존 케이지

John Cage
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존 케이지
John Cage (1988).jpg
1988년 케이지
태어난
존 밀턴 케이지 주니어

(1912-09-05)1912년 9월 5일
미국 캘리포니아 주 로스앤젤레스
죽은1992년 8월 12일 (1992-08-12) (79세)
미국 뉴욕시
모교포모나 대학
직업
배우자
파트너머스 커닝햄
서명
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존 밀턴 케이지 주니어(John Milton Cage Jr. 1912년 9월 5일 ~ 1992년 8월 12일)는 미국의 작곡가 겸 음악 이론가였다.음악, 전기 음향 음악, 그리고 악기의 비표준적인 사용에서 불변의 선구자였던 케이지는 전후 전위적 전위대의 대표적인 인물 중 한 명이었다.비평가들은 그를 20세기의 가장 영향력 있는 작곡가 중 한 명으로 칭송해 왔다.[1][2][3][4]그는 또한 현대 무용의 발전에 중요한 역할을 하였는데, 대부분 안무가인 머스 커닝햄과의 연대를 통해 이들은 케이지의 대부분의 생애 동안 낭만적인 파트너였다.[5][6]

케이지의 1952년 작문 4′33″으로 아마도 가장 잘 알려져 있을 것이다. 의도적인 소리가 없을 때 연주된다; 작품을 발표하는 음악가들은 제목에 명시된 기간 동안 공연하는 것 외에는 아무 것도 하지 않는다.작곡의 내용은 흔히 추측하듯이 '4분 33초의 침묵'이 아니라 공연 중 관객들이 듣는 환경의 소리라고 할 수 있다.[7][8]음악가 정신과 음악적 경험에 대한 가정된 정의에 대한 이 작품의 도전은 음악학에서뿐만 아니라 예술과 공연의 더 넓은 미학에서도 인기 있고 논란이 많은 주제를 만들었다.케이지 역시 준비된 피아노(현이나 망치 사이에 놓인 물건에 의해 소리가 변형된 피아노)의 선구자였는데, 이 피아노는 수많은 무용 관련 작품과 몇 편의 연주곡을 작곡했다.이 중 가장 잘 알려진 것은 소나타와 인터루츠(1946-48)이다.[9]

그의 선생님들 중에는 음악 분야에서 급진적인 혁신으로 유명한 헨리 코웰(1933년)과 아놀드 쇤베르크(1933년–35년)가 포함되었지만, 케이지의 주요 영향은 다양한 동아시아 문화와 남아시아 문화에 있었다.1940년대 후반에 인도 철학과 선불교에 대한 연구를 통해 케이지가 알레토릭 또는 우연한 지배를 받는 음악에 대한 생각을 하게 되었고, 1951년부터 작곡을 시작하였다.[10]우연한 조작을 통해 출제될 수 있는 질문에 대한 답을 제시하는 고대 중국 고전 텍스트 결정 도구인 아이칭은 평생 케이지의 표준 구성 도구가 되었다.1957년 '실험음악'이라는 강연에서 그는 음악을 "목적이 없는 연극"이라고 표현했는데, 이는 "혼돈에서 질서를 끌어내려는 시도도, 창조의 개선을 제안하려는 시도도 아닌, 단순히 우리가 살고 있는 바로 그 삶을 깨우는 방법"이다.[11]

인생

1912-1931: 초기 해

케이지는 1912년 9월 5일 로스앤젤레스 시내의 굿 사마리아 병원에서 태어났다.[12]그의 아버지 존 밀턴 케이지 시니어 (1886–1964)는 발명가였고, 어머니 루크레티아 ("크레테") 하비 (1881–1968)는 로스앤젤레스 타임즈의 저널리스트로 간헐적으로 일했다.[13]그 가족의 뿌리는 깊은 미국인이었습니다: 1976년 인터뷰에서, 케이지가 조지 워싱턴이 존 케이지라는 조상의 도움을 받아 버지니아 식민지를 조사하는 일을 했다고 언급했다.[14]반면 아버지는 아마도 제일 나을 것 그의 발명들에 의해 특징 지어진다 케이지"사회에 대한 감각"과"결코 행복하지 않"[15]은 여자였다:때로 실수하고 배기 가스 거품을 줘야의 경유 잠수함과 같은 이상주의적 이 고위 케이지는 감지할 수 없는 잠수함에 전혀 무관심 당하고;[13] 다른 사람이나 s에 혁명적인 그의 어머니 묘사했다cientif우주의 "정전기장 이론"과 같은 ic [n 1]규범존 케이지 시니어는 아들에게 "누군가가 당신에게 무엇을 해야 하는지 보여주는 '할 수 없다'고 말한다"고 가르쳤다.1944–45년에 케이지가 그의 부모님을 위한 두 개의 작은 캐릭터 작품인 크레타와 아빠를 썼다.후자는 짧은 생동감 넘치는 작품으로 갑작스럽게 끝나는 반면, '크레테'는 약간 더 길고, 대부분 멜로디가 상반된 작품이다.[16]

케이지가 처음 음악으로 경험한 것은 대 로스앤젤레스 지역의 사립 피아노 선생님들과 몇몇 친척들, 특히 19세기의 피아노 음악을 그에게 소개한 그의 이모 피비 하비 제임스로부터였다.그는 학교 4학년 때 처음 피아노 레슨을 받았지만 음악을 좋아하긴 했지만 거장 피아노 기법을 개발하는 것보다 시력 독서에 더 많은 관심을 표했고, 작곡을 생각하지 않은 것으로 보인다.[17]고등학교 시절, 그의 음악 교사 중 한 명은 패니 찰스 딜런이었다.[18]그러나 1928년이 되자 케이지는 작가가 되고 싶다고 확신했다.그는 그 해 로스엔젤레스 고등학교를 졸업생 대표로 졸업했는데,[19] 그 해 봄에도 헐리우드 볼에서 상을 수상하는 연설을 해서 모든 미국인에게 조용한 날을 제안하였다.그는 "후들후들하고 침묵함으로써 다른 사람의 생각을 들을 수 있는 기회를 가져야 한다"면서 30년 이상 4.33㎝를 예상했다.[20]

케이지 씨는 1928년 클레어몬트의 포모나 대학에 신학 전공으로 등록했다.그러나 종종 다시 학문을 넘나들면서 그는 포모나에서 조제 피조안 교수를 통해 예술가 마르셀 뒤샹의 작품, 돈 샘플을 통해 제임스 조이스의 작품, 철학자 아난다 쿠마라스와미의 작품, 헨리 코웰의 작품 등을 접했다.[18]1930년 그는 1991년 자전적 진술에 기술된 사건 이후 "대학은 작가에게 아무런 쓸모가 없다"[21]고 믿게 되면서 중퇴했다.

나는 대학에서 도서관에서 100명의 반 친구들이 모두 같은 책을 읽는 것을 보고 충격을 받았다.그들처럼 하는 대신에 나는 스택에 들어가 Z로 이름이 시작된 저자가 쓴 첫 번째 책을 읽었다.나는 그 반에서 가장 높은 점수를 받았다.그것은 나에게 그 기관이 제대로 운영되지 않고 있다는 것을 납득시켰다.나는 떠났다.[15]

케이지 씨는 유럽 여행이 대학 공부보다 미래의 작가에게 더 유익할 것이라고 부모님을 설득했다.[22]그는 그 후 갈베스턴으로 히치하이크를 타고 가서 르아브르로 항해했고, 거기서 그는 파리로 가는 기차를 탔다.[23]케이지가 18개월 정도 유럽에 머물면서 다양한 형태의 예술을 시도했다.먼저 그는 고딕과 그리스 건축을 공부했지만, 그것에 그의 삶을 바칠 만큼 건축에 관심이 없다고 결정했다.[21]그리고 나서 그는 그림, 시, 음악을 시작했다.스승 라자레 레비(Lazare Lévy)[24]의 격려를 받아 그가 처음으로 현대 작곡가(Igor Stravinskinski, Paul Hindemith 등)의 음악을 듣고 마침내 경험하지 못한 요한 세바스티안 바흐의 음악을 알게 된 것은 유럽에서였다.

파리에서의 몇 달 후, 케이지의 미국에 대한 열정은 월트 휘트먼의 <풀잎>을 읽은 후 되살아났다. 그는 여행 내내 정기적으로 편지를 주고받았던 그의 부모님은 케이지가 유럽에 조금 더 머물며 대륙을 탐험하도록 설득했다.[25]케이지가 여행을 시작하면서 카프리뿐만 아니라 프랑스, 독일, 스페인의 여러 곳을 방문했고, 가장 중요한 것은 그가 작곡을 시작한 Majorca이다.[26]그의 첫 번째 작문은 촘촘한 수학 공식을 이용해 만들어졌지만 케이지가 그 결과에 불쾌해하며 그가 떠날 때 완성된 작품들을 남겨두고 떠났다.[27]케이지의 연극과의 연관성은 유럽에서도 시작되었다. 세비야에서 산책하는 동안 그는 자신의 말로 "동시적인 시각적, 청각적 사건의 다양성이 모두 자신의 경험에서 함께 작용하고 즐거움을 만들어 내는 것"[28]을 목격했다.

