서이자 고대 로마와 그리스의 열정적인 학자 카시아노 달 포초에게 소개되었는데, 이 둘은 훗날 그의 중요한 후원자가 되었다. 새로운 미술품 수집가들은 다른 형식의 그림을 요구했다; 큰 제단이나 궁궐을 장식하는 대신에 그들은 개인적인 헌신을 위한 작은 크기의 종교 그림이나 그림 같은 풍경, 신화, 역사 그림을 원했다.[15]

로마의 푸신 초기 시절은 어려웠다. 그의 후원자 마리노는 푸신이 도착한 직후인 1624년 5월 로마를 떠나 나폴리로 향하다가 1625년 그곳에서 사망했다. 그의 또 다른 주요 후원자인 프란체스코 바르베리니 추기경은 스페인 주재 교황 공관으로 임명되었고 곧 카시아노 달 포조를 데리고 떠났다. 포신은 매독으로 병이 났지만, 진료가 극히 열악한 병원에 가지 않으려 했고, 몇 달 동안 그림을 그릴 수 없었다. 그는 가지고 있던 그림을 몇 에쿠스에 팔아서 살아남았다. 그의 가족이 그를 데리고 들어가 돌봐준 한 요리사 자크 듀게트의 도움으로 그는 1629년까지 크게 회복되었고, 1630년 더겟의 딸 안네 마리 듀게트와 결혼했다.[15] 그의 두 형제는 예술가였고, 가스파드 듀엣은 후에 푸신의 성을 빼앗았다.[18]

바베리니 추기경과 카시아노 달 포초는 1626년에 로마로 돌아왔고, 그들의 후원으로 푸신은 두 개의 주요 수수료를 받았다. 1627년 푸신은 바베리니 추기경을 위해 게르마니쿠스의 죽음(미니애폴리스 예술원)을 그렸다. 이 그림은 고대의 텍스트와 시각 자료(타키투스와 멜레거 석관의 역사), 스토아적 구속과 그림의 선명성 등을 숙달하여 주요 화가로서의 푸신의 명성을 확립했다.[19][20]

게르마니쿠스의 성공은 1628년 성 순교자를 묘사한 제단에 대한 훨씬 더 권위 있는 위원회로 이어졌다. 에라스무스, 성당의 에라스무스 성당을 위하여. 베드로의 (현재 바티칸 피나코테카에 있음) 산피에트로(Fabricca di San Pietro)는 당초 피에트로 다 코르토나(Pietro da Cortona)에게 위탁을 하였는데, 피에트로 다 코르토나는 뜻하지 않게 다른 프로젝트로 옮겨졌을 때 제단 부품에 대한 예비 디자인만 생산했다. 카시아노 달 포조의 영향 덕분에 푸신은 피에트로 다 코르토나의 독창적인 디자인에 따라 생 에라스무스 제단 조각을 그리기로 선택되었다.

대각선 구성이 곤두박질치고 서사가 높은 드라마로 '성인의 순교자'가 탄생했다. 에라스무스는 푸신의 가장 노골적인 '바로크' 작품이다.[21] 당대의 화보적 관용구를 고수함에도 불구하고, 알 수 없는 이유로 성순교자는 성순교자가 되었다. 에라스무스는 공식적인 불쾌감을 느꼈고 더 이상의 교황직을 창출하지 못한 것 같다.[22] 이러한 실망과 산 루이지 데이 프란체시에서의 프레스코 사이클 대회에서의 패배는 푸신에게 대규모의 공공 위원회와 그들이 수반하는 부담스러운 경쟁, 내용 제한, 정치적 속임수의 추구를 포기하도록 설득시켰다. 대신에, 푸신은 주제와 스타일에 대한 통제력을 증가시키면서 더 천천히 일할 수 있는 개인 수집가들에게 그의 예술의 방향을 다시 잡게 될 것이다.

