이탈리아 르네상스 그림

이탈리아 르네상스 그림은 13세기 후반에서 시작해 15세기 초반에서 16세기 후반까지 번성했던 시기를 그린 그림으로, 그 당시 이탈리아 반도는 여러 정치국가로 나뉘어져 있었으며, 일부는 독립적이었지만 다른 일부는 외부 세력에 의해 지배되었다.르네상스 시대의 이탈리아 화가들은 종종 특정 궁정에 애착을 갖고 있고 특정 도시에 대한 충성심을 가지고 있지만, 그럼에도 불구하고 종종 외교적 지위를 차지하고 예술적이고 철학적인 ^[1]사상을 전파하며 이탈리아의 전역을 떠돌았다.

토스카나의 피렌체 도시는 르네상스, 특히 르네상스 회화의 발상지로 유명하지만, 후기 시대에는 로마와 베니스가 회화의 중요성을 더했다.르네상스 미술과 르네상스 건축의 동반기사에 상세한 배경이 제시되어 있다.

이탈리아 르네상스 그림은 종종 네 개의 시대로 나뉜다: 프로토 르네상스 (1300–1425), 초기 르네상스 (1425–1495), 전성기 (1495–1520), 그리고 매너리즘 (1520–1600)이 시기들의 연대는 이탈리아 회화의 전반적인 추세를 나타내며 개인 화가들의 삶과 그들의 개인적인 스타일이 겹쳤기 때문에 모든 화가들을 대상으로 하는 것은 아니다.

조르네상스기는 화가 지오토의 직업생활에서 시작되며 타데오 가디, 오르카냐, 알티치에로 등이 있다.초기 르네상스 스타일은 마사치오에 의해 시작되었고 이후 프라 안젤리코, 파올로 우첼로, 피에로 델라 프란체스카, 산드로 보티첼리, 베로키오, 도메니코 길란다이오, 조반니 벨리니에 의해 더욱 발전되었다.르네상스 전성기는 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로, 안드레아 델 사르토, 코레지오, 조르지오네, 조반니 벨리니의 후기 작품과 티티안의 시대였다.매너리즘 시대에는 폰토모, 파르미지아니노, 브론지노, 틴토레토뿐만 아니라 미켈란젤로의 후기 작품도 포함되어 있었다.

영향

이탈리아에서 르네상스 회화의 발전에 영향을 준 것은 철학, 문학, 건축, 신학, 과학, 정부 및 사회의 다른 측면에도 영향을 미쳤다.상기 주요 기사에서 보다 상세하게 다루어진 요점을 이하에 정리한다.

철학

수세기 동안 서유럽 학자들이 잃어버렸던 많은 고전 문서들이 이용 가능하게 되었다.여기에는 예술과 초기 기독교 신학에 관한 논문인 철학, 시, 드라마, 과학이 포함되었다.결과적으로 인문주의 철학에 대한 관심은 인간과 인간, 우주, 그리고 신과의 관계가 더 이상 교회의 전유물이 아니라는 것을 의미했다.고전에 대한 관심이 되살아나면서 건축가 브루넬레스키와 조각가 도나텔로의 로마 유적에 대한 최초의 고고학적 연구가 이루어졌다.고전적 선례를 바탕으로 한 건축 양식의 부활은 그림에 상응하는 고전주의를 불러일으켰고, 이것은 1420년대 초에 마사치오와 파올로 우첼로의 그림에서 나타났다.

과학기술

고전 문헌에 대한 접근과 동시에, 유럽은 비잔틴과 이슬람 학자들의 작품에서 그 근거를 가진 고급 수학에 접근할 수 있었다.15세기에 가동 활자 인쇄의 출현은 아이디어가 쉽게 전파될 수 있다는 것을 의미했고, 점점 더 많은 수의 책들이 대중을 위해 쓰여졌다.유화 물감의 개발과 이탈리아로의 유입은 그림 예술에 지속적인 영향을 미쳤다.

사회의

메디치 은행의 설립과 그에 따른 무역은 이탈리아 도시 피렌체에 전례 없는 부를 가져다 주었다.코시모 데 메디치는 교회나 군주제가 아닌 예술의 후원을 위한 새로운 기준을 세웠다.특히 지오토, 마사치오, 브루넬레스키, 피에로 델라 프란체스카, 레오나르도 다빈치, 그리고 미켈란젤로의 피렌체 지역 내에서의 우연한 존재는 많은 작은 예술가들이 특별한 ^[2]품질의 작품을 성취하도록 지원하고 격려하는 정신을 형성했다.

재능 있는 벨리니 가문, 그들의 영향력 있는 시댁 만테그나, 조르지오네, 티티안, 틴토레토를 ^[2][3][4]통해 비슷한 예술적 성취의 유산이 베니스에서 일어났다.

테마

르네상스 시대의 많은 그림들은 가톨릭 교회에 의해 또는 가톨릭 교회를 위해 의뢰되었다.이 작품들은 종종 대규모로 그려졌고 그리스도의 생애, 성모 생애 또는 성자의 생애, 특히 성자의 생애의 프레스코화에 자주 그려졌다. 아시시의 프란치스코.또한 구원을 주제로 한 우화들과 그것을 이루기 위한 교회의 역할도 많이 있었다.교회들은 또한 제단화를 의뢰했는데, 이 제단화들은 판넬에 템페라로 그리고 나중에 캔버스에 유화로 그려졌다.큰 제단화 외에도 교회와 개인 모두를 위해 작은 기도화들이 매우 많이 제작되었는데, 가장 일반적인 주제는 마돈나와 차일드이다.

그 기간 내내, 시민 위원회 또한 중요했다.지역 정부 건물들은 프레스코화와 엠브로지오 로렌제티의 선악 정부 알레고리 같은 세속적인 작품들과 시에나의 푸블리코 궁전에 있는 시몬 마르티니의 마에스타 프레스코 같은 종교 작품들로 장식되었다.

초상화는 14세기와 15세기 초에 흔치 않았는데, 대부분 시에나에서 1327년 시몬 마르티니의 기마 초상화와 15세기 초 피렌체 대성당의 우첼로의 존 호크우드, 그리고 카스피리아 델의 니콜로 다 톨렌티노의 동반자 초상화와 같은 시민 기념 사진들로 한정되었다.태그 번호

15세기에는 초상화가 보편화되었는데, 처음에는 공식적인 프로필 초상화가 많았지만 점점 더 4분의 3 얼굴, 가슴 길이의 초상화가 되었다.제단화나 프레스코화와 같은 예술 작품의 후원자들이 종종 장면에 포함되었고, 주목할 만한 예는 사세티 채플의 도메니코 길란다이오의 주기에 사세티와 메디치 가문이 포함된 것이다.초상화는 라파엘과 티티아누 같은 르네상스 시대 화가들의 주요 주제가 되었고 브론지노 같은 예술가들의 작품에서 매너리즘 시대로 이어지게 되었다.

휴머니즘의 성장과 함께, 예술가들은 특히 부유한 후원자들의 집 장식을 위한 의뢰를 이행하기 위해 클래식 테마로 눈을 돌렸습니다. 가장 잘 알려진 것은 보티첼리의 메디치 가문의 비너스 탄생입니다.점점 더, 고전적인 주제들은 시민 위원회에 적절한 우화적인 자료를 제공하는 것으로 여겨졌습니다.휴머니즘은 종교적 주제가 묘사되는 방식, 특히 미켈란젤로의 시스티나 성당 천장에 영향을 미쳤다.

다른 모티브는 현대 생활에서 따온 것인데, 때로는 우화적인 의미도 있고, 때로는 순전히 장식적인 의미도 있다.특정 가족에게 중요한 사건들은 만토바의 곤차가 가문을 위해 그린 카메라 드글리 스포시의 사건처럼 기록될 수 있다.1490년경 로렌조 코스타의 콘서트와 같은 정물화와 장식적인 장면들이 점점 더 많이 그려졌다.

중요한 사건들은 종종 Uccello의 San Romano 전투와 같은 그림들에 기록되거나 기념되었다. 이는 지역의 중요한 종교 축제였다.역사나 역사적 인물들은 종종 현재의 사건이나 사람들의 삶에 반영되는 방식으로 묘사되었다.초상화는 역사나 문학에 나오는 인물들을 가장하여 당대 인물들을 그린 경우가 많습니다.단테, 보라긴의 황금전설, 보카치오의 데카메론의 글은 테마의 중요한 원천이었다.

