바실리 칸딘스키

Wassily Kandinsky
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동슬라브어 지명 규칙을 따르는 이 이름에서 본칭은 와실리예비치이고 성씨는 칸딘스키입니다.
바실리 칸딘스키
칸딘스키 지음: 아돌프 엘나인, 1925
태어난
바실리 와실리예비치 칸딘스키

12월 16일 [O.S. 12월 4일] 1866년
모스크바, 러시아 제국
죽은1944년 12월 13일 (1944-12-13) (77세)
뇌이쉬르센 주
국적.러시아어, 후 프랑스어
교육뮌헨 미술학교
유명함페인팅
주목할 만한 작품화이트 2에 대해, 더 블루 리테이터
움직임.표현주의; 추상미술
서명

Wassily Wassilyevich Kandinsky (/ˈv æ ˈ ɪ스키/VASS-ilee kan-DIN-skey; 러시아어: в асилий в асильевич к андинский, tr.바실리 바실리예비치 칸딘스키 IPA: [v ɐˈ 일 ʲɪj 대 ʲ 일 ʲj ɪv ʲɪ k ɐ ʲˈ ʲ인스크 ʲɪj]; 12월 16일 [OS. 4. 1866년 12월] – 1944년 12월 13일)은 러시아의 화가이자 미술 이론가였습니다.칸딘스키는 일반적으로 서양 미술에서 추상화의 선구자들 중 한 명으로 인정받습니다.모스크바에서 태어난 그는 오데사에서 유년기를 보냈고, 오데사 미술학교를 졸업했습니다.그는 모스크바 대학교에 입학하여 법학과 경제학을 공부했습니다.그의 직업에서 성공한 그는 도르파트 대학교(오늘날 에스토니아 타르투)의 교수직(로마법의 의장)을 제안 받았습니다.—칸딘스키는 30살의 나이에 그림 공부 (인생 그리기, 스케치와 해부학.

1896년, 칸딘스키는 뮌헨에 정착했고, 처음에는 안톤 아 ž베의 사립학교에서 공부했고, 그 다음에는 미술 아카데미에서 공부했습니다.그는 제1차 세계대전이 발발한 후 1914년 모스크바로 돌아갔습니다. 러시아 혁명 이후, 칸딘스키는 "아나톨리 루나차르스키의 문화 행정부의 내부 인사가 되었고 회화 문화 박물관을 설립하는 것을 도왔습니다.[1][2]하지만 그때쯤이면 "그의 정신적인 전망은..."소련 사회의 논쟁적 물질주의와는 이질적이었습니다."[3] 그리고 독일에서 기회들이 손짓했고, 1920년에 그는 그곳으로 돌아왔습니다.그곳에서 그는 1922년부터 나치가 1933년에 폐쇄할 때까지 바우하우스 미술학교와 건축학교에서 가르쳤습니다.그 후 그는 프랑스로 이주하여 여생을 살았고, 1939년 프랑스 시민이 되어 그의 가장 유명한 예술 작품들을 제작했습니다.그는 78세 생일을 3일 앞둔 1944년 뇌이쉬르센에서 사망했습니다.

젊은 시절

칸딘스키는 러시아 모스크바에서 태어났고, 리디아 티체바와 차 상인 바실리 실베스트로비치 칸딘스키의 아들이었습니다.[4][5]그의 증조할머니 중 한 분은 간티무로바 공주였습니다.[6]칸딘스키는 모스크바에 있는 동안 다양한 출처로부터 배웠습니다.그는 학교에 다니면서 법학과 경제학을 포함한 많은 분야를 공부했습니다.말년에, 그는 어린 시절 색에 매료되고 자극을 받았던 것을 기억합니다.그가 자라면서 색상 상징성과 심리학에 대한 그의 매력은 계속되었습니다.

1889년 25세의 나이로 그는 모스크바 북쪽의 볼로그다 지역을 여행한 민족지학 연구 그룹의 일원이 되었습니다.'과거를 보다'에서 그는 집과 교회들이 희미하게 빛나는 색깔로 장식되어 있어서, 그 집에 들어가자마자 그림으로 옮겨가는 것을 느꼈다고 이야기합니다.이 경험과 그 지역의 민속 예술에 대한 그의 연구(특히 어두운 배경에 밝은 색을 사용하는 것)는 그의 초기 작품의 많은 부분에 반영되었습니다.

몇 년 후, 그는 처음으로 그림을 주목받는 방식으로 음악을 작곡하는 것에 비유했고, "색은 건반이고, 눈은 망치이고, 영혼은 많은 줄을 가진 피아노입니다.예술가는 영혼에 진동을 일으키기 위해 이런저런 열쇠를 만지며 연주하는 손입니다."[7]

칸딘스키는 또한 러시아-프랑스 철학자 알렉상드르 코제브 (1902–1968)의 삼촌이었습니다.

예술기

칸딘스키의 추상적인 작품의 창작은 그의 예술적 경험을 바탕으로 한 강렬한 사고의 오랜 발전과 성숙의 시간을 뒤따랐습니다.그는 이 헌신을 내면의 아름다움, 정신의 열정, 그리고 정신적 욕망을 내면의 필요라고 불렀습니다. 그것은 [8]그의 예술의 중심적인 측면이었습니다.어떤 미술사학자들은 칸딘스키의 추상미술에 대한 열정이 시작된 것은 어느 날, 집으로 돌아와 자신의 작업실에 거꾸로 걸려있는 자신의 그림 중 하나를 발견하고, 그것이 자신의 작품이라는 것을 깨닫기 전에 잠시 동안 그것을 응시하면서 [9]추상화의 잠재적인 힘을 그에게 제안했기 때문이라고 제안합니다.

