예술에 관한 분류상의 분쟁

Classificatory disputes about art
클로드 모네, 인상, 솔릴 레반트(임프레션, 일출), 1872년, 캔버스에 기름, 마르모탄 모네 박물관

미술사학자들과 예술 철학자들은 오랫동안 특정 문화 형태나 작품이 예술로 분류되어야 하는지에 대해 미술에 대한 분류적인 논쟁을 벌여왔다.무엇이 예술로 간주되고 무엇이 예술로 간주되지 않는가에 대한 논쟁은 [1]오늘날에도 계속 일어나고 있다.

예술의 정의

동치창, 풍경 1597년동치창은 명나라의 고위 관료로, 중국 문인화 전통에서 상상 속의 풍경화를 수집가의 인장과 시로 그렸다.

예술을 정의하는 것은 어려울 수 있습니다.미학자와 미술 철학자들은 예술을 정의하는 방법에 대해 종종 논쟁을 벌인다.본래의 가장 광범위한 정의에 따르면, 예술은 ('기술' 또는 '기술'을 뜻하는 라틴어 ars에서 유래한) 지식 본체의 효과적인 적용의 산물 또는 과정이며, 대부분의 경우 일련의 기술을 사용한다. 이 의미는 "리버럴 아트"와 "무술 예술"과 같은 문구에 보존된다.그러나, 1750년 이후에 유명해진 이 단어의 현대적 사용에서, "예술"은 일반적으로 미적 결과를 낳기 위해 사용되는 기술로 이해된다.

Britannica Online은 이것을 [2]"다른 사람과 공유할 수 있는 미적 사물, 환경 또는 경험을 창조할 때 기술이나 상상력을 사용하는 것"이라고 정의한다.그러나 오늘날 "예술"이라는 용어를 어떻게 가장 잘 정의해야 하는가는 많은 논쟁의 대상이다. 많은 책과 저널 기사들이 "예술"이라는 용어가 의미하는 기본에 대해 논쟁하고 있다(Davies, 1991년 그리고 Carroll, 2000년)테오도르 아도르노는 1969년에 "예술에 관한 어떤 것도 더 이상 자명하지 않다는 것은 자명하다"고 주장했다.누가 예술을 정의할 권리를 가지고 있는지 명확하지 않다.예술가, 철학자, 인류학자, 심리학자들 모두 각자의 분야에서 예술의 개념을 사용하며, 서로 매우 유사하지 않은 운영적 정의를 부여한다.

"아트"라는 단어의 두 번째, 더 좁고 더 최근의 의미는 대략적으로 창조적인 예술 또는 "파인 아트"의 줄임말이다.여기서 우리는 그 기술이 예술가의 창의성을 표현하거나 관객의 심미적 감성을 끌어내기 위해 사용된다는 것을 의미합니다.흔히 예술작품 외에는 실용적인 기능이 없는 그림이나 조각이 아닌 실용적인 사물을 만드는 데 기술을 사용한다면, 그것은 미술품보다는 장식 예술, 응용 예술, 공예품 등의 분류에 해당한다고 볼 수 있다.마찬가지로, 만약 기술이 상업적이거나 산업적인 방법으로 사용된다면, 그것은 예술이 아닌 디자인으로 간주될 것이다.일부 사상가들은 미술과 응용 미술의 차이는 명확한 정의적 차이보다는 예술에 대해 만들어진 가치 판단과 더 관련이 있다고 주장해왔다.현대적 구별은 중세 미술과 같은 오래된 시대에는 잘 통하지 않는데, 중세 미술은 금속 세공, 조각된 보석, 직물 및 기타 "응용 예술"이었고, 미술품의 인식 가치는 종종 재료의 비용과 최소한 뮤만큼 작품을 만드는 데 소요된 시간을 반영했다.ch를 아티스트의 크리에이티브 입력으로 사용합니다.