Along with Cardinal Barberini and Cassiano dal Pozzo, for whom he painted the first Seven Sacraments series, Poussin’s early private patrons included the Chanoine Gian Maria Roscioli, who bought The Young Pyrrhus Saved and several other important works; Cardinal Rospigliosi, for whom he painted the second version of The Shepherds of Arcadia; and Ca플로라의 승리 (c. 1630–32, 루브르)를 받은 레이날 루이지 오모디날 루이지 오모디. 그는 은행가 빈첸초 기우스티니아니를 위한 무고한 사람들의 대학살을 그렸다; 보석 도둑이자 미술 사기꾼인 파브리지오 발가르네라는 애쉬도드의 페스트를 사서 플로라 제국에 의뢰했다. 그는 이후 이탈리아 주재 프랑스 사절인 마레찰 드 크레퀴로부터 일련의 바카날레스로 데 리슐리외 추기경으로부터 첫 프랑스 위임장을 받았다.[23]

이러한 상업적 성공에 힘입어 푸신은 1632년 아내와 자신을 위해 비아 파올리나의 작은 집에 생명 이자를 사들였고 그의 가장 생산적인 시기에 접어들었다.[23]

프랑스로 돌아가기(1641-42)

  • 1641년 루브르 성 프란치스코 사비에의 기적

  • 시기심과 불화의 공격으로부터 진리를 방어하는 시간, 1642년 루브르, 리슐리외 추기경 연구

  • 1641년 메트로폴리탄 박물관 버질(Virgil)의 작품을 위한 프런트피스

푸신의 작품이 로마에 잘 알려지자 루이 13세의 건축 감독인 수블렛 드 노이어스가 제안한 중요한 왕실 위탁을 위해 파리로 돌아가라는 초청장을 받았다. 푸신이 거절하자 노이어스는 사촌인 롤랜드 프레아르트 드 참브레이와 폴 프레아트를 로마로 보내어 푸신이 집으로 돌아오도록 설득하여 그에게 국왕에게 최초의 화가라는 칭호와 더불어 투일리스 궁전의 상당한 거처를 제공하였다. 푸신은 항복했고, 1640년 12월에 파리로 돌아왔다.[24]

푸신이 카시아노 달 포초와 로마에 있는 다른 친구들에게 보낸 서신은 그가 돈과 명예에 감사하고 있다는 것을 보여주지만, 특히 그가 느리고 신중하게 일하는 습관을 들이고 있었기 때문에 많은 수수료에 금방 압도당했다. 그의 새로운 프로젝트에는 생제르맹앙레이 성당의 예배당을 위한 성체학회와 예수회 초교 교회의 제단을 위한 성 프란치스코-자비에의 기적이 포함되었다. 또한 루브르 박물관의 천장과 금고를 관람하고, '진실'이라는 인물이 리슐리외 추기경을 위해 분명히 서 있는 가운데, '시기와 불화의 공격으로부터 진리를 수호하는 시간'이라는 주제로 리슐리외 추기경의 연구를 위한 커다란 우화적 작품을 그려달라는 요청을 받았다. 그는 또한 왕실 태피스트리의 디자인과 왕실 인쇄소의 책 앞부분을 제공할 것으로 기대되었다. 그는 또한 그의 오랜 친구 사이먼 부웨트를 포함한 다른 프랑스 화가들의 파르티안들로부터 상당한 비난을 받았다. 그는 마지막 만찬 그림(현재는 루브르 박물관에서), 8개의 고벨린 태피스트리 제조소를 위한 만화, 루브르 박물관을 위한 헤라클레스 노동자들의 제안된 그림 시리즈, 그리고 리슐리외 추기경을 위한 진실의 승리 그림(현재는 루브르에서)을 완성했다. 그는 법원의 호기심과 압도적인 수의 수수료에 점점 더 불만스러워했다. 1642년 가을, 왕과 궁정이 랑게도크의 파리를 떠나 있을 때, 그는 파리를 떠나 영원히 로마로 돌아갈 구실을 찾았다.[25]