1896년, 30살의 나이에, 칸딘스키는 그의 선생님들이 결국 프란츠 폰 스턱을 포함하게 될 뮌헨 아카데미에 등록하기 위해 유망한 직업 교육법과 경제학을 포기했습니다.[10]그는 즉시 입학 허가를 받지 못했고, 스스로 미술을 배우기 시작했습니다.같은 해, 모스크바를 떠나기 전, 그는 모네의 그림 전시회를 보았습니다.그는 특히 인상주의적인 스타일의 건초 더미에 매료되었습니다; 이것은 그에게 사물 자체와는 거의 독립적인 색채 감각을 가지고 있었습니다.나중에 그는 이 경험에 대해 이렇게 썼습니다.

카탈로그에서 알려준 건초 더미였다고요나는 그것을 알아볼 수 없었습니다.이 인정받지 못하는 것이 저에게는 괴로웠습니다.나는 그 화가가 불분명하게 그릴 권리가 없다고 생각했습니다.나는 그 그림의 대상이 없어진 것을 느릿느릿 느꼈습니다.그리고 저는 그 사진이 저를 사로잡았을 뿐만 아니라 제 기억에 지울 수 없을 정도로 깊은 인상을 남겼다는 것을 놀랍고 혼란스럽게 알아차렸습니다.그림은 동화와 같은 힘과 화려함을 띠었습니다.[11]

— Wassily Kandinsky

칸딘스키는 이 시기 동안 리하르트 바그너의 로엔그린에 의해 비슷하게 영향을 받았는데, 그는 음악과 멜로디의 한계를 표준적인 서정성을 넘어선다고 느꼈습니다.[12]그는 또한 신학의 가장 유명한 옹호자인 마담 블라바츠키 (1831–1891)의 영적인 영향을 받았습니다.신학적 이론은 창조가 하나의 점에서 시작하는 기하학적인 진행이라고 가정합니다.양식의 창의적인 측면은 원, 삼각형 및 사각형의 내림차순 시리즈로 표현됩니다.칸딘스키의 책 예술에서의 영적인 것에 관하여(1910)와 점과 선과 평면에 관하여(1926)는 이 신학적 신조를 반복했습니다.존 발리의 사고 형태 삽화(1901)는 시각적으로 그에게 영향을 주었습니다.[13]

변태

Colourful abstract painting with buildings and a church in the background
뮌헨-슈바빙과 성 교회 우르술라 (1908)

1902년 여름, 칸딘스키는 Gabriele Munter를 알프스 산맥의 뮌헨 바로 남쪽에 있는 그의 여름 그림 수업에 함께하도록 초대했습니다.그녀는 받아들였고, 그들의 관계는 전문적인 것보다 더 개인적인 것이 되었습니다.보통 어렵다고 여겨졌던 예술학교는 칸딘스키에게 쉬웠습니다.그가 화가뿐만 아니라 미술 이론가로 부상하기 시작한 것은 바로 이 시기였습니다.20세기 초에 현존하는 그의 그림의 수는 증가했습니다. 그가 그린 풍경과 마을의 많은 부분이 광범위한 색상과 눈에 띄는 형태를 사용했습니다.그러나 칸딘스키의 그림들은 대부분 사람의 모습을 포함하지 않았습니다; 예외적으로 칸딘스키가 마을의 벽들 앞에서 농부들과 귀족들의 매우 다채로운 (그리고 공상적인) 풍경을 재현한 구 러시아 일요일 (1904)입니다.말을 탄 커플(1907)은 푸른 강을 가로질러 야광 벽이 있는 러시아 마을을 지나가면서 한 남자가 말을 탄 채 여자를 안고 있는 모습을 묘사합니다.나무와 마을, 그리고 강에 비친 나뭇잎들이 색과 밝은 점들로 반짝거리는 동안 말은 조용합니다.이 작업은 필드의 깊이가 평평하고 발광하는 표면으로 붕괴되는 방식에서 점묘법의 영향을 보여줍니다.야수파는 이러한 초기 작품들에서도 분명하게 드러납니다.색은 객관적인 본성을 묘사하기 위해가 아니라 칸딘스키의 주제에 대한 경험을 표현하기 위해 사용됩니다.

Painting of white horse and blue rider galloping across a green meadow from right to left
블루 라이더 (1903)

아마도 1900년대의 첫 10년 동안의 그의 그림들 중 가장 중요한 것은 빠른 속도로 달리는 말을 타고 바위가 많은 초원을 달려가는 작은 망토를 걸친 모습을 보여주는 블루 라이더 (1903)였을 것입니다.탑승자의 망토는 짙은 파란색 그림자를 드리우는 중청색입니다.전경에는 더 많은 무정형의 푸른 그림자가 있는데, 배경에는 가을 나무의 대응물입니다.그림 속의 파란 기수는 눈에 띄고(그러나 명확하게 정의되지는 않았습니다), 말은 부자연스러운 걸음걸이를 가지고 있습니다(칸딘스키는 이 사실을 알고 있었을 것입니다).[citation needed]관람자들이 작품 제작에 참여할 수 있게 해주는 이 의도적인 단절은 이후 칸딘스키에 의해 점점 더 의식적으로 사용되는 기법이 되었습니다; 1911-1914년 기간의 추상적인 작품들에서 절정에 이르렀습니다.블루 라이더에서 칸딘스키는 구체적인 세부 사항보다는 일련의 색상으로 라이더를 보여줍니다.이 그림은 동시대 화가들과 비교했을 때 그런 면에서 예외적인 것은 아니지만, 칸딘스키가 몇 년 후에 취할 방향을 보여줍니다.