예술 분류 체계

이력 스킴

고대 중국 주나라에서는 공자와 같은 철학자들이 정의하는 "완벽한 신사" 즉, "육예"의 탁월함이 기대되었다.이러한 예술들은 삶의 시민적 측면과 군사적 측면 모두에 걸쳐 있었기 때문에, 6가지 면에서 탁월하기 위해서는 매우 균형잡힌 다식적인 학자가 필요했다.Six Arts는 다음과 같습니다.

이후 중국 제국주의 역사에서 육예는 축소되었고, 학자-관료 카스트들이 배우고 따를 수 있는 유사한 4가지 예술 체계를 만들었다.

  • 음악을 대표하는 악기인 친(金)
  • 군사 전략을 대표하는 보드 게임인 치(棋)
  • 문맹을 나타내는 서예.
  • 화(華) 또는 시각 예술을 나타내는 중국화

고대 미술을 체계적으로 규율의 집합으로 정의하려는 또 다른 시도는 고대 그리스 박물관에 의해 대표된다.표준적인 9개의 뮤즈는 그리스인들이 기술이라고 부르는 9개의 분야 중 하나를 상징하고 구체화했다. 이 용어는 대략 "예술"을 의미하지만 또한 "기술" 또는 "공예정신"으로 번역되어 왔고, 그 단어의 정의에는 더 많은 과학 분야도 포함되어 있다.이 9개의 전통적인 지점은 다음과 같습니다.

중세 기독교 유럽에서 대학들은 중세 초기 철학자들인 보이티우스나 요크의 알쿠인에 의해 정의되고 철학을 중심으로 정의된 7가지 교양 과목의 표준 세트를 가르쳤다.이러한 과목과 그들의 실천에 대한 정의는 그리스와 로마의 교육 시스템에 크게 기초하고 있었다.이들 7개 예술은 그 자체로 두 가지 범주로 구분되었다.

르네상스 이후, 이 시기에도 영어의 "아트"와 다른 언어의 "아트"는 아직 현대적 의미를 얻지 못했다.오늘날 우리가 이해하는 틀에서 예술을 논한 최초의 철학자 중 한 명인 게오르크 빌헬름 프리드리히 헤겔은 그의 미학 강의에서 가장 물질적인 것부터 가장 표현적인 것까지 다섯 가지 주요 예술의 순위를 설명했다.

  1. 아키텍처
  2. 조각품
  3. 도장
  4. 음악
  5. 시

헤겔의 예술 목록은 특히 프랑스에서 인기를 끌었고, 지속적인 수정으로 21세기까지 프랑스 문화에서 관련성이 있고 논쟁의 주제가 되었다.이 분류는 1923년에 "7번째 예술의 마니페스토"를 쓴 초기 영화 학자인 Ricciotto Canudo에 의해 대중화 되었다.리스트의 배치에 의해서 각 분야에 붙여진 호칭은, 특히 「제7의 예술」이라고 불리는 영화에서는, 패러프레이즈를 통해서 그것들을 참조하기 위해서 자주 사용됩니다.프랑스 문화부는 종종 "새로운"[3] 예술을 정의하기 위한 의사결정에 참여합니다.10가지 기술은 일반적으로 다음과 같이 제공됩니다.

  1. 아키텍처
  2. 조각품
  3. 도장
  4. 음악
  5. 시와 산문을 포함한 문학
  6. 무용과 연극을 포함한 공연 예술
  7. 영화와 영화
  8. 라디오, 텔레비전, 사진을 포함한 '레아츠 메디아티크'
  9. 만화
  10. 비디오 게임, 또는 디지털 아트 형식[4]

다음 형태의 예술이 무엇이 되어야 하는지에 대한 계속되는 논쟁은 한 세기 이상 동안 싸워왔다.현재, 르옹지엠 예술에 대한 다양한 경쟁자들이 있으며, 그 중 많은 것들이 그들의 매개체가 예술로서 인정받지 못한다고 느끼는 오래된 분야들이다.11일 특히 인기 있는 경쟁자는 멀티미디어인데, 이는 카누도가 영화가 최초의 6개 예술의 정점이라고 주장했던 것처럼 10개 예술을 하나로 모으기 위한 것이다.공연 예술은 공연 예술과 별개로 르 두지엠 또는 "십이지" [5]예술로 불려왔다.

