모듈러 아트

모듈형 예술은 표준화된 단위(모듈)를 결합하여 더 크고 더 복잡한 구성을 형성함으로써 창조된 예술이다. 일부 작품에서는 유닛을 후속적으로 이동, 제거 및 추가(즉, 변조)하여 원작 또는 후속 구성과는 다른 새로운 예술 작품을 만들 수 있다.

오리진스

Historically, alterable objects of art have existed since the Renaissance, for example, in the Triptych "The Garden of Earthly Delights" by Hieronymus Bosch or in the so-called "alterable altarpieces", such as the Isenheim Altarpiece by Matthias Grünewald, or Albrecht Dürer's Paumgartner altarpiece, where changing motifs could be revised in accord 교회 달력의 주제가 바뀌면서

20세기

20세기 전반기부터, 많은 현대 예술가들은 그들이 주로 정적인 예술로 보는 것을 극복하기 위해 운동에 의한 기법을 그들의 작품에 포함시키려고 노력했다. 알렉산더 칼더의 모빌은 시각 예술에서 물리적 역동성을 보여주는 가장 널리 알려진 시연 중 하나인데, 시각 예술에서 형태는 영구 운동을 통해 지속적으로 변화할 수 있는 잠재력을 가지고 있으며, 때로는 심지어 인간의 손의 작용이 없는 경우도 있다. 자기 파괴적인 예술 기계를 만들려는 장 팅글리의 노력은 아마도 예술의 돌연변이를 완전히 퇴치하는 형태를 취함으로써 궁극적인 표현으로 구성된다. Victor Vasarly는 1955년 파리에서 그의 매니페스트 자우네에서 예술 작품들은 연속적으로 곱하기 쉽고 반복하기 쉬운 성질을 특징으로 삼아야 한다고 가정했다. 보다 최근에는 시각 예술이 영속적으로 고정된 물건의 관점에서만 구상될 필요는 없다는 관념이 그들의 전개와 일시적 자질 때문에 공연과 설치 예술로 구체화된다.^[1]

산업디자인 및 건축

이 절은 출처를 인용하지 않는다. 신뢰할 수 있는 출처에 인용문을 추가하여 이 섹션을 개선할 수 있도록 도와주십시오. 공급되지 않은 재료는 도전하여 제거할 수 있다. (2013년 6월) (이 템플릿 메시지를 제거하는 방법과 시기 알아보기)

모듈화는 주로 산업 디자인과 건축의 분야를 통해 현대 예술적 레퍼토리에 들어간다. 벨기에의 건축가 루이스 헤르만 드 코닌크는 1932년 큐벡스 주방 시리즈에서 최초의 모듈식 제품 시스템 중 하나를 만드는데 한 팀을 이끌었다. 이 시리즈는 거의 모든 크기의 부엌을 수용할 수 있도록 무한 조합으로 조합되고 배열될 수 있는 표준화되고 산업적으로 생산된 부품들로 구성되었다. 뉴욕의 디자이너 Gilbert Rohde는 1930년대와 40년대에 Herman Miller Corporation을 위한 모듈형 케이스워크의 몇 라인을 제작했다; De Koninck와 같이, Rohde는 대량 생산과 상호 호환성을 용이하게 하기 위해 치수, 재료, 구성에서 유닛을 표준화했다. 1942년 출범한 그의 EOG(Envisive Office Group) 라인은 사무용 가구에 대한 비슷한 획기적인 시스템 접근법이었다. Eero Saarinen과 Charles Eames가 공동으로 Red Lion Company를 위한 모듈식 가정용 가구 세트를 생산하기 불과 1년 전, 뉴욕의 Museum of Modern Art에 의해 열린 대회의 결과였다. 1950년 Herman Miller는 현재 생산에 남아 있는 매우 성공적인 모듈식 선반 및 벽면 장치 시스템인 Charles와 Ray Eames의 EAS 스토리지 유닛 시리즈를 내놓았다.^{[2][non-primary source needed]}

그 모듈은 건축의 영역에서 오랜 역사를 누리고 있다. 고대 건축가들은 주로 평면과 고도 비율을 안내하는 측정 단위로 모듈을 활용했다. 로마의 작가 겸 건축가 비트루비우스는 고대로부터 살아남은 유일한 건축에 관한 완전한 텍스트인 건축에 관한 논문 10권의 고전적 명령과 건축물의 구성에 대한 그의 설명에 모듈화 방법을 배치했다. 르네상스 시대의 건축가들은 오늘날까지 이어지는 전통인 고전적 질서를 부활시키는 과정에서 비트루비아 제도를 영구화했다. 현대 건축가들 사이에서는 모듈이 설계 및 계획 도구로 자주 활용되고 있다.

