르네상스 시대의 조각

Sculpture in the Renaissance period
미켈란젤로 부오나로티의 르네상스 작품인 바티칸 피에타.

르네상스 조각은 고전 고대 조각의 회복 과정으로 이해된다.예술 유물과 그 시대의 유적지 발견에서 발견된 조각가들은 그들의 작품에 대한 완벽한 영감이다.그들은 또한 자연에서 영감을 얻었다.이런 맥락에서 우리는 고딕의 비유적인 스타일을 극복하고 이탈리아, 특히 [1]회화 분야에서 이국적인 르네상스를 촉진한 북유럽의 플랑드르 예술가들의 예외를 고려해야 한다.조르지오 바사리에게 "고트인의 [2]세계"였던 중세의 포기, 그리고 모든 변형과 뉘앙스를 가진 고전의 인정과 함께 고대의 재탄생은 이탈리아에서 거의 독점적으로 발전한 현상이었다.르네상스 미술은 자연을 해석하고 자유와 지식을 가지고 그것을 다수의 [3]걸작으로 번역하는 데 성공했다.

특성.

바톨로메오 콜레오니의 청동 승마상, 베로키오.

르네상스 조각은 고전 고대와 그 신화의 작품들을 인문주의 사상과 예술에서의 조각의 기능에 대한 새로운 비전과 함께 그 기초와 모델로 삼았다.그리스 조각과 마찬가지로 인체 해부학을 꼼꼼히 연구한 덕분에 인간의 나체를 자연주의적으로 표현하기 위해 매우 완벽한 기법을 사용했다.이탈리아에서는 불경스러운 주제와 종교적인 주제가 동등하게 공존했지만, 종교적 주제가 [4]우세했던 스페인과 독일 같은 다른 나라에서는 그렇지 않았다.

인체는 절대적인 아름다움을 나타내며, 그 부분들 사이의 수학적인 대응이 잘 정의되었고, 도나텔로에서 미켈란젤로까지 대척점은 끊임없이 사용되었다.조각이 건축의 틀에서 실질적으로 해방되었고, 원근법으로 부조가 만들어졌으며,[5] 등장인물들이 극적인 표현으로 미켈란젤로의 조각에서 표현된 느낌으로 그의 다윗의 얼굴에서와 같이 위대한 테리빌리타의 느낌을 이끌어낸 것은 이 시기였다.

기본적인 역할은 교회와 귀족으로 대표되는 마에세나의 인물에 의해 이루어졌으며, 그들은 그들의 후원으로 사회적 위신과 정치적 선전을 얻었으며, 종교, 신화, 일상생활, 인물 초상화 [6]등 모든 주제를 다루었다.

르네상스 시대와 함께 중세 시대에는 거의 잊혀졌던 그리스-로마 글리틱이 다시 등장했고(비잔티움 미술의 몇몇 예를 제외하면), 16세기부터는 고대와 혼동될 정도로 고전적인 맛의 귀중한 카메오들이 조각되었다.그러나 그리스와 로마 문명이 좋아했던 훌륭한 석각의 사용은 거의 복원되지 않았다.이 작은 부조들은 이탈리아와 프랑스의 [7]궁전을 위한 큰 메달에 조각가들이 장식하기 위한 모형으로 사용되었습니다.

자재

르네상스 조각은 대리석, 청동, 나무 등 모든 종류의 재료를 사용했다.청동으로 된 조각상의 복제는 르네상스 시대에 널리 퍼졌는데, 이는 수집가들이 많았기 때문이다.피렌체에서는 안토니오 폴라이우올로와 안드레아 델 베로키오가 메디치 가문의 의뢰를 받아 창시자였다.레오나르도 다빈치의 작업실에는 23cm[8] 높이의 사육마가 있는 작은 청동들이 보존되어 있다.Antico라고 불리는 만토교 조각가 Jacopo Alari Bonacolsi는 고대 [9]대리석의 청동 축소를 위해 로마에 정착했다.

목재는 거대한 숲의 부와 다색 목재의 전통적인 작업이 뿌리 깊은 독일과 스페인 같은 나라들에서 사용되었습니다; 그것은 종교적 이미지, 제단, [10]제단들의 실행에 사용되었습니다.

테라코타는 안토니오 로셀리노와 그의 제자인 마테오 시비탈리가 루카 성당의 성모 마리아에서 사용한 천연 색상과 폴리크롬으로 더 경제적인 재료로 사용되었습니다.이탈리아 예술가 피에트로 토리가노는 스페인에서 폴리크롬 점토로 여러 조각품을 만들었고, 그 중 일부는 [11]세비야 미술관에 보존되어 있다.도나텔로 스타일을 따랐던 루카 델라 롭비아는 에나멜 점토를 발명한 것으로 알려져 있으며, 그는 작품에 색을 입히기 위해 대리석과 함께 플로렌스의 산타 마리아 노벨라 성막에서 사용했고, 나중에 톤도스와 마돈나스에서 그의 작업실, 그리고 그의 조카 안드레아 델라 롭비아가 뒤따랐다.에나멜을 입힌 테라코타로 많은 작품을 제작하여 [12]유럽 전역으로 퍼져나갔다.이것은 감정과 역사의 표현이기 때문에 세계의 다른 지역에 도달했다.

기술

플랑드르 조각가 잠볼로그나에 의한 사비네 여성의 납치. 구도가 나선형으로 나타난다.

대리석 조각 기술은 르네상스 시대에 고전 시대에 가졌던 완벽함으로 복원되었다.르네상스 이후, 수공 드릴 또는 트레판이 돌을 일정 깊이까지 제거하기 위해 사용되었습니다.이 도구는 미켈란젤로가 가끔 했던 것처럼 직접 조각으로 만들어졌든, 아니면 석고로 만든 모형에서 나온 점의 과거가 사용되었든, 그의 많은 조각에서 볼 수 있는 점들을 볼 수 있는 Giambologna와 같은 예술가들에 의해 주로 사용되었다.도나텔로는 이 블록을 둥글게 만드는 그리스 방식을 사용했지만, 미켈란젤로는 한 [13]쪽에서 조각을 했다.Benvenuto Cellini는 다음과 같이 기술했습니다.

