댄서 인 어 카페

아티스트	장 메칭거
연도	1912
중간	캔버스의 오일
움직임	입체파
치수	146.1 cm × 114.3 cm (57.5 in × 45 in)
위치	올브라이트 녹스 미술관.획득:General Purchase Funds, 1957, 버팔로, 뉴욕

단서세아우 카페(Dancer in a Cafe 또는 Au Cafe Concert and Danseeuse라고도 한다)는 프랑스의 화가 겸 이론가인 장 메칭거(1883–1956)가 1912년에 만든 대형 유화다.이 작품은 1912년 살롱 다오톰에서 파리에서 단서즈라는 제목으로 전시되었다.1912년 살롱 드오톰에 대한 쿠바의 기부는 파리 시의회에서 논란을 일으켰고, 샹브르 데 데푸테에서 그러한 '바리' 예술의 장을 마련하기 위해 공적 자금을 사용하는 것에 대한 논쟁으로 이어졌다.쿠바인들은 사회당 부대표인 마르셀 셈바트에 의해 방어되었다.^[1][2][3]이 그림은 살롱 드 라 도르에 대비하여 알베르 글리제스와 장 메칭거가 입체파의 대방어를 발표하면서 실현되었으며, 그 결과 새로운 운동인 두 '쿠비즘'에 대한 최초의 이론적 에세이가 되었다.^[4]단서세오 카페는 1912년 10월 2일 프랑스 신문 엑셀시오르[fr]에 '아우 살롱 드 오토네 "Les Indédependants"라는 제목의 기사에 게재된 사진에서 처음 재현되었다.이 그림은 현재 버팔로 뉴욕 올브라이트 녹스 미술관에 위치해 있다.^[5]

설명

단서세오 카페는 146.1 × 114.3 cm(57.5 × 45 in) 크기의 캔버스에 그려진 유화다.그 그림은 카페 콘서트에서 춤을 추는 한 여성을 묘사하고 있다.그녀는 정교한 가운을 입고 오른손에 꽃다발을 들고 있는 모습이 화폭 오른쪽 절반에 담겨 있다.카페 장면에서는 그림 왼쪽에서 다른 4명, 여성 2명, 남성 2명을 관찰할 수 있으며, 이 중 3명은 다양한 아이템이 놓여 있는 테이블(음료 포함) 앞에 앉아 있고, 1명은 겉보기에는 배경(왼쪽 위)에 놓여 있다.

메칭거의 카페 댄서 "환상적인" 댄서는 예술사학자 대니얼 로빈스(Daniel Robins)의 글을 인용, "춤추는 사람의 복장에 아메린디안 무늬를 대고 워치 가운을 입은 멋쟁이 파리 여성들의 깃털이나 깃털을 놀리며, 유럽 패션의 높이를 인류학적으로 비교하며, 우스꽝스럽게 말한다.아르카인."^[6]

같은 시기의 메칭거의 다른 작품에서와 마찬가지로, 조명기구, 꽃, 깃털, 레이스 등 실세계에서 찾아볼 수 있는 요소들이 있다.캔버스의 나머지 부분은 조르주 서랏과 폴 세잔의 가르침에서 유래한 볼록과 오목한 형태의 크레스켄도, 크고 작은 추상화, 쌍곡선과 구형의 표면으로 이루어져 있다.네오-인상주의 단계 (1903년경 ~ 1907년경)에 나타난 모자이크처럼 생긴 분단주의 붓놀림은 캔버스의 광대한 부분에 질감과 리듬을 부여하여 그림과 배경에서 모두 볼 수 있다.^[7]

카페 안의 댄서는 1912년 파리 패션의 절정에서 놀랄 만큼 패션 감각이 뛰어난 여성과 남성을 묘사하고 있다.직사각형 모양의 비단을 입고 녹색 실크 벨벳과 시폰 캡을 씌운 이브닝 가운을 입은 무용수는 우아한 치뇽으로 장식된 그녀의 머리는 손님이나 손님들을 위해 공연하는 낮은 무대나 테이블에 나타나며, 모두 실크 옷을 입고 장식된 그물 가운, 은빛 브로케이드를 입는다.그리고 레이스 전신 가운, 타조가 달린 모자, 무늬가 있는 정장, 페도라, 검은 넥타이.작가는 인물과 배경을 일련의 세분화된 면과 평면으로 묘사하며 카페 현장의 여러 측면을 동시에 제시한다.이는 빛, 그림자, 치아로스쿠로의 비전통적인 용도, 형태와 색의 위치, 그리고 메칭거가 인물과 배경의 융합을 동화시키는 방식에서 볼 수 있다.다지관 표면은 복잡한 일련의 (대부분 수학적 외관) 검은색 선들이 밑그림을 그리고 다른 선들은 과다하게 그릴 때 나타나는 복잡한 망막 기하학을 가지고 있다.^[8]

