의상 디자인

Costume design
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Gianetta 의상 디자인 - The Gondoliers
시리즈의 일부
의상
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배경
사회와 문화
설계.
요소 및 방법
전통적인.
연극의
기간
아이들.
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어워드
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박물관

의상 디자인은 캐릭터나 연기자의 전체적인 외모를 위해 옷을 만드는 것이다.의상은 국가, 계급 또는 시대에 특화된 복장의 스타일을 나타낼 수 있다.많은 경우, 그것은 특정 연극 또는 영화 제작에만 고유한 예술적, 시각적 세계의 충만함에 기여할 수 있다.가장 기본적인 디자인은 상태를 나타내거나, 보호 또는 겸손함을 제공하거나,[1] 캐릭터에 시각적 관심을 제공하기 위해 제작됩니다.의상은 극장, 영화관 또는 음악 공연을 위한 것일 수 있지만 이에 국한되지 않을 수 있습니다.의상 디자인은 단순히 기존의 옷을 바꾸는 의상 코디네이션과 혼동해서는 안 되지만, 둘 다 무대 의류를 만들어낸다.

연극 디자인에는 역사, 판타지, 무용, [2]모던의 네 가지 의상이 사용된다.

역사

디오니소스를 기리는 마을 축제 및 행렬(참조 항목:디오니시아)는 고대 그리스인들 사이에서 연극, 즉 연극 의상의 기원으로 여겨진다.조각과 꽃병 그림은 이 [1]의상에 대한 가장 명확한 증거를 제공한다.그들의 의례적인 연극 스타일 때문에 많은 가면들이 각 캐릭터들에게 특정한 모습을 보여주며 사용되었고, 희극적인 목적으로 사용되었는지 아니면 극적인 목적으로 사용되었는지에 따라 다양했다.가면을 [3]바꾸지 않고 감정의 변화를 나타내기 위해 같은 얼굴에 명랑하고 진지한 모습으로 만들어진 가면도 있다.탈의 전통을 이어온 로마인들도 마찬가지여서 역할 분담이 용이해졌다.

중세 후반 유럽에서는 성경 이야기의 극적인 연출이 널리 행해졌고, 그래서 전통적인 비잔틴 궁정 복장에서 양식화된 실제 기독교 복장은 공연을 가능한 [1]한 사실적으로 유지하기 위해 의상으로 착용되었다.이런 스타일의 연극에서 의상 배우들은 정형화된 성격 묘사가 핵심이었다.대부분의 경우, 배우들은 일상생활에서 [4]볼 수 있는 캐릭터를 연기할 때 자신만의 의상을 제공해야 했다.

후에, 1500-1600년대 영국에서 엘리자베스 시대의 공연에서, 의상은 가장 중요한 시각적 요소가 되었다.옷은 최고급 직물만 사용되었기 때문에 매우 비쌌다.대부분의 캐릭터들은 엘리자베스 시대의 패션으로 옷을 입었고, 그렇지 않으면 의상은 5가지 범주로 나눌 수 있었다; "Antique"는 다른 시대를 나타내기 위해 사용된 유행에 뒤떨어진 옷; "Antique"는 고전적인 캐릭터를 구별하기 위해 현대 의류에 더 오래된 추가물; 초자연적 또는 주장을 위한 꿈과 같은 "환상의" 옷.오럴 캐릭터: 로빈 후드 등 소수의 특정 인물만을 대표하는 "전통적인" 의상 또는 특정 그룹의 사람들을 구분하기 위해 의도되었지만 역사적으로 [5]정확하지 않은 경향이 있는 "국가적 또는 인종적" 의상.

