봄의례

르 사크레 뒤 프린템프스 봄의례
1913년 디아길레프가 제작한 르 사크레 뒤 프린템프(Le Sacre du printemps)의 니콜라스 로리히(Nicholas Roerich) 디자인 중 일부인 1막의 컨셉 디자인
네이티브 타이틀	러시아어: ееаааа,, 로마자로 표기: 베스나 svyashchennaya, 'Sacred Spring'
안무가	바슬라프 니진스키
음악	이고르 스트라빈스키
에 기반을 둔	이교도 신화
시사회	1913년 5월 29일 (1913-05-29) 테레 데 샹젤리제 파리
오리지널 발레단	발렛 루시스
디자인	니콜라스 로리히

《봄의^{[n 1]} 의식》(프랑스어: Le Sacre du printemps)은 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의 발레 및 관현악 연주 작품이다.1913년 파리 시즌 세르게이 디아길레프의 발렛 루스 사를 위해 쓰여졌다. 원래의 안무는 바슬라프 니진스키가 니콜라스 로리히의 무대 디자인과 의상을 가지고 있었다.1913년 5월 29일 테아르트 데 샹젤리제에서 처음 공연되었을 때, 음악과 안무의 전위적인 성격이 센세이션을 일으켰다.많은 사람들은 10여 년 후인 1924년 이후 공연에 대한 리뷰가 있을 때까지 이 표현은 나오지 않았지만, 첫날밤의 반응을 "폭풍" 또는 "거의 폭동"이라고 불렀다.^[1]특정 구절이 등장인물과 액션을 동반한 무대를 위한 작품으로 디자인되었지만, 음악회는 콘서트 작품으로 더 큰 인정을 받지 못하더라도 동등하게 이루어졌으며, 20세기 가장 영향력 있는 음악 작품 중 하나로 널리 알려져 있다.

스트라빈스키는 디아길레프가 발렛 루스를 위한 작품을 만들기 위해 그를 영입했을 때, 사실상 알려지지 않은 젊은 작곡가였다.Le Sacre du printemps는 호평을 받은 Firebird(1910)와 Petrushka(1911)^{[n 2]}에 이어 세 번째 주요 프로젝트였다.로리히가 스트라빈스키의 개략적 발상으로부터 발전시킨 <봄의 제례>의 개념은 <두 파트의 이교도 러시아 그림>이라는 부제로 제시되는데, 이 시나리오는 봄의 등장을 축하하는 다양한 원시적인 의식을 묘사하고 있는데, 그 후 어린 소녀를 제물로 뽑혀 스스로 춤을 추게 된다.원작의 런칭에 대한 엇갈린 비판적 리셉션과 짧은 런던 투어를 거쳐 1920년대까지 발레는 다시 공연되지 않았는데, 이때 레오니드 마사인(Léonide Massine)이 안무한 버전이 겨우 8번의 공연만을 본 니진스키의 원작을 대체했다.^[2]마사인스는 세계적인 안무가들이 연출한 많은 혁신적인 작품들의 선구자였으며, 세계적인 인정을 받았다.1980년대에 오랫동안 패배했다고 믿었던 니진스키의 독창적인 안무는 로스앤젤레스의 조프리 발레단에 의해 재구성되었다.

스트라빈스키의 점수는 톤, 미터, 리듬, 스트레스, 불협화음에서의 실험을 포함하여 그 시대의 많은 새로운 특징들을 포함하고 있다.분석가들은 러시아 민속음악의 중요한 바탕을 이루는 점, 스트라빈스키와의 관계를 부정하는 경향이 있다고 지적했다.최초의 모더니즘 작품 중 하나로 여겨지는 이 음악은 20세기 주요 작곡가들에게 많은 영향을 미쳤으며 고전 레퍼토리에서 가장 많이 기록된 작품 중 하나이다.

배경

이고르 스트라빈스키(Igor Stravinskinsky)는 임페리얼 오페라, 상트페테르부르크의 수석 베이스 가수인 표도르 스트라빈스키(Fyodor Stravinskya)와 옛 러시아 가문 출신의 유능한 아마추어 가수 겸 피아니스트인 안나(Née Kholodovskaya)의 아들이었다.표도르와 림스키코르사코프, 보로딘, 무소르그스키 등 러시아 음악계의 주요 인사들과 교제하는 것은 이고르가 강렬한 음악적 가정에서 자랐다는 것을 의미했다.^[3]1901년 스트라빈스키는 상트페테르부르크 대학에서 조화와 대위법으로 개인 교습을 받으며 법학을 공부하기 시작했다.스트라빈스키는 림스키코르사코프의 지도 아래 일했는데, 초기 작곡 노력의 일부에 감명을 주었다.1908년 스승이 사망할 무렵 스트라빈스키가 여러 작품을 만들어 냈는데, 그 중 F minor 단조 피아노 소나타(1903-04), E major 장조 교향곡(1907), 그가 '오퍼스 1'로 분류한 단편 관현악곡인 '페우 다르티피스'("Fireworks, 1908년 작곡) 등이 있다.^[4][5]

1909년 상트페테르부르크에서 열린 콘서트에서 Feu d'artifice가 공연되었다.관객 중에는 러시아 음악과 예술을 서양 관객들에게 소개할 예정이었던 임프레사리오 세르게이 디아길레프가 있었다.^[6]스트라빈스키처럼, 디아길레프는 처음에는 법을 공부했지만, 저널리즘을 통해 연극계로 끌어들였다.^[7]1907년에 그는 파리에서 다섯 번의 콘서트를 열면서 연극 활동을 시작했다. 다음 해에 그는 무쏘르그스키의 오페라 보리스 고두노프를 소개했다.1909년, 여전히 파리에서 발렛 루스를 출범시켰는데, 처음에는 이고르 왕자의 보로딘의 폴로프시안 춤과 림스키코르사코프의 셰헤라자데로 시작되었다.이 작품들을 선보이기 위해 디아길레프는 안무가 미셸 포킨, 디자이너 레온 박스트, 댄서 바슬라프 니진스키를 영입했다.그러나 디아길레프의 의도는 뚜렷한 20세기 스타일로 신작을 제작하는 것이었고, 신선한 작곡 재능을 찾고 있었다.^[8]Feu d'artifice를 들은 그는 처음에는 발레 레실피데스를 위한 새로운 편곡을 만들기 위해 쇼팽의 음악 조율에 도움을 요청하면서 스트라빈스키에게 다가갔다.스트라빈스키는 1910년 시즌에 새로운 발레인 파이어버드를 위한 음악을 작곡하기 위해 A-플랫 소령에서 녹턴을 개업하고 그란데 발레 브릴렌트를 마무리하는 일을 했다.^[6]

스트라빈스키는 1909-10년 겨울 동안 <불새>의 안무를 맡고 있던 포키네와 긴밀한 관계를 맺고 일했다.이 시기 스트라빈스키가 니진스키를 알게 되었는데, 그는 발레에서 춤을 추지는 않았지만, 그 발달을 예리하게 관찰한 사람이었다.스트라빈스키가 댄서에 대한 첫인상을 녹음할 때, 자신이 나이에 비해 미성숙하고 거쉬해 보이는 것을 관찰하면서(그는 21세였다).반면 스트라빈스키 씨는 디아길레프가 "훌륭한 성격의 정수"^[9]라는 영감임을 알게 되었다.파이어버드는 1910년 6월 25일에 초연되었으며, 타마라 카르사비나가 주연을 맡았으며, 대중적인 큰 성공을 거두었다.^[10]이를 통해 디아힐레프-스트라빈스키 협업이 1차적으로는 페트루시카(1911년)와 그 다음으로는 <봄의 제례>와 계속되게 되었다.^[6]

시놉시스 및 구조

스트라빈스키 감독은 1914년 2월 지휘자 세르게 쿠세비츠키에게 보낸 메모에서 르 사크레 뒤 프린템프스를 음악적 색채의 작품으로 묘사했다.'봄의 창조력'의 미스터리와 엄청난 급증이라는 단 하나의 아이디어로 통일되었다.《The Rety》에 대한 그의 분석에서, 피터 반 덴 투른은 이 작품은 구체적인 줄거리나 서술이 결여되어 있으며, 안무된 에피소드의 연속이라고 보아야 한다고 쓰고 있다.^[11]