메칭거의 코팅턴은 1912년 Salon d'Automne에서 "옷 스타일은 꼼꼼하게 최신이다"라고 썼다. "드레스 컷, 그리고 착용자에게 보여 준 상대적으로 세련되지 않은 실루엣은 가치보다는 푸아레트에게 훨씬 더 많은 빚을 졌다. 실제로 댄서와 티 포인트의 폴카에 있는 한 인물의 체크는 댄서에게 있다.'팬을 가진 여자'는 소니아 들라우나이 옷감의 컬러 하모니는 아니더라도 전후 기하학적인 기하학적 구조를 예상하며, '노란 깃털'의 드레스와 클로체 스타일의 모자의 오픈-콜라드 스포티함은 1920년대를 기대한다고 말했다.^[8]

폴 푸아렛, 이사도라 던컨과 미술계

실제로 20세기 초 프랑스의 패션 디자이너 폴 푸아렛은 하우스 오브 워스에서 일했지만, 워스의 보수적인 고객들에게는 "그의 디자인의 광적인 현대성"이 너무 많은 것으로 증명되었다.푸아레트는 1903년 자신의 집을 세우고 화려한 파티를 열어 그의 작품을 홍보했다.^[10]

1911년 6월 푸아렛은 자신의 별장(H htel mipulier away d'Antin)에서 열린 웅장한 소리에에서 파리의 상류사회와 예술계가 참석한 코스튬볼 'la mille et deuxiem nuit'(천, 둘째 밤)라는 세례를 받았다.1903년 메칭거와 함께 베르테 웨일 미술관에 전시한 라울 뒤피, 1905년 인디펜던트, 1908년 갤러리 노트르담데데스챔프스 등이 초대장을 디자인했다.^[11]정원은 등불과 살아있는 열대 새들에 의해 조명되었다.그의 마케팅 전략은 센세이션을 일으키며 파리의 화제가 되었다.1912년 두 번째 향기로 데뷔한 "레 미나렛"은 다시 한 번 하렘 테마를 강조하였다.^[12]

1911년, 사진작가 에드워드 스티첸은 출판사 루시엔 보겔[fr]로부터 사진의 활용에 의한 미술로서의 패션을 홍보하는 도전을 받았다.^[13]1911년 4월호 잡지 《Art et Décoration》에 게재된 푸아렛의 가운 사진은 현재 최초의 현대 패션 사진 촬영으로 간주되고 있다.^[14]1912년 보겔, 하원 찰스 워스의, 루이즈 Chéruit, 조르주 Doeuillet, Jeanne파킨, Redfern &, 아들과 자크 Doucet는 레 데무아젤 d'Av를 구입했다 자세한 내용은 Post-Impressionist와 입체파 예술 수집가 같은 다른 잘 나가는 파리 디자이너들과 함께 Poiret의 디자인 통해 그의 유명한 패션 잡지 라 가제트(본 똔 시작했다.ign피카소의 스튜디오에서 직접.

Paul Poiret는 자기 홍보와 그의 다양한 상업적 기업의 이익을 위해 현대 미술에 평생 관심을 가지고 있었다.^[15]In 1911 he rented and restored a mansion built by the architect Ange-Jacques Gabriel for Louis XV, 1750, called Pavillon du Butard in La Celle-Saint-Cloud (not far from Albert Gleizes' studio and close to the Duchamp residence, where the Section d'Or group gathered) and threw lavish parties, including one of the more famous grandes fêtes dated 201912년 6월, La Féte de Baccus (La féte de Baccus, 베르사유에서 루이 14세가 주최하는 바카날리아 재창조).가이 피에르 포콘넷(1882~1920)이 초대를 설계했다.푸아렛이 디자인한 헬레닉 이브닝 가운을 입은 이사도라 던컨은 이날 새벽까지 300명의 손님 중 테이블에서 춤을 추었고 900병의 샴페인이 소비됐다.^[16]