1906년부터 1908년까지 칸딘스키는 바이에른의 작은 마을인 무르나우에 정착할 때까지 유럽 전역을 여행하며 많은 시간을 보냈습니다.1908년에 그는 애니 베상트와 찰스 웹스터 리드비터가 쓴 생각 형태의 복사본을 구입했습니다.1909년에 그는 신학회에 가입했습니다.푸른 산(1908~1909)은 이 시기에 그려진 것으로 추상화에 대한 그의 경향을 보여줍니다.산더미처럼 쌓인 푸른 나무 옆에는 두 그루의 넓은 나무들이 있는데, 하나는 노란색이고 하나는 빨간색입니다.세 명의 선수와 여러 명의 선수가 함께하는 행렬이 하단에서 교차합니다.탑승자들의 얼굴과 옷, 안장은 각각 단색이며, 그들과 걷는 모습은 어떤 실제적인 세부사항도 보여주지 않습니다.평면과 등고선도 야수파의 영향을 나타냅니다.블루마운틴에서 컬러를 폭넓게 사용하는 것은 컬러가 형태에 관계없이 표현되고 각각의 컬러가 동등한 관심을 받는 예술에 대한 칸딘스키의 성향을 보여줍니다.구도는 더 평면적이고, 그림은 하늘, 붉은 나무, 노란 나무, 푸른 산의 네 부분으로 나누어져 있고, 세 명의 기수가 있습니다.

블루 라이더 시대 (1911년 ~ 1914년)

참고 항목:더 블루 리테이터
바실리 칸딘스키, 1910, 공장 굴뚝이 있는 풍경, 캔버스에 기름, 66.2cm x 82cm (26.1인치 x 32.3인치), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관

이 시기의 칸딘스키의 그림들은 형태와 선으로부터 독립적으로 평가된 크고 표현적인 색채의 덩어리들입니다; 이것들은 더 이상 그것들을 구분 짓지 않고, 자유롭게 겹쳐져서 특별한 힘을 가진 그림들을 만듭니다.음악은 본질적으로 추상적이기 때문에 추상 예술의 탄생에 중요했습니다. 음악은 외부 세계를 나타내려고 노력하는 것이 아니라 영혼의 내면 감정을 즉시 표현합니다.칸딘스키는 때때로 그의 작품들을 식별하기 위해 음악 용어들을 사용했습니다; 그는 그의 가장 즉흥적인 그림들을 "개요"라고 불렀고 더 정교한 작품들을 "작곡"이라고 묘사했습니다.

그림뿐만 아니라, 칸딘스키는 예술 이론가였습니다; 서양 미술의 역사에 대한 그의 영향은 아마도 그의 그림들보다 그의 이론적인 작품들에서 더 기인합니다.그는 1909년 뮌헨 신인 예술가 협회(Neue Künstervereinigung Münch)를 설립하는 것을 도왔고, 그 회장이 되었습니다.그러나, 그 그룹은 칸딘스키 (그리고 다른 사람들)의 급진적인 접근법을 전통적인 예술적인 개념과 1911년 말에 해체된 그룹을 통합할 수 없었습니다.그 후 칸딘스키는 어거스트 멕고, 프란츠 마크, 알버트 블로흐, 가브리엘레 뮌터와 같은 마음이 통하는 예술가들과 함께 블루 라이더라는 새로운 그룹을 만들었습니다.그 단체는 연감을 발표했고 두 개의 전시회를 열었습니다.각각의 계획들 중 더 많은 것들이 계획되었지만, 1914년 제 1차 세계대전의 발발은 이러한 계획들을 끝내고 칸딘스키를 스위스와 스웨덴을 거쳐 러시아로 돌려보냈습니다.

즉흥곡 27 (사랑의 정원 II), 1912, 캔버스의 기름, 120.3cm x 140.3cm (47.4인치 x 55.2인치), 뉴욕 메트로폴리탄 미술관1913 무기고 전시회 전시

블루 라이더 연감에 실린 그의 글과 "예술의 영성에 관하여"라는 논문(1910년 발표)은 추상적 예술의 옹호와 홍보, 그리고 모든 형태의 예술이 동등하게 영성의 수준에 도달할 수 있다는 확언이었습니다.그는 물체나 다른 형태에 대한 시각적인 묘사와는 별개로 색이 그림에서 자율적인 것으로 사용될 수 있다고 믿었습니다.