프랑스어 제목은 1913년에 출판된 4부 피아노 악보에 주어진 형식으로 주어진다.영어 번역에는 많은 변형이 있었다; 보여지는 것은 1967년 판의 점수에서 나온 것이다.^[11]

시놉시스 및 구조

에피소드	영어 번역	시놉시스[n 3]
제1부: 라 테레(지구의 예배)[11]
소개	소개	스트라빈스키에 따르면, 막이 오르기 전에 관현악의 도입부는 "스프링 파이프[두드키][12] 떼"와 닮았다고 한다.
프린터를 보강하는 레즈 어워드	봄의 아우구스	봄의 축전은 언덕에서 시작된다.한 노파가 들어와 미래를 예언하기 시작한다.
주 뒤 랩트	납치의식	어린 소녀들은 한 줄로 강에서 도착한다.그들은 "유괴의 춤"을 시작한다.
론데스 프린타니에르	스프링 라운드	이 어린 소녀들은 "봄의 라운드"인 코로봇을 춤춘다.
Jux des cités 라이벌들	라이벌 부족의 의식	백성은 서로 반대하여 두 집단으로 나뉘어, 「적극 부족의 회」를 시작한다.
코르테주 뒤 세이지:르 세이지	현자의 행렬:현자	성스러운 행렬은 경기를 잠시 멈추고 대지를 축복하는 현자가 이끄는 현명한 장로들의 등장으로 이어진다.[n 4]
단세 데 라 테르	지구의 춤	사람들은 격정적인 춤에 빠져들어, 신성화 되어 땅과 하나가 된다.
제2부: 르 제물(The Swich)[11]
소개	소개
Cercles mustérieux des 사춘기 청소년들	젊은 소녀들의 미스틱 서클	그 어린 소녀들은 원을 그리며 신비한 게임을 한다.
렐루 미화	선택받은 자의 미화	어린 소녀들 중 한 명은 운명에 의해 선발되어 영구 동그라미에서 두 번 잡히고, 무술로 '초센 원'으로 영예를 안는다.
에베로케이션 데 앙케트레스	조상의 추방	짧은 춤으로 어린 소녀들은 조상을 불러낸다.
액션 리투엘 데 앙케르트	조상들의 의식 행위	선택받은 자는 늙은 현자의 보살핌을 받는다.
단스 사크랄레 (L'élue)	제물무용	'선택받은 자'는 노인들이 지켜보는 가운데 위대한 '희생무용의속에서죽도록 춤을 춘다.

창조

구상

로렌스 모튼은 The Retri의 기원에 대한 연구에서 1907-08년 스트라빈스키가 세르게이 고로데츠키의 수집품 야르의 두 시 음악을 시작했다고 기록하고 있다.스트라빈스키가 정하지는 않았지만 읽었을 것 같은 또 다른 시는 '야릴라'로, 모튼이 관찰한 바에 따르면 봄의 제사가 발달한 기초적 요소들 중 이교도적 의식, 현자적 장로들, 젊은 처녀의 예언적 희생 등 '비슷함은 우연의 일치라고 하기에는 너무 가깝다'^[13][14]는 많은 것을 담고 있다.스트라빈스키 자신도 <리테이트>의 창조에 대해 상반된 설명을 했다.1920년 기사에서 그는 음악적 사상이 먼저 나왔고, 이교도의 배경은 반대로가 아니라 음악으로 제안되었다고 강조했다.^[15]그러나, 1936년 자서전에서 그는 작품의 기원을 이렇게 묘사했다: "어느 날 [1910년] 내가 상트페테르부르크의 로이소 드 페우 마지막 페이지를 마칠 때, 나는 덧없는 비전을 가지고 있었다...나는 상상 속에서 엄숙한 이교도의 의식을 보았다: 원형으로 앉아 어린 소녀가 죽을 때까지 춤을 추는 것을 지켜보는 현자 장로들.그들은 봄의 신을 달래기 위해 그녀를 희생시키고 있었다.사크레 뒤 프린템프들의 주제가 바로 그런 것이었소."^[16]

1910년 5월까지 스트라빈스키는 민속 예술과 고대 의식에 관한 러시아 최고의 전문가인 니콜라스 로리히와 그의 생각을 의논하고 있었다.로리히는 화가와 신비주의자로 명성을 얻었으며, 디아길레프가 1909년에 제작한 폴로프시안 댄스의 무대 디자인을 제공했었다.^[17]두 사람은 작업 제목인 '위대한 희생'(러시아어:Velikaia zhertva);^[18]스트라빈스키가 발레 페트루시카(Petrushka) 디아길레프의 두 번째 메이저 커미션으로 점령되는 동안 1년간 협업이 보류되었지만, 디아길레프는 이 작품에 축복을 내렸다.^[17]

1911년 7월 스트라빈스키가 스몰렌스크 인근 탈라슈키노를 방문했는데, 로리히가 예술의 저명한 후원자이자 디아길레프의 잡지 월드 오브 아트의 후원자인 마리아 테니셰바 공주와 함께 머물고 있었다.여기서 며칠에 걸쳐 스트라빈스키와 로리히가 발레의 구조를 마무리 지었다.^[19]토머스 F. Kelly는 Rite 시사회의 역사에서 등장한 2부작의 이교도 시나리오는 주로 Roerich에 의해 고안된 것이라고 암시한다.^[20]스트라빈스키 감독은 이후 러시아 뮤지컬 가제트의 편집자인 니콜라이 핀데이젠에게 작품의 첫 부분은 '지구의 키스'라고 불릴 것이며, 현자의 행렬에 가로막힌 게임과 의식 춤으로 구성될 것이라고 설명하여, 사람들이 봄을 받아들이자 열광적인 춤으로 절정을 이루었다.2부, "제물"은 어두운 면을 가지고 있을 것이다; 비밀스런 하녀들의 밤놀이로 인해 희생을 위한 하나를 선택하게 되고 현자 앞에서 죽을 때까지 춤을 추게 된다.^[17]원래 작업 타이틀은 "Holy Spring"(러시아어: 베스나 sviashchenna) 그러나 이 작품은 "이교도 러시아의 그림"이라는 부제를 달고 프랑스어 번역서 르 사크르 뒤 프린템프스, 또는 이에 상응하는 영어 번역서 "봄의례"에 의해 일반적으로 알려지게 되었다.^[18][21]

구성

스트라빈스키의 스케치북은 1911년 9월 우크라이나 우스티루그에 있는 자신의 집으로 돌아온 뒤 '봄의 아우구스'와 '봄의 라운드'라는 두 가지 동작에 공을 들였다는 것을 보여준다.^[22]10월에 그는 우스티루그를 떠나 스위스의 클라렌즈로 떠났다. 그곳에서는 좁고 드문드문한 방인 8x8피트(2.4x2.4m)의 벽장에서 음소거된 직립 피아노와 테이블, 의자^[23] 2개만 있는 방이었다. 그는 1911-12년 겨울 내내 그 악보에 따라 일했다.^[24]1912년 3월까지 스케치북 연대기에 따르면 스트라빈스키가 1부를 완성하고 2부 상당부분 초안을 작성했다.^[22]그는 또한 1912년 4월 디아힐레프와 발레 루세스의 지휘자 피에르 몬테우스에게 이 작품을 시연할 때 사용했을지도 모르는 2핸드 피아노 버전을 준비했다.^[24][25]그는 또한 4핸드 피아노 편곡을 만들었는데, 이 편곡은 르 사크레의 첫 번째 출판판이 되었다. 1912년 6월에 그와 작곡가인 클로드 드뷔시가 이 전반부를 함께 연주했다.^[24]

