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조안 미첼

Joan Mitchell
이 기사는 그 화가에 관한 것이다.그 가수의 경우 조니 미첼을 참조하십시오.컴퓨터 과학자와 발명가는 Joan L.을 참조하십시오. 미첼.
조안 미첼
A photograph of Joan Mitchell in her painting studio in Vétheuil, France, with large abstract paintings behind her
조앤 미첼은 1983년 프랑스의 스튜디오에서
태어난(1925-02-12) 1925년 2월 12일
시카고, 일리노이, 미국
죽은1992년 10월 30일(1992-10-30일) (67세)
파리 미국 병원,
노이리쉬르세느, 프랑스
국적.아메리칸
교육
로 알려져 있다
움직임.

조앤 미첼(Joan Mitchell, 1925년 2월 12일 ~ 1992년 10월 30일)은 주로 그림 및 판화 작업에 종사한 미국의 화가이며 파스텔을 사용하고 종이 위에 다른 작품을 만들었다.그녀는 1950년대에 뉴욕 예술학교의 활발한 참여자였다.시카고 태생인 그녀는 대부분의 경력을 프랑스에서 살았지만 미국의 추상적 표현주의 운동과 관련이 있다.

미첼의 감정적으로 강렬한 문체와 몸짓적인 붓놀림은 19세기 후기 인상파 화가들, 특히 앙리 마티스에 의해 영향을 받았다.풍경들에 대한 기억은 그녀의 작품에 영감을 주었다; 그녀는 미술 평론가 어빙 샌들러에게 "나는 내 풍경을 가지고 다닌다."고 유명한 말을 했다.그녀의 후반 작업은 그녀의 건강 악화로 인해 알려졌고 제약을 받았다.

미첼은 비평가와 대중의 갈채를 받은 그녀 시대의 몇 안 되는 여성 화가 중 한 명이었다.그녀의 그림, 그림, 판화는 전 세계 주요 박물관과 소장품에서 볼 수 있으며 기록적인 가격에 팔렸다.2021년 샌프란시스코 현대미술관과 볼티모어 미술관은 그녀의 작품에 대한 포괄적인 회고전을 공동 기획했다.

미첼은 유언장에서 조앤 미첼 재단을 설립할 것을 제안했다.조앤 미첼 재단은 일하는 예술가들에게 보조금과 펠로우쉽을 수여하고 그녀의 아카이브를 유지하는 비영리 법인이다.

초기 생활과 교육

Joan Mitchell's yearbook photo from circa 1942
조앤 미첼, 1942년, 프랜시스 W. 파커 학교 연감

미첼은 일리노이주 시카고에서 피부과 의사 제임스 허버트 미첼과 시인 마리온 스트로벨 [1]미첼의 딸로 태어났다.그녀는 자라면서 다이빙과 스케이트를 즐겼고, 그녀의 예술은 나중에 이러한 운동 정신을 반영하게 될 것이다; 한 갤러리 주인은 미첼이 "거의 경쟁 [2]스포츠와 같은 그림으로 접근했다"고 말했다.미첼은 시카고 아트 인스티튜트에서 토요일 미술 수업을 자주 들었고, 결국 청소년기 후반의 여름을 인스티튜트가 운영하는 예술 집단인 옥스보우에서 보냈다.그녀는 스트릿터빌 인근 체스트넛 스트리트에 살았고 링컨 파크 인근 프란시스 W. 파커 학교에서 고등학교를 다녔다.그녀는 파커 반 친구인 에드워드 고리와 친했고 비록 어느 쪽도 상대방의 [3]일을 좋아하지 않았지만 말년에 그와 친구로 지냈다.

미첼은 매사추세츠의 스미스 대학과 시카고 [4]미술원에서 공부했으며 1947년에 BFA를,[5] 1950년에 MFA를 취득했다.맨하탄으로 1947년에 이사한 뒤, 그녀는 뉴욕에서 한스 호프만의 학교에서 공부할 수 없지만, 큐레이터 제인 리빙스턴에 따르면, 미첼,"나는 그가, 겁먹게 퇴근한 말을 알아듣지 못하를 선언한 한 클래스에 다녔어를 원했다."[6]달러짜리 2000여행 화목 그녀가 파리와 프로방스에서 1948–49,[7]으로 유학을 가서 그녀는 또한 여행 허용했다.스페인과 이탈리아에서 교육받았습니다.이 기간 동안 그녀의 작품은 점점 [8]추상적이 되었다.