모듈형 구성주의

건축과 모듈형 조각은 1950년대부터 노르만 칼버그, 에르윈 하우어, 말콤 릴랜드의 작품에서 교차했다. 세 사람 모두 콘크리트에 주조된 반복적인 모듈러 동기로 만들어진 천공된 건축 스크린을 설계하라는 의뢰를 받았다. 구조화되지 않은 스크린은 공간을 나누고 빛을 여과하며 시각적 흥미를 유발하기 위해 외부를 만드는 데 사용되었다. 그들의 작업은 그것의 구성 방법론과 구조적 맥락 모두를 반영하여 모듈형 구성주의로 묘사되었다. 이들은 1960년대와 그 이후에도 독립된 모듈형 테마 조형물을 만들었다.

미술의 모듈화

이 절은 출처를 인용하지 않는다. 신뢰할 수 있는 출처에 인용문을 추가하여 이 섹션을 개선할 수 있도록 도와주십시오. 공급되지 않은 재료는 도전하여 제거할 수 있다. (2013년 6월) (이 템플릿 메시지를 제거하는 방법과 시기 알아보기)

로버트 라우센버그의 1951년작 "백색화"는 단지 4개의 동일한 흰색 정사각형으로 구성되며, 연동형 형태의 기하학적 구조는 예술의 자율적 주제로서 모듈화의 초기 진술에 속한다. Rauschenberg는 같은 해 3-패널과 7-패널 형식으로 이 테마를 탐구했다. 이 버전에서 직사각형 패널의 선형 배열은 잠재적으로 무한한 복제를 시사한다. 이러한 캔버스의 시원한 추상화는 1960년대 미니멀리스트 예술의 본격적인 화두로서 모듈화의 출현을 예고하고 있다. 토니 스미스, 솔 르위트, 댄 플라빈, 도날드 저드는 이 기간 동안 이 학교의 가장 다작의 주창자 중 한 사람이다. 특히 스미스의 작업은 구성 도구와 제작 도구에서 그 자체로 광범위하게 조사된 예술적 주제로의 모듈화의 변형을 이해하는 데 핵심이다.

스미스는 건축 디자이너로서의 경력을 시작했다. 그의 교육을 강화하기 위해 그는 1938년부터 2년 동안 프랭크 로이드 라이트의 몇몇 프로젝트에 도제자로 참여했다. 그는 라이트로부터 건축 설계뿐만 아니라 건축 섹션의 개발과 내부 빌트인 등의 3차원 애플리케이션에서 모듈식 시스템을 사용하여 건축 설계를 생성하는 방법을 배웠다. 건축가로서 라이트 자신은 비트루비우스를 거쳐 그레코로만 고대까지 뻗어나간 수세기나 된 연속체의 일부였다. 이 모듈은 건축과 조각의 비례에 이용되었다. 라이트의 경우, 모듈러 설계에 대한 관심도 일본 전통 건축(타타미 등)에서의 모듈러 실무에 익숙해진 데서 비롯되었을 것이다.

1937년 라이트(Wright)의 한나하우스는 다차원적으로 현대적인 모듈러 디자인을 갖춘 마스터의 시설을 잘 보여주는 사례다. 그것의 두드러지게 각진 형태는 평면도와 다양한 수직 요소를 정의하는 개별 육각형 모듈로부터 구축된다. 여기서 라이트가 육각형을 사용한 것은 결코 자의적인 미학적 선택이 아니라, 벌의 벌집 벌집의 서로 맞물린 육각형 세포가 자연이 모듈형 설계를 가장 완벽하게 표현해 주는 형태와 원리에서 끌어냄으로써 그가 자연에 자신의 건축물을 어떻게 뿌리내렸는지를 보여주는 예다. 놀랄 것도 없이, 이 프로젝트는 때때로 "Honeycomb House"라고 불린다.

스미스는 육각형과 다른 원소 기하학적 기하학을 자신의 건축 실습에 사용했고 다시 1960년대 초에 그가 조립하기 시작한 조각에 사용하곤 했다. 스미스의 조각상은 그의 건축 작품의 프로그램적이고 광범위한 구조적 요건에서 해방되어, 미적 사색 이상의 표면적인 실용적 목적이 없는 모듈형 형태의 입체적인 외삽이다.