이러한 생각들은 특히 영어권에서 거의 즉각적인 국제적인 영향을 미쳤습니다.[14]일찍이 1912년에 마이클 새들레어가 런던에 기반을 둔 아트 뉴스에서 미술에서의 영성에 대해 비평했습니다.[15]1914년 Sadleir가 On the Spiritial in Art의 영어 번역본을 출판했을 때 칸딘스키에 대한 관심은 빠르게 증가했습니다.이 책의 발췌본은 그해 퍼시 윈덤 루이스의 정기간행물과 알프레드 오라지의 주간 문화신문 뉴에이지에 실렸습니다.그러나 칸딘스키는 영국에서 일찍이 약간의 통지를 받았습니다; 1910년에 그는 런던의 Royal Albert Hall에서 열리는 연합 예술가 전시회(Frank Rutter에 의해 조직된)에 참가했습니다.이것은 아트 뉴스의 예술가 스펜서 프레더릭 고어에 의한 그 쇼의 리뷰에서 그의 작품이 칭찬을 받는 것으로 선정되는 결과를 낳았습니다.[16]

칸딘스키에 대한 새들레어의 관심은 또한 칸딘스키의 첫 번째 작품들이 영국의 미술 컬렉션에 들어가는 것으로 이어졌습니다; 새들레어의 아버지 마이클 새들러는 그 해 뮌헨에서 칸딘스키를 만나기 위해 아버지와 아들의 방문에 이어 1913년에 여러 장의 목판화와 추상화 조각 7장을 획득했습니다.이 작품들은 1913년에서 1923년 사이에 리즈 대학이나 리즈 예술 클럽의 구내에 전시되었습니다.[17]

러시아로 귀환 (1914-1921)

1920년 모스크바 제19회 주 전시회에 전시된 칸딘스키의 '회색 속에서' (1919)

태양은 모스크바 전체를 녹여서 마치 미친 튜바처럼 모든 심장과 모든 영혼이 진동하기 시작합니다.하지만 아니요, 이 붉은 색의 통일성은 가장 아름다운 시간이 아닙니다.위대한 오케스트라의 포르티시모처럼 모스크바에 의해 울려 퍼지도록 강요되고 허용되는 것은 인생의 정점에 모든 색깔을 가져다주는 교향곡의 마지막 화음일 뿐입니다.

— Wassily Kandinsky[20]

1916년, 그는 1917년 2월 11일에 결혼한 니나 안드리브스카야 (1899–1980)를 만났습니다.

1918년부터 1921년까지, 칸딘스키는 러시아의 문화 정치에 참여했고 예술 교육과 박물관 개혁에 협력했습니다.그는 이 기간 동안 그림을 거의 그리지 않았지만 형태와 색상 분석에 기초한 프로그램으로 예술 교육에 시간을 바쳤습니다. 또한 그는 모스크바에 그가 초대 감독이었던 예술 문화 연구소를 조직하는 것을 도왔습니다.그의 정신적이고 표현주의적인 예술관은 결국 연구소의 급진적인 구성원들에 의해 너무 개인주의적이고 부르주아적이라고 거부되었습니다.1921년, 칸딘스키는 바이마르 바우하우스의 설립자인 건축가 발터 그로피우스에 의해 독일로 가서 바이마르 바우하우스에 참석하도록 초대받았습니다.

독일로와 바우하우스 (1922-1933)

옐로우 레드 블루, 1925, 파리 국립미술모던

1922년 5월, 그는 국제 진보 예술가 대회에 참석하여 "진보 국제 예술가 연합 창립 선언"에 서명했습니다.[21]

칸딘스키는 바우하우스에서 초보자를 위한 기본 디자인 수업과 고급 이론 수업을 가르쳤고, 그림 수업과 자신의 색채 이론을 형태 심리학의 새로운 요소로 보강하는 워크숍을 진행했습니다.특히 점과 선 형태에 대한 그의 연구는 1926년 그의 두 번째 이론서(점과 선에서 평면으로)의 출판으로 이어졌습니다.곡선과 각진 선의 대조적인 톤으로 이어지는 직선에 대한 힘의 영향에 대한 그의 연구는 바우하우스에서도 연구된 게슈탈트 심리학자들의 연구와 동시에 이루어졌습니다.[22]기하학적 요소들은 그의 가르침과 그림 둘 다에서 점점 더 중요해졌는데, 특히 원, 반원, 각도, 직선, 곡선들이 그러했습니다.이 시기는 매우 생산적이었습니다.이러한 자유는 그의 작품에서 특징지어지는데, 노란색 – 빨간색 – 파란색(1925)과 같이 색상과 그라데이션이 풍부한 비행기를 다루었는데, 여기서 칸딘스키는 그 당시에 영향력 있었던 구성주의와 우월주의 운동과의 거리를 보여줍니다.

데사우의 폴 클레와 바실리 칸딘스키 가문

수직의 노란색 직사각형, 기울어진 빨간색 십자가, 그리고 큰 짙은 파란색 원의 여러 가지 주요 형태의 2미터 너비의 (6피트 7인치) 노란색 – 빨간색 – 파란색 (1925); 다수의 직선 (또는 연속적인) 검은색 선, 원호, 단색 원, 그리고 흩어져 있는 색상의 바둑판은 그것의 섬세한 복잡성에 기여합니다.캔버스에 존재하는 형태와 주요 색상의 덩어리에 대한 단순한 시각적 식별은 작품의 내적 실체에 대한 첫 번째 접근일 뿐이며, 작품의 감상은 작품에 포함된 형태와 색상뿐만 아니라 그들의 관계에 대한 더 깊은 관찰을 필요로 합니다.캔버스 상의 그들의 절대적이고 상대적인 위치와 그들의 조화.

칸딘스키는 1924년 미국에서 강연하고 전시한 폴 클리, 리옹엘 파이닝거, 알렉세이 폰 자울렌스키와 함께 1923년 결성된 디 블루 비어(Blue Four) 중 한 명이었습니다.우익의 적대감으로 바우하우스는 바이마르를 떠나 1925년 데사우에 정착했습니다.나치의 비방 캠페인 이후 바우하우스는 1932년 데사우를 떠나 베를린으로 향했다가 1933년 7월 해체되었습니다.그 후 칸딘스키는 독일을 떠나 파리에 정착했습니다.