미첼은 1949년 9월 프랑스 르 라방두에서 미국 출판사 바니 로제와 결혼했다.그 부부는 뉴욕에 나중에 그 해에 돌아왔다.[9]그들은 1952년과 이혼할 것.[8]

초기 경력(뉴욕)

1950년대에, 미첼은 뉴욕 학교 예술가와 시인들 중에서,이고, 엄마가 개인적으로 미적 라벨을 몹시 싫어했다 미국 추상 표현주의 movement,[10]과 관련이 있다고 적극적이었다.[11]1950년에 시작하여, 그녀는 그리니치 빌리지에 있는 스튜디오, 11번가와 9번가 뒤에 첫번째 주장했다.[9]그녀는 시더 주막과 그 클럽, 여덟째 스트리트에 미첼 패널 토론에 1950년대 내내 사회적 모임에 참여했다 초대 다락방 공간처럼 확고한 예술가들을 끌어 모으는 곳을 규칙적이었다.[8]:32

미첼은 뉴욕 스쿨의 동료 화가 필립 구스턴, 프란츠 클라인, 빌렘 드 쿠닝과 활발한 창작 담론을 유지했고, 그의 작품은 그녀가 매우 [8]존경했다.Katy Siegel이 Joan Mitchell에서 썼듯이, "그녀는 그들의 스튜디오와 쇼에 갔고, 그들은 그녀의 쇼에 왔다; 그녀는 그들과 함께 저녁과 술을 마시며, 혼자 그림 재료와 위대한 [12]: 31 예술에 대해 이야기했다."리 크라스너, 그레이스 하티건, 헬렌 프랑켄탈러, 셜리 재페, 일레인 드 쿠닝, 그리고 소니아 게흐토프와 함께, 미첼은 비평가들의 갈채와 [13]인정을 받은 몇 안 되는 여성 예술가들 중 한 명이었다.

1951년, 미첼의 작품은 미술상 레오 카스텔리와 예술가 클럽 회원들에 의해 조직된 랜드마크인 "나인스트릿 쇼"에 전시되었다. 이 쇼에는 잭슨 폴록, 윌렘 드 쿠닝, 한스 호프만의 [14]작품도 포함되었다.조안 미첼은 카스텔리의 [15]도움으로 그녀의 큰 추상화를 시내를 가로질러 운반했다.그녀의 친구 Franz Kline과 Willem de Kooning은 그녀의 작품이 훌륭하다고 생각했고 [1]전시회에서 그림을 좋은 위치에 놓았습니다.그녀의 첫 개인전은 [6]1952년 뉴욕의 뉴 갤러리에서 열렸다.

1950년대 중반까지 Mitchell은 프랑스에서 [16]여행하고 일하는 데 점점 더 많은 시간을 소비했다.그녀는 1950~1960년대 [17]내내 Stabil Gallery에서 수많은 개인전과 함께 뉴욕에서 정기적으로 전시회를 계속했다.린다 노클린과의 인터뷰에서, 미첼은 많은 동료들이 그녀의 예술 경력을 매우 지지했지만, 그녀가 예술 분야의 여성이었기 때문에 몇 가지 좌절이 있었다고 인정했다.그녀는 한스 호프만으로부터 그림을 그려야 한다는 말을 들은 적이 있는데, 이것은 매우 좋게 들리지만, 그녀는 남성 화가들이 여성 예술가들로부터 너무 많은 위협을 받지 않아서 그들이 그들의 예술 [18]경력을 발전시켜도 개의치 않는다는 것을 의미한다고 말했다.

1955년, 파리에 있는 동안, 미첼은 캐나다 화가 장 폴 리오펠을 만났고,[19] 그녀는 오랫동안 부유하고 떠들썩한 관계를 맺었습니다.그들은 집과 스튜디오를 따로 유지했지만 거의 [1]매일 저녁을 먹고 술을 마셨다.

