추상사진

추상사진은 때로는 비객관적, 실험적 또는 개념적 사진이라고 불리기도 하며, 사물의 세계와 즉각적인 연관성이 없고 사진 장비, 프로세스 또는 자료의 사용을 통해 만들어진 시각적 이미지를 묘사하는 수단이다. 추상적인 사진은 보는 사람으로부터 그것의 본질적인 맥락을 제거하기 위해 자연 장면의 조각을 분리하거나, 그것은 실제 물체로부터 겉으로 보기에 비현실적으로 보이는 외모를 만들기 위해 의도적으로 꾸며질 수도 있고, 느낌, 감각 또는 인상을 전달하기 위해 색상, 빛, 그림자, 텍스처, 모양 및/또는 형태를 사용하는 것을 포함할 수도 있다. 이미지는 카메라, 암실 또는 컴퓨터와 같은 전통적인 사진 장비를 사용하여 제작하거나, 디지털 프레젠테이션을 포함한 필름, 종이 또는 다른 사진 매체를 직접 조작하여 카메라를 사용하지 않고 제작할 수 있다.

추상 사진 정의

"추상 사진"이라는 용어에 대해 일반적으로 사용되는 정의는 없었다. 이 주제에 관한 책과 기사에는 아론 시스킨드의 페인트가 벗겨지는 사진과 같은 추상적인 주제에 대한 완전한 대표 이미지에서부터 마르코 브뤼어의 조작된 판화나 책과 같이 카메라나 필름 없이 만들어진 전혀 대표성이 없는 이미지까지 모든 것이 포함되어 있다.^[1] 이 용어는 광범위한 시각적 표현을 포함하며, 그 성격에 의해 눈에 띄게 모호한 유형의 사진을 분류하는 데 있어서 명시적이다.

많은 사진작가들, 비평가들, 미술사학자들 그리고 다른 사람들은 특정한 의미를 공식화하려고 시도하지 않고 추상적인 사진에 대해 쓰거나 말했다. 앨빈 랭던 코번은 1916년 "추상 사진"이라는 제목으로 전시회를 구성할 것을 제안했는데, 이 전시회는 "특출한 사람들의 감상보다 주제의 관심이 더 큰 작품은 인정되지 않을 것"^[2]이라고 분명히 기재되어 있다. 제안된 전시회는 일어나지 않았지만, 코번은 나중에 뚜렷하게 추상적인 사진 몇 장을 만들었다.^[3]

사진작가 겸 심리학 교수인 존 설러는 그의 에세이 사진 심리학에서 다음과 같이 말했다. 이미지(Image)와 프시케(Psyche)는 "추상적인 사진은 사실적이거나 문자 그대로의 사진으로부터 멀어진다"고 말했다. 그것은 실제 세계에서 자연적인 외모와 인지할 수 있는 주제로부터 멀어진다. 어떤 사람들은 그것이 진정한 의미, 존재, 그리고 현실 그 자체에서 벗어난다고 말하기도 한다. 그것은 개념적 의미와 본질적인 형태에 의존하는 대신에 그것의 목적을 가진 콘크리트 전체와 구별된다.여기 산성 테스트가 있다. 사진을 보면 내면에 '뭐야?'라는 목소리가 있다.자, 여기 있다. 추상적인 사진이야."^[4]

사진작가 겸 교수인 Barbara Kasten은 "추상적인 사진술은 실제의 객관적 이미지로서 사진술에 대한 우리의 대중적 관점에 도전한다"고 썼다.표현해야 할 의무에서 벗어난 추상 사진술은 매체와 학문이 융합되는 캐치얼 장르로 계속 이어지고 있다. 사진을 시험하는 무대라고 말했다.^[1]

독일의 사진작가 겸 사진 이론가인 고트프리드 제거는 특정 종류의 추상 사진을 묘사하기 위해 "콘크리트 아트"라는 용어를 사용하면서 "콘크리트 사진"이라는 용어를 사용했다. 그는 이렇게 말했다.

보다 최근에 개념 예술가인 멜 보치너 손은 "사진은 추상적인 생각을 기록할 수 없다"는 브리태니커 백과사전의 인용문을 노트 카드에 쓴 다음, 그것을 촬영하고 6가지 다른 사진 과정을 사용하여 인쇄했다. 그는 단어, 개념, 그리고 개념의 시각화를 예술 그 자체로 바꾸었고, 그렇게 함으로써 용어 자체를 정의하지 않고 다시 또 다른 형태의 추상 사진을 제시하는 작품을 만들었다.^[1]

역사

19세기

추상 사진이라고 불릴 수 있는 것의 초기 이미지들 중 몇몇은 그 공예품의 발명 이후 첫 10년 안에 나타났다. 1842년 존 윌리엄 드레이퍼는 분광기로 이미지를 만들었고, 이것은 이전에 기록되지 않았던 가시 패턴으로 광선을 분산시켰다.^[6] 그가 만든 지문은 당시 다른 사진작가들이 기록했던 가시적 세계의 실체를 전혀 언급하지 않았고, 이전에는 보이지 않던 것을 가시적 존재로 변형시키는 사진술의 전례 없는 능력을 보여주었다. 드레이퍼는 자신의 이미지를 예술이 아닌 과학 기록으로 보았지만, 그들의 예술적 자질은 오늘날 그들의 획기적인 위상과 본질적인 개성으로 인정받고 있다.