대합성 (1934-1944)

파리의 한 아파트에 살던 칸딘스키는 거실 스튜디오에서 작품을 만들었습니다.그의 그림에는 미세한 유기체를 암시하지만 작가의 내면의 삶을 표현하는, 유연하고 비기하학적인 윤곽을 가진 바이오모픽 형태가 나타납니다.칸딘스키는 슬라브의 대중 예술을 연상시키는 독창적인 색채 구성을 사용했습니다.그는 또한 가끔 모래와 페인트를 섞어 그의 그림에 과립 모양의 촌스러운 질감을 주기도 했습니다.

이 시기는 칸딘스키가 모든 원소를 사용하여 그 원소들을 풍부하게 만든 이전의 작품의 종합에 해당합니다.1936년과 1939년에 그는 그의 마지막 두개의 주요한 작품을 그렸습니다. 그는 여러 해 동안 그가 제작하지 않았던 정교한 캔버스의 종류입니다.조성물 IX는 매우 대조적이고 강력한 대각선을 가지고 있으며, 중심 형태는 자궁에 있는 배아의 느낌을 줍니다.작은 사각형의 색과 색 띠가 성 조각(또는 필라멘트)으로 X 구도의 검은 배경에 눈에 띄고, 파스텔 톤의 수수께끼 같은 상형문자는 캔버스의 왼쪽 상단 모서리에 떠 있는 것처럼 보이는 거대한 석양 덩어리를 덮습니다.칸딘스키의 작품에서 몇몇 특징들은 명백한 반면, 어떤 손길들은 더 신중하고 베일에 싸여 있습니다; 그것들은 그의 작품과 그들의 연관성을 심화시키는 사람들에게만 그들 자신을 점진적으로 드러냅니다.[24]그는 관찰자의 영혼에 울려 퍼지도록 (그가 은은하게 조화를 이루어 배치한) 자신의 형태를 의도했습니다.

칸딘스키의 예술관

주요 기사:바실리 칸딘스키의 작품 목록

예언자로서의 예술가

Large, colourful abstract painting
작곡 7, 트레티아코프 갤러리칸딘스키에 따르면, 이것은 그가 그린 작품들 중 가장 복잡한 작품입니다. (1913)

"음악은 궁극의 스승"이라고 쓰면서 칸딘스키는 그의 10곡 중 첫 7곡에 착수했습니다.[25]처음 세 장은 동료 예술가이자 친구인 가브리엘레 뮌터가 찍은 흑백 사진에서만 생존합니다.1944년 10월 14일 밤 영국이 니더작센주 브라운슈바이크 시를 공습하여 제1작곡이 파괴되었습니다.[26]

연구, 스케치, 즉흥곡이 존재하지만(특히 작곡 2) 1930년대 나치의 바우하우스 습격으로 칸딘스키의 첫 세 작품이 몰수당했습니다.이 작품들은 국가가 후원하는 전시회 "데제너레이트 아트"에 전시되었고, 그 후 파괴되었습니다 (폴 클레, 프란츠 마르크와 다른 현대 예술가들의 작품들과 함께).[citation needed]

기독교 종말론과 다가오는 뉴에이지에 대한 인식에 매료된 [27]칸딘스키의 첫 일곱 작품 중 공통적인 주제는 종말론(우리가 알고 있는 세상의 종말)입니다."예언자로서의 예술가"를 그의 책 "예술에서의 영적인 것에 관하여"에서 쓴 칸딘스키는 1차 세계대전 직전 몇 년 동안 개인과 사회 현실을 바꿀 다가오는 재앙을 보여주는 그림들을 만들었습니다.정통 기독교에 대한 독실한 믿음을 가진 [28]칸딘스키는 노아의 방주, 요나와 고래, 그리스도의 부활, 계시록에 등장하는 종말론의 네 기수, 러시아의 설화, 죽음과 부활에 대한 공통된 신화적 경험 등의 성서 이야기를 끌어냈습니다.이 이야기들 중 어떤 것도 내러티브로 그리려고 시도하지 않았던 그는 베일에 싸인 그들의 이미지를 제1차 세계대전 이전의 세계에 임박했다고 느낀 죽음-재탄생-파괴-창조의 원형의 상징으로 사용했습니다.

그가 예술에서의 영적인 것에 관하여(아래 참조)에서 말했듯이, 칸딘스키는 "내부적인 필요성"으로부터 예술을 창조하는 진정한 예술가가 상승하는 피라미드의 끝에 살고 있다고 느꼈습니다.이 진행중인 피라미드는 미래로 파고들어 가고 있습니다.어제는 이상하거나 상상할 수 없었던 것이 오늘은 흔한 일이고, 오늘은 전위적인 것이 내일은 상식입니다.현대의 예술가이자 예언자인 그는 피라미드의 꼭대기에 홀로 서서 새로운 발견을 하고 미래의 현실을 개척합니다.칸딘스키는 최근의 과학적 발전과 현대 예술가들의 진보를 알고 있었고, 그들은 세상을 보고 경험하는 근본적으로 새로운 방법에 기여했습니다.

작곡 Ⅳ와 이후의 그림들은 주로 감상자와 예술가에게 정신적인 울림을 불러일으키는 것과 관련이 있습니다.칸딘스키는 물에 의한 종말론(Composition VII)을 그의 그림처럼, 이러한 서사적 신화들을 현대적 용어(절망감, 혼란감, 혼란감)로 번역하여 보는 이를 경험하는 상황에 놓이게 합니다.이러한 시청자-그림-예술가/예언자의 영적 교감은 말과 이미지의 한계 내에서 묘사될 수 있습니다.