1727년 아드리엔 르쿠브뢰르가 비극을 위해 훨씬 정교하고 격식을 갖춘 궁정 드레스를 채택하기 전까지는 보통 유행하는 옷이 코미디와 비극 모두에서 사용되었습니다.그녀의 연습은 곧 모든 비극적인 여주인공들에게 표준이 되었다." 주요 배우들은 누가 가장 호화로운 무대 의상을 입을 것인지를 놓고 서로 경쟁하기 시작했다.이 관습은 의상이 캐릭터와 다시 관련성을 갖게 된 1750년대까지 지속되었다.예술은 삶을 모방하기 시작했고 특히 19세기 동안 현실적인 특징이 선호되었다.예를 들어, 두 번째 작센 메이닝겐 공작 게오르크는 극장에 개인적인 관심을 가지고 극단을 관리하기 시작했다.그는 대본과 시기의 진위성과 정확성을 주장했고, 그래서 배우들이 그들 자신의 의상을 조작하는 것을 거부했습니다.그는 또한 실제 쇠사슬, 갑옷, 칼 등을 사용하여 재료들이 진품이고 구체적임을 확인했습니다.어떤 값싼 대체품도 [7]허용되지 않을 것이다.

1823년 8월, The Album의 호에서 제임스 플랜치는 셰익스피어 연극의 시대, 특히 의상에 관해 더 많은 관심을 기울여야 한다는 기사를 실었다.같은 해, 가벼운 대화가 플랑쉐의 영국 연극에 대한 더 지속적인 효과 중 하나로 이어졌다.그는 찰스 켐블, 코벤트 가든의 매니저 한 반면, 1000파운드를 자주 크리스마스 팬터마임이나 부활절 광경에 받아 있다며 객관적인 셰익스피어의 연극 무대에 임시 변통의 풍경으로,고 최고의에서, 주인공을 위한 새로운 드레스나 둔다는 것을 관찰했습니다.야의"켐블[8][9]"saw 가능한 이점이다.도시의 입맛을 사로잡고 있는 직장의 가전제품"이라며 연구를 수행하고 의상을 디자인하고 제작을 [10]감독할 경우 곧 제작될 존 왕의 코스트 제작권을 플랑체에게 주기로 합의했다.Planche는 이 지역에 대한 경험이 거의 없었고 Francis Douce와 Sir Samuel Meyrick과 같은 고대 유물들의 도움을 구했다.관련된 연구는 Planché의 잠재적인 고서적 관심사에 불을 붙였습니다; 이것들은 [11]그의 삶의 후반기에 점점 더 많은 시간을 차지하게 되었습니다.

배우들의 의구심에도 불구하고, 존 왕은 성공을 거두었고 켐블과 플랜체(헨리 4세, 1부, 오델로, 심블린, 줄리어스 [11]시저)에 의해 비슷한 의상을 입은 많은 셰익스피어 작품들로 이어졌다.비록 햄릿과 베니스의 상인이 역사적으로 정확한 의상 디자인으로 제작되었다는 증거는 없지만, 존 왕, 헨리 4세, 오델로, 햄릿, 베니스의 상인의 디자인과 그림이 출판되었다.Planche는 또한 역사적으로 정확한 의상으로 무대에 올려진 많은 연극이나 각색 작품들을 썼다.[12]1830년 이후, 그는 여전히 시대 의상을 사용했지만, 연극에서의 그의 작품에 대해 더 이상 역사적 정확성을 주장하지 않았다.존 왕에 대한 그의 작업은 거의 한 [13]세기 동안 지속된 "19세기 무대 [12]관행의 혁명"을 가져왔다.

1923년 영국 [14]배리 잭슨의 버밍엄 레퍼토리 극장에서 H. K. 에일리프가 연출한 셰익스피어 연극의 혁신적인 현대 의상 시리즈 중 첫 번째 작품인 심벌린이 개봉했다.

프랑스 르 카테우 캉브레시의 역사적 의상

중국 연극, 특히 북경 오페라에서 의상은 매우 중요하다.그것들은 대개 무늬가 짙고 색깔이 크다.기준 품목은 최소 300개로 구성되며 배우들의 캐릭터 유형, 나이, 사회적 지위를 장식, 디자인, 색채, 액세서리를 통해 묘사한다.빨간색은 충성과 높은 지위를, 노란색은 왕족을, 짙은 진홍색은 야만인이나 군사 [15]조언자를 상징적으로 사용합니다.상징적 의미는 엠블럼에 사용된 디자인에서도 찾을 수 있다.예를 들어, 호랑이는 힘과 남성적인 힘을 상징합니다.의류의 대부분은 계급에 상관없이 풍부하고 고급스러운 소재로 만들어졌다.메이크업은 또한 상징적으로 사용되며 전체적인 룩에 매우 중요합니다.