이 모든 주제에서, 점점 더, 그리고 거의 모든 화가들의 작품에서, 특정한 근본적인 화가의 실천이 개발되고 있었다: 자연에 대한 관찰, 해부학, 빛에 대한 연구, 그리고 원근법.^[2][3][5]

르네상스 시대 회화

13세기 토스카나 회화의 전통

13세기 후반 토스카나 지역의 예술은 피렌체의 치마부에와 시에나의 두치오라는 이탈리아-비잔틴 양식의 두 거장들에 의해 지배되었다.그들의 의뢰는 대부분 종교화였고, 그 중 몇몇은 마돈나와 아이를 보여주는 매우 큰 제단화였다.동시대의 화가인 시에나의 귀도, 코포 디 마르코발도, 그리고 학교의 기반이 된 신비로운 화가, 소위 성 베르나르디노의 마스터는 모두 매우 형식화되고 아이콘 ^[6]그림의 고대 전통에 의존하는 방식으로 작업했다.이러한 템페라 그림에서 많은 세부사항들은 주제, 예를 들어 마돈나와 그리스도 아이의 손의 정확한 위치는 그림이 보는 사람에게 불러온 축복의 성격에 의해 결정되었다.성모님의 머리와 어깨의 각도, 베일의 주름, 그리고 그녀의 이목구비가 정의된 선들은 수없이 많은 그림들에서 반복되었다.치마부에와 두치오는 그들의 동시대인인 로마의 ^[2]피에트로 카발리니처럼 더 큰 자연주의로 나아갔다.

지오토

전통적으로 플로렌스 북쪽 언덕에서 온 양치기 소년인 지오토는 시마뷰의 제자가 되어 ^[7]당대 가장 뛰어난 화가로 떠올랐다.피에트로 카발리니와 다른 로마 화가들에 의해 영향을 받았을 가능성이 있는 지오토는 그가 그린 그림들이 어떤 화가들의 전통에 기초하지 않고, 삶의 관찰에 기초했다.그의 동시대 동시대 인물들과 달리, 지오토의 형상은 입체적이다; 그들은 땅 위에 똑바로 서 있고, 눈에 띄는 해부학적 구조를 가지고 있으며, 무게와 구조를 가진 옷을 입고 있다.하지만 무엇보다도 지오토의 인물과 동시대 인물들이 다른 점은 그들의 감정이다.지오토의 얼굴에는 기쁨, 분노, 절망, 수치, 악의, 사랑이 담겨 있다.그가 파두아의 스크로베니 예배당에서 그린 그리스도의 생애와 성모 생애의 프레스코 벽화의 순환은 이야기 그림의 새로운 기준을 세웠다.그의 오그니산티 마돈나는 플로렌스 우피지 갤러리에서 치마부에의 산타 트리니타 마돈나, 두치오의 루첼라이 마돈나와 같은 방에 걸려 있는데, 이 세 작품 사이의 스타일적인 비교를 쉽게 ^[8]할 수 있다.지오토의 작품에서 분명한 특징 중 하나는 자연주의적 관점을 관찰하는 것이다.그는 르네상스의 ^[9]전령사로 여겨진다.

지오토의 동시대 사람들

지오토는 그에게서 훈련받고 영향을 받았거나 자연을 관찰한 동시대인들이 많이 있었다.비록 지오토의 제자 중 몇몇이 그의 작품이 취했던 방향을 받아들였지만, 그처럼 성공한 학생은 없었다.타데오 가디는 ^[2]피렌체 산타 크로체 교회 남작 첼리 예배당에서 목동들에게 보내는 안내문 중 처음으로 밤 풍경을 크게 그렸다.

성 바실리카의 상부 교회에 있는 그림들. 아시시의 프란치스코는 종종 지오토 자신이 그린 것으로 여겨지는 그 시대의 자연주의 그림이지만, 아마도 피에트로 카발리니를 둘러싼 ^[9]화가들의 작품일 것이다.아시시의 하부교회에 있는 시마부에의 마돈나와 성인의 후기 그림. 프란치스코는 또한 그의 판넬 그림이나 상류 교회에 있는 그의 초기 프레스코 벽화의 잔해보다 더 뛰어난 자연주의를 분명히 보여준다.

죽음과 구원

중세 교회 장식의 공통 주제는 최후의 심판으로, 북유럽 교회에서는 서쪽 문 위에 조각 공간을 차지하는 경우가 많지만, 지오토의 스크로베니 채플과 같은 이탈리아 교회에서는 안쪽 서쪽 벽에 그려져 있다.1348년의 흑사병은 생존자들이 참회와 사면 상태에서 죽음에 다가갈 필요성에 초점을 맞추도록 만들었다.죽음의 필연성, 참회자에 대한 보상, 죄의 벌은 많은 프레스코화에서 강조되었는데, 고통의 암울한 묘사 그리고 지옥의 고통에 대한 초현실적인 이미지로 주목할 만하다.

이것들은 현재 산타 크로체 박물관에서 단편적인 상태에 있는 지오토의 제자 오르카냐의 죽음의 승리, 그리고 아마도 구세주 프레스코의 다른 세 가지 시리즈에 작업한 무명의 화가, 아마도 프란체스코 트레니와 부오나미코 부팔마코에 의한 피사의 캄포산토 모뉴멘탈레 죽음의 승리 등이다.이 프레스코화들이 언제 시작되었는지는 정확히 알 수 없지만 일반적으로 1348년 ^[2]이후로 추정됩니다.

14세기 후반에 파두아에서 활동한 두 명의 중요한 프레스코 화가, 알티치에로와 주스토 데 메나부이.파두아 세례당의 장식인 Giusto의 걸작은 인류의 창조, 몰락, 구원을 주제로 작은 찬스에서도 보기 드문 종말론의 순환을 가지고 있다.작품 전체가 넓이, 품질, 온전한 상태라는 점에서 예외적이지만, 인간의 감정에 대한 처리는 역시 파두아의 산탄토니오 성당에서 알티치에로가 십자가에 못 박힌 것과 비교하면 보수적이다.Giusto의 작품은 형식화된 제스처에 의존하며, 여기서 알티치에로는 예수의 죽음을 둘러싼 사건들을 위대한 인간 드라마와 ^[10]강렬함으로 묘사한다.

플로렌스에서는 산타 마리아 노벨라의 스페인 예배당에서 안드레아 디 보나이우토에게 구원 과정에서 교회의 역할, 특히 도미니카 수도회의 역할을 강조하도록 의뢰했다.그의 능동적이고 개선적인 교회의 프레스코 알레고리는 다음 ^[2]세기가 되어서야 지어진 돔을 완성한 플로렌스 대성당을 묘사하는 것으로 주목할 만하다.

국제 고딕 양식

14세기 후반, 국제 고딕은 토스카나 회화를 지배한 스타일이었다.그것은 피에트로와 암브로지오 로렌제티의 작품에서도 볼 수 있는데, 그림 속에서는 형식화된 달콤함과 우아함, 그리고 휘장 속에서는 후기 고딕 양식의 우아함으로 특징지어진다.시모네 마르티니와 젠틸레 다 파브리아노의 작품에서 충분히 발전된 화풍으로,^[2] 우아함과 디테일이 풍부하고, 지오토의 엄연한 현실과는 맞지 않는 이상적인 화질을 가지고 있다.

15세기 초, 국제 고딕과 르네상스의 차이를 이어주는 것은 프라 안젤리코의 그림으로, 많은 그림들은 템페라로 장식된 제단 작품들로, 정교함, 금박과 찬란한 색채에 대한 고딕적인 사랑을 보여준다.프라 안젤리코가 조토의 예술적 제자를 보여주는 것은 산 마르코 수녀원에 있는 그의 프레스코 벽화에서다.수도사들이 거주하는 감방과 복도를 장식하는 이 헌화들은 예수님의 생애에 대한 에피소드를 나타내며, 그 중 많은 것들이 십자가에 못 박힌 장면들이다.영적인 계시를 시각적으로 ^[2][11]현실화하려는 예술가의 시선은 지극히 단순하고, 색채는 절제되어 있으며, 분위기는 강렬하다.