1957년 10월, 미첼의 작품에 대한 첫 번째 주요 특집 기사가 아트뉴스에 실렸다.미술평론가 어빙 샌들러는 "미첼이 그림을 그린다"라는 제목의 기사에서 "그녀가 표현하려고 하는 감정들은 '시의 한 줄과 산문의 한 줄을 구별하는 자질'이라고 정의한다"고 썼다.하지만 감정은 외부 참조가 있어야 하고 자연은 그녀의 [11]작품에서 외부 물질을 제공합니다.

미드 커리어(프랑스)

1959년까지 미첼은 프랑스에서 풀타임으로 살았고 파리 [20]15구에 있는 프레미쿠르 거리의 스튜디오에서 그림을 그렸다.이 기간 동안, 그녀의 그림은 오사카 전시회인 인포멜과 구타이, 제29회 베니스 비엔날레, V 비에날 도 아르테 모데나, 상파울루, 그리고 [21]카셀에서 열린 도큐멘타 2세를 포함한 일련의 유명한 국제 전시회에 등장했다.Stable Gallery에서의 정기적인 솔로 전시회와 뉴욕의 다른 장소에서의 그룹 전시회와 함께,[17] 그녀는 파리에서 Galerie Jean Fournier (1963년까지 Galerie Kleber로 알려짐)와 함께 전시회를 시작했습니다.Fournier는 30년 이상 미첼의 파리 딜러로 남을 것이다.

또한 1960년대 초, 미첼은 파리에서 갤러리 뉴프빌(1960년), 갤러리 로렌스(1962년)[17]와 함께 개인전을 열었다.그녀는 이탈리아(Galleria Dell'Ariete, Milan, 1960)와 스위스(Klipstein und Kornfeld, Bern, 1962)[17]에서 개인전을 추가로 열었다.1960년대 내내 미첼의 작품은 파리의 살롱 드 마이와 살롱 데 레알리테 누벨에 [17]포함되었고 프랑스, 독일, 이탈리아, 스위스, 일본, 네덜란드, 그리고 다른 국제적인 장소에서 열린 수많은 그룹 전시회에도 포함되었다.

1960년에서 1964년 사이의 기간 동안, 미첼은 그녀의 초기 작품들의 전면적인 스타일과 밝은 색상에서 벗어나, 대신에 음침한 색조와 조밀한 중심 색 덩어리를 사용하여 초심하고 원시적인 것을 표현했다.이 작품들의 흔적은 특별하다고 한다: "물감이 캔버스에 튀어 올라가고, 그들의 표면에 쏟아지고 튀겨지고, 예술가의 [22]손가락에 묻었다."작가 자신은 1960년대 초 이 시기에 만들어진 작품을 "매우 폭력적이고 화가 나 있다"고 언급했지만, 1964년에는 "폭력적인 국면에서 벗어나 [23]다른 무언가로 들어가려고 노력하고 있다"고 말했다.

1967년, 미첼은 어머니가 돌아가신 후, 클로드 모네의 집이었던 지베르니 근처의 프랑스 베테유 마을에 2에이커의 땅을 사기에 충분한 돈을 상속받았다.미첼은 "그녀가 산책할 필요가 없도록" 그 집을 샀고, 그것은 그녀의 13마리의 [18]개들에게 유용하게 쓰였다.그녀는 그곳에서 여생을 [24]살았고 일했다.Vétheuil의 풍경, 특히 세느강과 그녀의 소유지에 있는 정원의 경치는 그녀의 [8]: 122 작품에서 자주 참조가 되었다.Mitchell은 종종 뉴욕에서 온 예술가 친구들을 Vétheuil로 창의적인 수련회에 초대했다.화가 조이스 펜사토는 "그녀는 젊은 사람들에게 베풀고 싶어했다.칼 [플랜스키]와 나는 그것을 외기 기금이라고 불렀다.그녀가 처음으로 나를 여름에 초대했을 때, 그것은 결국 3월부터 9월까지였다.6개월 동안 세뇌를 당했고,[25] 그렇게 해서 내가 누군지 알게 됐어요."