캘리포니아 출신의 소녀 이사도라 던컨은 이드워드 무이브릿지를 위해 포즈를 취했다고 말했으며,^[17] 각각의 동작은 그 이전의 동작에서 태어났으며, 각각의 동작은 다음 동작으로 발생했으며, 유기적인 연속이라고 주장하면서 "진화적인" 춤 동작에 중점을 두었다.그녀의 춤은 진보, 변화, 추상, 해방의 힘을 규정했다.프랑스에서도 던컨은 그녀의 청중을 기쁘게 했다.^[18]

안드레 두노예르 드 세곤작, 막스 제이콥, 안드레 살몬 등 키에스 판 동겐, 라울 뒤피 등이 포아렛의 볼에 참석한 것으로 알려졌다.^[19][20]Salmon은 L'Air de la Butte'에서 그들 중 한 사람에 대해 다음과 같이 쓰고 있다: 1889년 정신으로 파티를 준비하는, 자신이 선택한 예술가들에게 집을 열어주는 Poiret'^[21]s planning to the party of his garden.여기서 Salmon은 박람회 Universelle (1889년)을 참조한다.

1912년까지 마리 로랑킨은 니콜 포아렛(폴 포아렛의 누이)으로 태어난 패션 디자이너 니콜 그룰트[fr]와 친밀한 레즈비언 관계를 맺었다.^[22]1906년 니콜 푸아렛은 동생 폴과 친구 이사도라 던컨과 함께 코르셋의 폐지로 시작된 여성 해방을 위한 팽팽한 싸움을 벌였다.^[23][24]로랑킨은 1911년 살롱 데 인디펜던트의 41호실(기욤 아폴리나르의 제안으로)에서 메칭거와 다른 입체파들과 함께 보여주었는데, 이 가운데 'scandal'이 생겨나 파리, 프랑스, 유럽 등지에 퍼져나갔다.그녀의 친구 마리 로랑킨과 함께 니콜 푸아렛은 보헤미안 세계인 몽마르뜨, 르바토-라부아르, 큐비스트들을 자주 방문했다.^[25]

조각가 에밀 앙투안 부르델레는 1903년 아우구스틴 로댕의 소풍에서 이사도라를 만났고, 1909년 그는 그녀가 무대에서 춤추는 것을 보았다.모슬린 페티코트의 풀밭에서 치마를 벗고 춤을 추도록 설득당했던 '여녀'는 아름다운 뮤즈가 되어 있었다.부르델레는 이전에 계획된 테레 데 샹젤리에의 면모를 장식해 달라는 요청을 받은 바 있다.그가 그녀를 보았을 때 그는 이사도라가 그의 뮤즈라는 것을 깨달았다. "그곳에서는 그녀를 통해 신성한 프레스코화가 서서히 인간의 현실이 되어가는 형언할 수 없는 프리제가 애니메이션처럼 보였다.도약할 때마다 위대한 예술가의 각 태도는 번갯불처럼 내 기억 속에 남아 있다."부르델은 극장에서 돌아와 몇 시간 동안 스케치하곤 했다.이사도라에 대한 그의 이미지는 이사도라뿐만 아니라 그녀가 구현한 광범위한 감정들을 전달하기 때문에 가장 다양하다.^[26]

1912년까지 이사도라는 파리에서 예술가들의 아이콘이 되었다.많은 사람들은 그녀가 1903년 에콜 데 보-아트에 가서 학생들에게 무료 티켓을 나눠주었을 때 그녀를 처음 본 적이 있다.화가 두노이어 드 세곤작(Dunoyer de Segonzac)은 시인 페르난드 디부아르(Fernand Divoire)의 시구 서문과 함께 1910년 첫 이사도라 포트폴리오를 출간했다.^[26]이때 두노예르 드 세곤작과 메칭거는 모두 앙리 르 포코니에와 함께 파리 18세메 104 Bd de Clichy, 104 Bd de Clichy의 스승이었다.^[27]

