아르누보

Art Nouveau
아르누보
왼쪽 위부터 시계 방향: 파리 메트로 역 아베시스(1900), 오토 에크만(1896)의 유겐트 잡지 표지, 루이 마조렐(1892-1893)의 벽 캐비닛, 빅토르 호타(1892-1893)의 브뤼셀 호텔 타셀 내부, 루이 컴포트 티파니(1900-1910)의 램프
활동년수c. 1883–1914
나라서구 세계

Art Nouveau (/ˌɑːr(t) nuːˈvoʊ/AR(T) noo-VOH, 프랑스어:[ʁ nuvo]; '새로운 예술'은 예술, 건축, 응용 예술, 특히 장식 예술의 국제적인 스타일입니다. 식물과 꽃의 구불구불한 곡선과 같은 자연적인 형태에서 영감을 받은 경우가 많습니다.[1] 아르누보의 다른 특징은 종종 비대칭이나 휘몰아치는 선에 의해 주어지는 역동성과 움직임의 감각과 특이한 형태와 더 큰 열린 공간을 만들기 위해 현대적인 재료, 특히 철, 유리, 도자기 및 나중의 콘크리트를 사용하는 것이었습니다.[2] 그것은 벨 에포크 시대인 1890년에서 1910년 사이에 인기가 있었고,[3] 19세기 건축과 장식 예술의 학벌주의, 절충주의, 역사주의에 대한 반발이었습니다.

아르누보의 주요 목표 중 하나는 순수 예술(특히 회화와 조각)과 응용 예술의 전통적인 구분을 깨는 것이었습니다. 인테리어, 그래픽 아트, 가구, 유리 아트, 섬유, 도자기, 보석 및 금속 작업에 가장 널리 사용되었습니다. 이 양식은 프랑스 건축가 외젠-엠마누엘 비올레-르-뒤크 (1814–1879)와 영국 미술 평론가 존 러스킨 (1819–1900)과 같은 19세기의 선도적인 이론가들에게 반응했습니다. 영국에서는 윌리엄 모리스와 공예 운동의 영향을 받았습니다. 독일의 건축가들과 디자이너들은 거주민들을 고양시키고 영감을 주기 위해 내부의 건축, 가구, 예술을 공통적인 양식으로 통합하는 영적으로 고양되는 Gesamtkunstwerk ('전체 예술 작품')을 추구했습니다.[2]

최초의 아르누보 주택과 인테리어 장식은 1890년대 브뤼셀에서 폴 한카르, 헨리 반 데 벨데, 특히 빅터 호르타가 디자인한 주택의 건축과 인테리어 디자인에 등장했는데, 그의 호텔 테셀은 1893년에 완성되었습니다.[4][5][6] 그것은 빠르게 파리로 옮겨갔고, 엑토르 기마르(Hector Guimard)가 브뤼셀에서 호르타의 작품을 보고 새로운 파리 메트로 입구에 스타일을 적용했습니다. 그것은 루이 티파니와 같은 예술가들의 아르누보 작품을 소개했던 1900 파리 국제 박람회에서 정점에 이르렀습니다. 알퐁스 무차의 포스터와 르네 랄리케와 에밀 갈레의 유리제품에 그래픽 아트로 등장했습니다.

영국, 벨기에, 프랑스에서 Art Nouveau는 유럽의 나머지 지역으로 퍼져나갔고, 각 나라의 다른 이름과 특징을 취했습니다(아래 명명 섹션 참조). 그것은 수도뿐만 아니라 예술적 정체성을 확립하기를 원하는 급속하게 성장한 도시들(이탈리아의 투린과 팔레르모, 스코틀랜드의 글래스고, 독일의 뮌헨과 다름슈타트, 스페인 카탈루냐의 바르셀로나)과 독립운동의 중심지들(당시 러시아 제국의 일부였던 핀란드의 헬싱키)에서도 자주 나타났습니다.

1914년, 제1차 세계 대전이 시작되면서 아르누보는 크게 지쳤습니다. 1920년대에는 아르데코와 모더니즘에 의해 지배적인 건축 및 장식 예술 양식으로 대체되었습니다.[7] 아르누보 양식은 1960년대 후반부터 비평가들로부터 더 긍정적인 관심을 받기 시작했으며, 1970년 현대 미술관에서 헥토르 기마르의 작품을 주요 전시했습니다.[8]