미켈란젤로가 사용한 방법 중 가장 좋은 방법; 블록의 주요 원근법을 그린 후, 그는 마치 부조를 하려는 듯 한쪽에서 대리석을 떼어내기 시작했고, 따라서 한 단계씩 완전한 형상을 [14]끌어내기 시작했다.

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청동 작품의 경우, 이후 주조를 위해 점토나 왁스로 작업을 해야 했습니다. 그런 다음 가능한 주조 결함을 제거하기 위해 끌을 깎고 표면을 연마재로 광택을 내고 파티나를 조각가의 [13]취향에 맞게 추가했습니다.

주로 북유럽과 스페인에서 사용되는 목각은 안내용으로 작은 스케치를 하거나 석고나 점토로 된 이전 모델을 사용하여 목각 위에 직접 조각하거나 [13]대리석처럼 점을 통과시킬 수도 있다.

구성.

르네상스는 비트루비우스에 의해 기술된 기본 요소들을 채택했는데, 그는 다음과 같은 견해를 가지고 있었다.

인간 형태의 비율은 인간의 창조물 비율에 대한 패러다임으로 작용한다.자연은 인체의 부재가 전체적으로 형상에 적절히 비례하도록 설계되었기 때문에, 완벽한 건물에서는 서로 다른 부재가 전체적으로 정확한 대칭 관계를 가져야 한다는 그들의 통치에 대한 충분한 이유가 있었던 것으로 보인다.

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인체 형상의 구성은 해부학의 완벽성에 대한 탐구에 기초했고,[15] 이 시기의 많은 예술가들은 연구를 위해 해부학을 통해 진정한 지식을 얻었다.나체의 조화를 보여준 최초의 르네상스 독립 조각은 콰트로센토 시대의 도나텔로의 다비드로, 이 작품에서는 프락시텔레스 스타일의 영향을 약간 역행하여 작품의 균형을 이룰 수 있었다.그 후 몇 년 동안 인체 해부학에 대한 지식은 완전히 상반될 때까지 대단한 완벽함을 얻고 있었다.얼굴의 표정은 내면의 감정을 나타내기 위해 더 이상 상형적이고 멍한 상태가 아니었다; 소위 르네상스 테리빌리타 (미켈란젤로의 다비드, 1504년경)종교적 성격의 조각 그룹에서는 자연주의와 강렬한 표현력의 결합이 나타났고, 피렌체의 평온함은 구이도 마조니와 니콜로 델라르카의 [16]그리스도의 매장지에서 볼 수 있는 절망과 고통의 몸짓으로 얼굴을 변형시킨 인물들이 보여준 열정 앞에서 사라졌다.조각은 그 개념과 그룹의 구성에서 발전하여 플로렌타인 피에타(미켈란젤로)나 사비느 여인의 강간(감볼로그나)[17]과 같은 작품에서 분명하게 보여지는 매너리즘의 전형적인 서펜티나타에 도달했다.

기베르티가 쓴 '아담과 이브'의 릴리프.
베로키오가 그린 줄리아노 데 메디치의 흉상 (1475–1478).

부조에 있어서, 건축과 새롭게 획득한 원근법칙은 기베르티의 유명한 천국의 문이나 성당의 제단을 위한 스타치아토 기법을 사용한 부조물처럼 표현의 배경을 구성하기 위해 사용되었다.도나텔로의 파두아의 앤서니.조토가 그의 프로토르네상스 그림에서 했던 것처럼 건축 구조물이 배경으로 구성되었다.로렌조 수아레즈 데 피게로아가 [18]바다호즈 성당에 있는 것과 같은 몇몇 이탈리아 청동 라우다는 스페인으로 운송되었다.

플랑드르 조각은 게르만 제국의 조각과 함께 모든 장식적인 디테일에 높이 평가되는 사실주의로 발전했고, 조각 작품은 나무로 만들어진 거대한 제단에 적용된 거의 금세공 작품처럼 전시되었다.스페인에서도 고딕-플랑드르의 영향이 이탈리아의 영향과 함께 플랑드르의 조각가 미카엘 로치네르가 만든 바르셀로나 대성당 문짝이나 바르톨로메 오르도네즈가 같은 성당의 후렴에 이탈리아 스타일로 만든 문짝에 반영되었다.석관 주변의 부조물들은 보통 고인의 삶, 종교인 경우 기적과 순교, 귀족인 경우 전투와 군사행위의 표현 등 고인의 삶의 장면들을 표현했다.이 묘비들은 중세에 사용된 석관의 전통적인 구조나 고독한 움푹 패인 조각상에서부터 개선문처럼 건축적인 요소들로 둘러싸인 무덤들, 그리고 제단 조각과 유사한 결과물까지 다양한 형태의 구성을 발전시키고 있었다.중심가에는 보통 움푹 패인 형상과 우화적인 형상이 있는 항아리가 있었다.마지막으로 스페인과 [19]프랑스의 전형적인 기도하는 자세로 고인의 모습으로 만들어졌다.

르네상스 기간 동안, Plateresque 양식은 스페인에서 유래되었는데, 이것은 건물들이 주로 이탈리아 스타일로 조각적인 요소로 장식되는 방식의 변화를 상징한다. 파사드의 돌뿐만 아니라 건물 내부의 나무와 회반죽도 마찬가지이다.르네상스 초기(칸델리에리)의 전형적인 역사적 부조물과 식물 장식에 기초한 것으로,[20] 그 주변에는 커다란 문장과 푸티가 둘러져 있다.