메칭거의 패션에 대한 관심은 현대 미술에 대한 푸아렛의 관심에 의해 반영되었다.1925년 11월 18일, 파리의 한 공매에서 폴 푸아렛 미술품 컬렉션의 작품들이 전시되어 판매되었다.그의 소장품에는 데레인, 반 동겐, 뒤프레스네, 듀피, 데 라 프레즈나예, 오톤 프리츠, 마티스, 모딜리아니(Picago de Max Jacob), 피카비아, 피카소, 루오, 두노이어 드 세곤작 등이 포함되어 있다.^[28]

메칭거가 이러한 파티에 참석했는지는 확실하지 않지만, 그가 전위적 전위대의 최전선에서 누렸던 유명인 지위에 비추어 볼 때 그와 그의 동료 쿠바인 중 몇몇은 참석하지 않았을 가능성이 매우 낮다.라페 드 박카스 메칭거가 1912년 10월 1일부터 11월 8일까지 그랑팔레에서 파리에서 열린 살롱 다오톰네 카페에서 댄서를 전시한 지 3개월 만이다.

다중 원근법

메칭거의 입체파 회화의 개념주의에도 불구하고, 복잡한 기하학의 반사적 기능, 다중 관점의 병렬화, 움직임을 암시하는 평면 조각화, 다양한 대칭형식의 리듬 놀이 등, 단서에서는 레나의 공간의 착시현상을 연상시키는 일정한 공간적 깊이나 원근법이 나타나 있다.시사점: 예를 들어, 벽에 장착된 조명 설비는 거리에 따라 작아지고, 그래서 왼쪽 상단에 있는 사람이 전경에 있는 다른 사람보다 배경에 더 작게 나타난다.비유클리드 기하학이 고전적 관점의 절대적인 파괴를 의미하지 않거나 단순히 고전적 관점의 붕괴가 완전할 필요는 없다는 것을 보여준다.다른 사람들의 큐비스트 그림들과 연관된 공간의 평탄화와는 달리 메칭거는 밭의 깊이를 폐지할 생각이 없었다.물론 여기서 관점의 공간은 단지 스케일의 변화에 의해 암시될 뿐이지 공동 순서가 아닌, 무대 세트에 완벽하게 적응된 복잡한 공간을 초래한다.이러한 특징은 메칭거의 입체파 그림뿐만 아니라, 1905년부터 1909년 사이의 그의 분단파 및 원생-쿠비스트 작품에서도 관찰되며, 1920년대 그의 보다 비유적인 작품에서도 관찰된다(주문 복귀 단계 중).^[29]

그러나 환상이 완전히 성공하는 것을 막는 객관적 요인은 (1) 캔버스는 2차원인 반면 현실은 3차원인 반면, (2) 전망점의 독특성(인간은 두 개의 눈을 가지고 있다)이 있다.메칭거는 상대적 크기, 음영과 그림자, 빛의 근원, 폐색(예: 여자가 춤을 추는 무대나 테이블 위에 앉아 있는 여자의 '앞'을 자르는 것) 외에 깊이에 대한 다른 단서를 줌으로써 그의 2차원 표현에서 사라진 공간성을 보상한다.메칭거는 (시력의) 주관적인 현상을 객관적으로 모방하면서 캔버스에 객관적으로 주관적인 효과를 나타낸다.1902년 과학과 가설에서 앙리 푸앵카레(Henri Puincaré)는 '대표적' 공간(시각적, 촉각적, 운동적 공간) 대 '지오메탈적' 공간에 대해 논한다.^[31]

이 그림은 현대와 고전, 현대와 전통, 전위적, 학문적 함축성을 동시에 표현한다는 점에서 양면성을 내포하고 있다.코팅턴은 "평면 조각과 병렬로 연결된 관점의 복잡한 기하학적 구조는 반사적 기능 이상의 기능을 가지고 있다"고 지적한다.실컷 놀리다."^[8]