명명

아르누보라는 용어는 1880년대 벨기에의 L'Art Moderne지에서 예술을 통해 개혁을 추구하는 20명의 화가와 조각가인 Les Vingt의 작품을 묘사하기 위해 처음 사용되었습니다. 이 이름은 1895년 프랑스-독일 미술상 지크프리트 빙이 파리에서 연 미술관인 메종 드 아르 누보('새로운 예술의 집')에 의해 대중화되었습니다. 영국에서는 프랑스 용어인 아르누보(Art Nouveau)가 일반적으로 사용된 반면, 프랑스에서는 스타일 모더니(Style Moderne, 영국 용어 모던 스타일), 또는 스타일 1900(Style 1900)이라는 용어로 자주 불렸습니다.[9] 프랑스에서는 때때로 스타일 쥘 베른(소설가 쥘 베른의 이름을 따서), 스타일 메트로(헥토르 기마르의 철과 유리로 된 지하철 출입구의 이름을 따서), 아트 벨 에포크(Art Belle Epoque) 또는 아트 핀 드 시에클(Art fin de siècle)이라고도 불렸습니다.[10]

아르누보는 다른 언어로 다른 이름으로 알려져 있습니다. 독일어로 Jugendstil, 이탈리아어로 Stile Liberty, 카탈루냐어로 Modernisme, 그리고 영어로 Modern Style이라고도 알려져 있습니다. 스타일은 종종 유럽과 다른 여러 국가에서 거의 동시에 등장한 스타일과 관련이 있지만 항상 동일한 것은 아닙니다. 그들의 지역 이름은 종종 그들의 나라에서 전체 운동을 묘사하기 위해 사용되었습니다.

  • 오스트리아와 당시 오스트리아-헝가리 제국의 일부였던 인근 국가들에서는 비엔나 분리(헝가리어: szeuczió, 체코어: secessia, 슬로바키아어: secessia, 폴란드어: secessja)의 예술가들의 이름을 따서 비엔나 유겐슈틸(Viennese young style) 또는 분리(secessionstil)라고 불렸습니다.
  • 벨기에에서는 반대론자들에 의해 스타일 쿠프 드 푸에('위플래쉬 스타일'), 팔링 스틸('장어 스타일') 또는 스타일 누유('누들 스타일')로 불리기도 했습니다.[10]
  • 영국에서는 아르누보 외에도 모던 스타일, 또는 글래스고 학파의 작품 때문에 글래스고 스타일로 알려져 있었습니다.
  • 덴마크에서는 스ø비르케('아름다움의 작품')로 알려져 있습니다.
  • 독일과 스칸디나비아에서는 인기 있는 독일 미술 잡지인 Jugend의 이름을 따서 Reformstil ('Reform style'), Jugendstil ('Youth style')이라고 불렸고,[10] Wellenstil ('Wave style'), Liilienstil ('Lily style')[9]이라고 불렸습니다. 현재 핀란드, 스웨덴, 노르웨이에서는 유겐트, 에스토니아에서는 유겐트, 라트비아에서는 유겐트스틸이라고 불립니다. 핀란드에서는 칼레발라 스타일이라고도 불렸습니다.
  • 이탈리아에서는 섬유 디자인이 인기가 많았던 런던 리버티 앤 코의 설립자 아서 라센비 리버티의 이름을 따 '자유 스타일'로 불리기도 했습니다. 그것은 때때로 스틸플로랄('꽃 스타일') 또는 아르테누오바('새로운 예술'; 더 이상 사용되지 않음)라고도 불렸습니다.[10]
  • 일본에서는 시로우마.[11]
  • 네덜란드에서는 Nieuwe Kunst ('새로운 예술'), 또는 Nieuwe Stijl ('새로운 스타일').[12][9]
  • 포르투갈에서는 아르테노바('새로운 예술').
  • 루마니아에서는 아르타 1900('1900 Art'), 아르타 누 ă('New Art'), 또는 눌 스틸('New Style')이 있습니다.
  • 스페인에서는 모더니즘, 모더니즘 (카탈란어로), 아르테호벤 ('젊은 예술').
  • 스위스에서는 스타일 사핀('fir-tree style')[9]을 사용합니다.
  • 미국에서는 Louis Comfort 티파니와의 연관성 때문에 티파니 스타일이라고 불리기도 합니다.[2][12][9][14]
  • 모더니즘이라는 용어는 당시 러시아 제국에서 사용되었고 여전히 아제르바이잔, 카자흐스탄, 러시아, 우크라이나와 같은 현재의 후계 국가에서 사용되었고 리투아니아에서는 모더니즘이라고 불립니다. 그림에는 미르 이스쿠스트바('World of Art') 운동의 이름도 사용되었습니다.

역사

연대순 가이드는 Timeline of Art Nouveau를 참조하십시오.