르네상스 초기 회화

플로렌스

플로렌스에서의 최초의 진정한 르네상스 이미지는 그림은 아니지만 1401년으로 거슬러 올라간다.그 해에 7명의 젊은 예술가들 사이에서 이 도시에 가장 오래된 교회인 플로렌스 세례당을 위한 청동문을 만들기 위한 공모전이 열렸다.경쟁자들은 각각 비슷한 모양과 크기의 청동 패널을 디자인하여 아이작의 희생을 표현했습니다.

대회 패널 중 로렌조 기베르티와 브루넬레스키의 두 패널이 살아남았다.각각의 패널은 당시 예술과 철학이 나아가고 있던 방향을 나타내는 강한 고전적 모티브를 보여준다.기베르티는 아이작의 벌거벗은 모습을 클래식 스타일로 작은 조각품을 만들었다.그 인물은 고대 로마의 예술에 대한 언급이기도 한 아칸서스 두루마리로 장식된 무덤 위에 무릎을 꿇고 있다.브루넬레스키의 패널에는 장면에 포함된 추가 인물 중 하나가 발에 있는 가시를 빼는 소년의 잘 알려진 로마 청동상을 연상시킨다.브루넬레스키의 창작은 역동적인 강렬함에 있어 도전적이다.기베르티의 작품보다 덜 우아한 이 작품은 인간 드라마와 임박한 ^[12]비극에 더 가깝다.

기베르티가 대회에서 우승했다.그의 첫 번째 침례문 세트는 완성하는 데 27년이 걸렸고, 그 후 그는 또 다른 침례문을 만들도록 의뢰받았다.기베르티가 그들을 위해 일했던 총 50년 동안, 문은 피렌체의 많은 예술가들에게 훈련의 장을 제공했습니다.주제에서 서술적이고, 비유적인 구성을 편곡하는 기술뿐만 아니라 선형적인 원근법의 급성장 기술을 사용하는 문들은 피렌체 회화 예술의 발전에 큰 영향을 미칠 것이다.

브랑카치 예배당

르네상스 초기 벽화 혹은 그림은 두 명의 예술가가 1425년에 성인의 삶의 프레스코 순환을 그리기 시작하면서 시작되었다. 피렌체에 있는 카르멜 교회에 있는 브랑카치 가의 예배당에 있는 피터.그들 둘 다 토마소라는 이름으로 불렸고 마사치오와 마솔리노, 슬로베니아 톰과 리틀 톰이라는 별명을 얻었다.

다른 어떤 예술가보다도 마사치오는 지오토의 작품에서 시사하는 바를 인식했다.그는 자연에서 그림을 그리는 연습을 계속했다.그의 벽화는 해부학, 전단축, 선형 원근법, 빛에 대한 이해, 그리고 휘장 연구에 대한 이해를 보여준다.브랑카치 채플에서 그의 트리뷰트 머니 프레스코는 하나의 소실점을 가지고 있으며, 작품에 입체적인 품질을 전달하기 위해 명암 대비를 사용합니다.또한 아담과 이브가 에덴에서 쫓겨나는 모습, 아치 옆에 그려진 예배당 모습은 인간의 형태와 감정을 사실적으로 묘사하는 것으로 유명하다.그들은 아담과 이브가 금지된 열매를 받는 반대편에 있는 마솔리노가 그린 온화하고 예쁜 인물들과 대조된다.브랑카치 예배당의 그림은 1428년 마사치오가 26세에 사망했을 때 완성되지 않은 채 남겨졌다.조공금은 마솔리노에 의해 완성되었고, 예배당의 나머지 작업은 필리포니 리피에 의해 1480년대에 완성되었다.마사치오의 작품은 레오나르도 다빈치와 미켈란젤로를 ^[13]포함한 많은 후기 화가들에게 영감의 원천이 되었다.

선형 원근법 개발

15세기 전반 동안, 선형 원근법을 사용하여 그림에서 사실적인 공간의 효과를 달성하는 것은 많은 화가들과 함께 주제에 대해 이론을 세운 건축가 브루넬레스키와 알베르티의 주요 관심사였다.브루넬레스키는 플로렌스 대성당 외곽의 광장과 팔각형의 세례당에 대해 많은 면밀한 연구를 한 것으로 알려져 있으며, 그가 산타 마리아 노벨라에서 ^[13]그린 성 삼위일체 주변에 그의 유명한 트롬페일 틈새를 만드는 데 마사치오를 도왔다고 여겨진다.

바사리에 따르면, 파올로 우첼로는 원근법에 너무 집착해서 다른 생각을 거의 하지 않고 많은 그림에서 그것을 실험했는데, 가장 잘 알려진 그림은 땅에 있는 부서진 무기를 사용한 세 개의 산 로마노 전투 (1450년대 완결)와 원근법적인 인상을 주기 위해 먼 언덕에 있는 들판이다.

1450년대에 피에로 델라 프란체스카는 '예수의 채찍질'과 같은 그림에서 직선 원근법과 빛의 과학에 대한 그의 숙달함을 보여주었다.브루넬레스키가 만들어 온 실험을 보여주는 무명 화가 피에로 델라 프란체스카의 또 다른 그림이 있습니다.이때부터 Perugino가 그의 Christ Giving the Keys to St.에게 열쇠를 주는 것과 같이 선형적인 관점이 이해되고 정기적으로 채용되었다. 시스티나 ^[12]성당의 베드로(1481–82)

빛의 이해

지오토는 형태를 만들기 위해 강약을 사용했습니다.타데오 가디는 바론첼리 채플에서 야행 장면에서 빛이 어떻게 드라마를 만드는데 사용될 수 있는지를 보여주었다.100년 후, 파올로 우첼로는 그의 거의 단색의 프레스코 벽화에서 빛의 극적인 효과를 실험했다.그는 테라 베르데("녹색 지구")에서 이러한 작품들을 여러 개 만들었고, 주홍빛의 손길로 그의 작품에 활기를 불어넣었다.가장 잘 알려진 것은 플로렌스 대성당 벽에 있는 존 호크우드의 승마 초상화이다.여기와 그가 성당의 내부 시계표면 주위에 그린 네 개의 예언자 머리 둘 다, 그는 마치 성당의 ^[14]실제 창문인 것처럼 각각의 형상이 자연광원에 의해 비춰지고 있음을 암시하는 강한 대조적인 톤을 사용했다.

피에로 델라 프란체스카는 빛에 대한 연구를 더 진행했다.플라주레이션에서 그는 빛이 어떻게 그 원점에서 비례적으로 퍼지는지에 대한 지식을 보여준다.이 그림에는 두 개의 광원이 있는데 하나는 건물 내부이고 다른 하나는 외부이다.내부 광원은 빛 자체는 보이지 않지만 그 위치는 수학적 확실성으로 계산될 수 있다.레오나르도 다빈치는 피에로의 작품을 ^[15]빛에 관한 것으로 발전시킬 예정이었다.

마돈나

전 세계 가톨릭 교회가 추앙하는 성모 마리아는 옥수수 시장의 기둥에 그녀의 기적적인 이미지가 있고 "꽃의 성모" 대성당과 도미니카 산타 마리아 노벨라의 큰 교회 이름이 붙여진 플로렌스에서 특히 연상되었다.

옥수수 시장의 기적적인 이미지는 화재로 소실되었지만, 1330년대에 베르나르도 다디의 새로운 이미지로 대체되었고, 오르카냐에 의해 정교하게 디자인되고 호화롭게 가공된 캐노피를 배경으로 합니다.그 건물의 개방된 하부 층은 Orsanmichele로 둘러싸여 헌정되었다.

마돈나와 아이에 대한 묘사는 플로렌스에서 매우 인기 있는 예술 형태였다.그들은 작은 양산된 테라코타 명판부터 시마부에, 지오토, 마사치오 등의 웅장한 제단화까지 모든 형태를 취했습니다.