예술적 정신적 이론가

Rectangular, multicoloured abstract painting
작곡 Ⅵ (1913)

Der Blaue Repeater Almanac 에세이와 작곡가 Arnold Schoenberg와의 이론이 암시하듯이, 칸딘스키는 예술가와 시청자 사이의 교감을 감각과 마음 모두가 이용할 수 있는 것으로 표현하기도 했습니다.그가 그림을 그릴 때 음색과 화음을 듣고, 칸딘스키는 노란색은 황동색 트럼펫의 가운데 C의 색이고, 검은색은 닫힘과 사물의 끝을 나타내는 색이며, 색의 조합은 피아노에서 연주되는 화음과 유사한 진동 주파수를 생성한다고 이론을 세웠습니다.1871년에 어린 칸딘스키는 피아노와 첼로를 배웠습니다.[29][30]

칸딘스키는 또한 기하학적 도형과 그들의 관계에 대한 이론을 발전시켰습니다. 예를 들어, 원이 가장 평화로운 모양이며 인간의 영혼을 나타낸다고 주장합니다.[failed verification]이러한 이론은 점과 선 대 면(아래 참조)에서 설명됩니다.

무소르그스키의 "전시회에서의 사진" 공연을 위한 칸딘스키의 전설적인 무대 디자인은 형태, 색상, 음악적 소리의 보편적인 대응이라는 그의 공감각적인 개념을 잘 보여줍니다.[31]1928년 데사우 극장에서 바실리 칸딘스키는 "전시회에서의 사진"의 무대 제작을 실현했습니다.2015년에는 칸딘스키의 준비 노트와 펠릭스 클리의 감독 대본에 따라 무대 요소의 원래 디자인을 현대 비디오 기술로 애니메이션화하고 음악과 동기화했습니다.

바이에른의 추상적 표현주의 시대에 뮌터와 함께한 또 다른 에피소드에서 칸딘스키는 작곡 6을 작업하고 있었습니다.거의 6개월 동안의 연구와 준비 기간 동안, 그는 그 작품이 홍수, 세례, 파괴, 그리고 부활을 동시에 불러일으킬 것을 의도했습니다.벽화 크기의 나무 패널에 작품의 윤곽을 그린 후, 그는 막혔고 계속할 수 없었습니다.뮌터는 그에게 그의 지성에 갇혀서 사진의 진정한 주제에 도달하지 못했다고 말했습니다.그녀는 그가 단순히 uberflut ("홍수" 또는 "홍수")라는 단어를 반복하고 그것의 의미보다는 그것의 소리에 초점을 맞출 것을 제안했습니다.이 단어를 진언처럼 반복하면서 칸딘스키는 3일의 기간 동안에 그림을 그리고 기념비적인 작품을 완성했습니다.[32][citation needed]

시그니처 스타일

1925년 휴고 에르퍼스의 칸딘스키 초상

바실리 칸딘스키의 예술에는 음악과[33] 영성이 결합되어 있습니다.그의 시대 음악에 대한 감상과 운동신경적 성향으로, 칸딘스키의 작품들은 그의 초창기에 두드러진 표현주의 스타일을 가지고 있습니다.[34]하지만 그는 그의 시대와 그의 전임자들의 모든 종류의 예술적 스타일을 받아들였습니다.아르누보(동음이 있는 유기적 형태), 야수파와 블루 레터(충격적인 색채), 초현실주의(신비주의)와 바우하우스(구성주의)는 예술에서 영성을 탐구하면서 추상주의로 나아갔습니다.사물이 없는 그의 그림은[35] 감각의 통일을 통해 소리와 감정이 제시하는 정신적 추상성을 보여줍니다.[36]기독교 신앙과 예술가의 내적 필요성에[37] 이끌려, 그의 그림들은 다양한 색상으로 표현된 형태의 모호함과 예술계의 전통적인 미적 가치에 대한 저항을 가지고 있습니다.

그의 서명 혹은 개성적인 스타일은 그의 예술 경력을 통해 더 정의되고 세 가지로 나눌 수 있습니다.인상(표상적 요소), 즉흥(자발적 감정반응), 작곡(궁극적 예술작품)[citation needed]

칸딘스키가 인상주의로부터 그의 초기 영감으로부터 멀어지기 시작하면서, 그의 그림들은 더 선명한 모양들과 명확한 직선적인 특징들로 더 강렬해지고, 그림 그리고 표현력이 있게 되었습니다.

그러나 결국 칸딘스키는 한 걸음 더 나아가 색과 모양의 더 공감각적인 소용돌이 허리케인으로 그림을 표현하는 것을 거부하고, 깊이에 대한 전통적인 언급을 제거하고, 맨몸으로 추상화된 글리프를 배치했지만, 일관성을 유지한 것은 표현 형식에 대한 그의 정신적 추구였습니다.[citation needed]

정서적 조화는 칸딘스키의 후기 작품에서 또 하나의 두드러진 특징입니다.[38]다양한 차원과 밝은 색조가 비례와 색상의 세심한 병치를 통해 균형을 이루면서, 그는 그의 작품에서 형태의 보편성을 입증하여 더 많은 추상화의 길을 열었습니다.