1931-1936: 견습

케이지가 1931년 미국으로 돌아왔다.[27]그는 캘리포니아의 산타모니카로 가서 현대 미술에 관한 소규모 개인 강의를 하면서 부분적으로 생계를 유지했다.그는 리차드 벌릭(그의 첫 작곡 교사가 된 사람)[29]과 예술 후원자인 갈카 셰이어 등 남가주 미술계의 여러 중요한 인물들을 알게 되었다.[21]1933년까지 케이지는 그림보다 음악에 집중하기로 결정했다.케이지 교수는 이후 "내 음악을 들은 사람들이 내 그림을 본 사람들보다 내 음악에 대해 할 말이 더 많았다"고 설명했다.[21]1933년 그는 헨리 코웰에게 작곡의 일부를 보냈다; 그 답장은 "막연한 편지"[30]로, 코웰은 당시 케이지의 음악적 사상인 아놀드 쇤베르크와 함께 케이지에게 25톤 줄에 기초한 작곡을 포함하라고 제안했는데, 쇤베르크의 12톤 기법과 다소 비슷한 것이었다.[31]코웰은 또 쇤베르크에게 접근하기 전에 케이지가 약간의 예비 수업을 받아야 한다고 조언하고, 쇤베르크의 제자였던 아돌프 와이스에게 권했다.[32]

Cage는 Cowell의 조언에 따라 1933년 뉴욕을 여행하여 Weiss와 함께 공부하기 시작했으며 The New School에서 Cowell의 수업을 받았다.[29]그는 브룩클린 YWCA(세계청년여성기독교연합)에서 벽 닦는 일을 맡으며 재정적으로 자신을 부양했다.[33]그 기간 동안 케이지의 일과는 분명 매우 피곤했는데, 대부분의 밤에 단 4시간의 수면과 매일 4시간의 작곡이 오전 4시부터 시작될 것이다.[33][34]몇 달 후인 1933년, 케이지가 쇤베르크에게 다가갈 만큼 작곡에 능숙해졌다.[n 2]그는 쇤베르크의 값을 감당할 수 없었고, 그것을 언급했을 때 나이든 작곡가는 케이지가 자신의 삶을 음악에 바칠 것인가를 물었다.케이지가 그렇게 하겠다고 대답하자 쇤베르크는 그에게 무료로 과외해 주겠다고 제의했다.[35]

케이지 박사는 캘리포니아 쇤베르그와 함께 연구했다. 처음에는 남가주 대학에서, 그 다음에는 로스앤젤레스 캘리포니아 대학에서 연구했다.[29]나이든 작곡가는 특히 작곡가가 되어 인생을 어떻게 살아가야 하는지를 보여주는 예로서 "문학적으로 그를 숭배"[36]했던 케이지에게 가장 큰 영향을 준 사람 중 하나가 되었다.[34]케이지가 자신의 삶을 음악에 바치겠다고 한 서약은 약 40년 후에도 여전히 중요한 것이 분명했는데, 케이지가 "음악을 쓸 필요가 없다"고 했을 때 그는 자신이 한 약속 때문에 작곡을 계속했다.[37]쇤베르크의 방법과 케이지에 대한 그들의 영향력은 케이지 자신이 여러 강연과 저술에 잘 기록되어 있다.특히 잘 알려진 것은 1958년 강연에서 언급된 대화다.

그와 2년 동안 함께 공부한 뒤 쇤베르크는 음악을 쓰려면 조화에 대한 감정이 있어야 한다고 말했다.나는 그에게 화음에 대한 느낌이 없다고 설명했다.그는 이어 "나는 언제나 장애물에 부딪힐 것"이라며 "내가 지나갈 수 없는 벽에 온 것 같다"고 말했다.나는 "그럴 경우 나는 그 벽에 머리를 부딪치는 데 일생을 바치겠다"고 말했다.[38]

케이지가 쇤베르크와 2년 동안 함께 공부했지만 스승에 감탄했지만 쇤베르크 선생이 모인 학생들에게 "그들이 음악을 쓰는 것을 불가능하게 만들려고 한다"고 말한 뒤 떠나기로 했다.한참 후에 케이지가 그 사건을 다시 말했다. "...그가 그렇게 말했을 때 나는 그에게 반기를 든 것이 아니라 그가 한 말에 반기를 들었다.그 어느 때보다도 음악을 작곡하기로 마음먹었다고 말했다.[36]비록 쇤베르크는 이 2년 동안 케이지의 작곡 능력에 감명을 받지 못했지만, 후에 가진 인터뷰에서 처음에는 그의 미국 학생 중 아무도 재미있지 않다고 말했으며, 케이지에 대해 더 나아가 이렇게 말했다. "하나 있었다...물론 그는 작곡가는 아니지만, 그는 천재적인 발명가야."[36]케이지가 나중에 '인벤터' 모니커를 채택하고 자신이 사실 작곡가였다는 사실을 부인하곤 했다.[39]

1934-35년 어느 시점에, 쇤베르크와 함께 공부하는 동안, 케이지가 어머니의 예술 공예품 가게에서 일하고 있었는데, 거기서 그는 예술가 제니아 안드레예브나 카셰바로프를 만났다.그녀는 알래스카 태생의 러시아 신부의 딸이었다. 그녀의 작품은 제본, 조각, 콜라주를 포함했다.케이지가 돈 샘플, 그리고 건축가 루돌프 쉰들러의 아내 파울린과[18] 제니아를 만났을 때 관계를 맺었지만, 그는 곧바로 사랑에 빠졌다.케이지와 카셰바로프는 1935년 6월 7일 애리조나 유마의 사막에서 결혼식을 올렸다.[40]

1937-1949: 현대 무용과 동양적 영향

참고 항목:존 케이지의 준비된 피아노 작품

새로 결혼한 이 부부는 처음에는 케이지의 부모님과 퍼시픽 팰리세이드에서 살다가 할리우드로 이주했다.[41]1936-38년에 케이지가 많은 직업을 바꾸었는데, 그 중 하나는 현대 무용과 평생의 인연을 맺기 시작했던 것이다. 바로 로스앤젤레스 캘리포니아 대학의 무용 반주자였다.그는 안무를 위한 음악을 제작했고 어느 순간 이모 피비와 함께 UCLA에서 "리듬표현을 위한 음악 반주" 강좌를 가르쳤다.[42]케이지가 처음 가정용품, 금속판 등 비정형 악기로 실험을 시작한 것은 그 무렵이었다.이는 오스카 피싱거가 케이지에게 "세상의 모든 것은 소리를 통해 발산될 수 있는 정신이 있다"고 말한 데서 영감을 얻었다.비록 케이지가 영혼에 대한 생각을 공유하지는 않았지만, 이러한 단어들은 그가 다양한 비뮤지컬 사물을 치면서 발생하는 소리를 탐구하기 시작하도록 영감을 주었다.[42][43]

1938년, 코웰의 추천으로 케이지가 샌프란시스코로 차를 몰고 가서 일자리를 찾고 동료 코웰 학생이자 작곡가 루 해리슨을 찾아냈다.코웰에 따르면, 이 두 작곡가는 타악기와 춤에 공통적인 관심을 가지고 있었고, 서로 소개된다면 잘 어울릴 것 같다고 한다.실제로 두 사람은 만나자마자 곧바로 강한 유대감을 형성하고 수년 동안 이어지는 업무 관계를 시작했다.해리슨은 곧 케이지가 밀스 칼리지에서 교수직을 확보하는 것을 도왔고 UCLA와 같은 프로그램을 가르쳤고 안무가 마리안 반 투일(Marian van Tuyl)과 협력했다.몇몇 유명한 댄스 그룹들이 참석했고, 현대 무용에 대한 케이지의 관심은 더욱 커졌다.[42]몇 달 후, 그는 워싱턴의 시애틀로 떠났고 그곳에서 코니시 예술대학의 안무가 보니 버드의 작곡가 겸 반주자로 일하게 되었다.코르니쉬 학교 시절은 케이지의 인생에서 특히 중요한 시기임이 증명되었다.케이지가 반주자로 가르치고 활동하는 것 외에도 서안을 순회하는 타악기 앙상블을 조직하여 작곡가의 첫 명성을 가져왔다.그의 명성은 1940년에 준비된 피아노, 즉 현악기 아래 또는 현악기 사이에 놓인 물건에 의해 소리가 변형된 피아노의 발명으로 더욱 높아졌다.이 개념은 원래 완전한 타악기 앙상블을 포함하기에는 너무 작은 방에서 공연하기 위한 것이었다.케이지가 화가 마크 토비와 무용수 머스 커닝햄 등 평생 친구가 된 여러 사람을 만난 것도 코니쉬 스쿨에서였다.후자는 케이지의 평생 로맨틱한 파트너이자 예술적 협력자가 되는 것이었다.

