오스티나토

Ostinato

음악에서, 오스티나토(이탈리아어: [ostiːna]to; 이탈리아어: stubborn, 영어의 "obstinate"를 뜻하는 이탈리아어에서 유래한)는 종종 같은 음조로 끈질기게 반복되는 모티브 또는 구절이다.유명한 오스티나토를 기반으로 한 작품으로는 라벨의 '볼레로'와 '종의 캐롤'과 같은 클래식 작곡과 도나 섬머와 조르지오 모로더의 'I Feel Love'(1977년), 피터 건(1959년)의 '오바바'의 헨리 맨치니 주제곡 등이 있다.

ostinato와 ostinati는 둘 다 영어의 복수형으로 받아들여지고 있으며, 후자는 그 단어의 이탈리아 어원을 반영하고 있다.

반복되는 생각은 리듬감 있는 패턴일 수도 있고, 곡의 일부일 수도 있고,[4] 완전한 멜로디일 수도 있습니다.엄밀히 말하면, 오스티나티는 정확한 반복을 가지고 있어야 하지만, 일반적인 용법에서는 변화하는 하모니나 키에 맞게 오스티나토 라인의 변경과 같은 변화나 발전으로 반복을 포괄한다.

운율이 음색의 요람이라고 할 수 있다면, 오스티나토 패턴은 그것이 강하고 자신감 있게 성장한 놀이터라고 할 수 있다.

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영화음악의 맥락에서 클라우디아 고르브만은 오스티나토를 역동적인 시각적 [6]액션이 부족한 장면을 추진시키는 반복되는 멜로디 또는 리듬감 있는 인물로 정의한다.

오스티나티는 종종 리프 또는 뱀프라고 불리는 즉흥 음악에서 중요한 역할을 한다."현대 재즈 작사가들이 선호하는 기술"인 오스티나티는 모달과 라틴 재즈, 그리고 그네와 [7]음악을 포함한 전통적인 아프리카 음악에 자주 사용된다.

오스티나토라는 용어는 본질적으로 중세 라틴어 pes, 클래식 음악에 적용되는 ground, 현대 대중 음악에서 riff와 같은 의미를 가지고 있다.

클래식 음악

오스티나티는 20세기 음악에서 스트라빈스키의 '봄의 입문 의식'[4]과 '봄의 8월'에서와 같이 음조 그룹을 안정시키기 위해 사용된다.Rossini crescendo라고 불리는 유명한 종류의 오스티나토는 보통 독주 카덴자로 끝나는 지속적인 음악 패턴의 기초가 되는 크레센도에서 이름을 따왔다.이 스타일은 다른 벨 칸 작곡가들, 특히 빈첸초 벨리니에 의해 모방되었고, 나중에는 바그너에 의해 모방되었다.

동음이의 및 반음이의 질감에서 적용 가능한 그것들은 "반주적인 리듬-하모닉 체계"이며 반주적인 멜로디로 더 친숙하거나 순수하게 [8]리듬감 있는 것이다.드뷔시에서 아방가르드 작곡가에 이르기까지 적어도 1970년대까지 이 기법이 어필했던 것은...부분적으로는 문구를 형성하고 음조를 정의하기 위해 기능적 코드 진행을 사실상 포기함으로써 만들어진 통일성의 필요성에 있다."[8]마찬가지로, 모달 음악에서, "...가차없고 반복적인 캐릭터는 모달의 중심을 세우고 확인하는 데 도움을 준다."[7]그 인기는, 사용의 범위나 편리함에서도 정당화될 수 있지만, 「오스티나토는 너무 많이 사용하면 단조로움으로 이어지기 때문에, 현명하게 채용할 필요가 있다」.[7]

중세

오스티나토 문양은 중세 이후 유럽 음악에서 존재해 왔다.유명한 영국 캐논 "Sumer Is Icumen In"에서 주요 성대사는 페스로 알려진 오스티나토 패턴으로 뒷받침됩니다.

수메르는 에 있어서 이쿠멘이다.