중요한 것은 스미스 자신이 그의 조각품의 최종 버전을 수동으로 조작하지 않았다는 것이다. 대신, 그는 설계 제작을 위해 도안과 모델을 완성한 주조 공장 및 산업 시설의 숙련된 철공들에게 생산을 위탁했다. 부분적으로 이것은 건축가로서의 스미스의 훈련을 반영한다. 그는 관례적으로 설계하고 문서화하지만 그의 예술을 구성하지 않는다. 그것은 모듈러 아트의 사상을 한층 더 강화하여, 도매적인 상상적 발명이 아닌 미리 정해진 형식 단위의 배열이 창조적 행위를 규정하는 생성적 시스템으로서 더욱 강화한다. 마지막으로 모듈형 시스템의 모듈 공급은 무한해야 한다는 모듈형, 즉 시스템이 실현되기 위해서는 기술적으로 생산되기보다는 산업적으로 생산되어야 한다는 모듈형에서 내재된 개념과 일치한다.(벌집 속의 벌은 세포의 생산과 함께 있는 한 본질적으로 산업기업으로 운영되고 있다.t end.)

스미스와 미니멀리스트 학교의 작업은 천년 전에 예술에서 모듈화의 가장 광범위한 탐사를 구성한다. 그러나, 그것이나 이전 세기에서의 이동 가능하고 변형 가능한 예술에 대한 탐구도 모듈형 예술의 두 가지 중심적 특징을 종합하지 않았다. 모빌과 다른 운동화 작품들은 모듈화가 아니었고, 몇 가지 예외를 제외하고는 변경이 불가능했다.

21세기 이론

공동창작성

미국에서 나온 한 학파는 21세기 문화의 산업화 이후의 성격에 대한 모듈러 미술의 정렬과 전통적 예술 관념과의 대조를 강조한다.^[3] 이론가 다니엘 벨이 1973년 저서 '포스트 산업사회의 도래'에서 주로 정의한 포스트 산업주의의 핵심 특징에는 제조업 대신 서비스 경제의 출현; 창조적, 전문적, 기술적 계층의 사회적, 경제적 우월성; 이론적 kn의 중심지 등이 포함된다.혁신의 서체로서의 오울리지, 기술이 일상생활에 미치는 강력한 영향, 그리고 높은 수준의 도시화.^[4]

모듈형 예술은 이러한 기준들 중 몇 가지와 완벽하게 일치하는 것으로 보인다. 예를 들어, 그것의 수동적 변화성은 수집가나 사용자가 원작 모듈러 아티스트와 협력하여 예술의 작품의 외관을 공동으로 결정하는 공동 창작 예술의 가능성을 열어준다. 이는 벨의 시대에 이미 진행되었고 그 이후 리처드 플로리다의 크리에이티브 클래스의 상승(2002년)과 같은 작품에서 연구되어 온 인구통계학적 진화인 그러한 역할을 수행할 수 있고 관심 있는 창의적인 사람들의 존재를 전제로 한다.^[5]

공동창조는 개별 개인화의 기회와 대량생산의 기회를 결합한 생산 모델인 대량 맞춤화와 밀접한 관련이 있다. 모듈형 예술과 대량 주문 제작은 두 가지 상반되는 품질의 합성에 공통성을 공유한다. 한편, 앞에서 말한 바와 같이 모듈화의 바로 그 개념은 산업 생산만이 제공할 수 있는 것과 같은 동일한 모듈의 무한 공급을 암시한다. 다른 한편으로, 미학적 기준에 근거한 예술 작업에서 이러한 모듈들을 재조정할 수 있는 개인의 능력은 주관적이고 순수한 인간적 차원을 다시 주입한다. 창작 행위

대량 사용자 지정은 컴퓨터 및 구성 도구로 알려진 소프트웨어의 종류에 의해서만 가능하다. 컨피규레이터는 구매자가 공급업체가 사용할 수 있는 옵션에서 제품을 구성하기 위해 사용하는 소프트웨어 도구다. 화면상 모듈러 아트의 작품 구성 목적에 적용하여 아날로그 방식을 사용하는 것보다 더 빠르고 훨씬 더 심도 있게 다중 설계 옵션을 연구할 수 있게 함으로써 모듈러 조립체의 설계를 크게 촉진할 수 있다. 일단 설계가 확립되면 컴퓨터 파일은 공기를 통해 제조 시설로 보내지고, 그 시설은 로봇으로 제어되는 장비들이 그 사양에 따라 물체를 생산한다. 이 컴퓨터 보조 제조(CAM)는 대량 생산된 물체를 맞춤 제작할 수 있을 뿐만 아니라, 훨씬 더 높은 수준의 정밀도와 적합성을 가능하게 하는데, 이는 모듈이 물리적으로 결합하는 데 필수적인 품질이다. 벨이 기술을 포스트 산업 생활의 중심축으로 파악한 것은 디지털과 모듈러 아트의 물리적인 실현이 뒤얽힌 데서 두드러진다.