흉상 초상화는 콰트로센토에서 계속 사용되었고, 새로운 인간주의적 개념으로 표현되어 신체적 유사성이 매우 높지만, 또한 시터의 성격을 확인시켜 주었다.알베르티에 따르면, 그 예술가는 "특징을 해야 하지만 조화로운 관계를 확립해야 했다"고 한다.그것들은 청동, 다색 테라코타 그리고 대리석으로 만들어졌다.[21]

청동으로 된 실제 크기의 승마상은 당시 세인트루이스에 위치한 마르쿠스 아우렐리우스와 같은 로마 조각가들에 의해 이미 처리되었다. 존 라테란; 또한 세인트루이스의 청동 말들.베니스에 있는 마크는 이탈리아 르네상스의 모델이 되었고, 도나텔로의 가타멜라타와 베로키오의 콜레오니에게 영감을 주는 것으로 여겨질 수 있다.레오나르도 다빈치의 연구는 말의 뒷다리와 적에게 돌진하는 태도로 표현에 변화를 가져왔다; 그 아이디어는 아마도 고대 석관의 [22]부조물에서 따온 것일 것이다.

이탈리아 조각

주요 기사:이탈리아 르네상스 조각

역사학에서는 이 시기를 콰트로센토와 신케센토라는 이름을 가진 두 단계로 나누었다.

콰트로센토.피렌체의 조각가

기베르티가 쓴 '아이작의 희생에 대한 구원'

유럽의 다른 지역에서는 여전히 고딕 예술이 우세했지만, 이탈리아에서는 콰트로센토 또는 초기 르네상스가 15세기에 시작되었다.인간과 자연이 승리하는 순간이었다.조각은 건축과 그림보다 앞서 현기증나게 발전했다.그 전래는 이탈리아 남부 프레데릭 2세의 궁정에서 일어났고, 그의 보호 아래 이미 15세기의 르네상스에 대한 예상된 빛을 가져온 예술 학교가 탄생했다.니콜라 피사노, 그의 아들 지오반니 피사노, 그리고 나중에 안드레아 피사노 (플로렌스 세례당의 첫 번째 청동 문)와 니노 피사노의 새로운 조각 제작 방법을 계승한 것은 이전 트레센토 기간 동안 토스카나 지역이었다.

이탈리아 르네상스의 선구자 니콜로 피사노의 세례당 설교단.

니콜라 드 아풀리아라는 이름을 가진 니콜라 피사누스는 피사에 정착하기 위해 이탈리아 남부에서 왔다.피사에서는 로마네스크 미술이 여전히 유지되었고 고딕 예술이 사용되기 시작했다.니콜라 피사노는 이 도시의 성당 세례당의 설교단을 조각하는 임무를 받았다.그는 특히 벌거벗은 헤라클레스의 고전적 형태를 강조하면서, 아풀리아에서 배운 새로운 트렌드를 따라 그것을 했다.이 작품인 설교단은 이탈리아 르네상스의 [23]전조로 여겨진다.

이 배경 뒤에, 그것은 피렌체의 도시가 될 것이다. (이때 강력한 메디치 가문, 메케나, 그리고 예술의 발기인이 있는 번영한 도시) 그것은 그것의 가장 대표적인 인물인 로렌조 기베르티의 모습을 이끌 것이다.지금 이 순간부터 중세 흔적이나 밸러스트는 더 이상 감지되지 않을 것이다.한 세기 반 동안, 피렌체 조각은 흉상, 승마 초상화, 부조물 그리고 원형 조각들을 지배했다.이 시기에 사용된 뛰어난 재료는 대리석과 청동이었다.

기베르티, 도나텔로, 자코포 델라 케르시아가 최고였고, 델라 롭비아 가문, 베로키오, 안토니오 폴라이우올로, 아고스티노 디 두치오가 콰트로센토 피렌체파의 위대한 조각가 그룹을 형성했다.콰트로센토의 이 무대는 20대 젊은 조각가인 로렌조 기베르티의 플로렌스 세례당 문짝 부조에 대한 조각 작업으로 시작되었다.침례당은 이미 1330년에 안드레아 피사노에 의해 두 개의 문을 새겼고, 1401년에는 나머지 두 개를 위한 대회가 열렸다.이 대회는 기베르티가 우승하여 (브루넬레스키와 경쟁하여) 1424년에 두 개의 문 중 첫 번째 문을 완성하였다. 그의 작품은 존경과 높은 평가를 받았기 때문에 시는 그에게서 두 번째 문을 의뢰하였다.그는 한 조각 한 조각에 약 20년을 투자했다. 그것은 사실상 그의 일생의 작품이었다.기베르티와 세례당의 네 번째에 의해 만들어진 이 두 번째 문은 미켈란젤로에 의해 이름이 붙여졌고 콰트로센토의 랜드마크 중 하나로 여겨지고 있는 천국의 문으로 알려져 있다.

도나텔로는 데이비드야

이 시기의 두 번째 위대한 조각가는 기베르티보다 10살 어린 도나텔로였다.그는 자신의 일에 있어서 훨씬 더 다면적이고, 주로 인간의 모습에 초점을 맞췄다.도나텔로는 미술사에서 미켈란젤로의 선구자로 여겨지며 사실 독립적이고 불타오르는 사실적인 예술가이다.그의 주된 관심사는 다양한 시대의 인간의 모습이었고, 모든 종류의 종류와 다양한 몸짓, 그리고 그의 작품에서 가장 이질적인 정신 상태를 표현했다.반면에, 도나텔로는 어린이 테마, 특히 어린이들의 기쁨의 표현에 있어 훌륭한 전문가로 여겨진다.원형 조각에서 도나텔로는 (로마 조각에서 관행처럼) 받침대가 아닌 흉상을 가로로 자른 르네상스 시대의 초상화를 가슴 위로 펼쳤습니다.예:커다란 카메오를 목에 두른 안토니오 드 나르니의 흉상; 플로렌스 산 로렌초의 옛 성전 안에 있는 젊은 집사로 묘사된 세인트로렌스의 테라코타 흉상.초상 흉상을 보여주는 이러한 방식은 르네상스 시대의 조각가들에 의해 채택되었고 거의 바로크 시대까지 지속되었다.16세기에 흉상은 허리 부분이 잘릴 때까지 길어졌다.또한 동그란 조형물 안에서 도나텔로는 위대한 인물에게 경의를 표하기 위해 말을 탄 (청동으로 된) 형상의 선구자였고 공공 광장의 중심에 놓여 있었다.도나텔로의 첫 승마상은 가타멜라타(콘도티에로 에라스모 데 나르니)[24]로 알려진 것이다.[25] [26]

시에나의 가이아 분수.