케이지는 1941년 여름 화가 라슬로 모홀리-나기가 시카고 디자인 스쿨(이후 IIT 디자인 연구소가 된 것)에서 그를 초청한 후 시애틀을 떠났다.이 작곡가는 시애틀에서는 구할 수 없었던 시카고에서 실험음악 센터를 조직할 기회를 찾기를 원했기 때문에 부분적으로 받아들였다.이 기회들은 실현되지 않았다.케이지 씨는 시카고 디자인 스쿨에서 가르쳤고 시카고 대학에서 반주자 겸 작곡가로 일했다.어느 순간 타악기 작곡가로서의 명성은 그에게 컬럼비아 방송국의 커미션으로 하여금 케네스 패첸의 라디오 연극의 사운드트랙을 작곡하도록 했다.그 결과는 "The City Wears a Slouch Hat"으로 잘 받아들여졌고, 케이지도 더 중요한 수수료가 뒤따를 것이라고 추론했다.이것들을 찾기를 바라며 그는 1942년 봄에 시카고를 떠나 뉴욕시로 향했다.

뉴욕에서 케이지 부부는 먼저 화가 막스 에른스트와 페기 구겐하임과 함께 지냈다.그들을 통해 케이지는 피에트 몬드리안, 안드레 브레톤, 잭슨 폴록, 마르셀 뒤샹 등 많은 중요한 예술가들을 만났다.구겐하임은 매우 협조적이었다: 케이지 부부는 그녀와 에른스트와 함께 어떤 시간이라도 머물 수 있었고, 그녀는 그녀의 갤러리의 오프닝에서 케이지의 음악회를 조직하겠다고 제안했는데, 여기에는 시카고에서 케이지의 타악기 운반비가 포함되어 있었다.케이지가 또 다른 콘서트를 확보했다는 사실을 알게 된 후, 구겐하임은 현대미술관(MoMA)에서 모든 지원을 철회했고, 결국 성공적인 MoMA 콘서트가 끝난 후에도 케이지에게는 노숙자, 실업자, 무일푼이 되었다.그가 바라던 수수료는 일어나지 않았다.그와 제니아는 1942년 여름을 댄서 장 어드먼과 그녀의 남편 조셉 캠벨과 함께 보냈다.타악기 없이 케이지가 다시 준비된 피아노로 눈을 돌리면서 몇 년 전에 뉴욕으로 이주한 머스 커닝햄을 비롯한 다양한 안무가들의 공연을 위한 실질적인 작품들을 연출했다.케이지와 커닝햄은 결국 연애를 하게 되었고, 1940년대 초 이미 헤어졌던 케이지의 결혼은 1945년 이혼으로 끝이 났다.커닝햄은 평생 케이지의 파트너로 남아 있었다.케이지 역시 한 번은 음성과 폐쇄적인 피아노로 타악기 부족을 반박하기도 했다: 결과물인 "The Wonderful Wider of Feight Springs" (1942)는 빠르게 인기를 얻었고 유명한 2인조 캐시 베르베리아와 루치아노 베리오에 의해 공연되었다.[44]1944년, 그는 15분간의 무성 실험 영화인 마야 데렌의 앳 랜드에 출연했다.

그의 사생활처럼 케이지의 예술적 삶은 1940년대 중반 위기를 겪었다.작곡가는 음악을 소통의 수단으로 생각하는 것에 점점 더 환멸을 느끼고 있었다: 대중은 그의 작품을 거의 받아들이지 않았고, 케이지 자신도 동료들의 음악을 이해하는 데 어려움을 겪었다.1946년 초 케이지가 서양음악을 공부하기 위해 미국에 온 인도의 음악가인 기타 사라바이에게 과외를 해주기로 합의했다.그 대가로 그는 그녀에게 인도의 음악과 철학에 대해 가르쳐 달라고 부탁했다.[45]케이지도 1940년대 후반과 1950년대 초, 스즈키 D.T.의 선불교 강의에 참석하여 쿠마라스와미의 작품을 더 자세히 읽었다.[46][29]이러한 연구의 첫 결실들은 인도의 개념에 영감을 받은 작품들이다: 준비된 피아노를 위한 소나타와 인터커넥스, 4부 현악 사중주 등.케이지는 사라바이에게 "마음을 깨우고 조용하게 하여 신의 영향을 받기 쉽도록 하는 것"이라는 설명에 따라 음악의 목표를 받아들였다.[47]

1946년 초, 그의 전 스승 리차드 벌릭은 케이지가 1941년 나치 박해에서 뉴욕으로 탈출한 베를린 출신의 피아니스트 그레테 술탄을 만날 수 있도록 주선했다.[48]그들은 평생 동안 친하게 지냈고, 케이지가 훗날 그의 피아노 연주곡과 기념비적인 피아노 연주곡인 에투데스 오스트랄레스를 그녀에게 바쳤다.

1950년대: 기회 발견

1949년 뉴욕 카네기 홀에서 공연한 후 케이지가 구겐하임 재단으로부터 보조금을 받아 유럽 여행을 할 수 있게 되었고, 그곳에서 올리비에 메시아엔과 피에르 불레즈 같은 작곡가들을 만났다.더 중요한 것은 케이지가 1950년 초 뉴욕시에서 모턴 펠드먼과 우연히 만난 일이었다.두 작곡가는 뉴욕 필하모닉 콘서트에 참석했는데, 오케스트라가 안톤 베번스의 교향곡 op. 21에 이어 세르게이 라흐마니노프의 곡을 연주했다.케이지가 베번 감독의 작품에 너무 압도되어 라흐마니노프 앞에서 떠났고, 로비에서 같은 이유로 떠나려는 펠드만을 만났다.[49]이 두 작곡가는 빠르게 친구가 되었다; 얼마 후 케이지, 펠드만, 얼 브라운, 데이비드 튜더, 케이지의 제자 크리스티안 울프는 "뉴욕 학교"로 불리게 되었다.[50][51]

1951년 초, Wolff는 케이지에게 우연한 사건에서 질서를 식별하는 데 사용된 상징 시스템을 설명하는 중국의 고전적인 텍스트인 I Ching의[52] 사본을 제공했다.이 버전의 아이칭은 최초의 완전한 영어 번역본으로 1950년 월프의 아버지인 판테온북스의 커트 울프가 출판한 것이다.아이칭은 흔히 점괘에 쓰이지만 케이지에게는 운을 이용하여 작곡하는 도구가 되었다.음악을 작곡하기 위해, 케이지가 I Ching에게 물어볼 질문을 생각해 냈고, 그 책은 점괘에 사용되는 것과 같은 방식으로 쓰일 것이다.케이지에게 이것은 "자연의 작동 방식에서 자연을 자극하는 것"을 의미했다.[53][54]그의 평생의 소리 자체에 대한 관심은 작곡가의 의지에서 소리가 자유로운 작품을 산출하는 접근법으로 절정을 이루었다.

우리가 음악이라고 부르는 것을 들을 때, 나는 누군가가 말하고 있는 것처럼 보인다.그리고 그의 감정이나 관계에 대한 그의 생각을 이야기하는 것.하지만 교통 체증을 들을 때, 예를 들어 여기 6번가 같은 곳에서 나는 교통 체증 소리를 들을 때, 나는 아무도 말을 하고 있다는 느낌이 들지 않는다.나는 소리가 연기라는 느낌이 든다.그리고 나는 소리의 활동을 좋아한다...나한테 말할 때 소리가 필요 없어.[55]

케이지가 일찍이 몇 차례 기회를 이용했음에도 불구하고, 가장 두드러진 것은 제3악장 피아노 협주곡과 챔버 오케스트라(1950~51)에서,[56] 아이칭은 그를 위해 이 분야에서 새로운 가능성을 열었다.새로운 접근법의 첫 번째 결과는 12개의 라디오 수신기를 위한 가상의 풍경 4번과 피아노의 변화의 음악이었다.케이지가 펠드먼을 통해 [57]만난 데이비드 튜더를 위해 쓴 후기 작품은 케이지가 죽을 때까지 지속된 또 다른 우정이다.[n 3]튜더는 1960년대 초까지 케이지의 작품 대부분을 초연해 피아노 연주를 중단하고 작곡에 전념했다.아이칭은 케이지의 표준 작곡 도구가 되었다: 그는 1951년 이후 작곡된 거의 모든 작품에 그것을 사용했고, 결국 아이칭에게 동전을 던지는 것과 비슷한 방식으로 숫자를 계산하는 컴퓨터 알고리즘에 정착했다.