15세기와 16세기 전반에는 다른 어떤 공방보다 더 많은 한 공방이 마돈나의 생산을 지배했다.그들은 델라 롭비아 가문이었고, 그들은 화가가 아니라 점토 속 모델이었다.대성당의 칸토리아 갤러리로 유명한 루카 델라 롭비아는 대형 조각에 유약을 입힌 테라코타를 사용한 최초의 조각가였다.이 집안의 많은 내구성이 있는 작품들이 살아남았다.델라 롭바이어스, 특히 안드레아 델라 롭비아의 기술은 그들이 예수처럼 본뜬 아기들에게 위대한 자연주의, 그리고 마돈나에게는 위대한 경건함과 상냥함을 표현하는 것이었다.그들은 플로렌스의 다른 예술가들에 의해 모방될 수 있는 기준을 세우기로 되어 있었다.

르네상스 초기에 헌신적인 마돈나를 그린 사람들로는 프라 안젤리코, 프라 필리포 리피, 베로키오, 다비데 기란다이오가 있다.이 관습은 메디치 가문을 위해 20년 동안 일련의 마돈나를 제작한 보티첼리, 마돈나와 성인들이 달콤하기로 유명한 페루기노, 그리고 베누아 마돈나와 같은 소수의 귀속 마돈나들이 살아남은 레오나르도 다빈치에 의해 지속되었다.심지어 주로 조각가였던 미켈란젤로조차도 도니 톤도를 그리도록 설득당했지만, 라파엘로에게 그것들은 그의 가장 인기 있고 많은 작품들 중의 하나이다.

이탈리아의 다른 지역의 초기 르네상스 그림

파두아와 만토바의 안드레아 만테냐

이탈리아 북부에서 가장 영향력 있는 화가 중 한 명은 파두아의 안드레아 만테그나로, 그는 위대한 피렌체 조각가 도나텔로가 그곳에서 일하던 10대의 행운아였다.도나텔로는 로마 제국 이후 처음으로 거대한 승마용 청동을 만들어냈는데, 여전히 산탄토니오 성당 밖 광장에 있는 주춧돌에서 볼 수 있다.그는 또한 높은 제단 위에서 일했고, 건축적 배경과 인간 형태의 겉으로 보이는 둥근 모양 모두 매우 얕은 부조로, 눈에 띄는 깊이의 환상을 이룬 일련의 청동 판넬을 만들었습니다.

겨우 17세 때 만텍나는 파두아의 스크로베니 예배당 근처에 있는 에레미타니 교회 익랑에 있는 오베타리 예배당에 그의 첫 의뢰인 '성인 제임스 및 크리스토퍼의 삶' 프레스코화 주기를 수락했다.불행하게도, 그 건물은 2차 세계대전 중에 대부분 파괴되었고, 그것들은 15세기 ^[16]초에 고대 파두아 대학이 유명해진 이미 고도로 발달된 원근감과 고대 지식을 보여주는 사진으로만 알려져 있다.

파두아에서 만텍나의 마지막 작품은 1457년부터 1459년까지 ^[17]베로나 산제노 대성당의 수도원장을 위해 만들어진 기념비적인 산제노 제단 작품이었다.프레델라 패널이 풍경 요소를 다루는 데 특히 주목되는 이 폴리픽트는 이탈리아 ^[17][18]북부 르네상스 미술의 발전에 영향을 미쳤다.

만테냐의 가장 유명한 작품은 만토바 두칼 궁전에 있는 카메라 데글리 스포시의 내부 장식인데, 이는 1470년경으로 거슬러 올라간다.벽에는 로마에서 돌아오는 어린 아들과 그의 가정교사를 맞이하고 사냥 준비를 하며 역사적, 문학적인, 철학적인, 종교적 문제에 대한 명확한 언급이 없는 다른 장면들이 벽화처럼 그려져 있다.그들은 단순히 가정생활에 관한 것으로 유명하다.한 가지 양보는 명랑한 날개 달린 퍼티가 흩어지는 것인데, 그들은 명패와 화환을 들고 ^[12]방의 천장을 덮는 하늘의 트롬페일 전경을 둘러싸고 있는 환상적으로 뚫린 난간 위를 기어오른다.프레스코화와 사크라 컨버지오네 그림 모두에서 원근법에 정통한 공간적 환상주의의 도입에 대한 만텍나의 주요 유산은 거의 3세기 동안 천장 장식에 대한 그의 전통이 따라왔다.

안토넬로 다 메시나

1442년 아라곤의 알폰소 5세는 나폴리의 통치자가 되어 플랑드르 그림 컬렉션을 가져오고 인문주의 아카데미를 설립했습니다.Antonello da Messina는 Jan van Eyck의 ^[19]작품을 포함했을지도 모르는 왕의 수집품에 접근할 수 있었던 것으로 보인다.최근의 증거는 안토넬로가 1456년 초 밀라노에서 반 아이크의 가장 뛰어난 추종자인 페트루스 크리스투스와 접촉했을 가능성이 있으며 크리스투스로부터 ^[20]직접 미세한 세부 사항과 빛의 미세한 그라데이션 등을 포함한 유화 기술을 배웠을 가능성이 있다는 것을 보여준다.또한, 그의 작품들이 사람들의 얼굴에 담담한 표정을 짓고 있는 것과 작품 전체의 구성에 있어서 침착한 ^[21]것도 네덜란드적인 영향인 것으로 보인다.Antonello 베니스로 1475년에서 1476년 가을까지 가능해서 Antonello 빛의 눈금을 그리기름 paints,[22]를 사용하는 기법에, 전달될 것으로 보인다 여전히 갔다 베네치아 화가들에 침착하게 조반니 벨리니, 하나는 전성기 르네상스 북부 Italy,의 가장 중요한 화가들을 포함한 원리들이. dur그 ^[23][2][16]방문에 감사하다.

안토넬로는 대부분 작고 꼼꼼한 초상화를 빛나는 색상으로 그렸다.그러나 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 St. Jerome in His Study는 선형 원근법과 빛을 다루는 그의 뛰어난 능력을 보여준다.이 작은 그림의 구성은 내부, 한쪽은 가정적이고 다른 한쪽은 성직적인 것으로 보이는 후기 고딕 양식의 아치에 의해 액자화 되어 있으며, 그 중심에는 성자가 자신의 소유물로 둘러싸인 나무 코랄에 앉아 있고, 그의 사자는 바닥의 그늘에서 배회하고 있다.빛이 모든 문과 창문을 통해 들어오는 방식은 건물과 모든 물건에 자연광과 반사광 모두를 투사하며 피에로 델라 프란체스카를 ^[2][16]흥분시켰을 것이다.

전성기를 향한 진보

후원과 휴머니즘

15세기 후반 플로렌스에서는, 대부분의 예술 작품들, 심지어 교회를 위한 장식으로 만들어진 작품들조차도, 일반적으로 개인 후원자들에 의해 의뢰되고 지불되었다.많은 후원자들은 메디치 가문, 또는 사세티 가문, 루첼라이 가문, 토르나부오니 가문과 같이 그들과 밀접하게 연관되어 있거나 관련이 있는 사람들로부터 왔다.

1460년대에 코시모 데 메디치는 마르실리오 피치노를 그의 거주 인문주의 철학자로 확립했고, 플라톤의 번역과 플라톤 철학의 가르침을 용이하게 했다. 플라톤은 자연 우주의 중심으로서 인간성에 초점을 맞추고, 플라톤 철학의 가르침은 신과의 개인적 관계, 형제간 또는 플라톤적 사랑은 망토가 되는 것에 초점을 맞췄다.사람이 ^[24]신의 사랑을 모방하거나 이해하는 것에 도달할 수 있을 것 같다.

중세시대에는 고전시대와 관련된 모든 것이 이교도와 관련된 것으로 인식되었다.르네상스 시대에 그것은 점점 더 계몽과 관련지어지게 되었다.고전 신화의 인물들은 기독교 예술에서 새로운 상징적 역할을 하기 시작했고, 특히 비너스 여신은 새로운 재량권을 갖게 되었다.기적에 의해 완전히 형성된 그녀는 순진한 사랑의 상징인 새로운 이브였고, 더 나아가 성모 마리아 자신의 상징이기도 했다.우리는 보티첼리가 1480년대에 코시모의 조카인 피에프란체스코 데 메디치, 프리마베라, 그리고 ^[25]비너스의 탄생을 위해 그린 두 유명한 템페라에서 비너스를 볼 수 있다.