1913년까지 초연을 연기하기로 한 디아길레프의 결정에 따라, 스트라빈스키는 1912년 여름 동안 The Retri를 제쳐놓았다.^[26]그는 파리 시즌을 즐겼고, 디아길레프와 함께 바이로이트 축제에 가서 파르시팔의 공연에 참석했다.^[27]스트라빈스키가 가을부터 굿에 대한 작업을 재개했다; 스케치북은 그가 1912년 11월 17일에 마지막 희생 무용의 윤곽을 완성했음을 보여준다.^[22]남은 겨울 동안 그는 "클라렌스에서 1913년 3월 8일 완성"이라는 서명과 날짜를 기입한 오케스트라 악보를 완성했다.^[28]그는 친구에게 보낸 편지에서 이 원고를 열성적이고 예측한 모리스 래벨에게 보여주었는데, 르 사클레의 첫 공연은 드뷔시의 펠레아스 엣 멜리산데의 1902년 초연만큼이나 중요할 것이라고 했다.^[29]3월 말 관현악 리허설이 시작된 후 몬테ux는 문제가 되고 있는 몇 개의 구절에 작곡가의 주의를 끌었다: 들리지 않는 경적, 놋쇠와 현에 의해 익사된 플루트 독주, 그리고 포티시모 에피소드 동안 놋쇠 부분의 악기들 사이의 균형에 여러 가지 문제가 있었다.^[28]스트라빈스키가 이 구절을 수정했고, 4월 말까지도 여전히 "성스러운 춤"의 마지막 막대를 수정하고 다시 쓰고 있었다.점수 개정은 1913년 초연을 위해 준비된 버전으로 끝나지 않았다. 오히려 스트라빈스키가 이후 30년 이상 계속해서 변화를 시도했다.반 덴 토른에 따르면, "스트라빈스키의 다른 작품들은 일련의 사후 수정을 거쳤다"고 한다.^[30]

스트라빈스키는 이 작품의 오프닝 바순 선율이 리투아니아 민요의 선율에서 유래된 것임을 인정하면서도,^[31] 이것이 이러한 근원에서 빌린 유일한 것이라고 주장했다.^[32] 다른 요소들이 원주민 민요처럼 들린다면, 그것은 "어떤 무의식적인 '민요' 기억 때문"^[33]이라고 그는 말했다.그러나 모튼은 1부에서 몇 가지 더 많은 멜로디를 리투아니아 컬렉션에서 유래한 것으로 확인했다.^[34][35]더 최근에 리차드 타러스킨은 림스키코르사코프의 "러시아 국립 노래 100곡"^[33][36] 중 한 곡에서 각색된 곡을 발견했다.타러스킨은 작곡가의 초기 작품들 중 가장 혁명적인 것으로 일반적으로 인정받는 The Retrie가 사실 러시아 음악의 전통에 뿌리를 두고 있는 역설에 주목한다.^[37]

실현

타러스킨은 로리히가 자신의 디자인을 만들 때 참고했던 여러 출처를 열거했다.이 중에는 12세기 초기의 이교도 풍습의 요약본인 1차 크로니클과 알렉산드르 아프나시예프의 농민 민속과 이교도 선사시대 연구가 있다.^[38]테니셰바 공주의 의상 수집은 초기 영감의 원천이었다.^[17]디자인이 완성되자 스트라빈스키 씨는 기쁨을 표현하며 "진정한 기적"^[38]이라고 선언했다.

스트라빈스키와 그의 다른 주요 협력자 니진스키와의 관계는 더욱 복잡했다.디아힐레프는 무용수로서의 니진스키의 천재성이 안무가와 발레의 거장 역할로 번창할 것이라고 결정했었다; 니진스키의 첫 안무 시도인 드뷔시의 라프레스-미디둔 파우네가 댄서의 소설적인 스타일링 동작과 그 춤에 대한 노골적인 성적 몸짓 때문에 논란과 거의 스캔들에 가까운 논란을 일으켰을 때 만류하지 않았다.일의 ^[39][40]끝적어도 처음에 스트라빈스키가 니진스키의 재능을 안무가로 인정받았다는 것은 동시대 통신에서 명백하다; 그가 핀테젠에게 보낸 편지는 그가 댄서의 "열정과 완전한 자기 만족"^[41]을 칭찬한다.그러나 스트라빈스키는 1936년 회고록에서 니진스키를 이 역에 기용하기로 한 결정은 그를 불안감으로 가득 채웠다고 쓰고 있다. 그는 댄서로서 니진스키를 존경했지만 안무가로서 그를 신뢰하지 않았다. "가엾은 소년은 음악을 전혀 몰랐다.그는 그것을 읽을 수도 없고 악기를 연주할 수도 없었다.^{[42][n 5]}나중에 스트라빈스키가 니진스키의 춤추는 처녀들을 "노크 크네이드와 긴 늑대의 롤리타스"^[23]라고 비웃을 것이다.

스트라빈스키의 자전적 계정은 리허설 기간 동안 안무가들과 무용수들 사이에 많은 '고통스러운 사건'을 말한다.^[44]1913년 초, 니진스키가 예정보다 크게 뒤처졌을 때 스트라빈스키는 디아길레프로부터 "당장 이곳에 오지 않으면..."라는 경고를 받았다.사크레는 일어나지 않을 것이다."그 문제들은 서서히 극복되었고, 1913년 5월에 최종 리허설이 열렸을 때 무용수들은 작품의 어려움을 통달한 것으로 보였다.발렛 루세스의 회의적인 무대 감독인 서지 그리고리에예프조차 니진스키의 안무의 독창성과 역동성에 찬사를 아끼지 않았다.^[45]

지휘자 피에르 몬테우스는 1911년부터 디아힐레프와 함께 일했으며 페트루시카 초연 때 오케스트라를 맡아왔다.스트라빈스키가 피아노 버전을 연주하는 것을 듣고 난 몬테ux가 <The Rety>에 처음으로 반응한 것은 방을 나와 조용한 구석을 찾는 것이었다.그는 디아길레프를 한쪽으로 끌어당겨서 결코 그런 식으로 음악을 지휘하지 않겠다고 말했고, 디아길레프는 간신히 생각을 바꾸었다.^[46]비록 그는 양심적인 프로페셔널리즘으로 그의 임무를 수행하겠지만, 그는 결코 그 일을 즐기기 위해 오지 않았다; 시사회 후 거의 50년이 지난 후 그는 문의자들에게 그가 그것을 혐오한다고 말했다.^[47]노년에 그는 토마스 비첨 경의 전기 작가 찰스 리드에게 이렇게 말했다. "나는 그 당시 르 사크레를 좋아하지 않았다.그 후 나는 그것을 50번 실시하였다.나는 지금 그것을 좋아하지 않는다"^[46]라고 말했다.3월 30일 몬테ux는 스트라빈스키에게 그가 필요하다고 생각되는 변경 사항을 알려줬고, 이 모든 것은 작곡가가 실행했다.^[48]주로 파리의 콘서트 콜론에서 뽑힌 이 오케스트라는 보통 극장에서 일하는 사람들보다 훨씬 많은 99명의 연주자로 구성되었고, 오케스트라 구트에 적응하는 데 어려움을 겪었다.^[49]

1부 발레단이 3월 두 차례의 관현악 리허설을 받은 뒤 몬테유스와 회사는 몬테카를로 공연을 위해 출발했다.그들이 돌아왔을 때 리허설이 재개되었다; 이례적으로 많은 수의 리허설 - 관현악으로만 볼 수 있고, 무용수들과 함께 할 수 있는 - 스트라빈스키가 5월 13일 파리에 도착한 후, 오프닝 2주 전에 들어맞았다.^[50]그 음악에는 너무나 특이한 음의 조합이 많이 들어 있어서 몬테ux는 음악가들이 뭔가 잘못 연주되면 말해주겠다며 악보에서 실수를 발견했다고 생각했을 때 끼어들기를 중단하라고 요구하지 않을 수 없었다.도리스 몬테ux에 따르면, "음악가들은 그것을 완전히 미친 짓이라고 생각했다"^[50]고 한다.어느 순간, 즉 기후의 황동관현악기 포티시모가 그 소리에 신경질적인 웃음을 터뜨려 스트라빈스키가 화를 내며 개입하게 되었다.^{[51][n 6]}

희생자의 역할은 니진스키의 여동생인 브니슬라바 니진스카가 춤을 추는 것이었다. 그녀가 리허설 도중 임신했을 때, 그녀는 당시 비교적 알려지지 않았던 마리아 필츠로 대체되었다.^[43]