일본의 drama drama는 가면과 의상의 두드러진 면을 항상 사용한다.그것들은 나무로 만들어졌고 대개 몇 세대에 걸쳐 사용된다.남성, 여성, 노인, 신, 괴물 등 5가지 기본 유형이 있으며,[16] 그 종류도 다양합니다.가면은 연극 내내 자주 바뀐다.일본 연극의 또 다른 형태인 가부키에서 배우들은 가면을 쓰지 않고 전체적인 외모를 화장하는 데 크게 의존한다.특징이 과장되거나 제거되고 일부 운동 역할의 경우 근육 구조가 특정 패턴으로 윤곽을 드러냅니다.전통적인 의상은 극적인 효과를 위해 변형된 역사적 의상에 기초하여 각각의 역할에 사용된다."어떤 의상은 무게가 50파운드나 나가는데, 무대 승무원은 무대 위에서 배우들을 도와서 제대로 정돈해 줍니다."

설계 프로세스

의상 디자인 과정은 많은 단계를 수반하며 장르마다 다르지만 기본적인 방법이 일반적으로 사용됩니다.

2016년 모차르트의 마술피리 뉴질랜드 오페라 작품 리사 홈스의 의상 디자인 도면

1. 분석:

첫 단계는 대본, 작곡, 안무 등을 분석하는 것이다.쇼의 의상 매개 변수가 설정되고 대략적인 의상 플롯이 생성됩니다.코스튬 플롯은 어떤 캐릭터가 어떤 장면에 있는지, 언제 배우가 바뀌는지, 그리고 대본에서 언급되는 의상이 무엇인지 개략적으로 설명합니다.

2. 디자인 콜라보레이션:모든 디자이너가 디렉터와 만나는 프로세스의 중요한 단계입니다.쇼가 어디로 향하고 있는지 분명히 이해해야 한다.디자이너들은 쇼의 주제와 관객이 쇼에서 어떤 메시지를 얻기를 원하는지에 대해 감독님과 같은 생각을 합니다.

3. 코스튬 리서치: 디렉터와 디자이너가 마음이 맞는다면, 다음 단계는 의상 디자이너가 연구를 모으는 것입니다.의상 디자이너들은 대개 연극이 벌어지는 세계를 확립하기 위한 연구를 찾는 연극 연구의 세계에서부터 시작한다.이것은 디자이너들이 세계의 규칙을 확립하고 캐릭터를 더 잘 이해할 수 있도록 도와줍니다.그리고 나서 디자이너는 각각의 캐릭터에 대한 광범위한 조사를 통해 그들의 의상을 통해 그들의 개성을 확립하려고 노력할 것입니다.

프라하 극장의 의상 작업장에서 창작하는 여자.

4. 예비 스케치 및 색상 레이아웃:일단 충분한 정보를 얻으면, 의상 디자이너들은 예비 스케치를 만드는 것부터 시작합니다. 매우 빠른 스케치부터 시작해 디자이너는 쇼가 어떻게 구성되고 세계의 규칙이 유지되고 있는지에 대한 기본적인 아이디어를 얻을 수 있습니다.의상 디자이너는 좀 더 상세한 스케치를 하고 캐릭터의 구체적인 의상과 색상을 알아낼 것입니다.스케치는 그들에게 너무 많은 시간을 할애하지 않고도 쇼를 전체적으로 볼 수 있도록 도와준다.

5. 최종 스케치:의상 디자이너와 디렉터가 의상에 대해 합의하고 아이디어가 완전히 떠오르면 디자이너는 최종 스케치를 작성합니다.이것은 렌더링이라고 불리며 보통 수채화나 아크릴 물감으로 그려집니다.이 마지막 스케치는 디자이너가 캐릭터가 어떻게 생겼으면 하는지와 의상 색깔을 보여준다.