한편, 꼼꼼하고 정확한 드로트맨이자 그 시대의 가장 훌륭한 초상화 화가 중 한 명인 도메니코 기란다이오는 피렌체의 큰 교회 두 곳, 산타 트리니타의 사세티 예배당과 산타 마리아 노벨라의 토르나부니 예배당에 있는 메디치 신도들을 위해 프레스코 벽화를 두 번 그렸다.성 프란치스코와 성모 마리아와 세례자 요한의 생애의 이러한 주기에는 후원자와 후원자의 초상화를 위한 공간이 있었다.사세티의 후원 덕분에, 그의 고용주 로렌조 일 마그니피코와 로렌조의 세 아들들과 그들의 가정교사 아그놀로 폴리치아노의 초상화가 있다.토르나부니 예배당에는 마르실리오 ^[24]피치노를 포함한 플라토닉 아카데미의 다른 영향력 있는 멤버들과 함께 폴리치아노의 또 다른 초상화가 있다.

플랑드르 영향

약 1450년부터, 플랑드르 화가 로지에 반 데르 바이덴이 이탈리아에 도착하면서, 예술가들은 유화 물감의 매개체를 소개받았다.템페라와 프레스코 둘 다 패턴 묘사에 도움을 준 반면, 자연 질감을 사실적으로 표현하는 성공적인 방법을 제시하지 못했다.불투명하거나 투명하게 만들 수 있는 유연성이 높은 유화 매체는 놓여진 후 며칠 동안 변형과 추가가 가능하여 이탈리아 예술가들에게 새로운 가능성을 열어주었다.

1483년 휴고 반 데 고스가 그린 '양치기 숭배'의 거대한 제단화가 피렌체에 도착했다.포르티나리 가문의 요청으로 1475년 초에 그려진 이 그림은 브루주에서 출하되어 산타 마리아 누오바 병원의 산티지오 예배당에 설치되었다.제단에는 강렬한 빨간색과 녹색이 빛나고, 포르티나리 기증자들의 광택이 나는 검은 벨벳 의복과는 대조적입니다.정면에는 대조적인 용기에 담긴 꽃들의 정물화, 하나는 유리를 입힌 도자기, 다른 하나는 유리를 입힌 것이다.그 유리 꽃병만으로도 관심을 끌기에 충분했다.그러나 이 세 개의 그림에서 가장 영향력 있는 점은 수염이 텁수룩하고 손이 닳고 칭찬에서 경이로움, 이해에 이르지 못하는 표정을 가진 세 목동들의 지극히 자연스럽고 실제와 같은 자질이었다.도메니코 기란다이오는 긴 얼굴의 플랑드르 대신 아름다운 이탈리아인 마돈나와 함께 즉시 자신만의 그림을 그렸고, 자신은 연극적으로 ^[12]양치기 중 한 명으로 손짓을 했다.

교황 위원회

1477년 교황 식스토 4세는 많은 교황의 예배들이 거행되던 바티칸의 버려진 오래된 예배당을 대체했다.그를 기리기 위해 시스티나 성당이라고 이름 붙여진 이 새로운 예배당의 내부는 처음부터 중앙 층의 벽화 사이에 일련의 16개의 큰 벽화들과 그 위에 있는 교황들의 초상화들이 그려져 있는 것을 계획한 것으로 보인다.1480년, 플로렌스 출신의 예술가 그룹인 보티첼리, 피에트로 페루기노, 도메니코 길란다이오, 코시모 로셀리가 이 작품을 의뢰받았다.이 프레스코 순환은 예배당 한쪽에는 모세의 생애 이야기, 다른 한쪽에는 그리스도의 생애 이야기를 주제로 서로 보완하는 프레스코 벽화로 묘사하는 것이었다.예수의 탄생과 모세의 발견은 성모 승천의 제단을 사이에 두고 제단 뒤쪽 벽에 인접해 있었다.페루기노가 그린 이 그림들은 나중에 미켈란젤로의 최후의 심판을 그리기 위해 파괴되었다.

나머지 12장의 그림은 이들 예술가들이 이룬 기교와 평소 매우 다른 스타일과 기술을 가진 개인들 간의 명백한 협력을 보여준다.이 그림들은 남자, 여자, 아이들의 많은 인물들과 안내 천사부터 분노한 파라오, 악마에 이르기까지 다양한 인물들을 포함했기 때문에 그들의 능력을 충분히 발휘했다.각각의 그림은 풍경을 필요로 했다.작가들이 동의한 인물의 규모 때문에 각각의 그림에서 풍경과 하늘이 장면의 윗부분을 차지하고 있다.때때로, 보티첼리의 "나환자의 정화" 장면에서처럼, 풍경 속에서 추가적인 작은 이야기들이 일어나고 있는데, 이 경우에는 "예수의 유혹"이다.

페루기노의 그리스도가 성 베드로에게 열쇠를 주는 장면. 피터는 그것의 구성의 명확성과 단순함, 구경꾼들 사이의 자화상을 포함하는 비유 그림의 아름다움, 그리고 특히 두 개의 개선문의 존재에 의해 로마에 대한 베드로의 사역에 대한 언급을 포함하는 원근 도시 풍경, 그리고 안개가 낀 팔각형의 건물을 중앙에 배치하는 것으로 주목할 만합니다.기독교 세례당이나 로마의 무덤이 ^[26]될 수 없습니다.

르네상스 시대 회화

expression[27]의 perspective,[28]톤 콘트라스트 포함 physical[29]과 심리적인 features,[30]과 빛과 어둠의 조작의 리얼한 묘사, sfumato(전환할 연화 선형과 같은은 다양한 수단과 그림 기법에 다양한 발전의 전성기 르네상스 미술은 절정을 이루었다.트윈 색깔)nd chiaroscuro(빛과 ^[31]어둠 사이의 차이)는 전체 구성 순서, 균형 및 ^[33]조화를 표현하는 단일 통일^[32] 스타일로 표현됩니다.마르시아 홀에 따르면, 카니안테와 그녀가 유니언이라고 부르는 것을 키아로스쿠로와 스푸마토에 추가하여 르네상스 ^[34]시대에 네 가지 특정한 화풍을 만들 수 있다; 그것들은 때때로 그 ^[35]시대의 "카니컬 페인팅 모드"로 분류된다.

특히 이 그림의 각 부분들은 복잡하고 균형 잡힌 관계를 가지고 있으며 역동적인 ^[36]전체와 잘 짜여져 있다.르네상스 시대의 그림은 서양^[37] 회화의 절대적인 정점으로 여겨지며, 실제 대 이상, 움직임 대 휴식, 자유 대 법, 공간 대 평면, 선 대 ^[38]색과 같이 모순되고 상호 배타적인 예술적 위치의 균형과 조화를 이루었습니다.

대부분의 미술사학자들은 1495년 또는^[39] 1500년경에 시작되어 1520년에 ^[40]라파엘로의 죽음과 함께 끝났다고 말하고 있지만, 일부 사람들은 르네상스가 1525년^[41] 또는 1527년에 신성 로마 ^[42]황제 카를 5세의 군대에 의해 로마의 자루와 함께 끝났다고 말한다.^[43]많은 사람들은 1495년에 시작되어 1498년에 완성된 레오나르도 다빈치의 최후의 만찬을 르네상스 ^[44]시대의 첫 작품으로 꼽는다.그의 책, 미술사: 그림, 조각 그리고 건축, 1985에서 프레데릭 하트는 1520년에서 1530년까지가 르네상스 전성기와 매너리즘 사이의 과도기였다고 말한다.전성기는 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 등 세 명의 화가가 지배했고, 조반니 벨리니, 조르지오네, 티티안은 베네치아 전성기 회화의 리더였고, 코레지오와 안드레아 델 사르토는 전성기 양식의 다른 중요한 화가였다.