야코포 델라 케르시아 (1438년 사망)는 이 피렌체파의 세 번째 위대한 조각가이자, 피렌체가 아닌 시에나에서 태어난 유일한 그룹이다.그는 기베르티 세대에 속한다.그의 스타일은 기베르티의 디테일한 스타일과는 대조적으로 웅장하고 웅장하다.그의 걸작은 1425년에 시작된 볼로냐의 산 페트로니오의 중심 관문이었다.그것은 예언자들의 흉상과 산 페트로니오의 성모상을 포함한 창세기 및 예수의 어린 시절을 묘사한 일련의 부조물이다.그의 부조에는 미켈란젤로의 스타일을 기대하면서 기념비와 괴상한 누드들의 처우가 지배적이다.야코포 델라 케르시아는 시에나의 가이아 분수, 루카의 일라리아 델 카레토 무덤, 볼로냐의 갈레아초 벤티볼리오의 저자입니다.

롭비아 가족은 루카 델라 롭비아 (1482년 사망)가 이끌고 있는데, 그는 거의 전적으로 여성의 어린 시절과 젊은 시절의 치료에 전념했다.루카는 작은 부조부터 많은 인물이 있는 제단까지 가장 다양한 주제에 등장하는 유약 점토 기술을 도입한 학교를 만들었다.그는 또한 대리석과 청동으로 일했다.루카의 조카 안드레아 델라 롭비아는 그의 추종자들 [27]중 가장 재능 있는 사람이었다.그는 플로렌스의 Speedale degli Innocience에 새겨진 어린이들의 톤도(원형 메달)의 작가이다.마지막은 조반니 델라 롭비아로 조각가일 뿐만 아니라 장식가이자 때로는 [28]도예가이기도 했다.

로렌조 데 메디치 by 베로키오.

안드레아 델 베로키오 (1435–1488)는 도나텔로의 작품에서 큰 영향을 받아 플로렌스의 다비드나 베니스에 있는 콘도티에르 콜레오네의 승마상 (둘 다 청동)과 같은 그의 주제를 반복했다.베로키오는 깊은 해부학적 연구로 특징지어진다.안토니오 폴라이우올로는 또한 육체적 에너지와 폭력적인 움직임을 해석하는 훌륭한 피렌체의 대표자였다.이런 스타일의 그의 걸작은 바르젤로 박물관에 소장된 헤라클레스와 안테우스입니다.아고스티노 디 두치오(1418–1481) 또한 도나텔로의 추종자였으며, 특히 페루자의 산 베르나르디노의 웅변가와 리미니의 말라테스타 사원의 파사드를 장식하는 그의 유명한 스키치아또를 [29]모방했다.

모데나에서 일했던 또 다른 위대한 조각가는 귀도 마조니 (1518년 사망)였는데, 그의 작품은 대부분 당시 매우 수요가 많았던 테라코타로 그려졌다.그의 가장 유명한 작품 중 하나는 모데나의 산 조반니 교회를 위한 죽은 그리스도에 대한 애도곡이었는데, 이는 볼로냐, 모데나, 피렌체를 여행한 후 1463년에 후안 데 주니에 의해 만들어진 같은 제목의 작품에 영향을 미쳤을 것이다.

신케센토

신케센토 또는 완전한 르네상스는 16세기 내내 발전했고, 전반부는 고전주의가, 후반부는 매너리즘이 지배했다.그것은 콰트로센토의 경험의 승리였다.그 특징 중 하나는 1506년에 발견된 고전 라오콘과 그의 아들들의 발견을 항상 염두에 둔 기념비적인 웅장함에 대한 맛이다.콰트로센토의 예술가들은 피렌체에 학교를 만들었지만, 신케센토의 예술가들은 새로운 세기의 예술 중심지가 된 로마시를 중심으로 작품을 만들고 그들의 예술을 발전시켰다.피렌체는 중요한 르네상스 도시로 남았고, 이 기간 동안 다윗, 메디치 샤펠의 무덤, 셀리니의 페르세우스 등과 같은 걸작 예술 작품들이 토스카나 수도에서 계속 만들어졌다.이 시대의 대표적인 예술가는 힘과 개성을 지닌 인물인 미켈란젤로입니다.

주요 기사:미켈란젤로
미켈란젤로의 다비드.

플로렌타인 학파의 제자이기도 한 미켈란젤로 부오나로티는 이탈리아에 있었던 그의 시대의 거의 모든 조각 예술 (1475–1564)을 직접 요약합니다.그의 생애 첫 30년 동안 그는 15세기의 전통 중 몇 가지를 보존했고, 온화하고 아름답지만 활기찬 작품을 만들어냈다.이 첫 번째 시대에 우리는 그가 높이 평가한 브루주의 마돈나와 몇몇 박카스와 큐피드 그리고 플로렌스의 다윗과 함께 피에타 조각상을 빚졌다.그러나 교황들이 그에게 웅장한 기념비를 세우라고 의뢰하기 시작한 해부터 그는 매우 활기차고 열정이 넘치고 독립적인 거대한 스타일을 만들어 냈으며, 독특하게 테리빌리타라고 불렀다.이 장르 중에는 피렌체에 있는 예배당에 있는 메디치 가문의 무덤 조각상과 교황 율리우스 2세의 무덤을 위해 예술가가 준비한 조각상이 있다.특히 그가 빈콜리의 산 피에트로 성당에서 발견한 유명한 모세는 더욱 그렇다.

산소비노(본명 안드레아 콘투치)는 피렌체 예술가들 사이에서 교육받은 예술가로서, 특히 산타 마리아 델 포폴로 교회에 있는 아스카니오 스포르차 추기경과 바소 로베레 주교의 묘소를 장식하는 조각상, 외형, 해부학, 고전주의 애호가로 자신을 드러낸다.플로렌스나 베니스에 있는 다른 사람들처럼요.그의 제자 Jacobo Sansovino는 주로 베니스에서 일했고, 미켈란젤로의 작품의 위대한 전파자였다.그의 최고의 조각 작품 중 하나는 박카스이다.[30]

셀리니의 메두사의 머리를 가진 페르세우스.