각각 1908년과 1909년 경의 누와 풍경이라는 제목의 두 작품은 메칭거가 1908년까지 파우비스트 브랜드의 디비전리즘을 이미 떠났다는 것을 보여준다.형태에 대한 기하학적 추상화 쪽으로 완전히 시선을 돌린 메칭거는 시청자가 원래의 볼륨을 정신적으로 재구성하고 우주 안에서 묘사된 물체를 상상하는 것을 허용했다.그러나 이곳은 유클리드 기하학의 공간과 르네상스 초기부터 사용되었고 의심의 여지가 없는 관련 고전적 원 포인트 관점이 아니었다.이것은 학문주의의 좁은 한계, 20세기 이전의 경험주의, 실증주의, 결정론, 절대공간, 절대시간, 절대진실의 불가역적 관념에 대한 전면적인 다면공격이었다.그것은 수학자 앙리 푸앵카레와 철학자인 윌리엄 제임스, 프리드리히 니체, 앙리 베르그송에 의해 평준화된 사람들과 일렬로 늘어선 반란이었다.이것은 리만 기하학, 지식의 상대성, 인간의 시각에 가려진 현실의 리만 기하학의 포옹, 물질적 외모를 능가하는 세계를 포옹하는 것이었다.푸앵카레(1897)는 과학과 방법에서 "절대적인 공간은 더 이상 존재하지 않으며, 신체의 특정 초기 위치에 상대적인 공간만 존재한다"^[32]고 썼다.

따라서 공간의 특성 속성, 즉 3차원을 갖는 것은 인간의 지능에 있어서 우리 분배판의 재산, 말하자면 현존하는 재산일 뿐이다.이러한 생각의 연관성을 말해주는 이러한 연결의 일부를 파괴하는 것으로는 우리에게 다른 분배판을 주기에 충분할 것이며, 그 정도면 4차원으로 공간을 내주기에 충분할 것이다……실로 우리의 물리학을 4차원의 기하학 언어로 번역하는 것이 가능할 것 같다.

— Henri Poincaré, 1897^[32]

앨버트 글리즈는 1911년 9월(단수세오 카페 완공 거의 1년 전) 메칭거의 입체파에 글을 쓰면서 메칭거가 '오래된 가치'^[33][34]를 파괴함으로써 자신의 진리를 '증언하는' 니체의 추종자임을 확인했다.

1908년 이전까지 장식적이고 표현력 있는 장치로서 일차적인 역할을 담당했던 색에 대한 그의 우려는 형식에 대한 황금성으로 귀결되었다.그러나 그의 단색적인 색조는 단수세오 카페와 같은 작품을 만들기 위해 색과 형태가 대담하게 결합되는 1912년까지만 지속될 것이다."장 메칭거의 작품" 기욤 아폴리나르는 1912년에 "순결성을 가지고 있다"고 썼다.그의 명상은 조화가 승화에 접근하는 경향이 있는 아름다운 형태를 취한다.그가 작곡하고 있는 새로운 구조물은 그 이전에 알려진 모든 것을 벗어버리게 된다."^[35]

메칭거는 파리의 부테 몽마르뜨에 거주하면서 피카소와 브라케의 원(원)에 들어갔다."It is to the credit of Jean Metzinger, at the time, to have been the first to recognize the commencement of the Cubist Movement as such" writes S. E. Johnson, "Metzinger's portrait of Apollinaire, the poet of the Cubist Movement, was executed in 1909 and, as Apollinaire himself has pointed out in his book The Cubist Painters (written in 1912 and1913년에 출판된)메칭거는 피카소와 브라케에 이어 연대기적으로 세 번째 입체파 화가였다.^[36]

동시성과 다중성

고전적 관점과 그것의 암묵적 정적 준완전성으로, 1910년 출간된 Metzinger에 의해 처음으로 제시된 새로운 모바일 관점은 다공간 차원 내에서 운동의 역동성을 분명히 암시했다.^[37]이 글에서 메칭거는 로버트 들로나이, 앙리 르 포코니에, 조르주 브라크, 파블로 피카소의 유사점을 지적하며 그들의 작품과 전통적 관점 사이의 거리를 강조했다.메칭거가 양옆으로 서 있는 이 예술가들은 '물체를 움직이는 자유'를 부여했고, 한 이미지에서 많은 다른 관점을 결합했으며, 각각은 시간의 경과에 따라 다양한 경험을 기록한다.^[33]

아폴리나르는 아마도 이드웨어드 무이브릿지의 작품을 염두에 두고 1년 후 이 '운동 상태'를 물체를 둘러싼 '신체적' 운동과 유사하게 썼으며, 관객에게 '모든 면'을 보여줌으로써 현실과 양립할 수 있는 '플라스틱한 진실'을 드러냈다.^[6]

Metzinger는 1911년 발언에서 "총체적인 이미지를 새기고 싶은 욕구에 고무되어 있다"고 말했다.