[18]

생산 공정

모슬린 원단을 드레스 폼에 드레이핑하는 예

일단 쇼가 기획되면, 아이템이 어디서 조달될지 계획을 세울 필요가 있다.4가지 옵션이 있습니다.의류는 다음과 같습니다.

  • 풀(Pull)은 코스튬샵 재고에서 검색되는 것을 말합니다.
  • 대여
  • 쇼핑했다
  • 조립 또는 주문 제작이라고도 합니다.

의류를 제작하기 시작하는 방법은 패턴 드래프트 또는 드레이프 두 가지가 있으며, 두 가지 방법이 함께 사용되는 경우가 많습니다.패턴 초안은 배우의 측정에서 개발된 기본 패턴 블록 세트를 사용하여 시작합니다.먼저 종이에 그려서 천으로 옮긴 다음,[19] 끼워 맞춤을 테스트하기 위해 함께 바느질합니다.

드레이핑은 배우와 밀접하게 관련된 치수가 있는 드레스 형태나 마네킹 위에 있는 천 조각을 조작하는 것을 포함한다.납작한 천 조각을 잘라내고 핀으로 고정하여 원단을 입체적인 신체에 맞게 성형하는 공정입니다.

하지만 일단 만들어진 의상은 아직 "작업"이 끝나지 않았다.의상의 가장 중요한 측면은 그들이 배우들의 연기나 무대에서의 기능에 영향을 미치는 방식이다.최고의 의상 디자이너들은 [20]의상의 시각적, 공간적 조건을 평가한 후 독창적인 아이디어를 만들어냅니다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ a b c Eubank, Tortora, Keith, Phyllis G. (2005). Survey of Historic Costume. New York: Fairchild Publications. p. 1.
  2. ^ Grimball and Wells, Elizabeth B. and Rhea (1925). Costuming a Play: Inter-Theatre Arts Handbook. The Century Co. p. 6. ASIN B0000D5ITV.
  3. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 53. ISBN 0-205-47360-1.
  4. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 96. ISBN 0-205-47360-1.
  5. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 125. ISBN 0-205-47360-1.
  6. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 254. ISBN 0-205-47360-1.
  7. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 358. ISBN 0-205-47360-1.
  8. ^ 부고, 뉴욕타임스, 1880년 6월 15일자, 페이지 3
  9. ^ 제임스 로빈슨 플랜치의 의상 디자인인 라인하르트는 1823년 8월, pp298-304에 실린 서한에서 셰익스피어의 연극의 제작 과정에 더 많은 관심을 기울일 것을 요구하는 'P'만 서명했고 모든 장소와 시기를 수용할 수 있는 의상 시스템을 제안했다고 주장한다.
  10. ^ 뉴욕 타임즈 부고 기사요존 왕을 위한 연극 빌은 이 연극이 "찬성과 후원"을 만나면 더 많은 셰익스피어 연극이 "똑같이 화려하고, 참신하고, 흥미로운 스타일로 차려입어라" 상연될 것이라고 말한다.
  11. ^ a b 라인하르트, James Robinson Planché의 의상 디자인, p526-7
  12. ^ a b 로이, 옥스퍼드 국립 전기 사전
  13. ^ Granville-Barker, Exit Planché—길버트 입력, 페이지 107
  14. ^ Morris, Sylvia (2012-01-13). "Innovating in Birmingham: Barry Jackson and modern dress Shakespeare". The Shakespeare blog. Retrieved 2012-03-21.
  15. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 201. ISBN 0-205-47360-1.
  16. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 206. ISBN 0-205-47360-1.
  17. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). History of the Theatre. USA: Pearson Education Inc. p. 211. ISBN 0-205-47360-1.
  18. ^ Covey, Ingham, Liz, Rosemary (1992). The Costume Designer's Handbook. Portsmouth, NH: Heinemann. pp. 15–100.
  19. ^ Covey, Ingham, Liz, Rosemary (2003). The Costume Technician's Handbook. Portsmouth, NH: Heinemann. p. 98.
  20. ^ Lugli, Emanuele. "Costume as Appearance: A Study in the Modalities of Existence of Film Costumes".

외부 링크