로마에서의 마지막 해 (1642년–1665년

1642년 그가 로마로 돌아왔을 때, 그는 예술 세계가 과도기에 있다는 것을 알았다. 1644년 교황 우르반 8세가 사망하였고, 새로운 교황 인노첸시오 10세는 예술 후원에는 관심이 적었으며, 프랑스 문화보다 스페인어를 선호하였다. 푸신의 위대한 후원자인 바베리니스는 로마를 떠나 프랑스로 향했다. 그는 카시아노 달 포초와 미래의 추기경 카밀로 마시미 등 로마에 여전히 몇 명의 중요한 후원자가 있었지만 파리에서 찾은 후원자들을 위해 더 자주 그림을 그리기 시작했다. 리슐리외 추기경은 1632년 사망했고 루이 13세는 1643년 사망했으며, 푸신의 파리 후원자인 수블렛 드 노이어는 지위를 잃었지만 리슐리외 후임자인 마자린 추기경은 푸신의 작품을 수집하기 시작했다. 1643년 10월, 푸신은 파리의 투일리에 집의 가구를 팔고, 로마에서 여생을 정착하였다.[26]

1647년 로마 주재 프랑스 대사관의 비서 안드레 페리비엔은 푸신의 친구이자 그림 그리기 학생이 되어 그의 작품에 전적으로 전념하는 첫 번째 책을 출판하였다. 그의 점점 더 많은 프랑스 후원자들에는 젊은 루이 14세의 유명한 재정 감독인 니콜라스 푸켓의 동생인 아베 루이 푸케가 포함되어 있었다. 1655년 푸켓은 과거 프랑스 수수료와 함께 푸신에게 왕의 첫 화가라는 직함을 공식적으로 인정해 주었다. 푸켓에게 감사하기 위해, 푸신은 보 르 비콤테의 자신의 성당에서 푸켓이 짓고 있는 목욕탕의 디자인을 만들었다.[27]

이 시기에 푸신의 또 다른 중요한 프랑스 후원자는 1643년 로마에 와서 몇 달 동안 머물렀던 폴 프레아르트 드 샹텔루였다. 그는 푸신으로부터 1644년과 1648년 사이에 그려진 일곱 성찬의 두 번째 시리즈와 디오게네스와 함께한 그의 풍경 등 그의 가장 중요한 작품들 중 일부를 의뢰했다.[28] 1649년 그는 희극 시인 폴 스카론을 위해 성 바울의 비전을 그리고 1651년에는 두크 드 크레퀴를 위해 성가를 그렸다. 풍경화는 그의 초기 작품의 두 번째 특징이었다; 그의 후기 작품에서는 풍경화가 종종 그림의 중심 요소였다.[29]

그는 완강하고 편안한 삶을 살았고, 분명 조수들 없이 천천히 일했다. 화가 샤를 르브룬이 3년간 로마에서 그와 함께 하였고, 푸신의 작품은 르 브룬의 양식에 큰 영향을 미쳤다. 1647년 그의 후원자 샹텔루와 포인텔은 푸신의 초상화를 요청했다. 그는 1649년에 함께 완성한 두 개의 자화상을 만들면서 응답했다.[30]

그는 1650년 이후 건강이 악화되었고 손의 떨림 증세로 어려움을 겪었는데, 이 증상은 그의 늦은 그림에 뚜렷이 나타나 있다.[31] 그럼에도 불구하고, 그의 마지막 8년 동안 그는 "박카스의 탄생", "해를 찾는 오리온, 헤라클레스와 카쿠스와 함께한 풍경," "계절과 아폴로"의 4개의 그림, 다프네를 사랑한 그의 작품 중 가장 야심차고 유명한 작품들을 그렸다.