Benvenuto Cellini는 조각가일 뿐만 아니라 위대한 금세공인이었다.메두사의 우두머리와 함께 페르세우스의 기념비적인 청동 작품은 피렌체 공화국에 대한 메디치 가문의 승리의 상징이었다.그는 엘 에스코리알 수도원의 대리석 그리스도의 저자이다.

반디넬리와 암마나티는 플로렌스에 있는 광장을 위해 헤라클레스와 카쿠스와 넵튠의 기념비적인 조각상을 조각한 첼리니의 두 동시대 조각가였다.레오니, 리온과 폼페이 두 사람은 위대한 청동 캐스터였고 필립 2세의 통치 기간 동안 주로 스페인에서 일했다.

매너리즘

주요 기사 : 매너리즘

매너리즘이라는 용어는 16세기, 특히 1520년 이후의 르네상스 시대 내에서의 고유한 특징을 가진 스타일을 말한다.그것을 가장 잘 정의하는 특징은 변형된 선이나 자세를 적용함으로써 논리적 균형을 파괴하는 것과 함께 관습적이지 않은 것에 대한 끊임없는 탐색이다. 이것은 보는 이로 하여금 첫눈에 당황하게 할 수 있는 어떤 것이다.강요된 자세를 취함으로써 균형을 잃는 것이다.

미켈란젤로의 퇴적

매너리즘에서, 조각은 곡선적이고 역동적인 형태, 소위 말하는 곡선과 반곡선의 구성, 좁은 공간에서 그리고 때로는 매우 뚜렷한 단축을 가지고 몸이 스스로 나타나는 곡선을 추구함으로써 고전주의를 거부했습니다.

이탈리아에서 매너리즘 조각은 잠볼로그나('볼로냐의 요한')로 대표되는데, 예를 들어 '사비네 여인의 강간', '벤베누토 셀리니', '미켈란젤로' 등이 그 가장 좋은 예로서 그리스도가 서펜티나타 [31]자세를 취하고 있는 성좌가 대표적이다.

이 양식은 광범위한 판화 수집 덕분에 유럽 전역으로 퍼져 나갔고, 특히 이탈리아에서 온 작은 청동 조각 분야에서는 더욱 그러했다.그래서 그것은 [32]로마에서 골동품 사본을 가져오는 일을 담당했던 프란체스코 프리마티치오와 함께 퐁텐블로에 있는 프란치스코 1세의 유럽 법원에서 발전했다.그것은 또한 프라하의 루돌프 2세와 엘 에스코리알의 필립 2세의 궁정에서 발전했는데, 이 궁정에서는 학문적 정확성이 레오니 [33]가문이 채택한 매너리즘의 스타일을 특징지었다.가스파르 베케라는 미켈란젤로의 영향을 받아 아스토르가 대성당의 레레도스에 매너리즘 스타일을 강요했고, 베케라 외에도 후안 데 주니(Juan de Juni)가 있던 바야돌리드에서 이러한 고전 영웅적인 형태의 조각이 [34]더 많이 만들어졌다.

프랑스 조각

Ligier Richier의 Bar-le-Duc에 있는 르네 드 샬롱의 심장 기념비.

15세기 후반부터 프랑수아 1세가 레오나르도 다빈치를 포함한 이들 예술가의 주요 메케나인 프랑수아 1세가 프랑스 왕실에 정착했기 때문에, 프랑스 왕들이 이탈리아 영토에 그들의 지배권을 정착시키기 위한 정치적 관심은 문화적 결과를 가져왔다.1460년경, 프랑스에서 르네상스의 시작자로 여겨지는 조각가 프란체스코 로라나는 프로방스에 정착하여 주로 남부 지방에서 일했다.그의 가장 잘 알려진 조각품 중 하나는 르망 [35]대성당에 있는 앙주의 샤를 4세의 무덤이다.

이 시기의 프랑스 조각에서 가장 많이 다뤄진 주제 중 하나는 성묘와 무덤 기념물인데, 이 무덤은 움푹 들어간 자태를 매우 사실적으로 다루고 있다.루브르 박물관에 있는 부르봉의 조안나의 경우와 같이, 고인은 시체 또는 심지어 해골로 표현된다.이런 종류의 작품으로는 검은색, 흰색, 회색의 폴리크롬을 가진 리지에 리치에의 두 가지 작품이 있다: 부분적인 육체가 없는 골격이 하늘을 향한 심장을 가진 바레 뒤크의 르네 드 샬롱 기념비와 낸시의 교회 데 코르델리에의 빌리파 수척한 시신이다.죽은 자의 부활에 대한 이러한 우화는 비록 그것이 [36]과학의 눈에 완벽한 해부학적 구조를 보여주지는 않더라도, 이탈리아어의 "테리빌리타"와 신체 내부의 공개를 통해 나온다.

16세기 초 안느의 조각가이자 부모인 프랑수아 2세 공작과 마르가렛 드 푸아의 무덤을 낭트 성당에 의뢰한 미셸 콜롱베는 이탈리아 작품에서 두각을 나타내고 있다.무덤의 움푹 패인 모습에서는 고딕 양식의 특징이 여전히 눈에 띄지만, 장식적인 요소나 장례비의 모서리에 놓인 덕목의 실물 크기 4가지 형상에는 보이지 않습니다.

장 구종(c.1547)의 사계절(파리 카르나발레 미술관).

조각가이기도 한 그의 조카 기욤 레그놀트가 그의 뒤를 이어 여왕의 조각가가 되었다.그의 걸작들은 현재 루브르 [37]박물관에 있는 왕실 고문 루이 포르쉐와 그의 아내의 움츠러든 조각상들이다.