실적이력 및 접수

시사회

파리의 테레 데 샹젤리제스는 1913년 4월 2일, 당대 주요 작곡가들의 작품을 축하하는 프로그램으로 문을 연 새로운 건축물이다.이 극장의 매니저인 가브리엘 아스트루크는 1913년 발렛 루시스 시즌을 수용하기로 결심했고, 디아길레프에게 공연당 2만 5천 프랑이라는 거액을 지불했는데, 이는 전년도의 두 배였다.^[53]스트라빈스키 초연뿐만 아니라 1913년 5월 29일의 프로그램에는 레스 실피데스, 베버의 르 스펙터 드 라 로즈, 보로딘의 폴로프시안 댄스가 포함되어 있었다.^[54]저녁의 티켓 판매, 초연을 위한 티켓 가격이 두 배로 오른 것은 3만 5천 프랑에 달했다.^[55]기자단원들과 다양한 초대 손님들 앞에서 드레스 리허설이 열렸다.스트라빈스키에 따르면, 모든 것이 평화롭게 진행되었다고 한다.^[56]그러나, 아돌프 보쇼트 L'écho de Paris의 비평가인 Adolpe Boschot는 가능한 문제를 예견했다; 그는 대중들이 이 작품을 어떻게 받을지 궁금했고, 만약 그들이 조롱당하고 있다고 생각한다면 그들이 나쁘게 반응할 수도 있다고 제안했다.^[57]

5월 29일 저녁 구스타프 리노르는 "절대 ...그 홀은 너무 꽉 찼거나, 아니면 너무 화려해서, 계단과 복도는 보고 싶어 하고, 듣고 싶어 하는 관중들로 가득 찼다.^[58]저녁은 니진스키와 카르사비나가 주연을 추는 레 실피데스로 시작되었다.^[54]르 사크레가 말을 이었다.일부 목격자와 해설자들은 관객들의 소란이 소개 과정에서 시작됐고, '봄의 달인'에서 스탬핑 댄서들에게 막이 오르자 더 시끄러워졌다고 말했다.그러나 타러스킨은 "충격을 가한 것은 스트라빈스키의 음악이 아니었다"고 단언한다.바슬라프 니진스키가 고안해낸 추악한 흙덩어리였습니다."^[59]니진스키의 조수로 일하고 있던 마리 램버트는 나중에 무대에서 음악을 듣는 것은 곧 불가능하다고 회상했다.^[60]스트라빈스키 씨는 자서전에서 소개의 첫 마디를 맞이하는 조롱 섞인 웃음소리가 역겨웠으며, 나머지 공연을 무대 날개에서 보기 위해 강당을 나섰다고 쓰고 있다.그는 시위는 무대 위의 소음과 함께 무용수들에게 스텝 넘버를 외치는 니진스키의 목소리를 들리지 않게 하는 "엄청난 소란"으로 발전했다고 말했다.^[56]시사회가 열린 지 2년 후 기자 겸 사진작가 칼 반 베히텐은 저서 '대전쟁 후 음악'에서 뒤에 있는 사람이 흥분해서 넋을 잃고 "내 머리 위에서 주먹으로 리드미컬하게 두들겨 패라"고 주장했다.^[61]1916년, 2013년까지 발표되지 않은 편지에서, 반 베치텐은 사실의 다른 변화들 중에서도 실제로 두 번째 밤에 참석했다는 것을 인정했다.^[62]

당시 파리의 발레 관객들은 전형적으로 두 가지 다양한 집단으로 구성되어 있었는데, 이들은 아름다운 음악과 함께 전통 공연을 볼 것으로 기대되는 부유층과 상류층이었다. 그리고 시인-철학자 장 콕토는 "시인에 대한 증오 때문에 새로운 것은 무엇이든 주장할 것"이라고 주장했다."^[64]상자".몬테우스는 두 파벌이 서로를 공격하기 시작하면서부터 문제가 시작되었다고 믿었지만, 그들의 상호 분노는 곧 오케스트라 쪽으로 옮겨졌다. "가능한 모든 것은 우리 쪽으로 던져졌지만, 우리는 계속 연주했다."최악의 범죄자들 중 약 40명이 퇴거당했다. 아마도 경찰의 개입으로, 비록 이것이 명백하지는 않지만 말이다.모든 소란 속에서도 공연은 중단 없이 계속되었다.제2부 동안 불안은 크게 물러났고, 마리아 필츠의 마지막 "성스러운 춤" 연주는 합리적인 침묵 속에서 지켜보았다.마지막에는 저녁 프로그램이 계속되기 전에 댄서들, 몬테ux와 오케스트라, 스트라빈스키와 니진스키를 위한 몇 번의 커튼콜이 있었다.^[65]

더욱 적대적인 언론 평론 중에는 르피가로의 평론가 앙리 키타르의 평론가가 있었는데, 그는 이 작품을 "노력적이고 유치한 야만적"이라며 "M과 같은 예술가를 보게 되어 유감"이라고 말했다.스트라빈스키는 이 황당한 모험에 자신을 참여시킨다."^[66]반면, 일류 연극 잡지 Com india에 기고하고 있는 구스타프 리노르는 그 연주가 훌륭하다고 생각했고, 특히 마리아 필츠의 연주가 훌륭하다고 생각했다; 그 소요는 개탄스럽기는 하지만, 두 악당 사이의 "소란스러운 논쟁"에 불과했다.^[67]이 음악을 거의 듣지 못한 레 마르지스의 에밀 라우딘은 이렇게 썼다. "우리가 M에게 물어볼 수 없었을 것이다.아스트루크... 선의의 관객들을 위해 공연을 하나 준비하려고?우리는 적어도 여성 요소를 퇴출시킬 것을 제안할 수 있다."^[65]작곡가 알프레도 카셀라는 "이 아이디어는 훌륭했지만 성공적으로 수행되지 못했다"고 쓴 비평가 미셸-디미트리 칼보코레시가 공유한 견해로,^[68] 이 데모가 음악보다는 니진스키의 안무를 겨냥한 것이라고 생각했다.칼보코레시는 1902년 드뷔시의 펠레아스 엣 멜리산데 초연과 달리 작곡가에 대한 직접적인 적대감을 관찰하지 못했다.^[69]원로 작곡가 카밀 생선스가 초연에서 뛰쳐나왔다는 이후의 보고 중 스트라빈스키가 이것이 불가능하다고 보고 생선은 참석하지 않았다.^{[70][n 7]}스트라빈스키도 공연이 끝난 후 스트라빈스키, 니진스키, 디아길레프, 콕테우 자신이 택시를 타고 눈물을 글썽이는 디아힐레프가 푸시킨의 시를 낭송하는 보이스 드 불로뉴로 향했다는 콕테우의 이야기를 거절했다.스트라빈스키는 디아길레프, 니진스키와 함께 한 축하 만찬을 떠올렸을 뿐인데, 그 자리에서 임파리오가 결과에 전폭적인 만족감을 표시했다.^[72]스트라빈스키는 림스키코르사코프 휘하의 전 동료인 막시밀리앵 스타인버그에게 니진스키의 안무는 "비할 수 없는 것이었다"고 썼다.^[41]

초기 실행 및 조기 재생

시사회 후 6월 13일 테레 데 샹젤리제에서 5차례의 르 사크레 뒤 프린템프 공연이 더 있었다.비록 이런 행사들이 비교적 평화롭기는 했지만 첫날밤의 분위기는 여전했다; 6월 2일 두 번째 공연에 참석한 작곡가 지아코모 푸치니는 ^[73][74]안무를 우스꽝스럽고 음악은 불협화음이라고 묘사했다-"미친 사람의 작품.대중은 쉿하고 웃고 박수갈채를 보냈다.^[75]장티푸스로 병상에 누워있던 스트라빈스키가 런던에 있는 로열 극장, 드루리 레인에서 4번의 공연을 갔을 때 회사에 합류하지 않았다.^[76][77]런던 제작을 검토하면서 타임즈 비평가들은 작품의 서로 다른 요소들이 어떻게 결합되어 일관성 있는 전체를 형성하는가에 감명을 받았으나, 스트라빈스키가 리듬을 위해 전적으로 멜로디와 조화를 희생시켰다는 의견을 내면서 음악 자체에 대한 열의가 낮았다: "만약 스트라빈스키 M. 스트라빈스키가 정말 원시적이기를 바랬다면, 그는 현명했을 것이다.그의 발레는 드럼으로만 득점을 했다.^[78]발레 역사학자 시릴 보몽은 이러한 "클래식 발레의 전통에 완전히 반대되는" 무용수들의 "느리고 무례한 움직임"에 대해 언급했다.^[61]