그의 아내 앤-마리는 1664년에 사망했고, 그 후 그의 건강은 급속도로 쇠약해졌다. 9월 21일 그는 유언장을 받아쓰게 되었고, 1665년 11월 19일 로마에서 사망하여 루치나의 산 로렌초 교회에 안장되었다.[32]

과목들

푸신의 그림들은 저마다 이야기를 들려주었다. 비록 정규 교육은 거의 받지 못했지만, 푸신은 종교사, 신화, 고전 문학의 뉘앙스에 대해 매우 정통하게 되었고, 대개 의뢰인과 상의한 후 이러한 주제에서 그의 주제를 취하게 되었다. 그의 그림들 중 많은 것들이 이야기를 전달하기 위해 서로 다른 시기에 일어난 여러 가지 다른 사건들을 같은 그림으로 결합시켰고, 참가자들의 얼굴 표정인 색칠은 서로 다른 반응을 보였다.[33] 그의 자화상 외에도, 푸신은 결코 현대적인 주제를 그리지 않았다.[34]

종교

  • 무고한 사람들의 학살, 1625–1629, 무제 콘데, 샹틸리

  • 칠성전 – 서품, 1647, 루브르

  • 1649년 루브르, 솔로몬의 심판

로마에서 교회가 가장 중요한 미술 후원자였고, 부유한 후원자들의 가정에서의 헌신적인 그림에 대한 요구가 증가했기 때문에 종교는 그의 그림에서 가장 흔한 주제였다. 그는 구약성경에서 테마의 대부분을 가져왔는데, 구약성경에서는 더 많은 다양성을 제공했고 이야기는 종종 더 모호했고 그에게 더 많은 발명 자유를 주었다. 그는 엘리아저와 레베카의 이야기를 창세기 책에서 서로 다른 버전으로 그리고 물에서 구한 모세의 세 가지 버전을 만들었다. 신약성경은 그의 가장 극적인 그림 중 하나인 '무고한 사람들의 학살'의 주제를 제공했는데, 여기서 일반 도살은 단 하나의 잔혹한 사건으로 전락했다. 솔로몬에 대한 그의 판단(1649년)에서는 참가자들의 다양한 표정에서 이야기를 읽을 수 있다.[33]

그의 종교 그림은 때때로 전통과 다른 점 때문에 경쟁자들로부터 비판을 받았다. 생프란시스자비에의 그림에서 그가 그린 하늘에 그린 그리스도는 "자비의 신보다 목성을 더 닮고, 너무 많은 자부심을 가지고 있다"는 이유로 사이먼 부에트의 빨치산들에게 비난을 받았다. 푸신은 "그분이 어떤 일을 하든지 온순한 아버지처럼 보이는 그리스도를 상상할 수도 없고 상상하지도 말아야 한다"고 답했는데, 그 점을 고려하면, 그가 지구상에 있는 동안 그의 얼굴을 똑바로 쳐다보기란 어려웠다.[35]

그의 종교 작품 중 가장 유명한 것은 '세븐 새크라멘츠'라는 두 시리즈로, 그리스도의 삶에서 일어난 사건들로 묘사된 교회의 각각의 주요 의식 뒤에 숨겨진 도덕적 법칙의 의미를 대변한다. 첫 번째 시리즈는 그의 주요 초기 후원자인 카시아노 달 포조에 의해 로마에서 그려졌고 1642년에 완성되었다. 그것은 나중에 그의 후원자인 Paul Fréart de Chantelou에 의해 검토되었는데, 그는 복사본을 요청했다. 부신은 복사를 하는 대신 완전히 새로운 그림 시리즈를 그렸는데, 1647년에 완성되었다. 이 새로운 시리즈는 첫 번째 시리즈의 신선함과 독창성은 적었지만, 그 효과를 달성하는데 있어 단순함과 긴박함이 돋보였다; 두 번째 시리즈는 인물의 균형, 다양한 표현, 색의 대칭에 대한 그의 숙달된 모습을 보여주었다.[36]