1968년,[17] 미첼은 뉴욕의 마사 잭슨 갤러리와 함께 전시회를 시작했다. 그녀는 1970년대까지 갤러리와 함께 전시회를 계속했다.1972년, 미첼은 뉴욕 [26]시러큐스에 있는 에버슨 미술관에서 "시골에서의 5년"이라는 제목의 그녀의 첫 번째 주요 박물관 전시회를 열었다.이 전시회는, 특히 1960년대 후반에서 1970년대 초반의 미첼의 "해바라기" 그림들은 평단의 [27]찬사를 받았다.뉴욕 타임즈에 기고한 피터 실달은 미첼이 궁극적으로 "50년대뿐만 아니라 60년대와 70년대 최고의 미국 화가들 중 한 명"으로 인정받을 것이라고 예측했다.그는 이어 "이 주장은 [26]시라쿠사에 있는 에버슨 박물관에서 최근에 열린 거대하고 거의 놀랍도록 아름다운 미첼 전시회 (그 중 일부는 엄청나게 큰 49점의 그림)를 본 행운의 주인공으로 보이지 않을 것 같다"고 말했다.이 전시회는 에버슨 박물관의 [17]발표에 이어 마사 잭슨 갤러리로 옮겨졌다.

1976년, 미첼은 1987년 사망할 때까지 뉴욕 딜러였던 뉴욕의 갤러리스트 자비에 포케이드와 정기적으로 전시회를 시작했다.

만년과 죽음(프랑스)

1982년, 미첼은 파리 [28]모데르 드 라 빌 박물관에서 단독 전시회를 가진 최초의 여성 예술가가 되었다.파리에서, 미첼은 작곡가 지젤 바로와 같은 예술가들과 케이트 반 후텐, 클로드 바우레 알라르, 마이클-안드레아 샤트, 모니크 프리드만, 마키 제나키스, 셜리 자페, 주카,[1] 카트와 같은 화가들을 사귀었다.1984년 11월, 미첼은 바스티유 지역에서 파리의 정신분석학자 크리스티앙 루소 모세티그와 상담을 시작했다.그곳에서 그녀는 미국인 예술가 사라 홀트와 그녀의 남편인 예술가 장 맥스 앨버트를 만나 친구가 되었다."얘들아...저는 당신의 복수 작품을 정말 좋아하고 두 분 다 붙잡습니다.작품도 마음에 들고 아티스트도 마음에 들어요.그건 드문 일이지만...너무 너무 행복해서..."[1]

1984년, 미첼은 진행성 구강암 진단을 받았고 하악골절제술(턱 제거)을 권고받았다.지난해 10월 퀴리연구소의 방사선 종양학 선구자인 장 피에르 바타이니로부터 두 번째 소견을 얻었지만 미첼에게 불안과 우울증과 함께 턱뼈(골괴사)를 남겼다.그녀는 의사의 지시에 따라 담배를 끊었지만 여전히 술을 많이 [1]마셨다.

1985년 이후, 미첼의 암 후 그림은 암으로 인한 심리적 변화를 반영하고 있다: 6개의 그림 사이, 빛바랜 공기 I, 빛바랜 공기 II, 몇 일 주기, 비포, 어게인 주기, 그리고 4명의 [1]: 382–383 Then, Last Time 그룹.미첼이 고관절 이형성의 결과로 골관절염에 걸렸을 때 그녀의 건강은 더욱 악화되었다.1985년 12월 호피탈 코친에서 고관절 치환 수술을 받았지만 별 성과는 없었다.이후 루베시엔의 한 클리닉에서 요양하는 동안 그녀는 수채화를 그리기 시작했다.그녀의 수술 후 어려움은 이젤을 사용하고 더 작은 포맷으로 작업해야 했다.그녀의 강 순환은 이 [1]시기의 상징이다.