유럽의 해체 및 재구축 접근법

1960년대 미니멀리스트의 모듈형 예술학교가 주로 미국의 현상으로 여겨졌던 유럽에서 모듈화에 대한 논의는 종종 그것의 변화성에 초점을 맞춘다. 예를 들어 예술의 돌연변이는 아르테 포베라의 핵심 원리로서, 이탈리아에서 출현한 동시대 운동으로서 예술 작품은 "고정된 실체로 보여서는 안 된다"는 것이 아니라 "새로운 방식으로 시간과 공간을 포함하라"는 변화와 운동의 대상이다. 관건은 '인간 경험'의 현상학을 예술로 옮기는 문제다.^[6]

좀 더 최근에, 화가인 레다 루스 루이켄은 강철 프레임에 세팅된 가동 가능한 페인트 패널로 구성된 모듈식 그림을 제작했다. Luss Luyken은 그녀의 작품을 "ModulArt"^[7]라고 불렀다. 그녀의 작품에서 모듈화의 구성을 바꾸는 것은 운동의 한 형태를 구성하여 관객에게 대안적인 관점과 대안적 해석을 제공하고, 따라서 정적 대상보다 작품을 물리적 인간 경험의 역동성에 더 가깝게 정렬시킨다.^[8] 미술사학자 겸 이론가인 데니스 자차로풀로스는 이것을 "그림의 새로운 운동 방식"^[9]이라고 불렀다. 모듈러 아트의 개념은 사용자가 이미 완성된 예술 작품을 그 부분을 재구성함으로써 디컴포즈하고 다시 컴포즈할 수 있게 해주기 때문에, 아직 상상하지 못한 새로운 그림들에 대해 수많은 가능성을 제공한다. 원본 그림은 ad libitum과 ad infinitum을 다시 텍스트화할 수 있다.

모듈러 아티스트 및 해당 작업

비주얼 아티스트

1950~60년대 영국 맨체스터에서 일하면서, 미츠지 쿠닐리프는 12인치 정사각형 정도의 여러 블록으로 구성된 조각품을 개발했고, 그녀가 다양한 조합으로 조립하여 큰 스케일에 조각 효과를 주었다. 그녀는 그것들을 모듈식 조각품이라고 불렀다. 맨체스터 대학과 맨체스터 과학 기술 대학(UMIST)은 이 작품들 중 일부를 취득했지만, 그녀의 작품에 대한 출판된 설명에는 이 작품들에 대한 언급은 없다.^[10]

조각가 겸 세라믹리스트인 말콤 릴랜드는 1954년 센터링 핀을 이용해 수직으로 쌓을 수 있는 23인치 높이의 단일 모듈을 기반으로 한 유사한 모듈식^[11] 조각 시스템을 설계했다; 이 모듈은 일반적으로 바이오모픽적이고 곡선미가 있는 윤곽을 가지고 있으며, 여러 모듈을 서로 위로 올려놓으면 굴곡진 실루엣을 연출한다. 라운드에서 반복적인 요소를 쌓는 기술은 콘스탄틴 브랑쿠시의 1938년의 "끝없는 기둥"을 떠올리게 한다.

1970년대부터, 릴랜드의 현대판 노먼 칼버그는 각 프린트가 독립된 모듈로 착안된, 촘촘한 그리드의 벽에 함께 놓여진 사각 액자 인쇄물^[12] 그룹을 제작했다. 그런 다음 뷰어를 회전하거나 위치를 조정하여 새 합성 이미지를 생성하십시오. 지문의 추상적인 품질은 그들이 비방향적이고 기하학적으로 상호 연관되어 있는 한 그들의 방향 전환의 창조적인 가능성을 높였다.

그리스 태생의 개념예술가 레다 루스 루스 루이켄은 초기 건축가 교육을 받았으며 1990년대부터 회화 매체에서 모듈화를 탐구해 왔다. 그녀의 작업에서 표준화된 캔버스 패널은 강철 프레임에 모듈로 장착되며, 그 안에서 그것들은 움직이고 회전할 수 있다.