신화와 고전 문학

고대 그리스 로마 신화, 역사, 문학은 특히 로마에서의 초창기 동안 그의 그림들 중 많은 주제들을 제공했다. 로마에서 그의 첫 번째 성공작인 게르마누스의 죽음(The Death of Germanyus)은 타키투스 연보에 나오는 이야기에 바탕을 두고 있다. 초창기에는 색채와 움직임, 관능이 넘치는 일련의 그림들을 바카날들에게 바카날에게 바쳤고, 포도주 박카스의 신에게 바치는 의식의 다채로운 묘사, 그리고 금성과 플로르 여신을 축하하는 일을 했다. 그는 또한 '비너스의 탄생' (1635년)을 만들어 바카날도 의뢰한 프랑스의 후원자 리슐리외 추기경을 위해 역동적인 인물들로 가득한 정교한 구성을 통해 로마 여신 이야기를 들려주었다.[37] 그의 신화적인 그림들 중 많은 것들이 정원과 꽃 테마를 특징으로 했다; 그의 첫 번째 로마 후원자인 바르베리니 가족은 로마에서 가장 크고 유명한 정원 중 하나를 가지고 있었다. 그의 초기 주요 주제 중 하나는 '사비네 여인들의 강간'으로, 로마 왕 로물루스가 군인들을 위해 아내를 원하는, 이웃 사비네 부족의 일원을 축제로 초청한 후, 그의 신호에 따라, 모든 여성들을 납치한 과정을 묘사하고 있다. 그는 두 가지 버전을 그렸는데, 하나는 1634년에, 지금은 메트로폴리탄 박물관에서, 다른 하나는 1637년에, 지금은 루브르 박물관에서 그렸다. 그는 또한 사냥 사고 후 아도니스의 죽음을 애도하는 비너스가 자신의 피를 아네모네 꽃의 색으로 변형시키는 메타모피스의 오비드의 이야기를 두 가지 버전으로 그려냈다.

그의 경력 동안, 푸신은 미술사학자 윌리발트 사우어렌더가 말하는 "이교도와 기독교 세계 사이의 조화"를 자주 이루었다.[38] 예로는 기독교적 주제와 이교도적 주제가 어우러진 <사계절>(1660–64)이 있다. 로마의 여신 플로라가 전통적으로 의인화한 봄은 대신 에덴 동산에 아담과 이브가 등장하고, 여름은 체레스가 아니라 성서적 루스가 상징한다.[38]

말년에 그의 신화적 그림은 더욱 침울해졌고, 종종 죽음과 죽음의 상징을 소개했다. 그가 죽기 전에 작업하던 마지막 그림은 1665년 후원자인 미래의 마시미 추기경에게 선물한 다프네를 사랑한 아폴로였다. 화폭의 왼쪽, 아폴로 주변의 인물들은 대체로 활력과 생명을 나타냈으며, 오른쪽, 다프네 주변의 인물들은 불임과 죽음의 상징이었다. 손이 떨려 그림을 완성하지 못했고, 오른쪽의 형상은 미완성이다.[39]

시와 우화

고전 문학이나 신화 외에도 그는 자신의 시대의 낭만적이고 영웅적인 문학 작품에서 자주 그렸는데, 대개는 그의 후원자들과 함께 사전에 결정된 주제들이었다. 그는 1581년에 출판된 토르콰토 타소(1544–1595)가 전하는 서사시 예루살렘(1544–1595)의 장면과 푸신 생전에 가장 인기 있는 책 중 하나를 그렸다. 그의 그림 레나우드와 아르미드는 마술사 아르미드의 손에 들려 있는 기독교 기사 아르노의 죽음을 묘사했다. 그의 얼굴을 보고 증오심이 사랑으로 변하는 걸 본 사람이요 비슷한 주제를 가진 타소의 또 다른 시는 탠크레드와 헤르미엔에게 영감을 주었다; 한 여성은 길에서 부상당한 기사를 발견하고 눈물을 흘리며 분해한 다음 그를 치유하기 위한 사랑을 통해 힘을 찾는다.[40]