예술에 대한 일반적 정의

르네상스 이후 서양의 전통적인 분류는 고대까지 거슬러 올라가는 예술이론을 사용하여 작가의 상상력을 어느 정도 보여주는가에 따른 장르 계층의 변형이었다.그러한 사고는 낭만주의의 미학과 함께 약간의 힘을 얻었다.중국 전통 미술에 적용되는 유사한 이론적 틀: 예를 들어 서양과 극동 풍경화의 전통(문인화 참조)에서 상상 속의 풍경화는 실제 풍경화의 사실적인 묘사보다 더 높은 지위를 부여받았는데, 서양에서는 "지리적 견해"로 밀려났다.

많은 사람들은 예술이나 아름다움을 정의하려고 하는 것조차 실수이며, 본질은 없고, 그래서 정의를 가질 수 없다고 주장해 왔다.흔히 예술은 하나의 개념이라기보다 관련된 개념의 집합체라고 한다.이 접근방식의 예로는 Morris Weitz와 Berys Gaut가 있습니다.바이츠는 루트비히 비트겐슈타인을 인용하여 예술은 시간이 [6]지남에 따라 포함될 수 있는 구성 요소와 기준이 바뀔 수 있는 열린 개념이라고 주장했다. 그는 또한 [7]순수하게 예술이라는 용어의 "평가적" 용어와 구별하는 것을 추구했다.

앤디 워홀은 브릴로 박스의 나무 조각을 예술로 전시했다.

또 다른 접근법은 "예술"은 기본적으로 사회학적 범주이며, 예술 학교나 박물관, 예술가들이 빠져나가는 것은 형식적인 정의와 상관없이 예술로 간주된다고 말하는 것이다.이 미술의 제도적 이론은 조지 디키가 옹호해 왔다.대부분의 사람들은 Marcel Duchamp와 Andy Warhol (각각)이 그들을 예술의 맥락(즉, 아트 갤러리)에 배치하기 전까지는 가게에서 구입한 소변기나 브릴로 박스의 조각적인 묘사를 예술로 간주하지 않았고, 이것은 예술을 정의하는 가치들과 이러한 물건들의 연관성을 제공했다.

절차주의자들은 종종 예술작품이 만들어지거나 관찰되는 과정, 즉 사물의 본질적인 특징이 아니라 예술이 만들어지거나, 그것이 사회에 소개된 후에 예술계의 기관으로부터 얼마나 잘 받아들여지는지를 제안합니다.예를 들어, 존 듀이에게, 만약 작가가 시가 되려고 의도했다면, 그것은 다른 시인들이 그것을 인정하든 말든 하나의 것이다.만약 정확히 같은 단어들이 기자에 의해 쓰여졌다면, 그것은 나중에 그가 더 긴 기사를 쓰는 것을 돕기 위한 속기 메모로 의도되었다면, 이것들은 시가 아닐 것이다.

반면에 레오 톨스토이는 그의 정석인 "예술이란 무엇인가?"에서 어떤 것을 예술로 만들거나 하지 않는 것은 창작자의 [8]의도에 의해서가 아니라 청중들에 의해 어떻게 경험되는가라고 주장한다.먼로 비어들리와 같은 기능주의자들은 작품이 예술로 간주되는지 여부는 특정한 맥락에서 어떤 기능을 수행하느냐에 달려있다고 주장한다.예를 들어, 같은 그리스 꽃병은 어떤 맥락에서는 비예술적 기능(와인 운반)을, 다른 맥락에서는 예술적 기능(인간의 아름다움을 감상하는 데 도움을 준다)을 할 수 있다.

미술품 분류에 관한 분쟁

철학자 데이비드 노비츠는 예술의 정의에 대한 불일치가 문제의 핵심이 되는 경우는 거의 없으며, 오히려 "인간이 그들의 사회생활에서 갖는 열정적인 관심과 관심"은 "예술에 대한 모든 분류적 논쟁의 일부분"이라고 주장했다.노비츠에 따르면, 분류적 논쟁은 이론적인 논쟁보다 우리의 가치관과 우리 사회에 대해 우리가 어디로 가려고 하는가에 대한 논쟁이다.