그는 가장 많은 수의 가능한 비행기들을 내려놓을 것이다: 순전히 객관적 진실을 위해 그는 그의 지성이 그에게 알 수 있도록 허락한 것에서 태어난 새로운 진실을 덧붙이기를 원한다.따라서 그는 우주에 가서 시간을 함께 보낼 것이라고 스스로 말했다.그는 시각장을 곱해서 같은 캔버스의 공간에 모두 새겨넣기를 원한다. 그 때 큐브가 역할을 할 것이다. 메칭거는 이 대담한 비문들이 순간적으로 깨질 평형을 다시 확립하기 위해 이 수단을 이용할 것이다.

— Gleizes^[6]

이제 고전적인 소멸점 원근법에 의해 가정된 한 순간에 포착된 공간의 고정 좌표 사이의 일대일 관계에서 해방된 예술가는 동시성의 개념을 자유롭게 탐구할 수 있게 되었고, 여기서 연속적인 시간 간격으로 포착된 우주의 여러 위치를 하나의 p의 범위 내에서 묘사할 수 있게 되었다.아첨하는 ^[33]것

메칭거와 글리제(Du "Cubisme", 1912년 두 "Cubisme"에서)라는 이 그림 평면은 "시청자의 개성을 그의 이해에 비추어 볼 때, 그림 공간은 두 주관적인 공간 사이의 감각적인 통로로 정의될 수 있다."이 공간 안에 자리잡은 형태들은 "우리가 명령한다고 공언한 역동성에서 비롯된다.우리의 지성이 그것을 소유할 수 있도록 우선 감성을 발휘하도록 하라."^[38]

메칭거와 글리제스에 따르면 캔버스의 분할에 관한 두 가지 방법이 있는데, (1) "모든 부분은 리듬 있는 관습에 의해 연결된다"는 것으로, 그림에서 색의 등급이 진행되는 중심(또는 그들이 추구하는 방향으로)을 주어 최대 또는 최소 강도의 공간을 만든다.(2) "관객, 그 자신은 자유롭게 에스트할 수 있다.단결은 창조적 직감에 의해 주어진 순서에 따라 모든 요소를 이해할 수 있고, 각 부분의 성질은 독립적으로 유지되어야 하며, 플라스틱 연속체는 천 가지의 빛과 그늘의 놀라움으로 깨어져야 한다."

우리 자신 밖에는 실재하는 것이 없다; 감각과 개인의 정신적 방향의 우연 외에는 실재하는 것이 없다.우리의 감각에 영향을 미치는 물체의 존재에 대해 의문을 제기하는 것은 우리와는 거리가 멀다. 하지만 이성적으로 말하면, 우리는 그들이 마음 속에서 만들어내는 이미지에 대한 확신만 가질 수 있다.

— Metzinger and Gleizes, 1912^[38]

큐비스트 이론의 창시자들에 따르면, 물체는 절대적이거나 필수적인 형태를 가지고 있지 않다."물체를 보는 눈이 있는 만큼 물체의 이미지가 많다; 물체를 이해하는 마음이 있는 만큼 물체의 본질적인 이미지가 많다."^[38]

이론적 기초

사물을 다른 시각에서 보기 위해 사물을 이리저리 움직인다는 생각은 두 "쿠비즘" (1912년)에서 다루어진다.그것은 또한 장 메칭거의 노트 sur la Peinture, 1910; 실로 큐비즘 화가 이전에는 단일 뷰 포인트의 제한적인 요소로부터 작업했다.그리고 공간과 시간의 맥락 안에서 연속적이고 주관적인 경험에서 기억된 것처럼 사물을 표현하는데 자극적인 관심을 발명한 사람은 노트 sur la pinture에서 처음으로 메칭거였다.메칭거가 전통적인 관점을 버리고 사물을 자유롭게 돌아다닐 수 있게 된 것은 그때였다.이것은 "총체적 이미지"를 표현하는 경향이 있는 "모바일 관점"의 개념이다.^[6]