죽음에 대한 우화는 푸신의 작품에서 흔히 볼 수 있다. 가장 잘 알려진 예로는 아르카디아 자아의 에트(Et in Arcadia ese)가 있는데, 그가 1630년대 후반에 그리고 다시 1630년대 후반에 그렸다. 이상화된 목동들은 "아르카디아 1세에도 존재한다"는 제목이 새겨진 무덤을 살펴보고, 죽음이 존재했음을 상기시킨다.[41]

푸신의 비옥한 원천은 줄리오 로스피글리오 추기경이었는데, 그는 그의 초기 후원자인 궁전 바르베리니에서 공연된 도덕주의 연극 작품을 썼다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 '시간의 음악에 춤'은 또 다른 로스피글리오시 작품에서 영감을 받았다. 그의 초기 전기 작가인 벨로리와 펠리비엔에 따르면, 춤의 네 가지 인물은 삶의 단계를 상징한다: 가난은 일, 부로, 그리고 풍요는 사치로 이어진다; 그리고 기독교의 교리에 따라, 사치는 가난으로 돌아가고, 그 순환은 다시 시작된다. 춤을 추는 세 명의 여성과 한 명의 남자는 각기 다른 무대를 대표하며, 평범한 것부터 보석으로 장식된 것까지 다른 의상과 머리장식으로 구별된다. 춤추는 인물들 위로 하늘에서는 아폴로 전차가 지나가고, 시간의 상징인 오로라 여신과 아워스가 동행한다.[41]

경관 및 도시경관

푸신은 산수화의 발전에 중요한 인물이다. 그의 초기 그림에서 풍경은 보통 한 무리의 인물들에게 우아한 배경을 형성하지만, 나중에는 그 풍경이 점점 더 큰 역할을 하고 그 인물들을 지배하여 성경, 신화, 고대 역사 또는 문학에서 따온, 대개 비극적인 이야기들을 예시하고 있다. 그의 풍경은 매우 세심하게 정리되어 있었는데, 수직 나무와 고전적인 기둥들이 수평의 물체와 평평한 건축용 돌에 의해 세심하게 균형을 이루었고, 모두 종종 아주 작은 형상으로 눈을 이끌기 위해 조직되었다. 그의 나무와 덤불의 잎은 매우 세심하게 칠해져 있어서 종종 모든 잎을 보여준다. 그의 하늘은 특히 중요한 역할을 했는데, 그것은 그가 파리로 떠나기 전 1630년대 후반에 그려진 팻모스에 세인트 존이 그려진 풍경과 같은 평온함과 신앙의 평온함을 보여주는 것이다. 또는 극도로 어두운 피라무스와 테베(1651년)와의 풍경에서처럼 비극적인 사건들의 배경으로써 격동적이고 위협적이다. 그의 많은 풍경들은 좀더 면밀한 조사만으로 눈에 띄는 수수께끼 같은 요소들을 가지고 있다. 예를 들어, 피라무스와 테베가 있는 풍경 중심에서, 하늘의 폭풍에도 불구하고, 호수 표면은 나무들을 반사하면서 완벽하게 고요하다.[42]

1650년과 1655년 사이에, 푸신은 또한 현재 종종 "마을 풍경"이라고 불리는 일련의 그림들을 그렸는데, 이 그림들은 고전적인 건축물이 배경의 나무와 산을 대체한다. 사파이어의 죽음이라는 그림은 두 가지 이야기를 동시에 묘사하기 위해 이 설정을 사용한다; 전경에, 부유한 상인의 아내가 성에게 벌을 받은 후 죽는다. 베드로가 가난한 사람들에게 더 많은 돈을 주지 않았다. 반면 배경에서는 더 관대한 또 다른 남자가 거지에게 돈을 준다.[42]