반면, 티에리 드[9] 뒤브는 예술의 정의에 대한 논쟁은 마르셀 뒤샹이 기성품을 예술 작품으로 표현한 것의 필연적인 결과라고 주장한다.1996년 그의 책 '칸트 애프터 뒤샹'에서 그는 칸트의 판단비판을 '이것이 아름답다'라는 구절을 '이게 예술이다'로 바꿔 해석하고 칸트 미학을 이용해 뒤샹 이후의 예술을 다룬다.

개념 예술

주요 기사:개념 예술

1910년대와 1920년대의 프랑스 예술가 마르셀 뒤샹의 작품은 이전의 분류를 거스르는 원형 개념 작품(예를 들어 레디메이드)의 예를 그들에게 제공하면서 개념주의자들에게 길을 열어주었다.개념 예술은 1960년대에 운동으로 등장했다."개념 예술" 운동의 첫 물결은 대략 1967년에서 1978년까지 연장되었다.헨리 플린트, 로버트 모리스, 레이 존슨과 같은 초기 "개념" 예술가들은 댄 그레이엄, 한스 하케, 더글러스 휴블러와 같은 후에 널리 받아들여진 개념 예술가의 움직임에 영향을 미쳤다.

더 최근에는, 데미안 허스트가 이끄는 "YBAs"가 1990년대에 두각을 나타냈고, 비록 그들의 작품은 영향을 미치기 위해 미술품에 매우 많이 의존하지만, 개념적인 것으로 보인다.이 용어는 오브젝트가 아트워크가 아니거나 종종 발견된 오브젝트이기 때문에 제작 시 예술적 기술이 필요하지 않다는 것을 근거로 그들과 관련하여 사용됩니다.트레이시 에민은 개인적인 감정 표현을 부정하고 강조해왔음에도 불구하고 선도적인 YBA이자 컨셉 아티스트로 여겨지고 있다.

최근 논란이 되고 있는 개념 미술의 예

1991

찰스 사치가 데미안 허스트에게 자금을 지원했습니다.그 다음 해, Saatchi Gallery는 Vitrine의 포름알데히드 속에 있는 상어인 Hirst의 The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living을 전시합니다.

1993

바네사 비크로프트는 이탈리아 밀라노에서 공연을 한다.여기서 어린 소녀들은 그녀의 음식 일지를 전시하는 두 번째 방청객 역할을 한다.

1999

트레이시 에민은 터너상 후보에 올랐다.내 침대는 콘돔, 피 묻은 니커, 병, 침실 슬리퍼와 같은 잔해로 둘러싸인 그녀의 흐트러진 침대로 구성되어 있었다.

2001

마틴 크리드(Martin Creed)는 "The Lights Going On and Off"라는 정확한 제목으로 터너상을 수상했는데, "The Lights Going On and Off"는 텅 빈 [10]방에서 불을 켜고 끄는 장면이었다.

2002

Miltos Manetas는 그의 [11]Whitneybiennial.com로 휘트니 비엔날레에 맞서고 있다.

2005

Simon Starling은 Sheadboatsheed로 Turner 상을 수상했다.스탈링은 나무로 만든 오두막을 선보였는데, 이를 보트로 개조하여 라인강을 따라 떠내려갔다가 다시 [12]오두막으로 개조했다.