또한 16세기 초, 장 구종은 루앙에서 그의 작업을 시작했고, 1544년 그는 1547년 왕실 조각가로 임명되기 위해 파리로 가서 사계절, 님프의 우화와 같은 많은 임무를 수행했다.음악가의 호민관을 위한 카리아티스와 파리의 오래된 시청을 위한 조디악의 사인을 만들었다.같은 해 동안 제르맹 필론은 미켈란젤로의 큰 영향을 받은 수많은 장례 기념물을 만들었는데, 그 중 루브르 박물관에 보존된 헨리 2세의 예배당을 위한 모임인 수호자들의 형상과 함께 부활한 그리스도가 눈에 띄었다.로소 피오렌티노의 '아리마테아의 요셉'과 같은 그림 작품에서 영감을 얻은 인물들죽은 그리스도는 파르미지아니노의 판화를 닮아 있는데, 그 형상이 대각선을 찾고 앞단축이 화려하며, 옷주름이 촘촘하고 매우 얇아 고전시대의 부조를 떠올리게 한다.프랑스의 앙리 4세를 위해 일했던 그의 제자 바르톨로뮤 프리외르는 충실한 추종자였다."프랑스인 베르니니"라고 불리는 피에르 푸제는 이미 후기 르네상스 조각가였고, 그의 작품인 크로톤의 밀롱은 [38]탁월했다.

스페인 조각

이탈리아 르네상스의 사상과 조각 형태는 15세기 동안 스페인 궁정에 작업하러 온 피렌체 예술가들과 함께 스페인으로 침투했고, 다양한 국적의 예술가들과 그 세기의 마지막 해부터 이탈리아에서 배운 일부 스페인인들의 작품과 함께 계속 퍼져나갔다.하지만, 새로운 스타일은 16세기 [39]초에 스페인의 찰스 1세가 왕위에 오를 때까지 확고히 자리잡지 못했다.

이미 1339년에 피사인들의 예술이 카탈로니아에 도착했고, 위에서 설명한 다른 영향과는 별도로 루포 디 프란체스코가 조각한 바르셀로나 성당의 산타 울랄리아의 무덤이 있었다.거의 한 세기 후, 기베르티의 제자인 플로렌타인 줄리아노에 의해 발렌시아 성당의 트라스코로에 스페인의 손에 의해 다른 부조물들과 함께 조각되었다.그러나 이러한 시도와 시도는 15세기 말 피렌체 학파의 다른 거장들이 등장하고 그 다음 학파가 시작될 때까지 고립되어 있었다.

조각가 도메니코 판셀리의 아스투리아스 왕자 요한의 석관.

르네상스 조각은 세 가지 다른 경로를 통해 존재감을 느끼게 했다.Maecenas가 파견하여 스페인에서 작업을 수행한 이탈리아 조각가, 이탈리아 워크샵에서 가져온 수입 작품, 스페인 예술가 1세대.첫 번째 그룹에는 인도인으로도 불리는 조각가 도메니코 판셀리, 피에트로 [40]토리가노, 자코포 토르니가 있다.

피에트로 토리가노의 성 제롬

이탈리아에서 의뢰받은 작품 중에는 우베다 시의 미켈란젤로의 작업장에서 온 성 요한과 델라 롭비아 가문의 작업장에서 나온 약간의 부조가 그 예가 된다.

스페인 조각가로는 바스코 데 라 자르자(아빌라 대성당의 성가대 좌판), 펠리페 비가르니(톨레도 대성당의 주요 제단 조각상), 바르톨로메 오르도네즈(바르셀로나 대성당의 성가대 좌판), 디에고 데 사일로(알론소세카)가 1세대로 구성됐다.

프랑스 태생의 알론소 베루게테와 후안 데 주니(Juan de Juni)는 산티아고와 라 안티구아 교회의 주요 제단 작품과 세고비아, 시우다드 로드리고 및 카스티야의 다른 마을에서 발견된 많은 다른 작품들의 저자인 바야돌리드에서 16세기에서 1577년까지 계속되었다.다른 스페인 르네상스의 거장들 또한 이탈리아 기준에 따라 그들의 작품에 순수한 스페인적 성격을 부여하는 방법을 알았고, 나라의 다른 지역에 학교를 만들었다.

3분의 1은 고전주의 취향이었다.두 명의 이탈리아 조각가 레오니(레오니와 폼페요, 아버지와 아들)는 찰스 1세, 필립 2세, 그리고 다른 왕실 구성원들의 동상을 청동으로 주조하며 찰스 황제의 궁정에서 일했다.

플레이트리스케

주요 기사: Plateresque
코골루도(과달라하라)의 메디나셀리 공작 궁전.

르네상스 시대에는 포르투갈의 마누엘린 스타일에 해당하는 순수 스페인 품종이다.그것은 또한 이사벨린 고딕 양식 또는 카톨릭 왕 스타일로 불리기도 하는데, 이는 비록 필립 2세 시대까지 연장되기는 하지만 이러한 군주들의 통치와 함께 시작되었다.평판이라는 말은 건축에 주로 쓰이지만, 순수하게 장식적인 예술이나 조각적인 장식이기 때문에 이 작은 부분에 포함시킬 수 있습니다.

세비야 시청의 플레이트레스크 측면 정면.

르네상스 양식 내에서 고딕과 무데하르 요소를 유지하는 것이 특징이다.파사드는 마치 제단처럼 조각되어 있으며, 전형적인 르네상스식 쿠션과 함께 고딕 양식의 전통에 장식과 창문이 가득한 기둥이 있다.금고의 열쇠돌과 아치의 기둥에 놓여진 톤도나 메달과 문장이 급증하고 있다.이것은 매우 장식적인 장르이다.그것은 안달루시아에서 가장 융성했다.좋은 예가 디에고 데 [42]리아뇨의 세비야 시청 정면이다.

독일 조각

리멘슈나이더의 다색 목재 조각상 세바스찬 세부 사항.

게르만족 도시들의 번영은 고딕 시대의 연장과 함께 강화되었고, 16세기 첫 수십 년 동안 이탈리아 피렌체 학파의 영향으로 르네상스 조각이 소개되었다.이 조각의 대부분은 숲이 풍부하고 화려한 다색상과 금박을 입혀 나무로 만들어졌다.독일 조각가들은 성모 마리아 제단 작품인 베이트 슈토스의 작품에서 볼 수 있듯이 고딕 의상과 등장인물들이 고전적인 정신을 습득하는 것이 어렵다는 것을 알게 되었다. 크라쿠프의 마리아, 밤베르크 대성당의 부조물 또는 뉘른베르크의 세인트로렌스 교회의 묵주 성령.또한 크레글링겐 [43]교회의 공보 제단 등 기막힌 작품인 틸만 리멘슈나이더의 조각도 같은 스타일이다.