스타일과 방법

그의 일생 동안 푸신은 그의 시대의 프랑스 예술에서 장식하는 대중적인 경향과는 거리가 있었다. 푸신의 작품에서 르네상스의 충동의 생존은 탁월한 수준의 기준으로서 고전 고대의 예술을 의식적으로 언급하는 것과 결합되어 있다. 베르니니나 피에트로 다 코르토나 같은 바로크 예술가의 감정주의를 거부하며 뇌를 강조했다.[43] 그의 목표는 색채나 색채에 우선하여 병든 노나 '디자인의 노련성'에 의해 달성된 표현의 명확성이었다.[44]

1620년대 후반과 1630년대에 그는 자신의 스타일을 실험하고 공식화했다. 그는 카지노 루도비시에서 티티안의 바카날(안드리안의 바카날, 박카스와 아리아드네의 바카날, 비너스 숭배)과 도메니치노와 귀도 레니의 그림 등 작품뿐 아니라 앤티크도 공부했다.[45]

그의 초기 그림의 따뜻하고 분위기 있는 스타일과 대조적으로, 1630년대 푸신은 잘 정의된 공간 안에 분산된 인물들의 더 시원한 팔레트, 더 건조한 터치, 그리고 무대 같은 표현법을 개발했다.[12] The Trial of David (c. 1633–34; Dulwich College Picture Gallery)에서는 장면을 제정한 인물들이 배경 역할을 하는 건축적 전면처럼 그림 평면과 평행하게 줄지어 배치된다.[12] '사빈 여인들의 강간'(c. 1638; 루브르)의 폭력은 '시간의 음악에 춤을'(1639–40)에서 볼 수 있는 추상적이고 안무적인 자질을 지니고 있다.[12]

푸신은 당대의 일반적인 화실 관행과는 달리 회화 준비로 상세한 인물화를 하지 않았고, 회화 수행에 조교들을 동원하지 않은 것으로 보인다.[12] 그는 오비드의 변태적인 모습을 그린 일련의 그림 외에도 독립 작품으로 그림을 거의 제작하지 않았다. 그가 그린 그림은 주로 펜과 잉크 워시로 그린 것으로, 그림의 참고 자료로 쓰일 자연 풍경과 인물과 그 배경에서 그가 차단한 구성 연구 등을 포함하고 있다. 그가 작곡을 하는 데 도움을 주기 위해 그는 미니어처 밀랍인형을 만들어 극장 무대처럼 한쪽에 열려 있는 상자에 배열하여 작곡 스케치의 모델 역할을 했다.[46] 피에르 로젠버그는 푸신을 "훌륭하고 우아하며 유혹적인 드로츠맨이 아니다"라고 설명했다. 아직 멀었지요 그러나 그의 기교 부족은 비타협적인 엄격함으로 보상된다. 즉, 무관한 마크나 불필요한 라인은 결코 없다."[47]

레거시

푸신이 죽은 후 몇 년 동안 그의 양식은 프랑스 미술에 큰 영향을 끼쳤는데, 특히 로마의 푸신과 함께 잠시 공부한 샤를 르 브룬 덕분에, 푸신과 마찬가지로 왕을 위한 궁중 화가가 되었고 후에 로마에 있는 프랑스 아카데미 수장이 되었다. 푸신의 작품은 17세기 자크 스텔라와 세바스티앵 부르돈, 이탈리아 화가 피에르 프란체스코 몰라, 네덜란드 화가 제라드 드 라이어세의 그림에 중요한 영향을 미쳤다.[48] 그림의 가장 중요한 요소라고 말하는 푸신 스타일의 옹호자들과 그림 위에 색을 배치한 루벤스의 옹호자들 사이에 미술계에 논쟁이 일어났다.[49] 프랑스 혁명 동안, 포신의 스타일은 자크 루이 데이비드가 옹호한 것이 부분적으로는 혁명의 지도자들이 프랑스 궁정 예술의 경박함을 공화당의 엄격함과 시민 의식으로 대체하는 것을 보였기 때문이다. 브루투스와 마라트의 죽음과 같은 그림에서 푸신의 영향이 뚜렷했다. 영국에서 활동한 18세기 미국 화가 벤자민 웨스트가 푸신의 게르마니쿠스의 죽음에서 '울프 장군의 죽음'을 캔버스 삼아 영감을 찾았다.[50]