영국의 논쟁

죽은 상어는 예술이 아니다, Stuckism International Gallery, 2003

1999년에 설립된 Stuckist 그룹은 자신들을 "개념이 부족하기 때문에 아이디어와 반개념 예술이 있는 친현대적 비유화"라고 선언했다.그들은 또한 이 작품을 가식적이고 "놀랍지 않고 지루하다"고 말했으며, 2002년 7월 25일 시위에서 "개념미술의 죽음"[13][14]이라고 표시된 화이트 큐브 갤러리 밖에 관을 기증했다.2003년, Stuckism International Gallery는 "죽은 상어는 예술이 아니다"라는 제목으로 보존된 상어를 전시했는데, 이는 명백히 데미안 허스트의 작품을 언급하고 있다.[15]

1999년 10월 19일 BBC2 뉴스나이트 프로그램에서 제레미 팍스만과 찰스 톰슨이 그 해 터너상을 공격하고 화가 브래드 로쇼어가 이를 옹호하는 가운데 톰슨은 스터키즘 그림을 전시하고 있었고, 록쇼어는 플라스틱 세제 병을 골판지 주춧돌 위에 올려놓고 있었다.어느 단계에서 록쇼어는 "사람들이 예술이라고 말한다면 예술이다"라고 말한다.팍스만은 "그럼 당신은 무엇이든 예술이라고 말할 수 있나요?"라고 묻자, 록쇼어는 대답한다. "당신은 모든 것이 예술이라고 말할 수 있어요?"화면 밖에서 톰슨이 "제 신발 예술인가요?"라고 말하는 것을 들을 수 있고, 동시에 그의 신발이 로쇼어 앞에 나타나 "만약 그렇다고 말한다면"이라고 말하는 것을 볼 수 있습니다.그 조건으로 판단해야 한다고 말했다.톰슨의 대답은 "내 [16]평생 이렇게 터무니없는 것은 들어본 적이 없다"입니다.

2002년 현대미술연구소의 회장인 이반 마소는 개념 미술을 "가식적이고, 제멋대로이며, 교활하지 못한 누명"과 "자신의 엉덩이가 사라질 위험"으로 낙인찍었다.'테이트의 니콜라스 세로타 경'과 같은 문화적 차르들이 주도하고 있다.[17]마소는 결국 사임할 수밖에 없었다.그해 말, 예술대학 졸업생인 문화부 장관 킴 하웰스는 터너상을 "냉정하고 기계적이고 개념적인 헛소리"[18]라고 비난했다.

2004년 10월, Saatchi Gallery는 언론에 "화가들이 소통하기 [19]위해 선택하는 가장 적절하고 중요한 방법"이라고 말했다.그 후, 찰스 사치는 그의 YBA 컬렉션에서 유명한 작품들을 팔기 시작했다.

컴퓨터와 비디오 게임

주요 기사:아트로서의 비디오 게임

컴퓨터 게임은 1947년까지 거슬러 올라가지만 1970년대까지는 많은 관객에게 다가가지 못했다.컴퓨터와 비디오 게임이 많은 종류의 예술을 포함한다는 것을 부인하는 것은 어렵고 이상할 것이다.비디오 게임의 그래픽은 디지털 아트, 그래픽 아트, 그리고 아마도 비디오 아트를 구성합니다; 비디오 게임의 원래 사운드 트랙은 분명히 음악을 구성합니다.하지만 비디오 게임 전체가 일종의 예술, 어쩌면 인터랙티브 예술의 한 형태로 여겨져야 하는지는 논쟁의 대상이다.

예를 들어, 영화 평론가 로저 에버트는 비디오 게임은 예술이 아니며 구조적인 이유로 항상 영화보다 열등하다고 주장했지만, "읽어야 할 좋은 책이나 [20]볼 만한 영화가 있다면 절대 게임을 하지 않을 것"이라고 단언했을 때 그 분야에 대한 지식이 부족하다는 것을 인정했다.비디오 게임 디자이너 코지마 히데오는 비디오 게임을 하는 것은 예술이 아니지만 게임은 예술적인 스타일을 가지고 [21][22][23]있고 예술을 포함하고 있다고 주장했다.비디오 게임 디자이너 크리스 크로포드는 비디오 게임은 [24]예술이라고 주장한다.에스콰이어 칼럼니스트 척 클로스터맨은 또한 비디오 게임이 예술이라고 [25]주장한다.Tadhg Kelly는 놀이 자체가 예술은 아니며 모든 게임에 항상 필요한 것이기 때문에 게임에서의 예술은 [27]상호작용이 아닌 장소와 장소의 예술이라고 주장한다.