15세기 후반 게르만 국가에서 채택된 조각이 독일 교회와 성당 제단의 대형 폴립티크에서 볼 수 있는 '조각 세계'가 알려져 있다.이것들은 종종 두 개 또는 네 개의 완전히 조각된 잎을 가진 제단이고, 첨탑과 높은 봉우리들은 중앙 부분에 종교적인 장면이 있는 "상자"를 수용한다.독일식 감식가인 Vasari는 이에 대해 다음과 같이 말했다.

(...) 인내심과 엄청난 섬세함...조각가들은 세상을 경악하게 만들 정도로 사물을 미묘하게 만드는 방식으로 끊임없이 작업한다.

미셸 에르하트가 쓴 Blaubeurer 제단의 중앙 상자.

Ulm의 Michel Erhart는 훌륭한 스타일 컨트롤을 달성했습니다.그의 가장 중요한 작품은 다섯 개의 큰 다색 조각상을 상자 안에 볼 수 있는 Blaubeurer의 베네딕토 수도원의 제단이다.게르만족 주변 지역의 남부 티롤에서는 조각가 미하엘 파허가 일했고, 그의 작품 중 성 베드로 대성당의 주 제단이 있었다.높이 11m의 볼프강은 그림과 조각이 절묘하게 어우러진 곳이다.[44]

독일 조각은 르네상스 시대에 단명했다.피터 비셔는 그의 가족 구성원들과 함께 이탈리아 콰트로센토에서 직접 영감을 받아 조각가로 두각을 나타냈습니다.뉘른베르크의 세발드 (1507–1519)와 인스부르크의 막시밀리안 황제의 묘소에 참여했는데, 인스부르크는 실제보다 큰 40개의 조각상과 40개의 흉상을 가진 100개의 작은 조각상을 모았습니다.이 작품의 3분의 1만이 완성되었고, 조각들은 청동으로 주조되었다.알브레히트 뒤러는 아더왕의 머리를 디자인하고 중세풍의 장식과 갑옷을 입힌 전신 조각 Vischer를 만들었지만 [45]고대 영웅의 뚜렷한 대조를 이룬 이 작품에도 관여했다.

네덜란드의 조각

콘라드 메이트의 부르그앙브레세에 있는 오스트리아의 마가렛 무덤 세부사항.

네덜란드에서는 고딕 시대에 예술 활동이 완전히 발달하고 매우 높은 수준으로 통합되었기 때문에 다른 기준을 인정하기를 꺼리는 것은 이해할 수 있다.따라서, 이탈리아에서 온 새로운 스타일의 수용은 늦었고 고딕 장식은 여전히 오랫동안 유지되었다.제단화, 성가대 좌판, 조각, 목각 등의 종교적 가구들을 이탈리아 롬바르드 지방에서 만들어진 것과 같은 스타일로 르네상스적 요소를 정교하게 표현했다.

자크 뒤 브로크의 작품.

1507년 오스트리아의 마가렛은 그녀의 조카 카를 1세를 대신하여 네덜란드의 주지사가 되었고 메헬렌에 인문주의 법정을 만들었다.마거릿은 위대한 미술 수집가였고, 모든 종류의 예술가들을 섬겼습니다. 그들 중 웜스에서 태어난 조각가 콘라드 마이트는 초상화, 작은 상자나무 또는 청동 조각상 예술에서 일했습니다.Marguerite는 그에게 그녀의 남편 Philibert the Human, 그녀의 어머니인 Burgundy의 Mary의 초상화, 그리고 Bourg-en-Bresse의 [46]Brou 교회를 위한 그녀의 초상화를 만들 것을 의뢰했다.

벨기에의 Herman Glosencamps는 브루주 시청의 굴뚝에 장식적인 조각품을 만들었다.위트레흐트에는 조각가 유리와 카이세르의 조각상들이 몇 개 있는데, 이 조각상들은 해부학적 세부사항과 의복의 주름에서 르네상스 자연주의를 볼 수 있으며, 16세기 후반의 새로운 스타일을 완전히 수용했다.

볼로냐의 요한의 거장 자크 뒤 브로크는 스페인의 샤를 1세의 딸 오스트리아의 마리아에 의해 건축가이자 궁정 조각가로 임명되었고, 그는 그를 위해 수많은 작품을 만들었고, 그 중에는 생트-와우드루 드 몽스의 성가대를 위한 알라보스터 조각품 세트도 있었다.그의 부조는 현대 이탈리아 조각가들과 비슷하며, 고전주의자들의 옷주름에서 고대 조각가들의 스타일로 볼 수 있다.부활의 것과 같은 더 큰 부조에서는, 그 형상이 거의 둥글고 매우 뚜렷하게 길쭉한 실루엣으로 보여진다.

조각가이자 건축가 코르넬리우스 플로리스 드 브렌트의 작품은 안트베르펜 시청 정면, 덴마크 왕들과 쾨니히스베르크의 프로이센 공작들의 무덤, 그리고 투르나이 성모 성당의 성가대 장식에 이탈리아 양식과 매우 흡사하게 나타났다.안드레아 산소비노의 [47]스타일과 매우 흡사하게 만들어졌다.

영국 조각

스트랫포드의 홀리 트리니티 교회에 있는 제라드 존슨의 셰익스피어 장례 기념비.