중세 후반, 기욤 뒤페이의 15세기 샹송 레스벨론 누스는 비슷하게 구성된 오스티나토 무늬를 특징으로 하고 있지만, 이번에는 5개의 막대 길이가 특징입니다.이에 따라 메인 멜로디 라인은 구절 길이를 바꾸면서 자유롭게 움직이며 "하위 두 목소리의 캐논 반복 패턴에 의해 어느 정도 미리 정해져 있다."[9]

듀페이 레스벨론누
듀페이 레스벨론누

그라운드 베이스: 후기 르네상스 및 바로크

그라운드 베이스 또는 바소 오스티나토(basso ostinato)는 베이스라인 또는 조화 패턴(Chaconne 참조, 또한 그라운드로서 엘리자베스 영국에서도 일반)이 아래 [10]변주곡의 기초로서 반복되는 변주 형태이다.아론[11] 코프랜드는 바소 오스티나토를 "가장 알기 쉬운 변주 형태"라고 묘사했다. "..." 긴 구절 (반주형 또는 실제 멜로디 중 하나)은 베이스 부분에서 반복되고, 반면 윗부분은 (변주형으로) 정상적으로 진행된다.그러나 그는 "그것은 음악적인 형태라기보다는 음악적인 장치라고 부르는 것이 더 적절할 것 같다"고 경고한다.

르네상스 후기의 인상적인 오스티나토 기악곡 중 하나는 윌리엄 버드의 처녀들을 위한 곡인 "The Bells"이다.여기서 오스티나토(또는 '그라운드')는 단 두 개의 음표로 구성됩니다.

윌리엄 버드, 더 벨스
윌리엄 버드, 더 벨스

이탈리아에서, 17세기 동안, 클라우디오 몬테베르디는 그의 오페라와 신성한 작품에서 오스티나토 문양을 사용하여 많은 작품을 작곡했다.그 중 하나는 그의 1650년판 "라테타투스 섬"으로, 4음조 "억제할 수 없는 [12]에너지의 오스티나토"를 목소리와 악기에 음을 가미한 시편 122편의 당당한 배경이었다.

몬테베르디 라에타투스 섬 (1650) 그라운드 베이스

같은 세기 후반, 헨리 퍼셀은 그의 능숙한 베이스 패턴 배치로 유명해졌다.그의 가장 유명한 오스티나토는 그의 오페라 디도와 아이네이아스의 마지막에 아리아 "When I be lay in the arth"("디도의 한탄")의 밑바탕에 있는 하강 색상의 그라운드 베이스입니다.

푸르셀, 디도의 탄식 그라운드 베이스
푸르셀, 디도의 탄식 그라운드 베이스

17세기 말에 패소스를 표현하기 위해 하강 반음계를 사용하는 것이 꽤 흔했던 반면, 리차드 타루스킨은 퍼셀이 이 음악의 대뇌에 대한 신선한 접근을 보여준다고 지적했다: "하지만, 완전히 파격적이고 특징적인 것은 틀에 박힌 땅에 추가적인 지적 척도를 보간하는 것이다,그 길이는 통상적인 4마리에서 잊혀지지 않는 5마리로 늘어나며, 이에 맞서 보컬 라인은 허탈한 후렴구("Remember me!")와 함께 현저한 비대칭으로 전개된다.그것은 마지막 리토넬로 동안 추가적인 색적 기술 및 많은 기만적 운율에 의해 강화된 Purcell의 특징적인 불협화음, 현탁-포화 조화에 더하여 이 작은 아리아를 잊을 수 없을 만큼 [13]가슴 아픈 구현으로 만듭니다."참조 항목: Sanant bass그러나 퍼셀이 오페라에서 사용하는 오스티나토 패턴은 이것뿐만이 아니다.디도의 오프닝 아리아 "아, 벨린다"는 퍼셀의 기술적 숙달에 대한 추가적인 증거입니다.보컬 라인의 문구가 항상 네 마디의 그라운드와 일치하는 것은 아닙니다.