또 다른 초기 사진작가인 영국의 안나 앳킨스는 건조된 해조류를 시아노타이프 종이에 직접 올려 만든 포토그래프집을 자체 출간했다. 과학적인 연구로 의도된, 푸른 영상의 적나라한 흰색은 식물에 대한 부정적인 이미지와 자연적인 맥락의 부족으로 인해 극명한 추상적 품질을 가지고 있다.

1895년 엑스레이와 1896년 방사능의 발견은 이전에 보이지 않았거나 보이지 않았던 것들에 대한 대중의 큰 매력을 유발했다.^[7] 이에 대해 사진작가들은 정상적인 인간의 시각으로 볼 수 없는 것을 어떻게 포착할 수 있는지 탐구하기 시작했다.

이와 거의 같은 시기에 스웨덴 작가 겸 예술가 어거스트 스트린드버그는 사진판에 식염수 용액을 열과 추위에 노출시키는 실험을 했다.^[8] 그가 이러한 실험으로 제작한 이미지는 달리 볼 수 없는 것을 무기한으로 표현한 것이며, 그들의 발표에서 완전히 추상적인 것이었다.

세기가 바뀔 무렵 프랑스의 루이 다겟은 노출되지 않은 판을 시터들의 이마에 대고 그들의 마음에서 나온 이미지를 판에 투영하도록 촉구함으로써 정신적 과정의 이미지를 포착하려고 노력했다.^[9] 그가 제작한 사진들은 흐릿하고 무기한이었지만, 다겟은 그가 말하는 소위 "생각된 진동"은 광선과 구별할 수 없다고 확신했다.^[10]

20세기

20세기 첫 10년 동안 미술 탐구의 물결은 인상주의와 후기 인상주의에서 입체주의와 미래주의로 회화와 조각의 전환을 재촉했다.^[11] 1903년에 시작된 살롱 드 오토네라고 불리는 파리에서의 일련의 연례 미술 전시회는 세잔, 피카소, 마르셀 뒤샹, 프랜시스 피카비아, 프란티셰크 쿱카, 알버트 글리제즈 같은 예술가들의 급진적인 비전을 대중들에게 소개했다. 장 메칭거 10년 후 뉴욕에서 열린 무기고 쇼는 칸딘스키, 브라케, 뒤샹, 로버트 들라우나이 등의 완전히 추상적인 작품들을 보여줌으로써 스캔들을 일으켰다.^[12]

추상 미술에 대한 대중의 관심과 때로는 거부감이 그 시기의 보다 창의적인 사진작가들 중 몇몇에 의해 적절히 지적되었다. 1910년까지 뉴욕에서 알프레드 스티글리츠는 이전에 화보 사진만 전시했던 그의 291 미술관에서 마스덴 하틀리, 아서 도브 같은 추상적인 화가들을 보여주기 시작했다. 스티글리츠, 폴 스트랜드, 에드워드 스티첸과 같은 사진작가들은 모두 추상적인 구성으로 촬영된 묘사적인 피사체를 실험했다.

현재 추상적인 사진으로 인식되고 있는 최초의 공개 전시된 이미지는 1914년 쾰른에서 에르윈 케덴펠트가 보여준 자연형에서 대칭적인 패턴이라고 불리는 시리즈였다.^[13] 2년 후 앨빈 랭던 코번은 보르토그래프스라고 불리는 시리즈로 실험을 시작했다. 1917년 한 6주 동안 그는 다면 프리즘을 갖춘 카메라로 약 20여 장의 사진을 찍었다. 그 결과 나타난 이미지는 의도적으로 그가 본 현실과 그의 이전의 초상화와 도시 풍경과는 무관했다. 그는 "왜 카메라는 현대적 표현의 족쇄를 벗어 던지면 안 되는가?"라고 썼다. 왜, 내가 간곡히 부탁하는데, 우리가 평범한 작은 노출을 계속해야 하는지…?"^[14]

1920년대와 1930년대에 추상적인 이미지를 탐구하는 사진작가의 수가 크게 증가했다. 유럽에서 프라하는 프란티셰크 드티콜, 야로슬라프 뢰슬러, 요제프 수데크, 야로미르 펑케 등 모두 큐비즘과 퓨처리즘의 영향을 받은 사진을 만들어내며 전위 사진의 중심지가 되었다. 특히 뢰슬러의 이미지는 표현적 추상화를 넘어 빛과 그림자의 순수한 추상화로까지 이어졌다.^[15]