비록 처음에는 그 생각이 일반 대중들에게 충격을 주겠지만, 몇몇 사람들은 결국 그것을 받아들이게 되었고, 그들은 우주가 원색으로 구성된 다수의 점들로 표현되는 '원자' 표현을 받아들이게 되었다.네오-인상주의 색 이론의 맥락 안에서 각각의 색상이 인접한 색과의 관계에 의해 수정되는 것처럼, 그래서 역시 그 물체는 큐비즘의 맥락 안에서 그것에 인접한 기하학적 형태에 의해 수정된다.'모바일 원근법'의 개념은 본질적으로 색깔에 관한 폴 시그낙의 D'Eugen Delacroix au néo-impressionisme에 언급된 유사한 원리의 연장이다.지금에 와서야 공간과 시간 양쪽의 맥락 안에서 형식에 관한 질문을 다루기 위해 아이디어가 확장된다.^[39]

살롱 도톰, 1912년

10월 1일부터 11월 8일까지 그랑팔레에서 파리에서 열린 1912년 살롱 다우톰은 쿠바인(아래 목록)들이 같은 방으로 다시 모여드는 것을 보았다.당시 단서세오 카페는 1912년 10월 2일 프랑스 신문 엑셀시오르에 '아우 살롱 다오톰네'라는 제목의 기사에 실린 사진에서 재현됐다.^[40]Excelsior[fr]는 뉴스 매체의 취급에서 사진 삽화를 특권한 최초의 출판물로, 뉴스 이야기를 들려주기 위해 사진을 촬영하고 이미지를 출판하는 것이었다.이와 같이 L'Excelsior는 포토저널리즘의 선구자였다.

살롱 다우톰의 역사는 1905년, (메칭거의 참여로) 파우비즘 탄생의 증인이자 1912년, 외국인 혐오자와 반모더니즘 다툼의 두 가지 중요한 날짜로 기록되어 있다.1912년 프랑스와 비프랑스 아방가르드 예술가 둘 다에 대해 평준화된 이 작품은 쿠바인들이 그들의 작품을 전시했던 살레 12세에서 비롯되었다.외국인(이중 "도망")과 아방가르드 예술가에 대한 저항은 프랑스 현대 예술을 규정하는 것, 파리를 중심으로 한 인상주의의 유산을 중심으로 구체화된 예술적 체계의 쇠퇴라는 보다 심오한 위기의 가시적인 면에 불과했다.버지오닝은 새로운 아방가르드 체제였으며, 19세기 후반부터 정교하게 다듬어진 현대 이데올로기에 의문을 품게 하는 국제 논리(mercantile and médiatique)가 그것이다.미학의 문제로 시작되었던 것이 순식간에 정치적이 되었고, 1905년 살롱 도톰에서처럼 악명 높은 "도나텔로 체스 레스 파우브스"^[41]와 함께 비평가 루이스 보셀레스(Les Arts, 1912년)가 심의에 가장 많이 연루되었다.1910년 살롱 데 인디펜던트를 계기로 메칭거, 글리제, 르 포코니에, 레거, 들로네이 등의 그림을 참조하여 '팔리드 큐브'를 폄하하는 글을 쓴 사람은 보셀레스였다.^[42]

1912년 살롱 다오톰에 대한 쿠바의 기부는 이러한 예술작품을 전시하기 위해 그랜드 팔레와 같은 정부 소유의 건물들을 사용하는 것에 관한 스캔들을 일으켰다.정치인 장 피에르 필리프 램푸에의 분노는 1912년 10월 5일자 르저널 1면을 장식했다.^[43]1912년 12월 3일, 그 논란은 파리 시의회에까지 퍼졌다.그러한 예술의 장소를 제공하기 위해 공적 자금을 사용하는 것에 대한 토론이 챔브르 데 데푸테에서 시작되었다.^[44]쿠바인들은 사회당 부대표인 마르셀 셈바트에 의해 방어되었다.^{[3][44][45][46][47]}