디도가 아리아를 여는 중 "아! 벨린다"

"퍼셀의 운동 구성은 운동할 때 다양하며 반복은 [14]결코 제약이 되지 않습니다."Purcell의 기악곡 또한 그라운드 패턴을 특징으로 했다.특히 훌륭하고 복잡한 예는 3개의 바이올린과 continuo에 대한 그의 Fantasia on a Ground입니다.

푸르셀 환타지아는 3등분하여 땅에 닿는다.

위의 패턴의 간격은 바로크 시대의 많은 작품에서 볼 수 있다.Pachelbel's Canon도 베이스 부분에 유사한 일련의 음표를 사용합니다.

파첼벨의 캐논
파첼벨의 캐논 그라운드 베이스

J.S.의 두 조각.바흐는 특히 B단조 미사곡의 십자가와 C단조 오르간곡의 파사칼리아 등 선율적인 음정이 풍부한 저음을 사용한 점이 눈에 띈다.

바흐 C 단조 파사칼리아 그라운드 베이스
바흐 C 단조 파사칼리아 그라운드 베이스

바흐가 이 오스티나토 위에 만든 첫 번째 변주곡은 상층부의 부드러운 싱크로피케이션 모티브로 구성되어 있다.

바흐 C단조 파사칼리아 변주곡 1
바흐 C단조 파사칼리아 변주곡 1

이 특유의 리드미컬한 패턴은 두 번째 바리에이션에서도 계속되지만, 특히 두 번째 바에서는 예기치 않은 화음이 관련 키의 통과를 암시하는 몇 가지 조화적 섬세함을 가지고 있습니다.

바흐 C단조 파사칼리아 변주곡 2
바흐 C단조 파사칼리아 변주곡 2

그 시대의 다른 파사카글리아와 마찬가지로, 오스티나토는 단순히 베이스에만 국한된 것이 아니라, 곡의 후반부에서 가장 높은 부분까지 올라갑니다.

바흐 C 단조 파사칼리아 변주곡과 오스티나토 3중주
바흐 C 단조 오스티나토 고음부 파사카글리아

전곡의 연주를 여기서 들을 수 있다.

18세기 후반과 19세기

오스티나토스는 18세기 후반과 19세기 초반의 많은 작품들에 등장한다.모차르트는 '피가로의 결혼' 2막의 마지막 장면에서 오스티나토 구절을 사용해 질투심 많은 알마비바 백작 부인과 집사 피가로가 뒤에서 음모를 꾸몄다는 이유로 유죄를 인정하려 하지만 허사였다.Rossini crescendo라고 불리는 유명한 종류의 오스티나토는 보통 독주 카덴자로 끝나는 지속적인 음악 패턴의 기초가 되는 크레센도에서 이름을 따왔다.

베토벤의 후기 C 샤프 단조 4중주곡 Op.1131의 활기찬 슈헤르조에는 제1바이올린과 제2바이올린의 옥타브 선율을 지원하는 비올라와 첼로가 공유하는 "자장가의 [15]반복성"이 조화롭게 정적인 구절이 있다.

베토벤 Op 131 트리오 (셰르조) 69~76 소절
베토벤 Op 131 트리오 (셰르조) 69~76 소절

베토벤은 몇 소절 후에 이 관계를 비올라와 첼로의 멜로디와 바이올린이 공유하는 오스티나토와 함께 뒤집습니다.

베토벤 Op 131 트리오 (셰르조) 93-100 소절
베토벤 Op 131 트리오 (셰르조) 93-100 소절

바그너의 마지막 오페라 파시팔의 1막과 3막 모두 기사단이 숲 속 깊은 곳에서 성배 홀까지 엄숙하게 행진하는 장면과 함께 나오는 구절이 특징이다.이러한 상황의 변화를 뒷받침하는 "트랜스포메이션 음악"은 4개의 종을 반복 울리는 것이 주를 이룬다.

바그너, 파시팔 1막, 변신 음악

브람스는 4번 교향곡의 피날레와 하이든의 주제 변주곡의 마지막 부분 모두에서 오스티나토 패턴을 사용했다.