소나타스와 인터커플스가 얻은 명성에도 불구하고, 그리고 그가 미국과 유럽 작곡가, 음악가들과 쌓아온 인맥에도 불구하고, 케이지는 꽤 가난했다.아직 먼로 가 326번지(46년경부터 입주한)에 아파트를 갖고 있었지만, 1951년 재정상황이 크게 악화되어 《변화의 음악》을 작업하면서, 투도르가 사망했을 때 어떻게 작품을 완성할 것인가에 관한 일련의 지시서를 준비했다.[58]그럼에도 불구하고 케이지가 가까스로 살아남아 활발한 예술생활을 유지하며 강연과 공연 등을 했다.

1952-53년에 그는 또 다른 매머드 프로젝트인, Earle Brown과 Morton Feldman이 함께 작업하는 것을 도운 테이프 음악인 Williams Mix를 완성했다.[59]또한 1952년에 케이지가 작곡한 작품은 그의 작품 중 가장 잘 알려져 있고 가장 논란이 많은 작품인 4:33″이다.이 점수는 연주자에게 작품의 전체 기간(4분 33초) 동안 악기를 연주하지 말라고 지시하며, 연주하는 동안 듣는 사람이 듣는 환경의 소리로 구성되는 것으로 인식된다.케이지가 몇 년 전에 "침묵한 작품"을 구상했지만, 그것을 적기를 꺼렸고, 실제로 초연 (1952년 8월 29일 뉴욕 우드스톡에서 튜더가 준)은 관객들에게 소란을 일으켰다.[60]4′33″에 대한 반응은 더 큰 그림의 일부에 지나지 않았다. 전체적으로 케이지의 평판에 처참한 결과를 초래한 것은 우연 절차의 채택이었다.이전의 타악기에 호의적으로 반응하고 피아노 음악을 준비하던 언론은 그의 신작을 무시했고, 가치 있는 우정과 인맥도 많이 상실됐다.케이지의 작품을 유럽에서 홍보하던 피에르 불레즈는 케이지의 우연한 사용에 반대했고, 1950년대 칼하인츠 슈톡하우젠과 이안니스 제나키스 등 쟁쟁한 작곡가들도 마찬가지였다.[61][failed verification]

이 기간 동안 케이지도 노스캐롤라이나주 애쉬빌 외곽에 있는 전위적인 블랙 마운틴 칼리지에서 가르치고 있었다.케이지는 1948년과 1952년 여름에 대학에서 가르쳤고 1953년 여름에 거주했다.1952년 블랙 마운틴 칼리지에서 미국 최초의 '해프닝'(아래 토론 참조)이라고 불리던 것을 조직한 그는 이후 '시어터 1번'이라는 제목을 붙였는데, 같은 날 케이지가 "그것이 1950년대와 60년대 예술적 관행에 큰 영향을 미칠 것"이라고 착안하면서 다층 다매체 공연 행사가 무대에 올랐다.케이지 외에도 커닝햄과 튜더 등이 참가하였다.[62]

1953년부터 케이지가 현대무용, 특히 커닝햄의 춤(케이지의 파트너도 인체의 움직임에 매료되어 찬스를 택함)을 위한 음악을 작곡하기 바빴고, 그가 <만 가지 사물>이라고 언급한 일련의 작품에서 새로운 기회 활용 방법을 개발하기 위해 분주했다.1954년 여름, 그는 뉴욕을 떠나 뉴욕주 스토니 포인트의 커뮤니티인 게이트 힐 협동조합에 정착했는데, 그의 이웃에는 데이비드 튜더, M. C. 리차드, 카렌 카네스, 스탠 밴더벡, 그리고 사리 디엔스가 있었다.작곡가의 재정 상태는 점차 좋아졌다. 1954년 말 그와 튜더는 유럽 투어에 착수할 수 있었다.1956년부터 1961년까지 케이지가 The New School에서 실험 구성으로 수업을 가르쳤고, 1956년부터 1958년까지 그는 또한 미술 감독 및 타이포그래피 디자이너로 일했다.[63]10년 중 마지막 해에 완성된 그의 작품들 중에는 그래픽 표기법 역사의 정석인 피아노와 오케스트라를 위한 음악회(1957–58)와 변주곡 I(1958)이 있었다.

1960년대: 명성

케이지는 웨슬리언 대학교에 소속되어 있었으며 1950년대부터 1992년 사망할 때까지 음악학과 회원들과 협력했다.대학에서 철학자, 시인, 고전학 교수인 노만 오. 브라운은 케이지와 친구가 되었다. 케이지와 친구사이였다.[citation needed]1960년에 이 작곡가는 웨슬리언의 문리과학연구센터(현재의 인문과학센터)의 교수진 동료로 임명되어 [64]실험음악 수업을 시작했다.1961년 10월 웨슬리언 대학 출판부는 케이지의 일부 음악처럼 복잡한 시간 간격을 두고 작곡한 유명한 '아무것도 아닌 것에 대한 강의'를 포함한 다양한 주제에 대한 케이지의 강의와 저술집 '사일런스'를 출간했다.침묵은 케이지의 6권 중 첫 번째 책이었지만 그것은 그의 가장 널리 읽히고 영향력 있는 책으로 남아 있다.[n 4][29]1960년대 초 케이지가 C.F.와 평생 연애를 시작했다. 피터스 코퍼레이션.이 회사의 월터 힌리히센 사장은 케이지에게 독점 계약을 제안하고 1962년에 등장한 케이지의 작품 카탈로그 출판을 선동했다.[63]

피터스 에디션은 곧 케이지에 의해 많은 수의 악보를 발표했고, 이것은 사일런스의 출판과 함께 작곡가에게 그 어느 때보다도 훨씬 더 큰 주목을 받게 되었다. 이에 대한 긍정적인 결과 중 하나는 1965년 베티 프리먼이 케이지에게 1965년부터 그의 죽음까지 발행될 생활비에 대한 보조금을 책정했다는 것이다.[65]1960년대 중반에 이르러 케이지에게는 너무나 많은 수수료와 출연요청이 접수되어 이를 이행할 수 없게 되었다.이것은 바쁜 투어 일정을 동반했고, 결과적으로 케이지의 그 10년 동안의 작곡 생산량은 적었다.[29]완전히 공증된 스타 차트를 바탕으로 한 작품인 관현악단 아틀라스 에클립티칼리스(1961~62) 이후 케이지가 점차 자신의 말로 '음악(작곡은 아님)'으로 옮겨갔다.1962년에 완성된 0 000″의 점수는 원래 "최대의 증폭을 제공하는 상황에서 단 하나의 문장을 구성했고, 첫 공연에서 단련된 행동은 케이지가 그 문장을 쓰는 것이었다.변주곡 III(1962)의 점수는 연주자들에게는 지침이 풍부하지만, 음악이나 악기, 소리에 대해서는 언급하지 않는다.

변주곡과 다른 1960년대 작품들 중 상당수는 사실 케이지와 그의 제자들이 1950년대 후반에 설립한 예술 형태인 "해프닝"이었다.더 뉴 스쿨의 케이지의 "실험 구성" 수업은 예술가, 작곡가, 디자이너들의 국제 네트워크인 플럭서스의 미국 공급원으로 전설적이 되었다.그의 학생들의 대다수는 음악에 대한 배경 지식이 거의 또는 전혀 없었다.대부분은 예술가들이었다.이들 중에는 잭슨 맥 로우, 앨런 캐프로우, 알 한센, 조지 브레히트, 벤 패터슨, 딕 히긴스 등 케이지가 비공식적으로 초청한 이들이 포함됐다.이 수업에서 비롯된 유명한 작품으로는 조지 브레히트의 타임 테이블 뮤직과 알 한센의 48초 앨리스 덴햄이 있다.[66]케이지가 설명한 대로, 사건은 무대 관객이라는 전통적인 개념을 버리고 확실한 지속 기간 없이 일어나는 연극 행사였다.대신에, 그들은 운에 맡겨진다.그들은 줄거리가 없는 최소한의 대본을 가지고 있다.사실 '해프닝'은 현재에 발생하기 때문에 그렇게 이름 붙여진 것으로, 시간 경과라는 개념을 체포하려 한다.케이지 박사는 극장이 예술과 실제 생활을 통합하는 데 가장 가까운 길이라고 믿었다.해프닝(happenings)이라는 용어는 그의 제자 중 한 명인 알란 카프로가 50대 후반에 장르로 규정하면서 만든 말이다.케이지가 조지 시걸과 버섯 사냥을 하던 중 카프로를 만나 그의 반에 초대했다.이러한 발전을 따라가면서 케이지가 안토닌 아르토우의 정설적인 논문 The The The The Theatre and Its Double의 영향을 강하게 받았으며, 이 시기의 사건들은 이어지는 플럭서스 운동의 전조로 볼 수 있다.1960년 10월 메리 바우어마이스터의 쾰른 스튜디오가 케이지와 비디오 아티스트 백남준의 합동 콘서트를 개최하였는데, 백남준은 피아노 에뛰드의 연주 과정에서 케이지의 넥타이를 잘라낸 다음 케이지와 튜더의 머리 위로 샴푸 한 병을 쏟아부었다.[67]