• 장 메칭거는 카페의 댄서(단수즈), 라 플룸 자운(노란 깃털), 팜므 아 레벤타일(팬이 있는 여자) 등 세 작품에 진출했다.뉴욕 구겐하임 박물관(Guggenheim Museum)은 라 메종 큐비스트(Cubist House) 내부의 장식 예술 부분에 걸려 있다.
• 페르난드 레거는 라 펨므앙 블루(Woman in Blue), 1912년(Kunstmuseum, Basel)와 르 통로 아 니보(The Level Crossing), 1912년(Fondation Beyeler, Rieen, 스위스)를 전시했다.
• Roger de La Freshnaye, Les Baigneus (The bathers) 1912년 (The National Gallery, Washington) 및 Les Jouueurs de Cartes (카드 플레이어)
• 앙리 르 포코니에, 더 헌츠맨 (Haags Gemeentemuseum, The Hague, 네덜란드 헤이그)과 레스 몬타그나드는 우리의 파 데스(Bears에 의해 공격받은 산악인), 1912년(로드아일랜드 디자인 스쿨, Museum of Art, Model School of Design)이다.
• 앨버트 글레이즈, l'Homme au Valkoi(발코니 위의 남자), (닥터의 초상화) 1912년(필라델피아 미술관) 테오 모리노드(Téo Morinaud), 1913년 뉴욕, 시카고, 보스턴, 아모리 쇼에도 전시되었다.
• 1912년 파리 안드레 로테(André Lhote, Le jugement de Paris, 개인 소장품)
• 프란티셰크 쿠프카, 아모르파, 푸구 아득 쿨루르스(두 가지 색깔의 푸구), 1912년(나로드니 갈레리, 프라하), 아모르파 크로마티크 차우데(Amorpha Chromatique Chaude.
• 프란시스 피카비아, 1912년, 라 소스 (The Spring) (뉴욕 모던 아트 박물관)
• 알렉산더 아치펜코, 1912년 가족생활, 조각
• 아메데오 모딜리아니(Amedeo Modigliani), 4개의 긴 머리와 매우 양식화된 머리), 조각품
• Joseph Csaki는 405호(위치 미상), 1911-1912호(위치 미상), 91호(위치 미상), 405호(위치 미상), 405호(위치 미상)의 조각품을 전시했다.

이 전시회는 또한 La Maison Cubiste도 선보였다.레이먼드 뒤샹빌론은 10m, 가로 3m의 집의 전면부를 설계했는데, 그 정면에는 홀, 거실, 침실이 포함되어 있었다.이 설치물은 살롱 드오톰의 아트 데코라티프 구역에 배치되었다.주요 공헌자는 장식 디자이너인 안드레 마레, 로저 드 라 프레즈나예, 자크 빌론, 마리 로랑킨 등이다.집에는 마르셀 뒤샹, 알버트 글리제, 페르난드 레거, 로저 드 라 프레즈나이, 장 메칭거(Woman with a Fan, 1912)의 입체파 그림이 걸려 있었다.

살롱 d'Automne Roger Allard [fr]의 리뷰는 메칭거의 '팔레트의 운명과 차별성'을 칭찬했다.Maurice Raynal은 메칭거의 출품작의 유혹적인 매력과 실행의 자각, 메칭거의 세련된 감수성, 그가 피에르 오귀스트 르누아르에 비유하는 장난스러움과 우아함에 주목하면서, 메칭거를 "확실히......그림 그리는 법을 가장 잘 아는 우리 시대의 남자"^[8]

미술평론가 장 클로드 씨는 르제르, 글리제즈, 메칭거의 출품작에 대한 평론에서 "레거 씨는 붓을 청색, 검정, 빨강, 갈색으로 적신 후에 캔버스에 걸어 놓았다.보는 것은 겁나는 일이다.카탈로그에 파란 옷을 입은 여자라고 나와 있어.가엾은 여자.Gleizes씨가 쓴 발코니 위의 남자는 더 이해할 수 있다.적어도 큐브와 사다리꼴의 혼돈 속에서 우리는 사람을 찾는다.Mr. Metzinger, Dancers의 입장료만큼 말할 것이다.제대로 조립되지 않은 퍼즐의 효과가 있다"^[48]고 말했다.

프로방스

• 앨버트 글레이즈 컬렉션
• 로버트 레벨, 앨버트 글리제즈로부터 인수, 1955년에서 1956년 사이 시드니 재니스 갤러리에 매각
• 시드니 재니스 갤러리, 1955년과 1956년 사이 1957년 1월 11일(파리 로버트 레벨로부터 구입, 1957년 1월 11일 올브라이트 미술관에 판매)

참조

외부 링크

• 장 메칭거: 분열주의, 입체주의, 신고전주의, 포스트 큐비즘
• 샹젤리제 데 샹젤리제스 데 라 레유니옹 데 뮤제스 국가