개막전 파리 달리기와 런던 공연 이후, 발레의 더 이상의 스태거 현상을 막기 위해 여러 행사들이 공모했다.켈리가 "너무 놀랍고, 너무 터무니없고, 보존에 너무 연약하다"고 표현한 니진스키의 안무는 1980년대 재구성을 시도하기 전까지 다시 등장하지 않았다.^[65]1913년 9월 19일 니진스키는 발렛 루세스가 남아메리카에서 디아힐레프 없이 투어를 하는 동안 로몰라 데 풀스키와 결혼했다.디아길레프는 연인이 결혼했다는 것을 알고 정신이 혼미하고 격분하여 니진스키를 해고했다.그 후 디아길레프는 니진스키가 파우네를 안무하라는 요청을 받았기 때문에 1912년 사임한 포키네를 다시 고용할 의무가 있었다.포키네는 니진스키의 안무 중 어느 것도 연주되지 않는다는 것을 재취업의 조건으로 삼았다.^[79]스트라빈스키 교수는 미술평론가 알렉산드르 베누아에게 보낸 편지에서 "그의 가능성은 얼마간 무용 분야에서 가치 있는 것을 보게 되었고, 더 중요한 것은 다시 나의 자손들을 보게 된 것"^[80]이라고 썼다.

1914년 8월 제1차 세계대전의 발발과 많은 예술가들의 분산에 따른 혼란으로 디아길레프는 니진스키를 무용수 겸 안무가로서 재입성시킬 준비가 되어 있었지만 니진스키는 적국인 러시아 시민으로서 헝가리에서 가택 연금 상태에 놓였다.디아힐레프는 1916년 미국 투어를 위해 출소 협상을 벌였으나 무용수의 정신건강은 꾸준히 쇠퇴해 1917년 이후 프로발레에 더 이상 참가하지 않았다.^[81]1920년, 디아길레프가 The Retri를 부활시키기로 결심했을 때, 그는 이제 그 안무를 기억하는 사람이 아무도 없다는 것을 알게 되었다.^[82]전후의 대부분을 스위스에서 보내고, 1917년 러시아 혁명 이후 고국에서 영구 망명 생활을 한 스트라빈스키가 전쟁이 끝나자 디아길레프와의 파트너십을 재개했다.1920년 12월, 어니스트 안세르메트는 파리에서 니콜라스 로에리히의 디자인이 유지된 채 레오니드 마시네가 안무를 맡은 신작을 공연했다. 리드 댄서는 리디아 소콜로바였다.^[61]스트라빈스키는 회고록에서 마사인 제작에 대해 모호한 태도를 보이고, 젊은 안무가인 스트라빈스키는 글을 쓰면서 '묻힐 수 없는 재능'을 보여줬지만, 안무에는 '강제하고 인위적인' 것이 있어 음악과의 유기적인 관계가 결여되어 있었다.^[83]소콜로바는 이후 자신의 계정에서 스트라빈스키가 "백 명의 선택된 처녀들을 겁먹게 했을 표현을 쓰고 중앙 통로를 오르내렸다"고 하는 등 제작을 둘러싼 긴장감을 일부 떠올렸고 앤서메트는 오케스트라를 리허설했다.^[84]

후기 안무

이 발레는 1930년 4월 11일 미국에서 처음 선보였는데, 당시 마사인 1920년 버전이 레오폴드 스토코프스키 휘하의 필라델피아 오케스트라에 의해 공연되었고, 마사 그레이엄이 초이스티드 원(Selected One)의 역할을 추고 있었다.^[85]그 연출은 뉴욕으로 옮겨갔고, 그곳에서 뉴욕 시민들은 마침내 발레를 진지하게 받아들이기 시작했다고 그는 생각했다.^[86]1937년 최초로 미국인이 디자인한 작품은 현대 무용의 주창자 레스터 호튼의 작품으로, 그의 버전은 원래 이교도의 러시아식 설정을 와일드 웨스트 배경과 아메리카 원주민 무용의 사용으로 대체했다.^[86]

1944년 마시네는 로리히와 새로운 협업을 시작했는데, 그는 1947년 죽기 전에 마신이 1948년 밀라노의 라 스칼라에서 결실을 맺기 위해 가져온 새로운 제작을 위한 많은 스케치를 완성했다.^[85]이것은 많은 중요한 전후 유럽 작품들을 예고했다.베를린의 메리 위그먼(1957)은 브뤼셀의 모리스 베자르트(1959)가 그랬던 것처럼 처녀 희생의 에로틱한 면모를 부각시키는 데 호튼의 뒤를 따랐다.베자르트의 표현은 극에 달한 희생을 비평가 로버트 존슨이 묘사하는 "식민적 명예"^[86]에 대한 묘사로 대체했다.케네스 맥밀런이 안무하고 시드니 놀란이 디자인한 1962년 로열 발레단의 작품은 5월 3일에 처음 공연되어 결정적인 승리였다.2011년 5월 부활한 데일리 텔레그래프의 평론가 마크 모나한은 이 작품을 로열 발레단의 가장 위대한 업적 중 하나로 꼽았다.^[87]모스크바는 1965년 나탈리아 카사트키나와 블라디미르 바실리예프가 볼쇼이 발레단에서 안무한 버전으로 The Rite를 처음 보았다.이 작품은 4년 후 말리 오페라 극장에서 레닌그라드에서 상영되었으며,^[88] '선택받은 자'에게 희생 후 원로들에게 복수를 하는 연인을 제공하는 줄거리를 소개하였다.존슨은 그 생산을 "국가 무신론의 산물"이라고 묘사했다."^[86]소련의 선전선동은 최고"

1975년 발레 데르 우퍼탈레르 뷔넨을 탄츠테이터 우퍼탈로 탈바꿈시킨 현대무용 안무가 피나 바우슈는 극명한 묘사력으로 무용계에 파문을 일으켰고, 지상으로 덮인 무대에서 초이스 원은 주변 남성들의 여성혐오를 만족시키기 위해 희생된다.^[89][90][91]마지막에 가디언의 루크 제닝스에 따르면, "캐스팅들은 땀에 흠뻑 젖었고, 더럽고, 들을 수 없이 헐떡이고 있다"고 한다.^[89]이 춤의 일부는 영화 피나에 나온다.^[86]바우쉬의 버전도 파리 오페라 발레단과 영국 국립 발레단에 의해 춤을 추었다.^[92][93]미국에서는 1980년 폴 테일러가 스트라빈스키의 피아노 4핸드 버전을 아동 살해와 갱스터 영화 이미지에 바탕을 둔 시나리오의 배경으로 사용했다.^[86]1984년 2월, 90년 차인 마사 그레이엄은 뉴욕 주립극장에서 새로운 작품을 안무함으로써 The Redy와의 관계를 재개했다.^[94]뉴욕 타임즈 비평가인 그는 이 공연이 "어떤 부족 의식처럼 기본적인 감정 표현에서 원시적인 것처럼, 의도적인 암울함 속에서 암묵적으로 펼쳐지는 것처럼 완전히 원소적인 것"이라고 선언했다.^[95]

1987년 9월 30일, 조프리 발레단은 니진스키의 1913년 안무의 재구성을 바탕으로 로스앤젤레스 더 리테에서 공연을 하였는데, 그때까지만 해도 회상할 수 없을 정도로 잃어버린 것으로 생각되었다.이 공연은 주로 밀리센트 호드슨에 의해 수년간의 연구 결과로, 그는 최초의 즉석 서적, 현대적인 스케치와 사진, 그리고 마리 램버트와 다른 생존자들의 회상으로부터 안무를 함께 짜냈다.^[96]호드슨의 버전은 그 후 2003년 마린스키 극장에서 키로프 발레단에 의해 공연되었고 그 해 후반에는 코벤트 가든에서 공연되었다.^[97][98]2012-13 시즌에 조프리 발레단은 2013년 3월 5-6일 텍사스 대학교, 2013년 3월 14일 매사추세츠 대학교, 그리고 2013년 8월 17-18일 클리블랜드 오케스트라를 포함한 많은 장소에서 100주년 공연을 열었다.^{[99][100][101]}