1967년 월요일부터 1년이라는 케이지의 책이 웨슬리언 대학 출판부에서 처음 출간되었다.케이지의 부모는 10년 동안 세상을 떠났다. 그의 아버지는 1964년,[68] 어머니는 1969년.케이지가 그들의 재를 스토니 포인트 근처의 라마포 산맥에 뿌려놓고, 그가 죽은 뒤에도 똑같이 그에게 해 달라고 부탁했다.[69]

1969-1987: 새로운 출발

60년대 케이지의 작품은 사회적으로 유토피아적인 작품은 말할 것도 없고 그의 가장 크고 야심적인 작품들이 일부 특징으로, 시대적 분위기를 반영하면서도 마샬 맥루한의 글을 흡수해 뉴미디어의 효과와 R. 버크민스터 풀러, 사회 변화를 촉진하는 기술의 힘으로Lejaren Hiller와 협력하여 만든 장황하고 오랜 멀티미디어 작품인 HPSCHD (1969년)는 케이지, 힐러, 그리고 케이지, 힐러 작품에서 발췌한 우연한 결정의 발췌곡들을 연주하는 7개의 하프시코드의 대규모 중첩과 컴퓨터 생성 사운드 52개의 테이프, 6,400개의 슬라이드, 많은 디자인들을 포함하고 있다.NASA가 공급하고 64개의 슬라이드 프로젝터로부터 40개의 영화 필름과 함께 보여진다.이 작품은 처음에 1969년 일리노이 대학에서 5시간 동안 공연한 것으로, 이 공연이 시작되기 전에 관객들이 도착하여 그 공연이 끝나기 전에 관객들이 객석을 자유롭게 돌아다니면서 그들이 있던 시간에 공연장을 돌아다녔다.[70]

또한 1969년에 케이지가 몇 년 만에 처음으로 완전히 공증된 작품을 제작했다.피아노치고는 싸구려 모조품.이 작품은 에릭 사티의 소크라테스를 우연한 기회에 재작곡한 것으로, 청취자와 케이지 자신이 주목한 바와 같이, 그 근원에 공공연히 공감하고 있다.새티의 음악에 대한 케이지의 애정은 잘 알려져 있었지만, 작곡가가 있는 개인 작품을 작곡한 것은 매우 이례적인 일이었다.이 명백한 모순에 대한 질문을 받았을 때, 케이지가 대답했다: "분명히, 싸구려 모방은 일반적으로 내 작품에서 필요한 것 같지 않은 것 같은데, 그것은 방해가 된다.케이지가 이 곡을 좋아하게 된 것은 1976년 케이지가 자신의 음악을 녹음하는 것을 싫어했기 때문에 드물게 일어난 일이다.[71]전체적으로 싸구려 모방은 케이지의 음악에 큰 변화를 나타냈다: 그는 다시 전통적인 악기에 대해 완전한 공증 작품을 쓰는 것으로 돌아섰고, 이전에 그가 낙담했던 즉흥 연주와 같은 몇 가지 새로운 접근법을 시도했다, 그러나 1970년대부터의 Child of Tree (1975)와 같은 작품에서 사용할 수 있었다.

싸구려 모방은 케이지가 대중 앞에서 직접 공연한 마지막 작품이 되었다.관절염은 1960년대 이후 케이지에게 문제가 되었고, 1970년대 초까지 그의 손은 고통스럽게 부어올랐고, 그로 인해 그는 공연을 할 수 없게 되었다.[72]그럼에도 불구하고, 그는 공연을 포기하기 전까지 1970년대 동안 여전히 '싼 모조품'을 연기했다.[73]원고를 준비하는 것도 어려워졌다. 이전에는 케이지의 서예 대본으로 출판된 작품들이었는데, 이제는 출판할 원고를 조교들이 완성해야 했다.1970년대 초 있었던 데이비드 튜더의 공연 이탈로 문제는 더욱 복잡해졌다.튜더는 대신 작곡에 집중하기로 결정했고, 그래서 케이지가 20년 만에 처음으로 다른 연주자들의 커미션과 각자의 능력에 의존하기 시작해야 했다.그러한 공연자들로는 그레테 술탄, 폴 주콥스키, 마가렛 렝 탄, 그리고 많은 사람들이 있었다.음악과는 별도로 케이지도 산문과 시(메소스틱스)의 책을 계속 썼다.M은 1973년 웨슬리언 대학 출판부에서 처음 출판되었다.1978년 1월, 케이지가 크라운 포인트 프레스사의 Kathan Brown에 의해 인쇄에 참여하도록 초대되었고, 케이지가 죽을 때까지 매년 일련의 인쇄물을 생산하기 위해 계속되었다; 이것들은 일부 후기 수채화와 함께 그의 현존하는 시각 예술 중 가장 큰 부분을 차지한다.1979년 웨슬리언 대학 출판부에서 케이지의 빈말이 처음 출판되었다.

1987-1992: 마지막 해와 죽음

참고 항목:번호 조각

1987년 케이지가 플루트와 피아노를 위한 투(Two), 연주자 로베르토 파브리카니, 카를로 네리에게 헌정된 곡을 완성했다.제목은 필요한 연주자의 수를 가리켰다; 음악은 지정된 시간 제약 내에서 어떤 템포로든 연주될 수 있는 짧은 공지 조각들로 구성되었다.케이지가 40여 점의 그러한 숫자 작품을 계속 썼는데, 그들이 알려지게 된 바로는, 마지막 작품 중 하나가 80점(1992년, 2011년 10월 28일 뮌헨에서 초연된 작품)이며, 대개는 같은 기법의 변형을 채용하고 있었다.작곡의 과정은, 후기 넘버피스에서, 우연한 절차를 이용하여, 그 범위로부터 투구 범위와 투구를 단순하게 선택했다;[29] 음악은 케이지의 무정부적 성향과 연결되었다.[74]1992년 초에 완성된 한 작품11(즉, 단 한 명의 연주자를 위한 열한 번째 작품)은 케이지가 영화화 된 최초의 유일한 작품이었다.

1987년에 취해진 또 다른 새로운 방향은 오페라였다: 케이지가 1987-91년에 5개의 오페라를 만들었고, 모두 유로페라라는 같은 제목의 오페라를 만들었다.유로페라스 I, II는 챔버 스케일에 있는 III, IV, V보다 더 큰 힘을 요구한다.

1992년 이탈리아 아시시의 존 케이지(왼쪽)와 마이클 바흐

1980년대 동안 케이지의 건강은 점차 악화되었다.관절염뿐 아니라 좌골신경통, 동맥경화증까지 앓았다.그는 왼쪽 다리의 움직임이 제한되는 뇌졸중을 겪었고, 1985년에 팔이 부러졌다.이 기간 동안 케이지가 매크로바이오틱스 식단을 추구했다.[75]그럼에도 불구하고, 관절염이 그를 괴롭히기 시작한 이후로, 작곡가는 나이를 알고 있었고, 전기 작가인 데이비드 레빌이 관찰한 대로, " 1985년에 그가 시각 작업에 포함시키기 시작한 불은 그가 그토록 오랫동안 비축해 둔 불일 뿐만 아니라, 열정의 불일 뿐만 아니라, 변질성과 파괴한도로서의 불"이다.1992년 8월 11일, 자신과 커닝햄을 위해 저녁차를 준비하던 중 케이지가 또 한번 뇌졸중을 일으켰다.그는 성으로 끌려갔다. 12일 오전 숨진 맨해튼 빈센트 병원.[76]그는 79세였다.[2]

그의 소망에 따르면 케이지의 시신은 화장되었고 그의 유골은 뉴욕 스토니 포인트 근처의 라마포 산맥에 뿌려졌다.[69]이 작곡가의 죽음은 작곡가 월터 짐머만과 음악학자 스테판 셰들러가 프랑크푸르트에서 조직한 80번째 생일을 축하하기 불과 몇 주 전에 일어났다.[2]행사는 계획대로 진행됐으며, 데이비드 튜더와 앙상블 모던의 피아노 오케스트라 연주회도 열렸다.머스 커닝햄은 2009년 7월 자연사했다.[77]

음악

참고 항목:존 케이지의 작품 목록

초기 작품, 리듬 구조, 새로운 조화 접근법

케이지의 첫 번째 완성된 작품들은 현재 분실된 상태다.작곡가에 따르면, 초기 작품들은 복잡한 수학적 절차를 사용하여 작곡되고 "감각적 호소력과 표현력"이 결여된 피아노용 짧은 작품이었다.[78] 그리고 나서 케이지는 즉흥적으로 작곡하고 결과를 적음으로써 작품을 만들기 시작했는데, 리차드 벌릭이 그에게 구조의 중요성을 강조하기 전까지는 말이다.1930년대 초반의 소나타 for 클라리넷(1933년), 컴포지션 for 3 Voice(1934년) 등 대부분의 작품은 색채가 짙고 대척점에 대한 케이지의 관심을 배반한다.비슷한 시기에 작곡가는 25노트의 행을 가진 음행 기법의 일종도 개발했다.[79]학생들에게 도데카포니를 가르친 적이 없는 쇤베르크와 함께 연구한 후, 케이지는 또 다른 음조열 기법을 개발했는데, 이 기법은 그 행이 짧은 동기로 나뉘게 되고, 그 다음에는 규칙 집합에 따라 반복되어 전치하게 된다.이 접근법은 처음에는 피아노용 투피스(1935년)에서 사용되었고, 그 후 수정을 통해 메타포시스, 파이브송(Bothorphosis, Five Songs, 둘 다 1938년)과 같은 대형 작품에서 사용되었다.