하이든의 주제에 관한 브람스 변주곡, 그라운드 베이스와 함께 마지막 섹션

20세기

드뷔시는 그의 피아노 서곡 "Des pas sur la neige"에서 오스티나토 패턴을 특징으로 했다.여기서 오스티나토 패턴은 피아노의 중간 음계에 머물러 베이스로 사용되지 않는다."발자국 오스티나토는 거의 내내 같은 음표, 같은 음높이에 머물러 있다는 것을 유의하십시오.이 작품은 모든 인간의 기본적인 외로움에 호소하는 작품입니다.오스티나토처럼 우리 [16]역사의 기본적인 저류를 형성하고 있습니다.

드뷔시, 데스파수르라네이제

20세기의 모든 주요 고전 작곡가들 중에서, 스트라빈스키는 아마도 오스티나토의 연습과 가장 관련이 많은 작곡가일 것이다.작곡가와의 대화에서 그의 친구이자 동료인 로버트 크래프트는 "당신의 음악은 항상 반복적인, 오스티나토의 요소를 가지고 있다.오스티나토의 기능은 무엇입니까?Stravinsky는 대답했다. "이것은 정적, 즉 반개발이다; 그리고 때때로 우리는 [17]개발에 대한 모순이 필요하다."Stravinsky는 리듬감 있는 기대보다는 오스티나토를 사용하여 교란시키는 데 특히 능숙했다.스트라빈스키는 현악 4중주곡의 첫 번째 곡에서 서로 겹치고 절대 일치하지 않는 세 개의 반복적인 패턴을 설정한다."여기서 (3+2+2/4) 막대의 단단한 패턴이 엄격하게 반복되는 23비트 곡 위에 놓여 있습니다. 그래서 그들의 변화하는 관계는 주로 사전 작곡 체계에 의해 [18]통제됩니다." "음악을 통해 흐르는 리드미컬한 전류는 이 신기한 모자이크 같은 [19]곡들을 하나로 묶는 것입니다."

미묘한 운율적 충돌은 스트라빈스키의 시편 교향곡의 마지막 부분에서 찾을 수 있다.합창단은 3박자로 멜로디를 부르고, 오케스트라의 베이스 악기는 이에 맞서 4박자의 오스티나토를 연주한다.4분의 1로 움직이는 오스티나토 베이스(하프, 피아노 2대, 팀파니) 위에 [20]진자처럼 쌓아 올린 것입니다.

사하라 사막 이남의 아프리카 음악

가나산 자일

역측정 구조

사하라 사막 남쪽의 많은 악기들이 오스티나토 [clarification needed]선율을 연주한다.이것들은 발라폰, 비쿠치, 질과 같은 실로폰뿐만 아니라 음비라와 같은 라멜로폰을 포함한다.오스티나토 피규어는 코라, 칸코기 벨 앙상블, 피치드럼 앙상블 등의 현악기로도 연주된다.종종 아프리카 오스티나토에는 미터법과 [21]모순되는 오프비트 또는 크로스비트가 포함되어 있습니다.다른 아프리카 오스티나토들은 주요 박자와 크로스 비트를 모두 울림으로써 완전한 크로스 리듬을 만들어낸다.다음 예제에서는 gyil이 3 대 2의 교차 리듬(헤미올라)을 울립니다.왼손(낮은 음)은 두 개의 주요 비트를 울리고 오른손(높은 음)은 세 개의 십자 [22]비트를 울립니다.

가나 길 크로스 리듬 오스티나토 플레이 (도움말·정보)

아프리카 조화 수열

서아프리카와 콩고 지역의 인기 댄스 밴드들은 오스티나토 연주 기타를 특징으로 합니다.아프리카 기타 파트는 토종 음비라뿐만 아니라 제임스 브라운형 펑크 리프 등 외국의 영향을 받은 다양한 소스로부터 도출된다.그러나 외국의 영향은 아프리카 특유의 오스티나토 감성을 통해 해석된다.아프리카 기타 스타일은 콩고 밴드들이 쿠바의 "커버" 노래를 하면서 시작되었다.쿠바의 구아제는 아프리카 음악가들에게 친숙하면서도 이국적인 특성을 가지고 있었다.아프리카화된 과저에서 [23]토착의 영향이 점점 더 우세해지면서 점차 다양한 지역 기타 스타일이 생겨났다.