비슷한 시기에 미첼의 뉴욕 딜러 자비에 포케이드는 에이즈 진단을 받고 1986년 프랑스로 건너가 치료를 받았다.Fourcade와 Mitchell은 12월에 레닌그라드 국립 에르미타주 박물관에서 마티스의 작품 전시회를 보기 위해 릴을 방문했다.이 여행은 1987년 4월 28일 자비에르 푸르케이드가 사망한 후 코드 그림이 그려진 릴의 순환으로 이어졌다.강, 릴, 코드 그림들은 1987년 6월 10일부터 [29]7월 13일까지 파리의 Galerie Jean Fournier에서 전시되었다.

1988년, 미첼의 작품은 그녀가 "미술사화된 라이브"[1]라고 지칭한 주요 회고전에 소개되었다.조앤 미첼의 그림: 36년간의 자연표현주의로 1988년과 1989년에 미국을 순회한 이 전시회는 샌프란시스코 미술관, 올브라이트 녹스 미술관, 라 호라 현대미술관, 허버트 F를 방문하기 전에 Corcoran Gallery of Art에서 시작되었다. 코넬 [9]대학의 존슨 미술관입니다.

로버트 밀러 갤러리에서 열린 미첼의 첫 번째 개인전은 1989년 [30]10월 25일부터 11월 25일까지 열렸다.그녀의 두 번째 로버트 밀러 갤러리 독주는 1991년 [29]3월 26일부터 4월 20일까지 계속되었다.그것은 매우 인기 있는 것으로 입증되었고, 뉴욕 타임즈의 존 러셀이 "자신만의 독자적인 표시에 모든 것을 걸어놓은 누군가의 자화상"[31]이라고 묘사한 그림들을 특집으로 다루었다.

인생의 마지막 몇 년 동안, [32]미첼은 새롭게 초점을 맞추어 해바라기 주제로 돌아왔다.해바라기, 1990-91년은 "죽어가는 [33]해바라기의 느낌을 전달하기 위해" 그려졌다.

1992년 10월, 미첼은 현대 미술관에서 열리는 마티스 전시회를[34] 위해 뉴욕으로 날아갔다.그녀가 도착하자마자, 그녀는 의사에게 옮겨졌고, 그는 폐암 [35]말기 진단을 받았다.그녀는 10월 22일 파리로 돌아와 잠시 베트유로 돌아온 후 파리의 병원에 입원했고, 그곳에서 존 챙과 조셉 스트릭과 같은 친구들이 [35]그녀를 방문했다.그녀는 1992년 10월 30일 아침 파리의 [36]미국 병원에서 사망했다.

스타일과 영향

비록 그녀의 그림 스타일은 수년에 걸쳐 발전했지만, 미첼은 1950년대 초부터 1992년 그녀의 마지막 작품까지 추상화에 전념했다.어렸을 때 19세기 그림을 보기 위해 시카고 미술원을 방문한 것에 기반을 둔 미첼은 폴 세잔, 바실리 칸딘스키, 헨리 마티스, 빈센트 반 고흐를 그녀의 [8]작품에 영향을 준 인물로 꼽았고, "만약 내가 마티스처럼 그림을 그릴 수 있다면,[37] 나는 천국에 있을 것이다."라고 말한 적이 있다.그녀의 그림은 종종 여러 개의 패널을 덮을 정도로 광범위하다.기억과 그녀가 기억하는 풍경과 관련된 감정은 그녀의 작품을 위한 주요 자료였다.미첼은 비평가 어빙 샌들러에게 "저는 [11]제 풍경을 가지고 다닙니다."라고 말했다.

Mitchell은 주로 화폭이나 흰색 바탕에 유화 물감으로 그림을 그렸는데, 제스처적이고 때로는 폭력적인 붓놀림을 사용했다.그녀는 그림을 "[38]우주에서 회전하는 유기체"라고 묘사했다.

미술사학자 린다 노클린에 따르면, "[미첼의 그림들의 의미와 감정의 강도는] 구조적으로 일련의 반대들에 의해 생성된다: 조밀함 대 투명함; 격자 구조 대 더 혼란스러운, 임시 구성; 캔버스 바닥의 무게 대 꼭대기의 무게; 빛 대 어둠;"처피와 연속 스트로크, 조화롭고 충돌하는 색상의 병치 - 모두 의미와 [39]느낌의 강력한 표시입니다."