미국에서, Moshé Elimelech는 그가 "쿠빅 건설"이라고 부르는 것을 만들었다. 이것들은 약 3인치 정육면체의 여러 묶음이다. 그는 각 큐브에 밝은 색상과 추상적인 패턴의 필드에 정밀하고 조절된 붓놀림으로 페인트를 칠한다. 칼스버그와 마찬가지로 엘리멜렉은 시청자를 초대해 큐브 전체 또는 일부의 위치를 바꾸도록 하여 각각의 면은 다른 무늬로 칠해져 있다. 1980년대부터 전시된 엘리멜렉은 주로 캘리포니아 갤러리에서 전시되고 있으며, 몇몇 박물관 디자인 매장에서도 작품을 전시하고 있다.^{[13][non-primary source needed]}

인터랙티브 모듈러 아트의 또 다른 포트폴리오는 도날드 래트너가 이끄는 뉴욕에 본사를 둔 회사인 Studio for A.R.T. and Architecture에서 나온다.^{[non-primary source needed]} 래트너는 벽 조각, 회전화, 태피스트리, 화가의 벽지, 화가의 서적 등의 매체에서 모듈식 예술을 설계했다. 그의 작품과 다른 "모듈라티스트"들의 작품을 시장에 내놓기 위해, 라트너는 공동 창작과 모듈러 작업에 초점을 맞춘 아트 스토어인 A.R.T.(예술 재구상)를 설립했다.^{[non-primary source needed]} 라트너는 그의 저서에서 대량 맞춤화, 주문형 생산, 개방형 혁신, 공동 창조 디자인, 원격 조립, 로봇공학 및 기타 컴퓨터 중심 기술을 나타내기 위해 "신산업주의"라는 용어를 사용하면서 모듈형 예술에서 가장 최근의 트렌드의 산업화 이후의 측면을 강조해왔다.로발 ^[14]장터

작곡가

음악에서의 모듈화는 음악적 구성과 영화의 두 가지 핵심 요소를 그림의 세계로 가져오는 것으로 볼 수 있다:^{[clarification needed]} 주제의 변화, 그림의 움직임과 그림 내부의 움직임. 바로 이러한 이유로 현대 작곡가 미나스 보르부다키스는 3부작 ROI III의 3부작을 피아노와 전자제품에 바쳐 모듈식 방법론에 바쳤다.^{[citation needed]}

이탈리아의 작곡가와 예술 이론가 스테파노 바냐니는 모듈러 집계를 바탕으로 한 오픈소스 작곡 이론을 발전시켰다.^[15] 예술이라는 음악적 작품의 개념은 폐쇄적이고 제한적이며 움직이지 않는 무언가의 개념은 원칙적으로 작곡을 무한정 가능하게 하는 수많은 집계의 과정에 유리하게 사라진다. 그러한 작곡은 유럽, 남미, 아시아, 북아메리카에서 공연되었고 유럽에서의 회의를 통해 논의되었다. 이 접근방식은 웨스트 조지아 대학교와 미국의 캐롤튼 문화 예술 센터에서 학술적으로 논의되고 있다. 작가, 화가, 미술 이론가 지안 루게로 만조니는 바니니의 작곡에 대해 "존재와 같은 원형, 그의 작품은 완성되지 않고 단지 새로운 목소리에 대한 자극"이라고 묘사했다.^[16]

관련 예술 운동

• 개념예술
• 생성예술
• 미니멀리즘
• 직렬 아트
• 시스템 아트

영화들

• Panta Rei, Leada Luss-Luyken's ModulArt, Dagmar Scheibert & Linhard Eisener, 2005년 베를린에서 15' 30" 영화.
• ModulArt, 2008년 런던, 2' 로만 안젤로스 루이켄의 작품.
• Reda Luss Luyken: ModulArt, Peider Defilla의 BRα - ARD TV, Munich, 15', 2011.

문학

• Reda Luss Luyken : Georg von Kap-herr의 모둘라트, 교수 기고문 포함. 폴 실프가르드와 조아힘 카스케 박사, 영어와 독일어, 112p, 보빙겐, 2008.
• Stefano Vagnini에 의한 음악 모듈화 방법, 영어와 이탈리아어, 161 pp, 로마: 2002년 팰컨 밸리 뮤직.

참조