음악 출판사 Boosey & Hawkes는 이 발레가 초연 이후 적어도 150여 편의 작품들의 주제가 되었으며, 이 중 많은 작품들이 고전이 되어 세계적으로 공연되고 있다고 추정했다.^[102]보다 급진적인 해석으로는 1974년판 《Selected One》이 있는데, 《Selected One》은 젊은 남성이다.^[103]보다 최근에는 몰리사 펜리와^[104][105] 하비에르 드 프루토스가 고안한 솔로 댄스 버전과 마이클 클라크의 펑크 록 해석이 있었다.^[102]2004년 영화 '리듬 이즈 잇!'은 베를린 필하모닉과 안무가 사이먼 래틀이 베를린 필하모닉, 안무가 로이스턴 말둠과 함께 25개국에서 베를린 공립학교에서 모집한 250명의 어린이들로 구성된 출연진과 함께 발레 공연을 무대에 올리는 프로젝트를 기록하고 있다.^[106]The Australian Ballet이 방가라 무용극장과 연계한 Retes(2008)에서는 지구, 공기, 불, 물의 원소에 대한 원주민들의 인식이 특색이다.^[107]

콘서트 공연

1914년 2월 18일 The Rite는 Sarge Koussevitzky 휘하의 상트페테르부르크에서 첫 콘서트 공연(발레 없는 음악)을 받았다.^[108]그해 4월 5일 스트라빈스키는 카지노 드 파리 공연장에서 콘서트 작품으로 르 사크레의 대중적인 성공을 직접 체험했다.공연이 끝난 후, 다시 몬테우스의 휘하에서, 작곡가는 그의 추종자들의 어깨에 기대어 홀에서 승리감에 휩싸였다.^[109]The Rite는 1921년 6월 7일 유진 구센스 휘하의 런던 퀸즈 홀에서 첫 영국 콘서트 공연을 가졌다.미국의 초연은 1922년 3월 3일, 스토코프스키가 필라델피아 오케스트라 프로그램에 포함시켰을 때 일어났다.^[110]구센스는 1946년 8월 23일 시드니 타운홀에서 시드니 심포니 오케스트라의 객원 지휘자로 The Rite를 호주에 소개하는 역할도 맡았다.^[111][112]

스트라빈스키 감독은 1926년 암스테르담의 콘체르테보우 오케스트라가 주창한 연주회에서 이 작품을 처음 지휘했다.^[30][113] 2년 후 그는 이 작품을 파리의 살레 플라이엘로 가져와 지휘봉을 잡고 두 번의 공연을 했다.이 때 그는 나중에 이렇게 썼다. "모든 종류의 오케스트라에서 얻은 경험 덕분에...나는 내가 원하는 것을 원하는 대로 정확히 얻을 수 있는 지경에 도달했다."^[114]평론가들은 이 작품이 무대에서보다 공연장에서 더 큰 영향을 미쳤다는 데 대체로 동의하고 있다; 스트라빈스키의 음악 수정은 극장을 염두에 둔 것이 아니라 공연장을 염두에 둔 것이 많았다.^[115]이 작품은 모든 일류 오케스트라의 레퍼토리에 주류가 되었으며, 레너드 번스타인에 의해 "20세기의 가장 중요한 음악 작품"^[116]으로 인용되었다.

초연 50년 만인 1963년 몬테ux(당시 88세)는 런던 로열 앨버트 홀에서 기념 공연을 하기로 합의했다.작곡가의 절친한 친구인 이사야 베를린에 따르면 스트라빈스키 씨는 자신의 음악이 "저 무서운 도살자에게 살해되는 것을 들을 생각이 없다"고 그에게 알렸다.대신에 그는 코벤트 가든에서 모차르트의 오페라 "피가로의 결혼"의 그날 저녁 공연 티켓을 준비했다.스트라빈스키는 친구들의 압력에 눌려 1막이 끝난 후 오페라를 떠나도록 설득되었다.그는 The Redy의 공연이 끝나가고 있을 때 알버트 홀에 도착했다;^{[n 8]} 작곡가와 지휘자는 알지 못하고 열광적으로 환호하는 청중들 앞에서 따뜻한 포옹을 나누었다.^[118]몬테우스의 전기작가 존 카나리나(John Canarina)는 이날 저녁까지 스트라빈스키가 "몬테우스는 지휘자들 사이에서 거의 홀로 레테를 깎아내리지도 않고 그 속에서 자신의 영광을 찾지도 않았으며, 평생 최고의 충실함으로 연주를 계속했다"^[119]고 주장했다고 기록하면서 다른 기울기를 제공한다.

음악

일반 문자

논평가들은 종종 "The Rite"의 음악을 생생한 용어로 묘사했다; 폴 로젠펠드는 1920년에 "엔진의 리듬, 나사와 플라이휠 같은 회전과 소용돌이, 금속을 쓰는 것과 같은 갈림길과 오그라드는 소리"라고 썼다.^[120]뉴욕 타임즈 비평가 도날 헤나한은 보다 최근의 분석에서 "황동기의 큰 바삭바삭하고 날카로운 화음과 팀파니의 천둥소리"를 언급하고 있다.^[121]작곡가 줄리어스 해리슨은 이 작품의 독특함을 부정적으로 인정했다. 스트라빈스키가 "음악이 수세기 동안 지속되어 온 모든 것에 대한 혐오감... 인간의 모든 노력과 진보는 무시무시한 소리를 위한 공간을 만들기 위해 휩쓸려 가고 있다."^[122]

The Firebird에서 스트라빈스키(Stravinskinski)는 비토날리티(두 개의 다른 키를 동시에 사용하는 것)를 실험하기 시작했다.그는 이 기술을 페트루시카에서 더 발전시켰지만, 분석가인 E.W.의 The Rite를 위해 그 모든 효과를 유보했다.화이트는 "논리적인 결론에 도달했다"^[123]고 설명했다.화이트는 또한 음악의 복잡한 연산 캐릭터를 관찰하는데, 듀플과 트리플 타임의 조합으로 강력한 불규칙 비트가 강력한 타악기로 강조된다.^[124]음악 평론가 알렉스 로스는 스트라빈스키가 러시아의 전통 민속 자료를 악보에 각색하고 흡수하는 불규칙한 과정을 묘사했다.그는 "그것들을 동기적 비트로 분해하고 층을 쌓아 입체적 콜라주와 몽타주로 재조립하는 작업을 진행했다"^[125]고 말했다.

작업 기간은 약 35분이다.

계측

점수는 다음과 같은 악기로 구성된 대형 오케스트라를 필요로 한다.

큰 오케스트라에도 불구하고, 대부분의 점수는 개별 악기와 작은 그룹이 뚜렷한 역할을 하면서, 실내 패션을 사용한다.^[49]

제1부: 지구의 숭배

오프닝 멜로디는 매우 높은 곡의 솔로 바순에 의해 연주되는데, 이것은 악기를 거의 식별할 수 없게 만든다;^[128] 점차 다른 목관악기들이 울리고 결국 현악기로 결합된다.^[129]힐 차관보는 갑자기 멈추기 전에 소리가 점점 커져서 황홀하게 꽃망울을 터뜨리고 있는 것처럼 말한다.그때 오프닝 바순 솔로가 재현되어 지금은 세미톤을 낮게 연주했다.^[130]

첫 번째 춤인 "봄의 아우구스"는 E, G and, B의 삼합창에 겹쳐진 E♭ 지배적인 7을 바탕으로 경적과 현에서 반복적인 스탬핑 화음으로 특징지어진다.^[131]화이트는 스트라빈스키가 전체 작품의 초점이라고 생각한 이 바이탈 조합이 피아노에 고안되었다고 제안하는데, 구성 화음은 키보드의 손에 편안하기 때문이다.^[132]스탬프의 리듬은 스트라빈스키가 춤이 피로한 듯 붕괴로 끝나기 전,^[133] 박자를 오르내리며 끊임없이 억양을 옮겨가는 것에 의해 흐트러진다.^[129]알렉스 로스는^[133] 그 패턴을 다음과 같이 요약했다.

로저 니콜스의 말에 따르면, "첫눈에 볼 때, 도장 코드에 억양이 분포하는 패턴은 없는 것 같다.바 1의 초기 쿼버를 자연스러운 억양으로 받아들이면 9, 2, 6, 3, 4, 5, 3의 쿼버 그룹이 폭발한다.그러나 다음과 같이 두 그룹으로 나누면 이러한 임의의 숫자가 타당하다.