소나타 3호 소나타 피아노의 리듬비례

케이지가 현대무용을 위해 타악기와 음악을 쓰기 시작한 직후, 그는 곡의 리듬 구조를 전면에 배치하는 기술을 사용하기 시작했다.상상경관 1호(1939년)에는 16, 17, 18, 19개의 큰 구획이 있으며, 각 구획은 4개의 구획으로 나뉘는데, 그 중 처음 3개는 모두 5개의 막대로 되어 있었다.First Construction (In Metal) (1939년)은 개념을 확장한다: 각각 4대, 3대, 2대, 3대, 4대의 5개 구간이 있다.각 단위는 16개의 막대를 포함하고 있으며, 같은 방식으로 4개의 막대, 3개의 막대, 2개의 막대 등으로 나뉜다.마지막으로, 이 작품의 음악적 내용은 16가지 동기를 바탕으로 한다.[80]케이지가 그들을 불렀듯이 그러한 "중요한 비율"은 1940년대 내내 그의 음악의 규칙적인 특징이 되었다.이 기법은 많은 비율이 비정수 숫자(예를 들어 소나타 1의 경우 1¼, ¾,[82] 1¼, 1½, 1½, 1½, 1½, 1½, 1½, 1½, 1½, 1 used)를 사용한 준비 피아노의 소나타와 같은 후기 작품에서 매우 복잡하게 전개되었다.[81]

1940년대 후반, 케이지가 전통적인 화합을 가지고 탈피하는 더 많은 방법을 개발하기 시작했다.예를 들어, 4부 현악 사중주 (1950년) 케이지가 처음에는 고정된 계측기를 가진 화음이라는 많은 가무트를 작곡했다.이 작품은 한 가뮤트에서 다른 가뮤트로 진행된다.각각의 경우 가무트는 멜로디에 필요한 음을 포함하고 있는지 여부에 따라서만 선택되었고, 따라서 나머지 음은 어떠한 방향적인 조화를 형성하지 않는다.[29]준비된 피아노를 위한 협주곡(1950~51)은 케이지가 단순한 기하학적 패턴을 사용하여 선택한 지속시간, 역동성, 멜로디 등의 차트 체계를 사용했다.[29]협주곡의 마지막 동작은 우연한 절차를 이용하기 위한 한 걸음이었고, 케이지가 곧이어 채택했다.[83]

찬스

I Ching 점수는 무작위 생성(동전 던지기 등)에 의해 육각형을 얻은 다음, 그 육각형과 관련된 장을 읽는 것을 포함한다.

대형 피아노 작품 《Music of Changes》(1951년)에도 차트 시스템이 사용되었고, 여기 자료만 I Ching을 사용하여 차트에서 선택되었다.1951년 이후 케이지의 모든 음악은 우연한 절차를 이용하여 작곡되었으며, 가장 일반적으로 아이칭(I Ching)을 사용하였다.예를 들어, 피아노를 위한 뮤직의 작품들은 종이 결함에 바탕을 두고 있었다: 불완전함 그 자체가 제공된 투구, 동전 던지기, 그리고 아이 칭 육각형 숫자를 사용하여 사고, 클립프, 그리고 연주 기법을 결정했다.[84]우연한 운영, 즉 아이칭(I Ching)을 스타 차트에 적용하여 전 시리즈 작품이 만들어졌다.Atlas Eclipticalis (1961–62) 및 일련의 에뛰드:Etudes Australes(1974–75), Freeman Etudes(1977–90), Etudes Boreales(1978).[85]케이지의 식견은 모두 수행하기가 극히 어려운데, 케이지의 사회적, 정치적 견해에 의해 지시되는 특징으로, 그 어려움은 "불가능한 것이 불가능하지 않다는 것을 보여주는 공연"을 보장할 것이다.[86] 이것이 세계의 정치 사회적 문제를 해결하는 것은 불가능하다는 케이지의 생각에 대한 대답이다.[87]케이지가 자신을 무정부주의자라고 표현했고, 헨리 데이비드 소로의 영향을 받았다.[n 5]

또 다른 일련의 작품들은 다른 작곡가에 의해 현존하는 음악에 찬스 절차를 적용했다.값싼 모조품(1969년, 에릭 사티 원작), '메인의 조화'(1978년, 벨처 원작), 찬송가와 변주곡(1979년)의 일부.이런 작품에서 케이지가 원곡의 리듬 구조를 빌려 우연한 절차를 거쳐 결정된 피칭으로 채우거나 원곡의 투구 일부를 교체하는 식이었다.[88]그러나 작곡가의 생애 마지막 5년 동안 완성된 소위 "숫자 작품"이라는 다른 시리즈 작품들은 시간 대괄호를 사용한다: 점수는 언제 그것들을 시작하고 끝낼 것인지 지시하는 짧은 조각들로 구성된다(예: 1 115″~1′45″ 사이의 어느 곳에서든, 그리고 20000 to~23030″[89]의 어느 곳까지).

케이지의 아이칭 사용법은 단순한 무작위화와는 거리가 멀었다.절차는 작문마다 달랐고, 대개 복잡했다.예를 들어, 값싼 모방의 경우, I Ching에게 물어본 정확한 질문은 다음과 같았다.

  1. 7가지 모드 중 어느 모드를 백색 노트에서 시작하여 백색 노트에 남아 있는 7가지 척도를 모드로 한다면, 나는 그 중 어느 모드를 사용하고 있는가?
  2. 12가지 가능한 색전양 중 내가 사용하고 있는 것은?
  3. 이 모드의 이 전환이 적용되는 이 구절에 대해, 나는 사티가 쓴 노트를 모방하기 위해 일곱 개의 노트를 어떤 노트로 사용하고 있는가?[90]

케이지, 에투데스 오스트랄레스의 후기 음악의 또 다른 예에서, 작곡 절차는 스타 차트에 투명 스트립을 배치하고, 차트에서 투구를 식별하고, 종이로 전송한 다음, 이 투구들 중 어떤 것이 싱글로 남아야 하는지, 그리고 골재(chords)의 일부가 되어야 하는지, 그리고 집계를 묻는 것을 포함한다.ates는 약 550개의 가능한 골재들로 구성된 테이블에서 미리 컴파일되었다.[85][91]

마지막으로 케이지의 몇몇 작품들, 특히 1960년대에 완성된 작품들은 완전히 공증된 음악이 아니라 연주자에게 지시하는 것이 특징이다.변주 I(1958)의 점수는 연주자에게 6개의 투명한 사각형을 제시하는데, 하나는 다양한 크기의 점, 다섯 개는 교차하는 선이다.연주자는 정사각형을 조합하여 선과 점을 좌표계로 사용하는데, 선은 최저 주파수, 단순 오버톤 구조 등 소리의 다양한 특성의 축이다.[92]케이지의 그래픽 점수 중 일부(예: 피아노와 오케스트라를 위한 콘서트, 폰타나 믹스(둘 다 1958년))는 연주자에게 비슷한 어려움을 준다.여전히 같은 시기의 다른 작품들은 단지 텍스트 지침으로 구성되어 있다.0′00″(1962년, 4′33″ 제2호라고도 함)의 점수는 "최대 증폭을 제공하는 상황에서는 절제된 행동을 하라"라는 단문장으로 구성된다.첫 공연은 케이지가 그 문장을 쓰도록 했다.[93]

음악 서커스(1967)는 단순히 연주자들을 불러모아 함께 연주하게 한다.첫 번째 Musicircus는 넓은 공간에 여러 명의 연주자와 그룹이 등장했는데, 이들은 모두 두 개의 특정 기간에 연주를 시작하고 중단하며, 이 두 기간 내에 개별 연주 또는 그룹으로 연주해야 하는 시기에 대한 지침을 가지고 있다.그 결과는 우연한 분포에 의해 결정되는 여러 가지 다양한 음악들이 서로 겹쳐져 구체적으로는 극적 감각을 지닌 사건을 연출하는 것이었다.이후 많은 뮤직 서클이 개최되었고, 케이지가 죽은 후에도 계속 발생하고 있다.영국 국립오페라단은 2012년 3월 3일 런던 콜로세움에서 케이지 뮤직서커스(Cage Musicircus)를 개최한 최초의 오페라 회사가 되었다.[94][95]The ENO's Musicircus featured artists including Led Zeppelin bassist John Paul Jones and composer Michael Finnissy alongside ENO Music Director Edward Gardner, the ENO Community Choir, ENO Opera Works singers, and a collective of professional and amateur talents performing in the bars and front of house at London's Coliseum Opera House.[96]

이 서커스의 개념은 케이지에게 일생 동안 중요한 것으로 유지되는 것이었고 피네건스 웨이크(1979년)의 아일랜드 서커스인 호와게토리오, 피네건스 웨이크 (Finngans Wake)를 위한 그의 텍스트 "Writing for Second Time"과 아일랜드 주변에서 만들어진 전통적인 음악 및 현장 녹음과 같은 작품들에 강하게 등장하였다.이 작품은 제임스 조이스의 유명한 소설인 피네건스 웨이크(Finnegans Wake)에 바탕을 두고 있는데, 이 책은 케이지가 가장 좋아하는 책 중 하나였으며, 그 중 한 권은 케이지가 그의 작품 몇 권을 위해 더 많은 텍스트를 도출한 것이다.