Non-faultable Token(NFT; 비고정 토큰)

NFT(Non-fungable token)가 예술 그 자체로 간주될 수 있는지, 아니면 단지 [28]예술작품의 표현으로 간주될 수 있는지에 대한 논란이 일고 있다.살아있는 [29]예술가들이 가장 비싼 작품 목록 토크 페이지에 있는 위키피디아 토론이 이와 관련하여 인용되었다.

「 」를 참조해 주세요.

주 및 참고 자료

  1. ^ Winfried Nöth의 미디어 기호학 [1]
  2. ^ 브리태니커 온라인
  3. ^ 크램튼, 토마스"프랑스에게 비디오 게임은 영화처럼 예술적이다", 뉴욕 타임즈, 2006년 11월 6일.
  4. ^ "Connaissez-vous le 10eme art ? L'art numérique." 2007.
  5. ^ 마스, 진.Manifeste de la Performance, AICA-France/Villa Firefox, 2012.
  6. ^ Weitz, Morris (1956). "The Role of Theory in Aesthetics". The Journal of Aesthetics and Art Criticism. 15 (1): 30–33. doi:10.2307/427491. ISSN 0021-8529. JSTOR 427491.
  7. ^ Weitz, Morris (1956). "The Role of Theory in Aesthetics". The Journal of Aesthetics and Art Criticism. 15 (1): 33–35. doi:10.2307/427491. ISSN 0021-8529. JSTOR 427491.
  8. ^ Tolstoy, Leo, graf, 1828-1910. (1996). What is art?. Maude, Aylmer, 1858-1938. Indianapolis: Hackett Pub. Co. ISBN 087220295X. OCLC 36716419.{{cite book}}: CS1 maint: 여러 이름: 작성자 목록(링크)
  9. ^ 티에리 드 뒤베, 칸트 뒤샹 이후 1996년
  10. ^ BBC 온라인
  11. ^ Mirapaul, Matthew (4 March 2002). "ARTS ONLINE; If You Can't Join 'Em, You Can Always Tweak 'Em". The New York Times.
  12. ^ 타임즈
  13. ^ 크립스, 샬롯「시각 예술: 2004년 9월 7일 인디펜던트지 니콜라스 경에게 니커즈를 말한다.2008년 4월 7일, findarticles.com 에서 취득.2009년 1월 5일 Wayback Machine에서 아카이브 완료
  14. ^ "White Cube demo 2002" (화이트 큐브 데모 2002) stuckism.com 。2008년 5월 25일 취득.
  15. ^ 알베르게, 달랴."전통주의자들이 허스트에 대한 상어 공격을 마크한다", 더 타임스, 2003년 4월 10일.2008년 2월 6일 취득.
  16. ^ 밀너, 프랭크, 에드Stuckists Punk Victorian, 페이지 32-48, 국립박물관 리버풀 2004, ISBN 1-902700-27-9.
  17. ^ 가디언
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  20. ^ "Why did the chicken cross the genders?". Chicago Sun-Times. Archived from the original on 2010-06-19.
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  27. ^ Tadhg Kelly, 리빙 갤러리, 2011년
  28. ^ "What are NFTs and why are some worth millions?". BBC News. 2021-09-23.
  29. ^ "Wikipedia Editors Vote Against Classifying NFTs as Art, Shelve Issue Citing 'Lack of Reliable Information'". Gadgets 360. 2022-01-13.

추가 정보

  • 노엘 캐롤, 오늘의 예술 이론들2000
  • 티에리 드 뒤베, 칸트 뒤샹 이후 1996년
  • 에블린 해처, ED문화로서의 예술: 미술인류학개론. 1999
  • David Novitz, "Disputes about Art", 미학과 미술비평 저널 54:2, 1996년 봄
  • 니나 펠신, ED하지만 예술인가? 1995년
  • 데이비드 노비츠, 1992년 미술의 경계
  • Stephen Davies, 예술의 정의, 1991
  • 레오 톨스토이, 예술이란 무엇인가?