오리진스

새로운 예술 운동은 영국, 윌리엄 모리스의 꽃 디자인, 모리스의 학생들이 설립한 공예 운동에 뿌리를 두고 있습니다. 스타일의 초기 프로토타입에는 모리스의 인테리어와 필립 웹(1859)의 건축물이 있는 붉은 집과 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 호화로운 피코크 룸이 있습니다. 이 새로운 운동은 또한 라파엘 전파의 화가들, 단테 가브리엘 로세티와 에드워드 번 존스에 의해 강하게 영향을 받았고, 특히 셀윈 이미지, 헤이우드 섬너, 월터 크레인, 알프레드 길버트, 그리고 특히 오브리 비어들리를 포함한 1880년대 영국 그래픽 아티스트들에 의해 강하게 영향을 받았습니다.[15] 아서 맥머도가 디자인한 의자는 아르누보 디자인의 선구자로 인정받았습니다.[16]

프랑스에서는 역사적인 보자르 건축 양식의 적으로 선언된 건축 이론가이자 역사가인 외젠 비올레르뒤크의 영향을 받았으며, 그의 합리주의 이론은 중세 미술에 대한 연구에서 파생되었습니다.

  • 함수는 형태를 정의해야 합니다.[17]
  • 예술의 통일성과 주요 예술(건축)과 부예술(장식예술)[18]의 구분 폐지.
  • 자연의 논리는 건축에 사용될 모델입니다.[19]
  • 건축은 인간의 환경과 요구에 적응해야 합니다.
  • 현대 기술과 재료를 사용합니다.[20]

Viollet-le-Duc는 그 자신이 아르누보의 선구자였습니다: 1851년, 노트르담 드 파리에서, 그는 그 양식의 전형적인 벽화들을 연속적으로 만들었습니다.[21] 이 그림들은 1945년에 학술적이지 않은 것으로 간주되어 제거되었습니다. 보르도 지역의 로케타일레이드(Chattau de Roquetaillade)에서 1865년에 만들어진 그의 실내 장식도 아르누보(Art Nouveau)를 기대하고 있습니다. 1872년 저서 엔트레티엔술의 건축에서 그는 "오늘날 더 이상 실행 가능하지 않은 전통을 개입시키지 않고 우리 시대가 우리에게 준 수단과 지식을 사용하고, 그렇게 함으로써 우리는 새로운 건축을 시작할 수 있습니다. 각각의 기능마다, 그 물질의 형태와 장식물마다,"[22] 이 책은 루이스 설리번, 빅터 호타, 헥터 기마르, 안토니 가우디를 포함한 한 세대의 건축가들에게 영향을 미쳤습니다.[23]

프랑스 화가 모리스 데니스, 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르는 미술화와 장식을 통합하는 데 중요한 역할을 했습니다. "저는 모든 것이 장식되기 전에 그림이 장식되어야 한다고 믿습니다"라고 데니스는 1891년에 썼습니다. "주제나 장면의 선택은 아무것도 아닙니다. 성조의 가치, 색채의 표면, 선의 조화에 의해 제가 영에 도달하고 감정을 깨울 수 있습니다."[24] 이 화가들은 모두 화면, 유리, 기타 매체에서 전통 회화와 장식 회화를 모두 했습니다.[25]

새로운 양식에 대한 또 다른 중요한 영향은 자포니즘이었습니다. 이는 1870년대를 기점으로 유럽에 수입된 히로시게, 호쿠사이, 우타가와 구니사다의 작품을 중심으로 일본 목판 인쇄에 대한 열광의 물결이었습니다. 진취적인 지그프리드 빙(Siegfried Bing)은 1888년 월간지 르 자폰 아티케(Le Japon Artistique)를 창간하고, 1891년에 종영하기 전에 36호를 발행했습니다. 그것은 구스타프 클림트를 포함한 수집가와 예술가 모두에게 영향을 미쳤습니다. 일본 판화의 양식화된 특징은 아르누보 그래픽, 도자기, 보석 및 가구에 나타났습니다. 1860년 초부터 극동의 영향이 갑자기 나타났습니다. 1862년, 런던이나 파리에서 온 예술 애호가들은 일본의 예술작품을 살 수 있었는데, 그 해에 일본이 런던에서 열린 국제 전시회에 처음으로 전시자로 등장했기 때문입니다. 또한 1862년 파리에서는 뤼 드 리볼리에 있는 라 포르테 치누아즈 매장이 문을 열었는데, 그곳에서 일본의 우키요에와 극동지역의 다른 물건들이 팔렸습니다. 1867년에는 오웬 존스의 중국 장신구의 예가, 1870년에는 R의 일본 미술과 산업이 등장했습니다. 알콕 그리고 2년 후, O. H. Moser와 T. W. Cutler는 일본 미술에 관한 책을 출판했습니다. 빅토르 호르타와 같은 일부 아르누보 예술가들은 극동 예술품들, 특히 일본인들의 컬렉션을 소유했습니다.[11]