무어가 말하듯이, "I – IV – V – IV (Chord progressions)는 아프리카 음악과 12소절 블루스가 북미 [24]음악과 같은 것이라고 말할 수 있다."이러한 발전은 표면적으로는 서양 음악 이론의 관례를 따르는 것으로 보인다.그러나 아프리카 대중음악 연주자들은 이러한 발전을 같은 방식으로 인식하지 않는다.(유럽 음악에서 알려진 것처럼) 강장음에서 아주로 이동하는 조화적 진행은 수백 년 동안 사하라 이남의 전통적인 아프리카 화음에서 사용되어 왔다.그들의 정교함은 전통적인 아프리카 조화 원리의 모든 관례를 따릅니다.Gehard Kubik은 다음과 같이 결론짓는다.

콩고/자이르 대중음악에서 두드러진 C-F-G-F[I-IV-V-IV]의 조화 순환은 단순히 강장음에서 지배음, 지배음, 그리고 지배음(종말)으로 다시 돌아가는 과정으로 정의될 수 없다. 왜냐하면 연주자의 감상에서는 그들은 동등한 지위에 있고 서양의 어떤 계층적 순서도 아니기 때문이다.

아프로쿠반과저

Guajeo는 전형적인 쿠바의 오스티나토 멜로디로, 대부분 싱크로피케이티드 패턴의 아르페게이션된 화음으로 구성되어 있다.구아저는 아프리카와 유럽의 오스티나토를 혼합한 것입니다.구아저는 민속 창귀와 아들의 [26]트레스에서 반주로 처음 연주되었다.구아저라는 용어는 종종 트레스, 피아노, 바이올린 계열의 악기, [27]색소폰에 의해 연주되는 특정한 오스티나토 패턴을 의미하는데 사용된다.구아저는 현대 살사와 라틴 재즈의 기본 요소이다.다음은 기본적인 구아저 패턴을 보여주는 예입니다.

쿠바어 guajeo cut-time Play (도움말·정보)

구아저는 매끄러운 아프리카-유로 오스티나토 잡종이며 재즈, R&B, 록앤롤, 대중음악 전반에 큰 영향을 끼쳤다.비틀즈의 "I Feel Fine" 기타 리프는 과저와 같다.

리프

주요 기사: Riff

다양한 대중 음악 스타일에서 리프는 멜로디를 바꾸면서 반복되는 짧고 편안한 구절을 말한다.후렴구 또는 선율구조의 역할을 할 수 있으며, 종종 리듬 섹션 악기 또는 음악 [28]작곡의 기본 또는 반주를 형성하는 솔로 악기에 의해 연주된다.비록 그것들은 록 음악, 헤비 메탈 음악, 라틴 음악, 펑크 그리고 재즈에서 가장 자주 발견되지만, 클래식 음악은 때때로 라벨의 볼레로와 같은 단순한 리프에 기초하기도 한다.리프는 테너 색소폰이 단순하고 기억하기 쉬운 리드미컬한 형체를 경적하는 것처럼 단순할 수도 있고, 카운트 베이시 오케스트라가 연주하는 머리 배열의 리프에 기초한 변주곡만큼 복잡할 수도 있다.

데이비드 브라켓(1999)은 리프(riff)를 "짧은 멜로디 구절"이라고 정의하고, 리처드 미들턴([29]1999)은 "짧은 리듬, 멜로디 또는 조화가 반복되어 구조적인 골격을 형성한다"고 정의한다.Rikky[30] Rooksby는 다음과 같이 말한다: "리프는 짧고, 반복되고, 기억에 남는 음악 구절이며, 종종 록 노래의 에너지와 흥분에 초점을 맞춘 기타에 낮은 음조를 낸다."