16세기의 영국 조각은 이탈리아 조각에서 따온 것인데, 영국에서 활동하는 가장 주목할 만한 예술가들은 후자의 나라 출신이다.군주들은 예술적 삶을 장려하기 위해 이 예술적 운동을 발전시키는데 매우 중요한 역할을 했다.최초의 주요 이탈리아 조각가 중 한 명인 피에트로 토리가노는 우리가 헨리 7세와 요크의 엘리자베스의 무덤에 빚을 졌다.그것은 대리석과 금으로 된 청동으로 만들어졌으며, 군주의 움츠러든 모습과 무덤 천사의 각 모서리에는 무장을 들고 있다. 런던 웨스트민스터 사원의 예배당에 있다.1511년 그는 헨리 7세의 어머니 마가렛 보퍼트의 무덤을 조각했다.1516년부터 런던의 국립 초상화 갤러리에 보존되어 있는 흉상에도 그가 대표하는 왕실 보관소 존 영의 무덤이 있다.

그는 또한 헨리 8세로부터 자신의 무덤과 1518년 그의 아내 아라곤의 캐서린의 무덤을 위탁받았다.조수들을 고용하기 위해 이탈리아로 간 조각가임에도 불구하고, 그가 작품을 완성하지 못한 이유는 알려지지 않았고 그는 1525년 스페인에 정착하기 위해 영국 궁정을 떠났다.이 무덤은 마침내 1524년에서 1528년 사이에 이탈리아 조각가 베네데토 다 로베차노에 의해 만들어졌다.

개신교 종교 개혁의 시행으로 영국에서 종교 조각은 억압되었고, 교황 영향의 한 방법으로 확인되었기 때문에 이탈리아에서 올 수 있는 어떤 것과도 접촉할 수 있다.영국인인 리처드 파커가 보테스포드에 [48]있는 러트랜드 백작의 무덤을 위해 만든 것과 같은 뛰어난 판테온과 그 이후 인물들의 기념 동상들에서만 조형 예술이 살아났다.

이탈리아의 영향력은 프랑스인과 플랑드르 예술가들에 의해 대체되었고, 그들 중 제라드 존슨 (게럿 얀센이라고도 불림)은 티치필드에 있는 사우샘프턴 백작의 무덤과 [49]스트랫포드에 있는 윌리엄 셰익스피어를 기리는 장례 기념물을 만들었다.

포르투갈 조각

니콜라스 샨테렌느의 벨렘에 있는 제로니모스 수도원의 포르티코.

15세기 말, 안드레아 산소비노는 포르투갈의 존 2세를 위해 일했습니다; 고대 미술을 거의 독점하고 있는 이탈리아인들 또한 [50]예술에 올바른 재능을 가지고 있다는 느낌이 있었습니다.

이탈리아 법정의 모델에 대한 인본주의의 초점은 요한 3세의 법정을 중심으로 만들어졌다.르네상스는 코임브라, 토마르, 에보라 등의 도시에 힘을 실어줬고, 알레테호 지역에서는 바로크 양식의 후발 이식 작업이 매우 어려웠다.포르투갈의 조각품 또한 최초의 르네상스 시대에는 이탈리아 화가들이 조각한 코임브라 산타크루즈 교회 회랑에 있는 세 개의 아름다운 부조가 주요 작품이었다.

  • 빌라도 앞의 그리스도
  • 그의 어깨에 십자가의 통과
  • 세인트 미사의 미사그레고리

프랑스에서 온 예술가 니콜라스 샹테렌은 1515년 코임브라에 있는 이 교회를 위한 왕실 무덤을 만들었습니다.1517년 그는 벨렘에 있는 제로니모스 수도원의 중앙 현관과 마누엘 왕과 마리아 여왕의 기도하는 형상들을 위임받았다. 이 조각가의 많은 작품들 중에는 신트라 시를 위한 페나 궁전의 알라보석 제단 조각이 있다.샹테렌느는 또한 위대한 [51]사실주의 흉상을 가지고 초상화 예술을 연습했다.

두 명의 다른 프랑스 조각가들 또한 코임브라에 있었다: 후안 드 루안과 펠리페 두아르테 혹은 오르테. 그는 톨레도에서 왔고 1534년에 매우 사실적이고 충동적인 태도로 완성된 만찬 그룹을 만들기 위해 고용되었다.이 무리는 현재 코임브라 시 박물관에 보존되어 있다.루앙은 이 도시의 성당에서 성찬 예배당의 제단 작업을 했습니다.또한 주목할 만한 것은 산타크루즈 수도원을 위해 만든 설교단입니다.이 화가는 중요한 작업장을 차렸고, 그곳에서 많은 작품들이 조각되었다.금세기 중반에 스페인의 영향은 벨렘 수도원의 몇몇 작품에서 느낄 수 있었는데, 이는 디에고 데 실로에 [52]원과 비슷한 스타일의 십자가에 못 박힌 나무처럼 느껴졌다.

히스파노 아메리칸 스컬프처

일반적으로 히스파노계 미국인 르네상스 조각은 스페인에서 가져온 작품 모형의 이용 가능성과 함께 종교 수도회와 그들의 가르침 덕분에 이루어졌으며, 많은 경우 이미지의 도상학, 특히 이미지의 도상학이 복사되었다.

에콰도르에서, 정확히는 플라망어 출신의 프란치스코 선교사 페드로 고살과 조도코 리케가 키토에 있는 샌프란시스코의 수녀원에 최초의 학교를 설립했고, 돌과 나무로 된 건축과 조각, 그리고 종교와 글자에 대한 지식을 가르쳤다.현지 예술가들은 15세기 멕시코에 세워진 제단 작품에서 볼 수 있는 더 원색적이고 더 인상적인 폴리크롬뿐만 아니라 이미지 얼굴의 독창성과 함께 전통의 모티브가 혼합된 좋은 해석을 얻었다.세례문양이나 수녀원 [53]뜰의 십자가에 사용된 장식에도 사용되었습니다.

관련된 조각가는 과테말라 출신의 퀴리오 카타뇨인데, 그는 특히 1594년 [54]에스퀴풀라의 검은 그리스도의 저자였다.

레퍼런스 및 주의사항

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  29. ^ 그것은 르네상스에 사용되었고 부조물에 있는 다른 권들의 도움을 받아 가상의 관점을 표현하기 위해 도나텔로가 완성한 기술이다.그것은 전경의 높은 부조에서부터 거의 스케치되지 않은 배경 인물들의 거의 평평한 부조까지 점진적으로 인물들의 축소로 구성되어 있다.
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