미첼은 자신의 그림이 "죽어가는 해바라기의 느낌을 전해주길 바란다"며 "어떤 것들은 어린 소녀들처럼, 매우 수줍게...그들은 매우 [38]인간적이다."미첼은 그녀의 감정에 매우 영향을 받았고 그녀의 작품에 그것들을 포함시켰다.그녀는 심지어 자신의 그림에 영향을 준 이러한 감정들을 [40]시에 비유했다.

레거시

조앤 미첼 재단

그녀의 유언장에서, 미첼은 그녀의 [41]유산을 관리하면서 예술가들을 "지원하고 도울" 재단 설립을 준비했다.1993년 뉴욕에서 비영리 법인으로 설립된 Joan Mitchell Foundation은 미국에 기반을 둔 화가, 조각가 및 예술가 [42]단체에게 보조금과 장학금을 수여합니다.Mel Chin(1995), Mark Bradford(2002),[44][44] Wangechi Mutu(2007),[44] Simone Leigh(2011),[45] Amy Sherald(2013),[44] Amanda Ross-Ho(2013),[46] Ann Purcell(2014),[47] Michi Meabeth(2017)[48] 등 1,000명 이상의 미국 아티스트가 Foundation으로부터 보조금을 [43]받았다.재단은 아티스트에게 경력 문서, 인벤토리 관리 및 레거시 계획 분야에서 [51]무료 자원과 교육을 제공합니다.루이지애나 주 뉴올리언스에 있는 조앤 미첼 센터의 Artist-in-Residence 프로그램은 2015년 7구 [52]2275 Bayou Road에서 시작되었습니다.과거 레지던트 참가자에는 Laylah Ali, Firelei Baez, Heather Hart, Maren Hassinger, Laura Kina, Carrie Moyer, Shani Peters, Alison Saar, Amy Sherald, Cullen Washington, Jr., Carl Joe Williams, Mel [53]Zierler가 포함되어 있습니다.

또한, 재단은 미첼의 작품 모음, 그녀의 논문(서신 및 사진 포함), 그리고 그녀의 삶과 [42]일과 관련된 다른 기록 자료들을 관리하고 있습니다.2015년, 재단은 조앤 미첼 카탈로그 레종네 프로젝트를 설립했는데, 이 프로젝트는 카탈로그 레종네의 [54]최종 출판을 위해 미첼의 그림을 연구하고 있다.

레거시 전시회 선택

미첼의 작품은 1961년과 [17]1974년 중간경력 조사에서 소개되었고 1988년과 1989년에는 주요 후기경력 회고 투어에서 소개되었다.2002년 휘트니 미술관에서 회고 조사인 '조안 미첼의 그림'이 개관했다.2002년 전시회 개막 전날, 친구이자 미술 작가인 클라우스 커테스는 뉴욕 타임즈에 다음과 같이 썼다: "열정적인 내면의 비전이 조안의 붓을 인도했다.그녀의 동료 Cy Twombly처럼, 그녀는 추상표현주의 조상들의 어휘를 확장했다.그녀는 그들의 화법에 도전적으로 그들의 [55]아름다움을 파악하도록 우리를 놀라게 하는 구성적이고 색채적인 용기를 불어넣었다.

2015년 오스트리아 쿤스트하우스 브레겐츠는 Joan Mitchell 회고전을 조직했습니다. 독일 쾰른의 루드비히 박물관을 여행한 그녀의 삶과 그림 (2015-2016)[56]

2021년 9월 샌프란시스코 현대미술관에서 포괄적인 회고전 조안 미첼이 개막했다.이 회고전은 SFMOMA의 사라 로버츠와 볼티모어 미술관의 케이티 시겔이 공동 큐레이터를 맡았다.뉴욕 타임즈지의 리뷰에서 비평가 타우시프 누르는 이 전시회에 대해 "가장 위대한 화가 중 한 명으로 역사에 기록되려는 미첼의 강철 같은 결심이 추상적 [57]표현주의의 윤곽을 확장하는 시그니처 스타일을 어떻게 만들어냈는지를 추적한다"고 썼다.SFMOMA에서의 상영에 이어 볼티모어 미술관 (2022년 3월 6일~8월 14일)과 파리 퐁다션 루이뷔통 (2022년 [58]가을)으로 이동할 예정이다.