분명히 상위 라인은 감소하고 있고, 하위 라인은 증가하고 있으며, 각각 감소하고 증가하고 있다...스트라빈스키가 이런 식으로 그들을 해결했는지는 아마 우리는 결코 알 수 없을 것이다.그러나 서로 다른 리듬의 '순서'가 서로 간섭하여 명백한 혼란을 일으키는 방법은...전형적으로 스트라빈스키의 관념."^[134]

힐 차관보는 '납치사건의 역사'를 '가장 무서운 음악 사냥'^[135]이라고 표현했다.느리고 힘겨운 주제가 점차 불협화음인 에피소드 본곡의 '괴상한 캐리커처'인 포티시모로 올라가는 '봄 라운드'를 알리는 일련의 플룻트레일로 끝을 맺는다.^[129]

놋쇠와 타악기는 "적극 부족의 역사"가 시작되면서 더욱 두드러진다.테너와 베이스 튜바에 한 곡조가 나타나며, 세이지의 행렬의 엔트리를 한참 반복한 후에 이끈다.^[129]그 후 세이지가 지구를 축복하면서 음악은 "색깔이 없는" (힐)^[136]이라는 사실상 중단된다.그리고 나서 "지구의 춤"이 시작되는데, 힐이 "깜짝이고 잔인한 절단"이라고 묘사한 것에서 갑자기 종지부를 찍는 극한의 구절들이 1부를 마무리 짓게 된다.^[137]

제2부:희생

제2부는 전임자보다 응집력이 크다.힐은 이 음악을 소개의 시작부터 마지막 춤의 결론까지 이어지는 호를 따르는 것으로 묘사하고 있다.^[137]목관악기와 음소거된 트럼펫은 도입부 전반에 걸쳐 두드러지게 나타나며, 이 트럼펫은 현악기와 플룻에 대한 다수의 상승 캐드로 끝난다."Mystic Circles"로의 전환은 거의 감지할 수 없다. 이 섹션의 주요 테마는 서론에서 미리 구성되었다.버거가 주문 콜에 비유하는 크고 반복되는 화음이 희생자를 선택하는 순간을 알린다.'선택한 자의 영광'은 짧고 폭력적이며, 이어지는 '선조의 퇴위'에서는 짧은 구절들이 북소리에 섞여 있다.'조상들의 좌충우돌 행동'은 조용히 시작하지만, 일련의 클라이맥스에 서서히 쌓이다가 갑자기 에피소드를 시작한 조용한 구절 속으로 가라앉는다.^[129]

마지막 전환은 "Sacrificial Dance"를 소개한다.이것은 비록 다소 거친 순간을 담고 있지만 제1부를 끝냈던 사치스러운 춤보다 더 단련된 의식으로 쓰여져 오케스트라의 큰 타악기 부분이 완전한 목소리를 내었다.스트라빈스키 씨는 특히 작업을 마무리하는 마지막 막대기로 이 구간에서 어려움을 겪었다.갑작스러운 결말은 몇몇 비평가들을 불쾌하게 만들었고, 그들 중 한 명은 음악이 "갑자기 그쪽으로 넘어졌다"고 썼다.스트라빈스키 자신은 마지막 화음을 "소음"이라고 비하하는 말로 언급했지만, 이 부분을 수정하거나 다시 쓰려는 그의 다양한 시도에서, 더 수용 가능한 해결책을 도출할 수 없었다.^[84]

영향과 적응

음악사학자 도날드 제이 그라우트는 다음과 같이 썼다: "사크레는 의심할 여지없이 20세기 초의 가장 유명한 작곡이다.그것은 폭발의 영향을 받아서 음악 언어의 요소들을 흩뜨려서 다시는 예전처럼 합칠 수 없게 되었다."^[21]학계 및 비평가인 얀 스마즈니(Jan Smaczny)는 번스타인을 반향하는 이 작품을 20세기 가장 영향력 있는 작품 중 하나로 꼽으며 "연주자와 청취자들에게 끝없는 자극"을 제공하고 있다.^[116][138]Taruskin보다 it—certainly에 몰두해 왔다 책의 너희 가운데 제전의 독특한 형태의 그 흔적 중은 숫자는 어떤 다른 발레에, 어떤 다른 개인 음악 작곡 아마에 몰두해 왔다 쓴대그의에서 가장 중요한 순간"켈리에 따르면 1913년 초연으로 간주될 수 있[139]"the.20세기 음악의 토리" 그리고 그 반향은 21세기에 계속 울려 퍼진다.^[140]로스는 "The Retrie"를 예언적인 작품으로 묘사하며, 고전적인 구성에서 "제2의 아방가르드" 시대로, 즉 "마음보다는 신체의 음악"으로, "마음의 패턴을 따르고, 리듬은 춤의 에너지와 어울릴 것이다... 춤은 실제로 살아 있는 그대로의 삶의 경직성을 가질 것이다"라고 말했다.^[141]그 작품은 음악에서 모더니즘의 첫 사례로 간주되고 있다.^[142]

The Rate의 영향을 가장 많이 받은 20세기 작곡가들 중에는 스트라빈스키의 근현대적인 에드가르드 바레스가 1913년 초연에 참석했었다.로스에 따르면 바레스는 특히 더 리테의 "크루엘 하모니와 자극적인 리듬"에 끌렸는데, 이 리듬은 그가 연주 작품인 아메리케스(1921년)에서 완전한 효과를 발휘하기 위해 고용한 것으로, 사자의 포효와 울부짖는 사이렌을 포함한 음향 효과가 더해진 대규모 오케스트라를 위해 작곡했다.^[143][144]스트라빈스키가 전자의 학창 시절에 특별한 영감을 준 애런 코플랜드는 <리테>를 "탈퇴한 억양과 다음화음의 10년"을 만들어낸 걸작이라고 여겼다.^[145]코플랜드는 스트라빈스키의 작곡 기법을 도입하여 처음부터 끝까지 작업하기보다는 작은 부분들로 짜고 다시 편곡하였다.^[146]로스는 코플랜드의 발레 빌리 더 키드의 음악을 "The Retrie"의 "Spring Rounds" 섹션에서 직접 나온 것으로 인용한다.^[147]올리비에 메시아엔 더 굿은 특별한 의미가 있었다; 그는 끊임없이 작품을 분석하고 상세히 설명했고, 그것은 그에게 리듬을 추구하는 것과 재료의 조립을 위한 지속적인 모델을 제공했다.^[148]스트라빈스키는 그 작품에 대해 지나치게 지적인 분석에 회의적이었다."그 남자는 모든 음에 대한 이유를 찾아냈고 3페이지의 클라리넷 선이 19페이지의 경적 대위점이라는 것을 발견했다.그는 피에르 불레즈의 이 문제에 대한 질문에 "그런 생각은 전혀 하지 않았다"고 답한 것으로 알려졌다.^[149]

시사회가 끝난 후 작가 레온 발라스는 스트라빈스키가 1940년에 듣기에 적합한 음악을 30년 전에 작곡했다고 말했다.공교롭게도 월트 디즈니가 스토코프스키가 지휘하는 The Rite의 음악과 다른 고전 작품들의 음악을 이용한 애니메이션 장편 영화인 판타지아를 발매한 것은 그 해였다.^[140]영화의 Retri 부분은 지구의 선사시대를 묘사했는데, 생명체의 창조와 함께 공룡의 멸종을 피날레로 이끌었다.이 영화에 감명받은 사람들 중에는 후에 작곡가, 지휘자, 재즈 학자인 군터 슐러가 있었다.그는 "스트라빈스키가 수백 명 혹은 수천 명의 음악가들이 '봄의 제례'에 출연하게 된 것을 감사하게 생각하길 바란다"고 말했다.'판타지아'를 통해, 그렇지 않으면 이 작품을 들어본 적이 없을지도 모르는 음악가들, 혹은 적어도 몇 년이 지난 후에야 들을 수 있을 것이다."^[150]후에 스트라빈스키가 각색을 싫어한다고 주장했지만, 로스의 말에 따르면, 당시 스트라빈스키는 어떤 비판적인 말도 하지 않았다고 한다; 로스에 따르면, 작곡가인 폴 힌데미스는 "Igor가 그것을 좋아하는 것 같다"^[151]고 관찰했다.