즉흥연주

케이지가 작곡가의 취향과 연주자의 음악에 대한 호불호를 없애기 위해 우연한 절차를 사용했기 때문에 케이지는 연주자의 선호와 필연적으로 연결될 수밖에 없는 즉흥 연주 개념을 싫어했다.1970년대에 시작된 많은 작품에서 그는 즉흥연주를 통합하는 방법을 찾아냈다.Child of Tree (1975)와 나뭇가지 (1976)에서 공연자들은 특정 종의 식물을, 예를 들어 선인장과 같은 도구로 사용하도록 요청 받는다.곡의 구조는 음악적 결과물처럼 자신이 선택한 기회를 통해 결정된다. 연주자들은 악기에 대한 지식이 없었다.Inlet(1977년)에서는 연주자들이 물로 가득 찬 큰 소라껍질을 연주하는데, 그 껍데기를 조심스럽게 여러 번 기울임으로써 내부에 거품이 형성되어 소리가 나는 것을 가능하게 한다.하지만, 언제 이런 일이 일어날지 예측할 수 없기 때문에, 공연자들은 계속해서 실수를 저지르지 않으면 안 되었다. 그 결과 공연은 순전히 우연에 의해 결정되었다.[97]

시각 예술, 글, 기타 활동

변주곡 III, 14번, 케이지가 1992년 연재한 57번 인쇄물

케이지가 젊었을 때 그림을 그리기 시작했지만, 그는 대신 음악에 집중하기 위해 그림을 포기했다.그의 첫 번째 성숙한 시각 프로젝트인 "마르셀에 대해 말하고 싶지 않다"는 것은 1969년부터 시작되었다.이 작품은 두 장의 석판화와 케이지가 플렉시글라스 판넬의 실크스크린 인쇄라고 부르는 플렉시그램으로 구성되어 있다.판넬과 석판화는 모두 서로 다른 활자의 단어들로 구성되어 있으며, 모두 우연한 연산에 의해 좌우된다.[98]

1978년부터 죽을 때까지 케이지가 크라운 포인트 프레스에서 일하면서 매년 일련의 지문을 제작했다.완성된 가장 초기 프로젝트는 완전한 공증 지침으로 만들어진 에칭 스코어 Without Parts (1978년)이며, 헨리 데이비드 소로의 다양한 조합의 도면을 바탕으로 만들어졌다.같은 해 케이지가 눈을 감은 채 그렸으나 우연한 조작을 이용해 개발된 엄격한 구조에 부합하는 '세븐 데이 다이어리'가 그 뒤를 이었다.마침내, 소로의 그림은 1978년에 제작된 마지막 작품인 시그널을 알려주었다.[99]

1979년과 1982년 사이에 케이지가 많은 일련의 지문을 제작했다.변경 및 소멸(1979–80), 표면상(1980–82) 및 데라우(1982).이것들은 그가 판화를 사용한 마지막 작품들이다.[100]1983년 그는 면박, 거품 등 다양한 파격적인 소재를 사용하기 시작했고, 이후 돌과 불(에닝카, 변주, 료안지 등)을 이용해 비주얼 작품을 창작했다.[101]1988-1990년에 그는 마운틴 레이크 워크샵에서 수채화를 생산했다.

케이지가 제작한 유일한 영화는 작곡가 겸 영화감독 헤닝 로너가 의뢰한 '넘버11 피스' 중 하나로, 케이지와 함께 90분짜리 단색 영화를 제작하고 감독했다.그것은 1992년 그가 죽기 불과 몇 주 전에 완성되었다.하나는11 전적으로 우연에 의해 결정되는 전등 놀이의 이미지로 이루어져 있다.1992년 9월 19일 독일 쾰른에서 초연되었으며, 오케스트라 연주곡 103의 라이브 공연과 함께 공연되었다.

케이지도 성년기 내내 강사와 작가로 활동했다.그의 강의 중 일부는 그가 출판한 몇 권의 책에 포함되었는데, 그 중 첫 번째는 침묵이었다. 강의와 글(1961년).침묵에는 단순한 강의뿐 아니라 실험적인 레이아웃으로 실행된 텍스트, 리듬 구조로 구성된 <아무것도 아닌 강의>(1949) 등의 작품도 포함됐다.후속 책들은 또한 음악에 대한 강의에서부터 시에 이르기까지 다양한 종류의 컨텐츠들을 특징으로 삼았다 - 케이지의 중간고사들.

케이지 역시 열렬한 아마추어 균학자였다.[102]그는 네 명의 친구들과 함께 뉴욕 마이컬로지 소사이어티를 공동 설립했으며,[63] 그의 미컬로지 컬렉션은 현재 캘리포니아 대학교 산타 크루즈에 있는 맥헨리 도서관의 특별 컬렉션 부서에서 소장하고 있다.

수신 및 영향

케이지의 작품들, 특히 소나타스와 인터루커스 같은 1940년대 후반의 작품들은 비평가들의 찬사를 받았다: 소나타들은 1949년에 카네기 홀에서 공연되었다.1951년 케이지가 우연한 작전을 채택하면서 그는 많은 우정을 잃었고 동료 작곡가들로부터 수많은 비난을 받았다.12음 기법의 피에르 불 레즈와 카를 하인츠 슈토크 하우젠과 같은 신자들, 불 레즈, 한때 케이지와 친하게 지냈다, 작곡 기술에 기본적인 약점을 감추었다, 아니면 철학 오리엔탈리즘을 띤의 채택을``그를 비판했다 확정되지 않은 음악을 일축했다.12음 기법의 그리스 작곡가 Iannis Xenak 같은 "[103] 비평가들은.비슷하게 케이지에게 적대적이었다. 제나키스에게 있어서, 음악에서 기회를 채택한 것은 "언어의 남용이고... 작곡가의 기능을 폐지한 것"[104]이었다.

스승이자 비평가인 마이클 스타인버그 전통과 책임의 기사는 전위적인 음악을 전반적으로 다음과 같이 비판했다.

사회적 헌신이 전혀 없는 음악의 부상 또한 작곡가와 대중 사이의 분리를 증가시키며, 여전히 전통에서 벗어나는 또 다른 형태를 나타낸다.이 특별한 출발이 이루어진 것 같은 냉소주의는 존 케이지의 공개 강연에서 완벽하게 상징된다: "질문 기간 동안, 나는 질문을 받든 상관없이 이전에 준비한 여섯 가지 대답 중 하나를 했다.이것은 선에 대한 나의 약혼의 반영이었다."케이지의 유명한 무성 작품[즉, 4 433″]이나 십여 명의 라디오 수신자를 위한 그의 풍경화는 음악으로서 별로 흥미가 없을 수도 있지만, 그것들은 예술가의 권력에 대한 완전한 퇴위를 나타내는 것으로 역사적으로 매우 중요하다.[105]

케이지의 미학적 위치는 무엇보다도 저명한 작가 겸 비평가인 더글러스 칸에 의해 비판을 받았다.칸은 1999년 저서 '소음, 물, 고기: 예술의 소리 역사'에서 케이지가 문화에 끼친 영향을 인정하면서도 "케이지가 음소거 기술을 축적한 것이 사회의 침묵"이라고 지적했다."[106]