레오나르도 다빈치

레오나르도 (1452–1519)는 밀라노로 옮기기 전에 베로키오의 피렌체 작업장에서 훈련하며 그의 형성기를 보냈고, 그곳에서 그는 1500년에서 1506년까지 피렌체로 돌아왔다.그의 관심의 범위와 그가 많은 다양한 분야에서 보여준 비범한 재능 때문에, 그는 전형적인 "르네상스 맨"으로 여겨진다.그러나 그가 화가로서 존경받는 것은 무엇보다도 우선이었고, 화가로서 그는 다른 관심사를 통해 얻은 지식을 활용했다.

레오나르도는 과학적인 관찰자였다.그는 사물을 보면서 배웠다.그는 들판의 꽃, 강의 소용돌이, 바위와 산의 형태, 나뭇잎에서 반사되어 보석으로 빛나는 빛 등을 연구하고 그렸다.특히, 그는 근육과 힘줄을 이해하기 위해 병원에서 30명 이상의 시신을 해부하면서 인간의 형태를 연구했다.

레오나르도는 지오토에 의해 미리 그려졌지만 마사치오의 아담과 이브 이후 알려지지 않은 인간의 감정 표현에서 어느 정도의 사실성을 달성했습니다.1495년부터 1498년까지 산타 마리아 델레 그라지 수녀원의 레포지션에서 그려진 레오나르도의 최후의 만찬은 다음 반세기 동안 종교적 서사화의 기준이 되었다.많은 르네상스 화가들이 최후의 만찬의 버전을 그렸지만, 레오나르도 작품만이 나무, 석고, 석고, 석판, 태피스트리, 크로셰, 테이블 카펫으로 수없이 복제될 운명이었습니다.

다른 어떤 화가보다도 그는 "분위기"에 대한 연구와 그림을 발전시켰다.모나리자 (c.1503년-1517년)와 바위의 처녀 (1483년-1486년)와 같은 그의 그림에서, 그는 명암을 너무 섬세하게 사용했기 때문에, 더 나은 단어가 필요했기 때문에, 레오나르도의 "스푸마토" 또는 "연기"로 알려지게 되었다.그는 실제 ^[45]선이 아닌 색변조를 통해 도형 사이의 변화를 정의함으로써 혁신적인 색채 사용을 보여주었다.그의 작품은 그림자가 바뀌고, 산이 혼란스럽고, 급류가 소용돌이치는 신비로운 세계로 관객들을 끌어들였다.레오나르도의 또 다른 중요한 작품은 성 안네와 함께 한 처녀와 아이 (c.1503-1519)였다; 그룹의 기념비적인 3차원적 특성과 구성에서의 역동성과 긴장감의 계산된 효과는 고전주의자와 매너리즘자들에게 ^[46]동등하게 영감을 주는 모델이 되었다.작품 자체의 직접적인 영향과는 별개로, 레오나르도의 빛, 해부학, 풍경, 그리고 인간 표현에 대한 연구는 부분적으로 그의 관대함을 통해 학생들에게 ^[47]전파되었다.

미켈란젤로

1508년 교황 율리우스 2세는 피렌체의 조각가 미켈란젤로 (1475-1564)가 시스티나 성당의 장식 계획을 계속하는 것에 동의하도록 하는 데 성공했다.시스티나 성당의 천장은 12명의 사도를 그릴 이상적인 표면을 형성하는 천장을 지지하는 12개의 경사진 펜던트들이 있는 방식으로 지어졌다.미켈란젤로는 곧 디자인과 도상학 모두에서 훨씬 더 복잡한 완전히 다른 계획을 고안했다.그가 수작업을 제외하고 한 손으로 한 일의 규모는 어마어마했고 완성하는 데 거의 5년이 걸렸다.

사도들에 대한 교황의 계획은 벽의 구약성서와 신약성서 이야기, 그리고 ^[26]초상화 갤러리의 교황들 사이에 그림적인 연결을 형성했을 것이다.이 다리를 만든 것은 12명의 사도들과 로마의 초대 주교로서 그들의 지도자 베드로입니다.하지만 미켈란젤로의 계획은 반대 방향으로 갔다.미켈란젤로의 천장의 주제는 인류의 구원을 위한 신의 웅장한 계획이 아니다.주제는 인류의 망신에 관한 것이다.그것은 왜 인류와 신앙에 ^[48]예수가 필요했는지에 대한 것이다.

표면적으로는, 천장은 휴머니즘적인 구조이다.그 인물들은 초인적인 차원으로, 아담의 경우, 전기 작가 바사리에 따르면, 미켈란젤로가 아니라 신이 직접 그 인물을 디자인한 것처럼 보인다.그러나 개개인의 아름다운 모습에도 불구하고, 미켈란젤로는 인간의 상태를 미화하지 않았고, 그는 플라토닉 사랑에 대한 휴머니즘적 이상을 분명히 제시하지 않았다.사실, 그가 벽의 윗부분 주위에 그린 예수의 조상들은 ^[48]가족들의 수만큼 다양한 형태로 기능 장애를 나타내며 가족관계의 모든 나쁜 면을 보여준다.

바사리는 미켈란젤로의 무한한 발명력을 높이 평가했다.미켈란젤로가 붓을 내려놓고 볼로냐로 달려간 후 브라만테로부터 시사회를 받은 라파엘로는 미켈란젤로의 예언자를 모방해 최소한 두 명의 인물, 하나는 산 아고스티노 성당에, 다른 하나는 바티칸에 있는 그의 ^[26][49][50]미켈란젤로 자신의 초상화를 그렸다.

1534년에서 1541년 사이에 시스티나 성당의 제단 벽에 그려진 미켈란젤로의 후기 작품인 "최후의 심판"은 1520년에서 1530년 사이에 르네상스 전성기를 이어받은 일반적으로 길쭉한 몸을 가진 매너리즘 스타일을 보여준다.

라파엘

레오나르도 다빈치와 미켈란젤로의 경우, 라파엘로의 이름은 비록 그가 미켈란젤로보다 18세, 레오나르도보다 거의 30세 어려 레오나르도 이후 불과 1년 만에 37세의 나이로 사망했지만, 르네상스 시대와 동의어이다.그가 두 유명한 동시대인만큼 회화의 수준을 크게 발전시켰다고는 할 수 없다.오히려, 그의 작품은 르네상스 시대의 모든 발전의 정점이었다.

라파엘로는 화가의 아들로 태어나 소수 귀족의 아들인 미켈란젤로와 달리 그의 진로는 다툼 없이 결정됐다.아버지가 돌아가신 후 몇 년 후 그는 뛰어난 화가이자 뛰어난 기술자인 페루기노의 움브리아식 작업장에서 일했다.21세에 그려진 그의 첫 번째 서명과 날짜가 적힌 그림은 페루기노의 그리스도가 성모 마리아에게 열쇠를 주는 것에서 유래한 것을 즉시 드러내는 성모 약혼화이다. 피터.^[16]

1504년 피렌체로, 1508년 로마로 이주한 라파엘은 그의 생애를 망라한 유명한 화가들의 솜씨를 부끄럽게 이용했다.그의 작품에는 다양한 화가들의 개별적인 자질이 함께 그려져 있다.페루기노의 둥근 형태와 빛나는 색, 기란다이오의 생생한 초상화, 레오나르도의 사실주의와 조명, 그리고 미켈란젤로의 강력한 드로트 기법은 라파엘로의 그림에서 통일되었다.그의 짧은 생애 동안 그는 바다의 요정 갈라테아의 인상적인 고전 벽화인 많은 제단화들을 그렸고, 미켈란젤로는 두 명의 교황과 그들 중 유명한 작가가 있는 뛰어난 초상화를 그리고 있었고, 근처의 사도 궁전의 라파엘 방에 벽화 시리즈인 시스티나 성당 천장에 그림을 그리고 있었다.아테네의 ol(1509–11)은 델라 세그나투라 성경에 나오는 독특한 의미가 있다.이 프레스코는 라파엘이 레오나르도 다빈치를 모델로 한 플라톤의 중심 인물 주위에 웅장한 고전적인 배경으로 모인 가장 학식 있는 고대 아테네인들의 모임을 묘사하고 있다.큰 돌 옆에 앉아 있는 헤라클리토스의 침울한 인물은 미켈란젤로의 초상화이며, 시스티나 성당에 있는 예언자 예레미야의 그림에 대한 후자의 언급이다.그의 초상화는 오른쪽, 그의 스승인 ^[51]Perugino 옆에 있다.