재즈나 R&B에서는 리프가 긴 작곡의 출발점으로 사용되는 경우가 많다.찰리 파커의 비밥 곡 "Now's the Time"(1945)의 리프는 4년 후 R&B 댄스가 "The Hucklebuck"을 히트시키면서 다시 등장했다.또 다른 리프인 "허클벅"의 구절은 아티 매튜스의 작곡인 "Weary Blues"에서 "차용한" 것이다.글렌 밀러의 "In the Mood"는 윙기 마논의 "Tar Paper Stomp"로 일찍이 삶을 살았다.이 모든 곡들은 12개의 블루스 리프를 사용하며, 이 리프의 대부분은 아마도 주어진 [31]예보다 앞서 있을 것이다.

'리프'나 '릭'이라는 용어는 클래식 음악에서 사용되지 않는다.대신 클래식 음악의 기초가 되는 개별적인 음악 문구를 오스티나토스 또는 단순한 구절이라고 부른다.현대 재즈 작가들은 또한 모달 음악에서 리프나 핥기 같은 오스티나토를 사용한다.라틴 재즈는 종종 과저 기반의 리프를 사용한다.

뱀파이어

펑크와 R&BPlay의[32] 전형적인 Vamprif(도움말·정보)

음악에서, 뱀파이어는 블루스, 재즈, 가스펠, 소울,[33] 그리고 뮤지컬 극장에서 사용되는 반복적인 음악적 인물, [32]섹션 또는 반주이다.뱀파이어는 록, 펑크, 레게, R&B, 팝, 컨트리에서도 [32]볼 수 있다.뱀파이어는 보통 조화롭게 [32]희박하다: 뱀파이어는 하나의 화음이나 반복되는 리듬으로 연주되는 일련의 화음으로 구성될 수 있다.이 용어는 1930년대와 1940년대 유행가 악보에 대한 'Vamp to ready'라는 지시에 자주 등장했는데, 이는 반주자가 성악가가 준비가 될 때까지 이 악구를 반복해야 한다는 것을 보여준다.뱀파이어는 일반적으로 대칭적이고, 자급자족하며,[32] 변화에 개방적이다.클래식 음악에서는 오스티나토, 힙합과 일렉트로닉 음악에서는 루프, 록 음악에서는 [32]리프입니다.

뱀파이어라는 속어는 중세 영어 단어 vampe (sock)에서 유래했으며, 이는 말 그대로 발 앞에 [32][34]있는 모던 프렌치 아방피와 동등하다.

많은 뱀파이어 지향의 작곡가들은 자유롭게 악기를 연주하거나 노래를 부르면서 분위기나 느낌을 불러일으키려고 시도함으로써 창조적인 과정을 시작한다.존 리 후커(Boogie Chillen, "House Rent Boogie", 보 디들리(Hey Bo Diddley, "Who Do You Love?"), 지미 페이지(Jimmy Page, "Ramble on Ybron"), "Bron" 등 많은 유명한 아티스트들이 주로 Vamp/Riff/ostinato 기반의 접근법으로 곡을 만듭니다.

재즈에서 뱀파이어의 고전적인 예로는 "튀니지의 밤", "테이크 파이브", "러브 슈프림", "메이든 보이저", "칸탈루프 섬"[7] 등이 있다.록의 예로는 닐 영과 크레이지 호스의 "Loose Change"와 킹스 엑스의 "Sooner or Later"가 있다.

재즈, 퓨전, 라틴 재즈

재즈, 퓨전, 그리고 관련 장르에서, 배경 뱀파이어는 즉흥 연주를 지원하는 하모닉 프레임워크를 연주자에게 제공합니다.라틴 재즈에서 구아저는 피아노 뱀파이어의 역할을 수행한다.재즈 곡의 선두에 있는 뱀파이어는 메인 곡의 도약대 역할을 할 수 있다. 노래 끝에 있는 뱀파이어는 종종 태그라고 불린다.

예

'테이크 파이브'는 피아니스트 데이브 브루벡이 노래 내내 연주하는 시간에 맞춰 반복되는 싱크로페이트된 모습으로 시작한다(조 모렐로의 드럼 솔로와 중간 부분의 코드 변주곡 제외).