바실리 칸딘스키는 그의 작품에 초현실주의를 불러오기 위해 종종 검은 색을 사용한 반면, 밝은 색의 형태의 영향력을 높이기 위해 그의 형태는 종종 생체모픽 접근법이었습니다.[39]

미술에 관한 이론서

형태와 색상에 대한 칸딘스키의 분석은 단순하고 자의적인 아이디어 연상이 아니라 화가의 내적 경험에서 비롯됩니다.그는 추상적이고 감각적으로 풍부한 그림을 그리며, 형식과 색채로 작업하며, 자신의 그림과 다른 예술가들의 그림을 지칠 줄 모르고 관찰하며, 자신의 색채 감각에 미치는 영향에 주목했습니다.[40]이러한 주관적인 경험은 누구나 할 수 있는 일입니다. 과학적이고 객관적인 관찰이 아니라 내면적이고 주관적인 관찰, 즉 프랑스 철학자 미셸 앙리가 "절대적인 주관성" 또는 "절대적인 현상학적인 삶"이라고 부르는 것입니다.[41]

1911년 뮌헨에서 출판된 칸딘스키의 글, 쿤스트의 위베르 다스 가이스티게 (예술에서의 영적인 것에 관하여)는 세 가지 유형의 그림을 정의합니다; 인상, 즉흥 그리고 구도.인상이 출발점이 되는 외적 현실에 기반을 두고 있는 반면, 즉흥과 작곡은 무의식으로부터 나오는 이미지를 묘사하지만, 작곡은 보다 형식적인 관점에서 전개됩니다.[42]

포인트, 1920, 110.3cm x 91.8cm (43.4인치 x 36.1인치), 오하라 미술관

개인생활

1892년 졸업 후, 칸딘스키는 사촌인 안자 치미아킨과 결혼하여 모스크바 대학교에서 법학 강사가 되었습니다.[43]

1902년 여름, 칸딘스키는 Gabriele Munter를 알프스 산맥의 뮌헨 바로 남쪽에 있는 그의 여름 그림 수업에 함께하도록 초대했습니다.그녀는 받아들였고, 그들의 관계는 전문적인 것보다 더 개인적인 것이 되었습니다.1911년, 그 독일의 표현주의 화가는 1차 세계대전의 시작과 함께 끝난 그의 블루 라이더 (Der Blaue Reiter) 그룹에 칸딘스키와 합류한 여러 예술가들 중 한 명이었습니다.

칸딘스키와 뮌터는 1903년 여름에 약혼을 하게 되었는데, 그가 아직도 안자와 결혼을 하고 있었고, 1908년까지 유럽, 러시아, 북아프리카를 광범위하게 여행했습니다.그는 1911년에 안자와 헤어졌습니다.[43]

1906년부터 1908년까지 칸딘스키는 바이에른의 작은 마을인 Murnau에 정착할 때까지 유럽 전역을 여행했습니다.

그는 1차 세계대전이 발발한 1914년에 모스크바로 돌아갔습니다.1916년에 그는 1917년 2월 11일에 결혼한 니나 니콜라예프나 안드리브스카야(1899–1980)를 만났습니다. 그녀는 17살 혹은 18살이었고 그는 50살이었습니다.1917년 말, 그들은 그가 가족의 부름을 받아 아들, Wsevolod, 혹은 Lodya를 낳았습니다.로다는 1920년 6월에 세상을 떠났습니다.아이들은 더이상 없었습니다.[43]

1927년 독일 사진작가 휴고 에르퍼스의 "니나 칸딘스키의 초상"

러시아 혁명 후, 그는 독일에서 기회를 가졌고, 1920년에 그곳으로 돌아왔습니다.그곳에서 그는 1922년부터 나치가 1933년에 폐쇄할 때까지 바우하우스 미술학교와 건축학교에서 가르쳤습니다.

그 후 그는 아내와 함께 프랑스로 이주해 여생을 살았고, 1939년 프랑스 시민이 되어 그의 가장 유명한 예술 작품들을 제작했습니다.

1944년 12월 13일 뇌이쉬르센에서 사망.

그의 손자는 음악학 교수이자 작가인 알렉세이 이바노비치 칸딘스키 (1918–2000)였는데, 그의 경력은 모두 러시아에 집중되어 있었습니다.[44][45]

아트마켓

2012년 크리스티는 무지개 빛 마을에서 브로드소드를 휘두르는 남자의 1909년 풍경인 칸딘스키의 Studiefür Improvision 8 (Study for Improvision 8)을 2,300만 달러에 경매에 부쳤습니다.이 그림은 1960년부터 스위스 빈터더 미술관에 대여되어 왔으며 스위스 상품 무역 회사인 볼카트 브라더스의 자선 단체인 볼카트 재단에 의해 유럽 수집가에게 팔렸습니다.이 판매 전에, 소더비의 마지막 기록은 1990년에 세워졌는데, 소더비는 그의 푸가(1914)를 2,090만 달러에 팔았습니다.[46]2016년 11월 16일 크리스티는 1935년 대형 추상화인 칸딘스키의 리기데 쿠르베(rigide et courbé, 단단하고 구부러짐)를 2330만 달러에 경매에 부쳐 칸딘스키의 신기록을 세웠습니다.[47][48]솔로몬 R. 구겐하임은 원래 1936년 화가로부터 직접 그림을 구입했지만 1949년 이후 전시되지 않았고, 1964년 솔로몬 R에 의해 개인 수집가에게 경매로 팔렸습니다. 구겐하임 미술관.[48]