미첼의 작품은 전 [59]세계 100개가 넘는 공공기관의 상설 컬렉션에 소장되어 있다.

아트마켓

An abstract painting by Joan Mitchell with curving and slashing brushstrokes in blue, green, and red, among other colors, on a white canvas
무제(1960년)는 2014년 경매에서 1190만달러에 낙찰돼 당시 여성 작가의 작품 기록이었다.

미첼의 작품은 그녀의 생전부터 그녀가 죽은 후까지 상업적으로 매우 성공적이었다.미첼은 1960년에서 1962년 사이에 미술품 판매로 30,000달러 이상을 벌어들였고, 그 동안 그녀는 여전히 활동 중이었다.당시 [60]여류화가로서 중요한 인물이었다.

1992년 사망 당시 미첼은 뉴욕의 로버트 밀러 갤러리와 파리의 갤러리 장 푸르니에가 대표로 있었다.두 갤러리 모두 1990년대 [17]내내 그녀의 작품 전시회를 계속했다.2004년 뉴욕의 Cheim & Read는 Joan Mitchell Foundation의 갤러리 대표를 맡았습니다.갤러리는 2018년까지 Mitchell의 작품을 여러 차례 단독 전시했고, 그 후 재단이 David Zwirner로 [61]대표자를 옮겼습니다.2019년, Mitchell의 멀티 패널 작품은 David Zwirner New York의 단독 전시 주제였습니다.Joan Mitchell: 나는 내 풍경을 가지고 [62]다닙니다.

옥션

2007년, 시카고의 아트 인스티튜트는 Ste를 팔았다. 1957년 크리스티[16] 뉴욕에서 380만 [63]달러에 일하던 힐레어 씨.2012년 크리스티 파리에서 미첼의 1971년 [63]그림이 520만 유로에 팔렸다.경매 데이터베이스 아트넷에 [64]따르면, 그 해에 미첼의 캔버스는 경매에서 팔린 모든 여성 예술가의 작품 중 가장 비싼 두 작품이었다.블룸버그가 [65]집계한 수치에 따르면 미첼의 작품은 1985년부터 2013년까지 2억3980만 달러의 매출을 올렸다.

2014년 크리스티 뉴욕에서는 미첼의 1960년작 추상화가 1190만 달러에 낙찰돼 높은 평가를 넘어 경매 기록을 세웠다.그 결과는 또한 이전에 Berthe Morisot의 Apres le dejuner (1881년)[66][67][68]가 가지고 있던 경매에 나온 모든 여성 예술가의 새로운 예술 작품 기록을 세웠다.이 가격은 조지아 오키프가 1932년 그린 짐슨 위드/화이트 플라워 No.1에 [69]의해 2014년 11월 20일에 달성한 4440만 달러에 의해 다시 초과되었다.2018년 6월, 미첼의 그림 중 9점이 세계 [2]최대 현대 미술 박람회인 아트 바젤에서 7천만 달러 이상에 팔릴 것으로 예상되었다.2021년 5월,[70] 미첼의 그림 12 Hawks at 3 O'Clock (1962년 경)은 아트 바젤 홍콩에서 2천만 달러에 기록적인 가격에 팔렸다.

레퍼런스

  1. ^ a b c d e f g h i Albers, Patricia (2011). Joan Mitchell: Lady Painter. New York: Alfred A. Knopf. ISBN 9780375414374.
  2. ^ a b "She's About to Be the Belle of Basel, Decades After Her Death". Bloomberg.com. June 8, 2018. Retrieved June 8, 2018.
  3. ^ Dery, Mark (2019). Born to be Posthumous: The Eccentric Life and Mysterious Genius of Edward Gorey. New York: Little, Brown, and Company. p. 44. ISBN 978-0-316-18854-8.
  4. ^ Joan Mitchell, Leaving America, Helen Molesworth ISBN 978-3-86521-490-4 텍스트
  5. ^ 조앤 미첼 크리스탈 브리지스 벤튼빌 미국미술관입니다
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추가 정보

발행일별 역순

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외부 링크

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