19세기는 푸신에 대한 열정의 부활을 가져왔다. 그의 가장 존경하는 인물 중 한 명은 잉그레스였는데, 그는 로마에서 공부했고 그곳에서 프랑스 아카데미 국장이 되었다. 잉그레스는 "역사의 위대한 화가만이 아름다운 풍경을 그릴 수 있다. 그 (푸신)은 이탈리아의 자연을 처음으로, 그리고 유일한 것이었다. 그의 작품의 성격과 취향에 의해, 그는 그러한 자연이 그의 것이라는 것을 증명했다; 그래서 아름다운 장소를 마주할 때, 사람들은 말하고 정확하게 말한다, 그것은 "푸신스크"[51]이다. 또 다른 19세기 푸신 숭배자는 잉그레스의 위대한 라이벌인 외젠 들라크루아스였다; 그는 1853년에 이렇게 썼다: "푸신의 삶은 그의 작품에 반영된다; 그것은 그의 발명품들의 아름다움과 고귀함과 완벽하게 조화를 이룬다.푸신은 그림 역사상 가장 위대한 혁신가 중 한 명이었다. 그는 예술의 지적 역할보다 기술이 더 선호되는 매너리즘 학파의 한가운데에 도착했다. 그는 그 모든 거짓과 결별했다"[52]고 말했다.

세잔은 푸신의 고전주의를 높이 평가했다. "포신이 어떻게 자연을 완전히 붉게 물들였는지 상상해보라, 그것이 내가 말하는 고전주의다. 내가 받아들이지 않는 것은 너를 제한하는 고전주의다. 나는 명인을 방문하는 것이 나를 찾는 데 도움이 되기를 바란다. 나는 푸신을 떠날 때마다 내가 누구인지 더 잘 안다."[52] 세잔은 1907년 모리스 데니스에 의해 "인상주의의 푸신"으로 묘사되었다.[53] 조르주 서라트는 푸신 작품의 형식적인 자질에 감탄한 또 다른 후기 인상파 화가였다.[54]

20세기 일부 미술 비평가들은 파블로 피카소와 조르주 브라케의 입체파 분석 실험도 푸신의 예에 근거하여 창시되었다고 제안하였다.[55] 1963년 피카소는 푸신의 '사빈 여인들의 강간'에 대한 일련의 그림을 그렸다. 안드레 데랭,[56] 장 헬리온,[57] 발투스,[58] 장 위고는 푸신의 영향력을 인정한 다른 현대 미술가였다. 마르쿠스 뤼페르츠는 푸신의 작품을 바탕으로 1989-90년에 일련의 그림을 그렸다.[59]

오늘날 푸신의 그림 중 가장 훌륭한 수집품은 파리의 루브르 박물관에 있다. 다른 중요한 소장품들은 런던에 있는 국립 미술관, 스코틀랜드의 국립 미술관, 덜리치 미술관, 샹틸리, 상트페테르부르크의 에르미타주 박물관, 마드리드의 뮤소 델 프라도 미술관에 있다.

갤러리

참고 항목

참조

인용구

  1. ^ Wells, John C. (2008). Longman Pronunciation Dictionary (3rd ed.). Longman. ISBN 978-1-4058-8118-0.
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원천

추가 읽기

전시회

  • 1960년 파리. "Pussin Pintre: restorcif". 푸신에 대한 새로운 관심을 갈바니로 만들었다.
  • 포트 워스 1988 "푸신: 로마의 초기 해: 프랑스 고전주의의 기원"이라고 말했다.
  • 파리 1994. "Nicolas Pousin 1594–1665" 그랜드 팔레.
  • 2008년 뉴욕시 "푸신과 자연: 아르카디안 비젼". 메트로폴리탄 미술관; 푸신의 풍경.

외부 링크

위키미디어 커먼스의 니콜라스 푸신 관련 매체