대중문화에서

1990년 희곡 "6도의 분리"는 "양면 칸딘스키" 그림을 언급합니다.[49]이러한 그림은 존재하지 않는 것으로 알려져 있는데, 1993년 영화판 극 중 양면 그림은 한 면에 칸딘스키의 1913년 작품인 검은 선이 그리고 다른 면에 그의 1926년 작품인 여러 개의 원이 그려진 것으로 묘사됩니다.[50]

1999년 영화 Double Jeopardy는 칸딘스키에 대해 많은 언급을 하고 있고, 그의 한 작품인 Sketch는 줄거리에서 눈에 띄게 등장합니다.주인공 엘리자베스 파슨스(애슐리 저드)는 새로운 가명으로 남편을 추적하기 위해 작업에 등록 항목을 사용합니다.블루 라이더의 연감 표지 두 가지 버전도 영화에 등장합니다.[51]

2014년 구글은 칸딘스키의 추상화를 바탕으로 한 구글 두들을 선보임으로써 그의 148번째 생일을 기념했습니다.[52][53]

The Noise Paint Box: The Colors and Sounds of Kandinsky's Abstract Art라는 제목의 그림책 전기가 2014년에 출판되었습니다.Mary GrandPre의 삽화는 2015년 Caldecott Honor 상을 받았습니다.

나치가 약탈한 예술품

2001년 7월 화가 엘 리시츠키의 아들인 젠 리시츠키는 스위스 바젤의 베이엘러 재단을 상대로 칸딘스키의 '개량 10호'에 대한 반환청구를 제기하였고,[54] 2002년 합의가 이루어졌습니다.[55]

2013년 르웬슈타인 가족은 슈테델리크 박물관이 소장하고 있는 칸딘스키의 집과 함께 그린 그림에 대한 반환 청구를 제기했습니다.[56][57]2020년에는 네덜란드 문화부 장관이 설립한 위원회에서 위원장을 포함한 위원 2명이 사임하는 스캔들이 벌어지기도 했습니다.그 해 말, 암스테르담의 법원은 스테델릭 박물관이 나치의 도난에도 불구하고 유대인 르웬슈타인의 컬렉션에 있던 그림을 보관할 수 있다고 판결했습니다.[58][59]그러나 2021년 8월 암스테르담 시의회는 이 그림을 루엔슈타인 가족에게 돌려주기로 결정했습니다.[60][61]

2017년 로버트 콜린 루엔슈타인, 프란체스카 마누엘라 데이비스, 엘사 한첸 귀도티는 바이엘리스케 란데스방크(BLB)를 상대로 칸딘스키의 다스 분테 레벤을 배상하라는 소송을 제기했습니다.[62][63]

참고 항목

참고문헌

참고: 이 기사의 일부 섹션은 프랑스어 버전에서 번역되었습니다.예술에 관한 이론적 저술, 바우하우스와 위대한 종합 예술 시기.프랑스어로 된 완전한 상세한 참고 자료는 fr:바실리 칸딘스키에서 원본을 참조하십시오.

메모들

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칸딘스키의 책

  • 바실리 칸딘스키, M.T. 새들러(번역가), 아드리안 글류(편집자)예술에서의 영적인 것에 관하여 (뉴욕: MFA 출판사 및 런던:테이트 출판사, 2001).192pp.ISBN 0-87846-702-5
  • 바실리 칸딘스키, M.T. 새들러 (번역가)예술에 있어서의 영적인 것에 관하여.도버 출판사 (페이퍼백)80pp.ISBN 0-486-23411-8. 또는: Lightning Source Inc. Public. (페이퍼백)ISBN 1-4191-1377-1
  • 바실리 칸딘스키.클렝게.Verlag R.파이퍼앤코, 뮌헨
  • 바실리 칸딘스키.점과 선에서 평면까지.도버 퍼블리케이션스, 뉴욕ISBN 0-486-23808-3
  • 바실리 칸딘스키.칸딘스키, 예술에 관한 전집다 카포 프레스.ISBN 0-306-80570-7

영어로 된 참고문헌

  • 울리케 벡스-말로니.바실리 칸딘스키 1866-1944: 추상으로의 여정 (Tasschen, 2007)ISBN 978-3-8228-3564-7
  • 존 E. 볼트와 로즈 캐롤 워싱턴 롱, 에드.러시아 미술에 나타난 바실리 칸딘스키의 삶: 바실리 칸딘스키의 "미술에서의 영성에 관한 연구"(뉴턴빌, MA.: Oriental Research Partners, 1984).ISBN 0-89250-131-6
  • 막달레나 다브로스키.칸딘스키 작곡.(뉴욕: Museum of Modern Art, 2002).ISBN 0-87070-405-2
  • 에스더 다 코스타 마이어, 프레드 와서먼, eds.쇤베르크, 칸딘스키, 그리고 블루 라이더 (뉴욕:The Jewish Museum, and London: Scala Publishers Ltd, 2003).ISBN 1-85759-312-X
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  • 하조 더칭.바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky, 2008).
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  • 미셸 헨리.보이지 않는 것 보기: 칸딘스키에 관하여 (Continuum, 2009)ISBN 1-84706-447-7
  • 토마스 M.메서.바실리 칸딘스키.(뉴욕: 해리 N 에이브럼스 주식회사, 1997).(그림 참조).ISBN 0-8109-1228-7.
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프랑스어로 된 참고문헌

외부 링크

칸딘스키 작사
외부영상
video icon 칸딘스키, 즉흥곡 28(제2판), 1912, 스마트사
칸딘스키의 그림