독일에서는, 이후 미국에서는 바우하우스 모홀리-나기(Bauhaus school of modernism)의 지도자인 라슬로 모홀리-나기(Laszlo Moholy-Nagy)가 포토그램의 추상적인 자질을 실험했다. 그는 "사진의 원료에서 발견될 수 있는 가장 놀라운 가능성이 남아 있다"면서 "사진가들은 전통의 미학이 아니라 이상적인 표현 수단인 교육의 자급자족 수단인 '사진'을 찾는 법을 배워야 한다"고 말했다.^[16]

이 시기 일부 사진가들도 초현실주의나 미래주의의 비전을 작품에 접목시켜 전통적인 이미지의 경계를 밀어넣었다. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Mofat, Filippo Masoero는 현실과 관점에 의문을 제기하는 놀라운 이미지를 연출한 가장 잘 알려진 예술가들 중 한 명이었다.

마이너 화이트, 애런 시스킨드, 헨리 홈즈 스미스, 롯데 자코비 같은 제2차 세계대전 중과 후기 사진작가들은 자연세계에도 추상화의 요소가 내재되어 있다는 것을 증명하는 방법으로 발견된 물체의 구성을 탐구했다.

프레데릭 소머는 1950년 일부러 재배열한 발견물체를 촬영해 새로운 지평을 열었고, 그 결과 널리 해석될 수 있는 모호한 이미지를 낳았다. 그는 T.S.에 이어 한 특정한 수수께끼 같은 이미지인 "The Sacred Wood"의 제목을 선택했다. 엘리엇의 비평과 의미에 대한 에세이.

1960년대는 Ray K와 같이 자신의 이미지를 조립하거나 재조립하는 사진작가부터 시작하여, 당시 사진 매체의 한계에 대한 제한 없는 탐험으로 표시되었다. 메츠커, 로버트 하이네켄, 월터 채펠.

1970년대 중반에 조제프 H. 노이만은 사진 처리와 사진용 종이에 그림을 그리는 두 가지 모두의 제품인 화학그램을 개발했다. 컴퓨터의 보급과 이미지 처리 소프트웨어의 사용 전에, 화학 그래픽을 만드는 과정은 확대 과정을 거쳐 원본 이미지가 바뀌는 아날로그 사후 제작의 초기 형태라고 볼 수 있다. 디지털 후기 제작 작업과 달리 각 화학사진은 독특한 작품이다.^{[17][18][19][20]}

1970년대 후반에 시작된 사진작가들은 암실에서 개발되어야 했던 전통적인 사진 매체에서 규모와 표면 모두의 한계를 확장했다. 모호 이너지의 작품에서 영감을 받아, 수잔 Rankaitis 먼저 대규모 photograms에 과학 교과서에서 발견 이미지를 포함하는 고고학 발굴처럼 탐구되어야 하고 붉은 얼룩였다라고 불려 왔다를 만들기 시작했다."[21]나중에 그녀는 그녀 및 물리적 conceptu을 확장했다 거대한 대화형 갤러리 구조를 생산했다.사진의 ^[22]개념 그녀의 작품은 "현대의 정신의 단편화"를 연상시킨다고 한다.^[23]

1990년대까지 새로운 사진작가들의 물결은 컴퓨터를 사용하여 사진을 만드는 새로운 방법을 창조하는 가능성을 탐구하고 있었다. 토마스 러프, 바바라 카스텐, 톰 프리드먼, 캐럴 발스 같은 사진작가들이 사진, 조각, 인쇄, 컴퓨터 생성 이미지를 결합한 작품을 만들고 있었다.^[24]

21세기

컴퓨터와 사진 소프트웨어가 널리 보급되자 추상 사진의 경계는 영화와 화학의 한계를 넘어 거의 무제한 차원으로 확대되었다. 순수 예술가와 순수 사진작가 사이에 남아 있던 경계는 사진에만 종사하면서도 컴퓨터로 만들어진 이미지만을 생산한 개인들에 의해 없어졌다. 21세기 초 가장 잘 알려진 세대로는 가스통 버틴, 페넬로페 움브리코, 아르드 보데우스, 엘렌 캐리, 니키 스테거, 시린 길, 볼프강 틸먼스, 하비 로이드, 아담 브룸버그 & 올리버 차나린이 있다.^{[25] [26]}

참조

원천

• Birgus, Vladimír (2002). Czech Photographic Avant-Garde 1918-1948. Cambridge: MIT Press. ISBN 0-262-02516-7.
• Gamboni, Dario (2002). Potential Images: Ambiguity and Indeterminism in Modern Art. London: Reaktion Books. ISBN 1-86189-149-0.
• 카르스텐, 바바라 제2의 자연: 그때나 지금이나 추상 사진.
• Rexer, Lyle (2013). The Edge of Vision: The Rise of Abstraction in Photography. New York: Aperture. ISBN 978-1597112420.

외부 링크

위키미디어 커먼스의 추상사진 관련 매체