그러나 라파엘의 인기의 주된 원천은 그의 주요 작품이 아니라 그의 작은 피렌체 마돈나와 그리스도 차일드 그림이었다.그는 계속해서 약간 다른 포즈로 비슷한 통통하고 차분한 얼굴의 금발 여성과 그녀의 통통한 아기들을 그렸는데, 아마도 현재 루브르 박물관에 있는 라 벨 자르디니에르일 것이다.무수한 스테인드글라스 창문의 디자인으로 사용된 그의 더 큰 작품인 시스티나 마돈나는 종이 식탁 냅킨부터 ^[52][53]우산까지 모든 것에 재현된 두 개의 작은 셰럽의 상징적인 이미지를 제공하기 위해 21세기에 왔다.

조반니 벨리니

베네치아 회화의 지도자인 조반니 벨리니 (1430–1516)는 그의 형제 젠틸레, 그의 처남 만테냐, 그리고 안토넬로 다 메시나의 1년 안에 태어났지만, 처음 20년 보다 10년, 후자보다는 거의 30년 더 오래 살았다.그는 죽을 때까지 그림을 그렸고 그의 작품들은 몇 가지 영향을 보여준다.그의 초기 작품들은 날카로운 선과 명확한 묘사된^[54] 색상으로 만테냐의 영향을 보여주었고, 메시나가 1475-1476년 베니스에 머문 후 그의 작품들은 메시나가 ^[55]가져온 유화 기법을 매우 성공적으로 채택했음을 보여준다.그는 처음에 조르지오네와[56]^[57] 티티안의 스승이었지만, 후에 조르지오네의 영향을 받았고, 특히 그림이나 풍경이 ^[58][59]더 통일되도록 부드러운 확산 효과를 만들어 내는 겹겹이 칠해진 색조주의를 채택했다.

벨리니는 도제 레오나르도 로레단의 초상(1501년),^[60] 메시나로부터 ^[61]배운 듯한 고요함을 보여주는 도제 레오나르도 로레단의 초상(15001502년)과 그리스도의 세례(1500년-1502년)와 같은 작품으로 초기 르네상스에서 전성기까지 문턱을 넘은 유일한 위대한 15세기 화가가 되었다.라파엘과 마찬가지로 벨리니도 풍부한 빛깔의 수많은 작은 마돈나를 만들어 냈는데, 보통 그의 피렌체 작품보다 더 강렬한 색조를 지녔다.

전통적으로 마돈나와 차일드의 제단화 그림에서, 왕위에 오른 성모상은 정의된 공간에 서 있고, 다지형의 형태로 물리적으로 분리되거나 그려진 건축적 경계에 의해 정의되는 성인들에 의해 동반된다.피에로 델라 프란체스카는 산타 마리아 노벨라에서 마사치오가 그의 삼위일체를 위한 배경으로 사용했기 때문에, 고전적 틈새를 왕위에 오른 마돈나스의 배경으로 사용했다.

벨리니는 성스러운 대화로 알려진 이 같은 형식을 산자카리아 베네치아 교회를 위한 것과 같은 그의 후기 제단 작품에서 사용했다.그것은 음색을 사용하고 건물의 실제 건축을 그림의 환상적 건축으로 확장하여, 틈새를 풍경과 일광에 개방된 일종의 로지아로 만들고, 성모, 두 명의 여성 성인과 비올라를 연주하는 작은 천사의 형상을 가로질러 흐르게 하는 훌륭한 구성이다.성 베드로나 성 제롬보다 ^[62]더 밝게 보이도록 만들었죠

조르지오네

그의 경력의 짧음 (1510년 ^[63][64]35세의 나이로 사망)과 전체적으로 그의 손에 의해 만들어지기로 보편적으로 합의된 적은 수의 작품에도 불구하고, 비록 다른 학자들이 이것을 주장하는 다른 이유를 인용하지만, 조르지오네는 종종 베네치아 하이 르네상스 스타일의 ^[65]창시자로 인정받는다.

하나는 색조주의에 ^[58]의해 종종 달성되는 sfumato를 포함한 색채와 빛의 그라데이션(색조변조)을 인물과 풍경 모양을 정의하고 그림의 모든 구성 요소가 ^[66]통일된 분위기를 만들기 위해 사용하는 것이다.어떤 사람들은 그가 1501년에 ^[67]베니스에 방문했다고 전해지는 레오나르도 다빈치로부터 이것을 배웠을지도 모른다고 믿는다.1505년 카스텔프랑코 마돈나에서는 선과 색조절의 사용이 동등하게 균형을 이루지만, 1510년 템페스트에서는 색조절이 거의 전적으로 선을 대체하여 인간과 자연이 결합된 ^[68]예술적 비전을 만들어 냅니다.어떤 사람들은 템페스트가 색채에 따라 구성 요소들이 한데 어우러져 있고 완벽한 조화를 ^[69]이루는 몽환적인 분위기가 있기 때문에 이탈리아에서 만들어진 가장 중요한 그림 중 하나라고 생각한다.Giorgione는 자연에^[70] 주도적인 역할을 부여한 최초의 화가였고 그의 그림이 풍경을 나타낼 때마다 그것은 ^[71]그림의 필수적인 부분이 된다.

조반니 벨리니의 비슷한 산자카리아 알타피스와 비교했을 때, 카스텔프랑코 마돈나는 조르지오네의 또 다른 혁신을 보여준다. 즉, 세인트 자카리아가 들고 있는 창과 같은 형상의 방향과 위치를 조정하는 것이다.왼쪽의 리베랄과 마돈나의 가운의 주름을 평행하게 배치하여 ^[72]주제를 더욱 통일합니다.마지막으로, Giorgione의 그림들은 항상 의미가 모호하고 다른 ^[73]해석에 여지가 있다.템페스트에서 벌거벗은 여성이 아기에게 젖을 먹이고 번개가 치는 것은 Eden 이후의 아담과 이브를 상징할 수도 있고 그렇지 ^[74]않을 수도 있다.그가 그린 또 다른 그림인 "세 명의 철학자"는 어린 예수를 찾는 여행을 계획하는 마기들을 나타낼 수도 있고 ^[75]아닐 수도 있다.Giorgione의 그림 중 어떤 것도 특정한 해석을 ^[76]가진 적이 없다.

최근 몇 년 동안, 조르지오네는 1510년 잠자는 비너스와 함께 홀로 묘사되고 존경받는 주제로 서 있는, 혹은 오히려 거짓말을 하는 최초의 여성 나체를 그렸다는 것이 확실해 보였다.티티안이 조르지오네 사후 풍경화를 완성했다는 사실은 오래전부터 받아들여져 왔지만, 많은 미술학자들은 조르지오네가 여성의 ^[77]몸 전체를 그렸는지에 대해 의문을 제기하고 있다.

티티안

티티안 (1490년–1576년)은 조르지오네와 함께 조반니 벨리니의 작업장에서 훈련을 받았고 조르지오네를 ^[78]도왔다.Giorgione의 죽음 이후, 그는 60년 ^[79]이상 베네치아 학파의 군주였다.그의 초기 작품은 벨리니와 ^[80]조르지오네의 영향을 강하게 받았으나, 곧 두^[81] 사람이 발표한 형태와 색채의 원리를 받아들여 선이 아닌 색을 ^[82]회화의 주요 결정 요인으로 확립함으로써 베네치아 하이 르네상스 ^[83]양식을 완성시켰다.그는 페인트 페이스트와 같은 색을 느슨하고 쓸어내리는 ^[84]붓놀림으로 서로 나란히 칠했다.이것은 빛과 색깔을 동시에 ^[85]끌어냈다.그때 그는 ^[86]빛과 색의 달인으로 유명했다.

티티안의 또 다른 장점은 그의 그림의 ^[87]구성이다.1519–1526년 페사로 마돈나에서 그는 마돈나를 중앙에서 옮깁니다. 대신 마돈나는 여전히 ^[88]마돈나에게 주의를 집중시키는 강력한 대각선의 위쪽 정점에 배치됩니다.이것은 원형으로 올라가는 ^[89]구조로 인물들을 묶은 최초의 작품 중 하나이다.