마일즈 데이비스의 모달 c.시대(1958-1963)의 음악은 적은 수의 코드를 가진 즉흥적인 노래에 바탕을 두고 있다.재즈 스탠다드인 "So What"은 피아노와 트럼펫으로 연주되는 2음조 "Soo What?" 피규어에 뱀파이어를 사용한다.재즈 학자인 배리 컨펠드는 이 음악을 뱀파이어 [full citation needed]음악이라고 부른다.

예를 들어 조지 벤슨의 "Body Talk"와 "Plum"에 대한 아웃로스와 "Breezin"[32]에 대한 솔로 변경 등이 있다.다음 곡들은 흡혈귀들이 주도하고 있다: 존 콜트레인, 케니 버렐, 그리고 그랜트 그린의 "My Favorite Things", 허비 핸콕의 "Watermelon Man"과 "Chameleon", 웨스 몽고메리의 "Bumpin's on Suns" 그리고 래리 칼튼의 "Room"335".[32]

구아저로 알려진 아프로쿠반 뱀파이어 스타일은 비밥/라틴 재즈 스탠다드 "A Night in Tunis"에서 사용됩니다.연주자에 따라서는 "튀니지의 밤"에서 반복되는 인물은 오스티나토, 구아저, 리프 또는 뱀파이어라고 불릴 수 있다.쿠바-재즈 하이브리드는 이 모든 용어를 포함하는 분야에 걸쳐 있습니다.

가스펠, 소울, 펑크

가스펠과 소울 음악에서, 밴드는 종종 노래의 끝에 있는 단순한 오스티나토 그루브에서, 보통 하나의 코드에 걸쳐 Vamp를 연주한다.소울 음악에서 녹음된 노래의 끝에는 종종 빠른 음계, 아르페지오, 즉흥적인 구절과 같은 보컬 효과의 표시가 포함됩니다.녹음의 경우, 사운드 엔지니어들은 앨범의 다음 트랙으로 전환하기 위해 곡의 끝에 있는 vamp 부분을 점차 희미하게 만든다.롤레아타 할로웨이와 같은 살소울 가수들은 노래의 마지막에 즉흥적으로 목소리를 내는 것으로 유명해지고 있으며, 그들은 샘플링되어 다른 노래에 사용되고 있다.Andrae Croouch는 연쇄 뱀파이어를 소개하면서 복음서에서 뱀파이어의 사용을 확장했습니다.[35]

1970년대 펑크 음악은 종종 재즈나 소울 음악에서 소개 뱀파이어로 간주되는 단 하나의 코드에 기초한 짧은 한두 개의 음악적인 형태를 취한다. 그리고 나서 이 뱀파이어를 전체 곡의 기초로 사용한다. (예를 들어, 제임스 브라운의 펑키 드러머)재즈, 블루스, 그리고 록은 거의 항상 코드 진행에 기초하고 있고, 그들은 긴장을 형성하고 듣는 이의 흥미를 유지하기 위해 변화하는 조화를 이용한다.이러한 음악 장르와 달리 펑크는 타악기, 리듬 섹션 악기, 그리고 깊은 일렉트릭 베이스 라인의 리드미컬한 그루브에 기반을 두고 있으며, 대개 하나의 코드에 걸쳐 있다.펑크에서 하모니는 종종 기타, 베이스, 드럼으로 연주되는 [32]대위법의 연결인 '락' 다음으로 중요하다.

예를 들어 스티비 원더의 "슈퍼스티션"[32]과 리틀 조니 테일러의 "Part Time Love"가 있는데, 이 곡은 두 개의 코드로 구성된 [35]뱀파이어보다 더 긴 즉흥 연주를 특징으로 한다.

뮤지컬 극장

뮤지컬 극장에서 뱀파이어 또는 인트로는 노래의 [36]인쇄본을 시작하는 가사가 없는 음악의 몇 소절, 즉 1에서 8소절이다.오케스트라는 일정하지 않은 길이의 무대 전환을 위한 반주로 대화나 무대 업무 중에 뱀파이어 또는 다른 반주를 반복할 수 있습니다.스코어는 하나 또는 두 개의 바 뱀프 형상을 제공하며, 지휘자가 "Vamp to cue"라고 표시합니다.뱀파이어는 음악이 멈추는 일 없이 무대 위의 가수들에게 노래나 다음 구절을 준비할 시간을 준다.vamp 섹션이 끝나면 음악은 다음 섹션으로 넘어갑니다.