녹음

1929년 The Redy의 첫 축음기 음반 녹음본이 발행되기 전에 스트라빈스키가 아이올리언 컴퍼니의 런던 지부를 위해 피아노 버전을 제작하는 것을 도왔다.^[152]그는 또한 프랑스 피아노 회사 플라이엘이 제조한 플라이엘라를 위해 훨씬 더 포괄적인 편곡을 만들었고, 1921년 4월과 5월에 두 개의 계약을 맺었으며, 그 아래 그의 초기 작품들 중 많은 것들이 이 매체에 재현되었다.^[153][154]《봄의 의식》의 플리엘라 버전은 1921년에 발행되었다. 영국의 피아니스트 렉스 로슨은 1990년에 이 형태로 이 작품을 처음 녹음했다.^[155]

1929년 스트라빈스키와 몬테ux는 The Redy의 첫 관현악 축음기 녹음을 하기 위해 서로 경쟁했다.스트라빈스키가 컬럼비아 레이블을 위한 녹음에서 로체스트레 데 콘서트 스트라람을 이끄는 동안, 동시에 몬테ux는 HMV 레이블을 위해 그것을 녹음하고 있었다.스토코프스키의 버전은 1930년에 그 뒤를 이었다.스트라빈스키가 1940년과 1960년에 두 개의 레코드를 더 만들었다.^[155][156]비평가 에드워드 그린필드에 따르면 스트라빈스키가 기술적으로 훌륭한 지휘자는 아니었지만, 1960년 컬럼비아 심포니 오케스트라와의 녹음에서 이 작곡가는 "특출한 추진력과 복원력"^[157]으로 연주에 영감을 주었다고 그린필드는 말한다.로버트 크래프트와의 대화에서 스트라빈스키는 1960년대에 만들어진 "The Rety"의 여러 녹음 파일을 검토했다.그는 헤르베르트 폰 카라얀이 베를린 필하모닉에서 1963년 녹음한 곡은 훌륭하다고 생각했지만 "연주는 너무 세련되고 실제 연주라기 보다는 야만적이다"라고 말했다.스트라빈스키는 국립 관현악단(1963년)의 피에르 불레스가 "내가 기대했던 것보다 덜 훌륭했다"고 생각했다."매우 나쁜 템피와 맛없는 변화들"그는 1962년 모스크바 국립 심포니 오케스트라의 녹음으로 "맞다"는 러시아어처럼 들리는 음악을 만들었다고 칭찬했지만 스트라빈스키의 결론은 이 세 공연 중 어느 것도 보존할 가치가 없다는 것이었다.^[158]

2013년 현재 상업적으로 이용할 수 있는 The Reth의 음반은 100개가 훨씬 넘었고, 더 많은 음반들이 도서관 음향 기록 보관소에 보관되어 있었다.20세기 전체 뮤지컬 작품 중 가장 많이 기록된 작품 중 하나가 되었다.^[155][159]

에디션

첫 번째로 발표된 점수는 1913년의 4핸드 피아노 편곡(Edition Russe de Musique, RV196)이다.1914년 8월 전쟁이 발발하면서 관현악 전곡의 발간이 금지되었다.1920년 7년간 음악을 듣지 못했던 스트라빈스키가 이 작품의 부활 후, 1921년 마침내 출판된 악보에 대해 수많은 수정을 가했는데(Edition Russe de Musique, RV 197/197b. Lig and Pocket Score)이다.^[30][160]

1922년 베를린에서 이 작품을 공연할 준비를 하던 안세르메트는 스트라빈스키에게 출판된 점수에서 발견한 오류 목록을 보냈다.^[160]스트라빈스키가 1926년 콘체르테보우 오케스트라와 함께 그 해 공연을 준비하기 위한 일환으로 '조상의 퇴위' 부분을 다시 쓰면서 '성스러운 춤'에 상당한 변화를 주었다.이러한 개정의 정도는 앤서메트의 권고와 함께 스트라빈스키를 확신시켜 새로운 판이 필요하다는 것을 확신시켰고, 이는 1929년에 크고 주머니 같은 형태로 나타났다.그러나, 그것은 앤서메트의 모든 수정안을 포함하지 않았고, 혼란스럽게 1921년 판의 날짜와 RV 코드를 포함하고 있어, 신판을 식별하기 어렵게 했다.^[30]

스트라빈스키가 계속해서 작품을 수정했고, 1943년에 "Sacrificial Dance"를 다시 썼다.1948년, Boosey & Hawkes는 스트라빈스키의 "Sacrificial Dance"에 대한 상당한 1943년 개정된 "Sacrificial Dance"가 새로운 버전에 편입되지 않고 계속 미완성 상태임에도 불구하고 1929년 악보의 수정판(B&H 16333)을 발표하여 작곡가의 실망을 샀다.그는 이전 버전보다 "연주가 훨씬 더 쉽고 균형과 소수에서 우위에 있다"고 생각했다.^[160]개정판과 개정판의 음악적 동기는 저작권법이었다.이 작곡가는 당시 연합음악출판사로 갤럭시뮤직코퍼레이션(출판사 러세 데 라 뮤지크)을 떠났고, 오케스트라는 2개의 출판사로부터 2차 대여료를 지불하는 것을 꺼려했으며, 개정된 춤은 출판만 할 수 있었다.미국에서 에드1948년 점수는 그것이 소멸된 미국에서 저작권을 보호해 주었지만, 부세이(판본 러세 카탈로그를 취득한)는 수정된 피날레에 대한 권리를 가지고 있지 않았다.^[161]

1948년에 개정된 1929년 점수는 The Retri의 가장 현대적인 공연의 기초를 이룬다.부시와 호크스는 1965년에 1948년 판을 재발행하였고, 1967년에 새로 새긴 판(B&H 19441)을 제작하였다.이 회사는 1952년(B&H 17271)에 1913년 피아노 감산에 대한 수정되지 않은 재인쇄와 1967년에 1929년 개정된 피아노 버전을 통합한 개정판도 발행했다.^[30]

Paul Sacher Foundation은 Boosey & Hawkes와 함께 2013년 5월에 The Rite의 100주년 기념행사의 일환으로 초기 공연에서 사용되는 1913년 사인 악보를 출판하려는 그들의 의도를 발표했다.수십 년 동안 러시아에 보관된 후, 이 사인 점수는 1947년 Boosey & Hawkes에 의해 획득되었다.그 회사는 1962년 스트라빈스키의 80번째 생일에 그 점수를 주었다.1971년 작곡가가 사망한 후, 그 원고는 폴 새셔 재단에 의해 취득되었다.사인곡뿐만 아니라 원고 피아노 사수곡도 출간했다.^[162][163]

칼머스 뮤직 퍼블리셔스는 2000년 전 필라델피아 오케스트라 사서였던 클린트 니웨그가 21,000개 이상의 악보와 부분을 정정하는 판을 내놓았다.이후 공개된 에라타 리스트에는 310여 건의 수정 사항이 추가됐으며, 이는 2013년 현재 작품의 가장 정확한 버전으로 평가된다.^{[164][better source needed]}

참고 및 참조

메모들

인용구

원천

추가 읽기

• Hodson, Millicent (1996). Nijinsky's Crime Against Grace: Reconstruction of the Original Choreography for Le Sacre du printemps. Pendragon Press.

외부 링크

위키미디어 커먼즈에는 르 사크레 듀 프린템프스와 관련된 미디어가 있다.

Wikiquote는 다음과 관련된 인용구를 가지고 있다.봄의례

• "100년 전: 로버트 크래프트의 봄의례에 관한 이고르 스트라빈스키, 타임즈 문학 부록, 2013년 6월 19일
• 멀티미디어 웹 사이트 – 점수 기록: 음악계의 혁명:스트라빈스키의 봄의례
• 작곡가가 MP3 형식으로 수행한 첫 1929년 관현악 녹음
• 이사벨라 스튜어트 가드너 박물관의 조나단 비스와 제레미 덴크가 MP3 형식으로 작곡한 스트라빈스키의 4손 피아노 편곡 연주
• 봄의례: 국제음악점수도서관 프로젝트에서의 점수
• 봄의 제례: 톰 서비스, 가디언의 '미친자의 일' 2013년 2월 13일
• BBC 프롬스 2011 스트라빈스키의 봄의례