성모 추정 (1516–1518) 또한 대각선 (성모 주위에 위치한 그룹들에 의해 형성됨)을 특징으로 하는데, 이것은 그림이 제단에 ^[90]서 있는 베니스에 있는 프라리 교회의 위층으로 개선의 메시지를 전달한다.이 작품은 움직임을 ^[91]시각적으로 암시한 최초의 작품이며, 티티안의 모든 작품은 다른 르네상스 ^[92]시대 화가들의 정적 요소에 비해 사람들의 움직임에 새로운 역동성을 가지고 있다.성모 승천은 또한 그의 모든 그림처럼 티티안의 페인트를 층층이 덧발랐기 때문에 빛나고 깊고 풍부한 색채를 특징으로 합니다.때로는 다른 ^[93]색상의 그림도 있습니다.

티티안은 또한 당대의 초상화가로서 초상화를 ^[94]서사화와 같은 수준으로 높이 평가하였다.가장 주목할 만한 것은 보라색 교향곡의 승마 그림인 1548년 찰스 5세의 승마 초상화와 아마도 티티안의 가장 강력한 초상화인 베니스의 통치자 도제 안드레아 그리티의 초상화이다.

티티안이 나이가 들면서, 그는 형상이 ^[95]색채의 움직임에 거의 완전히 녹아든 그의 말년까지 대체로 높은 르네상스 스타일을 유지했고, 그래서 그는 1530년까지 ^[96]거의 완전히 매너리즘으로 옮겨간 이탈리아 회화의 주류로부터 점점 더 고립되었다.많은 면에서 티티안은 현대 ^[97]회화의 창시자로 여겨질 수 있다.

코레지오

로마를 방문한 적은 없지만 라파엘, 미켈란젤로, 티티아누스의 작품들을 봤음에 틀림없는 코레지오 (1489–1534)는 ^[98]이탈리아 북부 파르마에서 개인적인 전성기 스타일로 일했다.그는 떠다니는 형상 교회 돔으로 가득 찬 탁 트인 천국을 발명했는데, 이 돔은 그의 성인의 환영으로 17세기 바로크 시대의 특징이 되었다. 파르마의 산 조반니 에반젤리스타에서 1520년–1524년, 파르마 ^[99]대성당에서 1526년–1530년 성모 승천.한 미술학자는 후자에 코레지오가 "현란한 착시현상을 일으킨다: 돔의 건축물이 녹아내리고 건물이 폭발하는 것처럼 보인다"고 말하고 있는데, 이는 성인과 천사의 소용돌이치는 소용돌이 속으로 시청자를 ^[100]끌어 올려 천국으로 데려가기 위해서이다.

그 돔이나 다른 작품에서는, 깊이의 착각을 높이기 위해서, 보통 밝은 색상에 어두운 색을 설정함으로써, 그의 과감한 원근법의 사용은,^[101] 놀라움으로 묘사된다.그의 주된 관심사는 빛을 그리는 것이었고 그는 다음 ^[102]세기가 시작될 때 카라바조에 의해 달성될 효과를 예상한다.원근법을 만들기 위해 사물을 짧게 만드는 그의 능숙한 솜씨는 아마도 ^[103]역대 최고의 솜씨로 묘사된다.

코레지오는 1531-1532년 주피터와 이오에서 이오의 빛나는 형상과 하늘을 ^[104]채우는 부드럽고 어두운 구름 사이에 강한 대비를 그렸는데, 이오의 빛나는 ^[105]몸을 감싸는 것처럼 보입니다.코레지오는 구름, 안개, 안개^[106] 등의 확산 효과를 완벽하게 수행할 수 있었고 색조절과 함께 그의 캐릭터에 뚜렷한 ^[107]무중력감을 불어넣었다.그는^[108] 로코코 ^[109]시대에만 재발견된 여성미의 신개념을 제시하는 섬세한 관능적인 방식으로 살을 그렸다.코레지오는 많은 제자들이 있었지만, 아무도 그의 스타일을 따르지 않았지만 그는 바로크 ^[110]회화의 많은 요소들을 미리 구성했다.

다른 중요한 르네상스 시대의 화가들

플로렌타인 안드레아 델 사르토 (1486–1530)^[111]는 그의 작품에서 미켈란젤로와 라파엘로를 모두 끌어냈지만, 하피족의 마돈나에서 증명되었듯이 표정과 몸짓의 묘사에 있어서는 그들을 훨씬 뛰어넘었다.그의 인물들은 ^[112]고귀함을 잃지 않으면서 르네상스 초기의 작품들보다 더 큰 개성을 보여준다.1520년대에 그는 회화의 구성^[113], 그리고 보통 그의 형상의 얼굴들이 차분하고 종종 아름답다는 것과 같은 르네상스 시대의 이상에 충실했고, 그들 중 일부는 그의 ^[115]제자였던 그의 매너리즘 ^[114]동시대 사람들의 고통을 전혀 보여주지 않았다.

베네치아의 ^[116]가장 중요한 르네상스 시대의 화가 중 한 명인 로렌조 로또(1480–1556)는 베네치아 ^[117]유파에 비해 사실주의 세부사항과 선에 더 초점을 맞춘 탓인지 이탈리아 북부의 다른 지역에서도 시간을 보냈다.그는 다양한 대상을 그리면서도 인물의 영혼을 꿰뚫어보고 깊은 감정을 ^[118]그리는 능력이 뛰어났던 뛰어난 초상화가였다.그는 보통 초상화의 배경이나 전경에 피사체의 ^[119]성격을 묘사하기 위해 다른 사물들을 포함시켰다.

이탈리아 르네상스 회화의 영향

미켈란젤로와 티티아누스의 삶은 16세기 후반까지 연장되었다.두 사람 모두 레오나르도, 만텍나, 조반니 벨리니, 안토넬로 다 메시나, 라파엘의 스타일을 보고 매너리즘으로 알려진 이질적인 스타일을 형성했으며, 바로크 시대의 위대한 상상력과 화가의 기교를 향해 꾸준히 나아갔다.

틴토레토는 많은 사람들에게 매너리스트로 여겨지고 있지만, 티티안의 큰 비유적 작곡의 트렌드를 가장 확장시킨 아티스트는 틴토레토와 베로네즈였다.티티안과 라파엘의 작품에 대한 렘브란트의 지식은 그의 초상화에서 뚜렷이 드러난다.레오나르도와 라파엘이 자신의 제자에게 직접적인 영향을 준 것은 푸신을 포함한 여러 세대의 예술가들과 18세기와 19세기 고전 화가들의 유파들에 영향을 미쳤다.Antonello da Messina의 작품은 Albrecht Dürer와 Martin Schongauer 그리고 후자의 판화를 통해 수많은 예술가들에게 직접적인 영향을 끼쳤다.숀가우어를 통한 영향은 20세기 ^[16]초까지 이어진 스테인드글라스 제작자들의 독일어, 네덜란드어, 영어 학파에서 찾아볼 수 있다.

미켈란젤로의 시스티나 성당의 천장과 그 후의 최후의 심판은 처음에는 라파엘로와 그의 제자들의 비유적인 구성에 직접적인 영향을 미쳤고, 그 다음에는 인간 형태를 묘사하기 위한 새롭고 흥미로운 방법을 찾았던 거의 모든 16세기 화가들의 작품들에 직접적인 영향을 끼쳤다.안드레아 델 사르토, 폰토모, 브론지노, 파르미지아니노, 베론세, 엘 그레코, 카라치, 카라바지오, 루벤스, 푸생, 티에폴로에 이르기까지 그의 비유적 구성 스타일을 19세기 고전 화가와 낭만 화가인 다비드-루이까지 추적할 수 있다.

이탈리아 르네상스 회화의 영향으로 왕립아카데미와 같은 많은 현대 미술원이 설립되었고, 특히 런던 국립미술관과 같은 세계에서 가장 잘 알려진 예술 컬렉션이 형성된 것은 이탈리아 르네상스의 작품들을 수집하기 위한 것이었다.

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• 가장 뛰어난 화가, 조각가, 건축가의 삶
• 올드 마스터
• 1800년까지의 이탈리아 예술가 연표

주 및 참고 자료

참고 문헌

일반

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