케이지의 많은 작품들이 여전히 논란이 되고 있지만,[citation needed] 그가 수많은 작곡가, 예술가, 작가들에게 끼친 영향력은 주목할 만하다.[107]케이지가 기회를 소개한 후,[clarification needed] Boulez, Stockhausen, Xenakis는 여전히 비판적이었지만, 모든 것이 그들의 작품들 중 일부에서 기회 절차를 채택했다(그러나 훨씬 더 제한적이었다). 그리고 슈톡하우젠이 그의 후기 클라비에르슈튀케에서 작곡한 피아노는 케이지의 "변화의 음악"과 데이비드 튜더의 영향을 받았다.[108]작품에서 우연한 절차를 채택한 다른 작곡가들로는 위톨드 루토스와프스키, 마우리시오 카겔 등이 있다.[citation needed]작곡 및/또는 공연의 일부가 운에 맡기는 음악은 피에르 불레즈에 의해 대중화된 용어인 알레토릭 음악으로 명명되었다.헬무트 라첸만의 작품은 케이지의 작품이 확장된 기법으로 영향을 받았다.[109]

케이지의 리듬 구조 실험과 음향에 대한 그의 관심은 처음에는 그의 친한 미국인 동료인 얼 브라운, 모튼 펠드만, 크리스티안 울프(그리고 라몬테 영, 테리 라일리, 스티브 라이히, 필립 글래스 등 다른 미국 작곡가들)로부터 시작하여 많은 작곡가들에게 영향을 끼쳤으며, 그 후 유럽으로 퍼져나갔다.[citation needed]예를 들어, 영어 실험 학교의 거의 모든 작곡가들은 그의 영향력을 인정한다.[citation needed]케이지 밑에서 잠시 공부한 마이클 파슨스, 크리스토퍼 [110]홉스, 존 화이트, 개빈 브라이어스,[111] 하워드 스켈레톤.[112]일본의 작곡가 타케미쓰 도루도 케이지의 영향력을 인용했다.[113]

케이지의 죽음에 이어 펭귄카페 오케스트라의 창시자인 사이먼 제프스가 C, A, G, E, D, E, A, D, D 등 제목에 담긴 음을 바탕으로 한 멜로디를 사용하여 케이지 데드라는 제목의 곡을 작곡했다.[114]

소닉 유스(숫자 일부 연주자[115])와 스테레오랩(케이지의[116] 이름을 딴 노래), 작곡가·록·재즈 기타리스트 프랭크 자파([117]Frank Zappa), 다양한 노이즈 음악가·밴드 등 록 연기로 케이지의 영향도 인정받았다.실제로 한 작가는 소음 음악의 기원을 4′33″[118]까지 추적했다.전자음악의 발전도 케이지의 영향을 받았다: 1970년대 중반 브라이언 에노의 레이블 무명 레코드가 케이지의 작품을 발매했다.[119]케이지가 대중화한 '준비된 피아노'는 에이펙스 트윈의 2001년 앨범 'Druckqs'에 비중 있게 등장한다.[120]케이지의 음악학자로서 그의 작품은 에릭 사티의 음악을 대중화하는 데 도움을 주었고,[121][122] 로버트 라우센버그와 같은 추상적 표현주의 예술가들과의 우정은 그의 생각을 시각 예술에 소개하는 데 도움을 주었다.케이지의 아이디어는 또한 사운드 디자인에 대한 그들의 길을 찾았다. 예를 들어, 아카데미 상을 수상한 사운드 디자이너 게리 라이드스트롬은 케이지의 작품을 주요 영향력으로 꼽았다.[123]라디오헤드는 2003년 커닝햄의 무용단과 작곡 및 협연에 착수했다. 그 이유는 음악 그룹의 리더 톰 요크가 케이지가 그의 "역대급 예술 영웅" 중 한 명이라고 생각했기 때문이다.[124]

100주년 기념

2012년, 다양한 미국 및 국제 100주년 기념 행사 중,[125][126] 워싱턴 DC에서 8일간의 축제가 열렸으며, 공연 공간보다는 워싱턴의 미술관과 대학들 사이에서 장소가 눈에 띄게 더 많이 발견되었다.이보다 앞서 지휘자 마이클 틸슨 토마스는 뉴욕 카네기홀에서 샌프란시스코 교향곡과 함께 케이지의 노래책을 선보였다.[127][128]예를 들어, 독일 다름슈타트에서는 또 다른 축하 행사가 열렸는데, 2012년 7월에 매년 새로운 음악 강좌가 열리는 동안 중앙역을 존 케이지 철도역으로 개칭했다.[18]독일 루르트리엔날레에서 하이너 괴벨스는 3만6000평방피트(약 3만6000평)의 변환된 공장에서 유로페라스 1·2의 제작을 무대에 올리고 로버트 윌슨이 제작하고 공연한 '강연 온 무(無)에 관한 제작을 의뢰했다.[129]자카란다 뮤직은 100주 동안 캘리포니아 산타모니카에서 네 번의 콘서트를 계획했다.[130][131]존 케이지 데이는 2012년 그의 탄생 100주년을 기념하기 위해 열린 여러 행사에 붙여진 이름이었다.

2012년 한 프로젝트는 주라지 코즈(On Silence: On Silence)'라는 제목의 케이지 탄생 100주년을 기념하기 위해 주라지 코즈(Juraj Kojs)에 의해 큐레이션되었다. 케이지에게 경의를 표한다.카시아 글로미카, 아드리안 나이트, 헨리 베가 등 전 세계 작곡가들이 창작한 13편의 위탁작품으로 구성됐으며, 각각 4분 33초 길이의 케이지의 유명한 1952년 작인 4분 33초를 기렸다.이 프로그램은 신흥 기술 예술 재단과 로라 쿤, 존 케이지 트러스트의 지원을 받았다.[132]

케이지의 댄스 작품에 대한 경의를 표하며, 2012년 7월 빌 T. 존스/어니 제인 댄스 컴퍼니는 '스토리/타임'이라는 매혹적인 작품을 공연했다.그것은 케이지의 1958년 작품인 '인디터민시'를 본떠서 만든 것인데, 이 작품에서는 [케이지와 존스, 각각]가 무대 위에 홀로 앉아 큰 소리로 읽으며... 일련의 1분짜리 이야기들이 쓰여졌다.존스의 회사 무용수들은 [존스]가 읽은 대로 공연했다."[124]

보관소

  • 존 케이지 트러스트의 보관소는 뉴욕 북부 바드 칼리지에서 열린다.[133]
  • 뉴욕공연예술 공공도서관 음악부가 개최한 '존 케이지 음악 원고 모음집'에는 스케치, 워크시트, 현실화, 미완성 작품 등 작곡가의 음악 원고 대부분이 수록돼 있다.
  • 존 케이지 페이퍼스는 코네티컷 주 미들타운에 있는 웨슬리언 대학교 올린 도서관의 특별 수집 및 보관 부서에서 열린다.원고, 인터뷰, 팬메일, 에페메라 등이 들어 있다.그 밖의 자료에는 클리핑, 갤러리 및 전시 카탈로그, 케이지의 책과 연재물 모음집, 포스터, 물건, 전시 및 문학 발표 엽서, 컨퍼런스 및 기타 단체의 브로슈어 등이 있다.
  • 일리노이 노스웨스턴 대학의 존 케이지 컬렉션에는 작곡가의 서신, 에페메라, 노테이션 컬렉션 등이 수록되어 있다.[134]

참고 항목

주석

  1. ^ 케이지가 2003년 코스텔라네츠에서 인용, 1 대 2로 인용했다.케이지가 언급하는 우주의 작동모델은 그의 아버지가 지었다는 것이고, 그것을 본 과학자들은 그것이 어떻게 작동하는지 설명할 수 없었고 그것을 믿지 않으려 했다고 한다.
  2. ^ 소식통마다 첫 만남에 대한 세부 내용이 다르다.그로브에 있는 프리쳇은 케이지가 뉴욕에서 쇤베르크를 만났다는 것을 암시한다: "케이지가 쇤베르크를 따라 1934년 로스앤젤레스로 갔다."Keage는 Kostelanetz 2003에서 인용한 1976년 인터뷰에서 "로스앤젤레스에서 쇤베르크(Chenberg)를 만나고 싶다"고 언급하고 있다.
  3. ^ 최근 연구에 따르면 케이지가 1942년 장 에르드만을 통해 튜더를 거의 10년 전에 만났을 수도 있다.Gann, Kyle (2008). "Cleaning Up a Life". artsjournal.com. Retrieved August 4, 2009.
  4. ^ 엄밀히 말하면, 케이지가 1959년에 출판된 버질 톰슨에 관한 전기 책자에 대해 캐슬린 후버와 이전에 공동 작업한 적이 있기 때문에 이번이 두 번째였다.
  5. ^ 케이지가 1985년 인터뷰에서 무정부주의자라고 자칭한 것은 "나는 무정부주의자다.그 형용사가 순수하고 단순한지, 철학적인지, 아니면 무엇인지는 모르겠지만, 나는 정부를 좋아하지 않아!그리고 나는 학원을 좋아하지 않아!그리고 좋은 제도에도 자신이 없다고 말했다."일흔에 존 케이지: 스티븐 몬태규의 인터뷰"1985년 여름, 아메리칸 뮤직.Ubu.com.2007년 5월 24일 접속.

인용구

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