뱀파이어는 노래의 작곡가, 출판사에 고용된 카피리스트 또는 [36]보컬리스트의 편곡자에 의해 작곡될 수 있다.뱀파이어는 세 가지 주요 목적에 기여한다: 그것은 키를 제공하고, 템포를 설정하고, 감정적인 [37]맥락을 제공한다.뱀파이어는 벨소리만큼 짧거나, 스팅(시작 음에 강세가 가미된 벨소리) 또는 [37]길게 측정할 수 있습니다.라이드아웃은 노래의 마지막 단어의 다운비트로 시작하는 과도기적인 음악으로, 비록 그것은 스팅만큼 짧거나 록시 [38]라이드아웃만큼 길 수 있지만 보통 2에서 4개의 소절이다.

인도 고전 음악

인도의 클래식 음악에서는, 타블라 또는 파카와즈 독주 공연과 카타크 춤 반주 동안, 개념적으로 유사한 멜로디 패턴인 레하라([39]때로는 레하라 또는 나그마로 알려져 있습니다.이 멜로디 패턴은 리듬 사이클(탈라 또는 타알)의 비트 수로 설정되며, 하나 또는 여러 개의 라가 혼합에 기초할 수 있습니다.

레하라의 기본 개념은 꾸준한 멜로디 프레임워크를 제공하고 리듬감 있는 즉흥 연주를 위한 타임 사이클을 유지하는 것입니다.독주자뿐만 아니라 관객이 즉흥연주의 독창성과 전체적인 공연의 장점을 감상할 수 있는 청각적 작업대 역할을 한다.인도 클래식 음악에서는 'sam' ('sum'으로 발음됨)의 개념이 가장 중요하다.샘은 리듬 주기의 표적 박자이며 거의 항상 첫 번째 박자입니다.두 번째로 중요한 박자는 샘의 보완어인 칼리입니다.이 두 개의 두드러진 박자 외에도, 주어진 타알에는 다른 강조 박자가 있는데, 이것은 타알의 '손'을 나타낸다.예: '루팍' 또는 7비트 리듬 사이클인 '루팍' 타알은 3-2-2로 나뉘는데, 이는 1박자, 4박자, 6박자가 그 타알의 두드러진 비트임을 더욱 암시한다.그러므로, 레하라를 타알의 구분에 따라 정렬하는 것은 관례적이지만 필수적인 것은 아니다.그것은 타알의 분열을 나타내는 박자를 강조하기 위한 목적으로 행해졌다.

레하라는 사랑, 하모니움, 시타, 사로드, 플루트 등 다양한 악기로 연주할 수 있다.레하라의 연주에는 인도 고전음악의 전통에서 유지되고 존중되는 라가 상게의 수많은 규칙과 제약이 비교적 자유롭다.레하라에는 기본 멜로디를 중심으로 한 짧고 가끔 즉흥적인 연주가 섞여 있을 수 있다.또한 연주 도중 두 개 이상의 다른 멜로디 간에 전환할 수도 있습니다.다년간의 스페셜리스트 트레이닝(타림)과 연습(리아즈)이 필요한 라야(템포)와 스와라 컨트롤에서 레하라를 가장 정확하게 플레이하는 것이 중요하다.타블라나 파카와지의 명연주와 함께 레하라를 연주하는 것은 타블라나 파카와지의 명연주가 즉흥적으로 연주하거나 대척점에서 어려운 작곡을 연주할 때 맥박을 유지하는 것이 어려운 작업이기 때문에 뛰어난 것으로 여겨진다.개인적으로는 재능 있는 악기 연주자가 수십 명 있을 수 있지만, 타블라/[40]파카와즈 독주곡의 레흐라를 연주할 수 있는 사람은 거의 없다.

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레퍼런스

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추가 정보

외부 링크

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