인쇄 및 출판 분야의 신기술 덕분에 Art Nouveau는 전 세계 청중에게 빠르게 다가갈 수 있었습니다. 사진과 컬러 리소그래피로 그려진 아트 매거진은 새로운 스타일을 대중화하는 데 필수적인 역할을 했습니다. 영국의 스튜디오, 프랑스의 Arts et diès and Artet decoration, 독일의 Jugend는 이 스타일이 유럽의 모든 구석으로 빠르게 퍼져나갈 수 있도록 했습니다. 영국의 오브리 비어즐리와 외젠 그라셋, 앙리 드 툴루즈 로트렉, 펠릭스 발로튼은 삽화가로서 국제적인 명성을 얻었습니다.[26] 1893년 무용수 로이 풀러를 위한 쥘 체레의 포스터, 1895년 여배우 사라 베른하르트를 위한 알퐁스 무차의 포스터와 함께 포스터는 단순한 광고가 아닌 예술 형태가 되었습니다. Sarah Bernhardt는 수집가들에게 판매하기 위해 그녀의 포스터들을 대량으로 준비했습니다.[27]

개발 – 브뤼셀 (1893–1898)

최초의 아르누보 타운하우스인 폴 한카르 (1893)의 한카르 하우스와 빅토르 호르타 (1892–1893)[4][5]의 호텔 테셀은 브뤼셀에서 거의 동시에 지어졌습니다. 그들은 독창성은 비슷했지만 디자인과 외관은 매우 달랐습니다.

빅토르 호르타는 초기 아르누보의 가장 영향력 있는 건축가들 중 한 명이었고, 브뤼셀에 있는 그의 호텔 테셀 (1892–1893)은 그 양식의 랜드마크 중 하나입니다.[28][29] 호르타의 건축 훈련은 레오폴트 2세의 건축가인 알퐁스 발라트의 조수로서 라켄의 기념비적인 철과 유리 온실을 건설했습니다.[30] 그는 그의 아이디어를 완전히 동일시한 Viollet-le-Duc의 위대한 숭배자였습니다.[31][32] 1892-1893년, 그는 이 경험을 매우 다른 용도로 사용했습니다. 그는 벨기에의 저명한 화학자 에밀 타셀의 거주지를 아주 좁고 깊은 곳에 설계했습니다. 집의 중심 요소는 계단이었고, 벽으로 둘러싸여 있지 않고 열려 있었고, 고철 난간으로 장식되어 있었고, 높은 하늘빛 아래에 놓여 있었습니다. 바닥은 나무 줄기처럼 가느다란 철 기둥으로 지탱되었습니다. 모자이크 바닥과 벽은 꽃과 식물 형태의 섬세한 아라베스크로 장식되었고, 이것은 이 양식의 가장 인기 있는 특징이 되었습니다.[33][34] 짧은 기간 동안, 호르타는 세 채의 타운 하우스를 더 지었는데, 모두 개방형 인테리어와 최대의 실내 조명을 위해 스카이라이트가 설치되어 있습니다: 호텔 솔베이, 호텔 반 이트벨데 (에드몬드 반 이트벨데용), 메종 앤 아틀리에 호르타. 네 곳 모두 현재 유네스코 세계문화유산의 일부입니다.

폴 한카르는 또한 초기 아르누보의 혁신가였습니다. 하이노의 프라메리에서 석재 절단 장인의 아들로 태어난 그는 장식 조각가로 일하면서 1873년부터 1884년까지 브뤼셀의 왕립 미술 아카데미에서 장식 조각과 장식을 공부했습니다. 1879년부터 1904년까지 그는 절충주의와 신고전주의 건축의 대가인 저명한 건축가 앙리 베야르트의 작업실에서 일했습니다. Beyaert를 통해 Hankar는 Viollet-le-Duc의 숭배자가 되기도 했습니다.[35] 1893년, 한카르는 브뤼셀에 있는 자신의 집인 한카르 하우스를 설계하고 지었습니다. 그는 순수예술과 장식예술의 종합을 만드는 것을 목표로 조각가 르네 얀센과 화가 알베르트 시암베를라니를 불러들여 내부와 외부를 스그라피티, 즉 벽화로 장식했습니다. 정면과 발코니는 철제 장식과 스타일리시한 꽃무늬의 컬링 라인이 특징이며, 이는 아르누보의 중요한 특징이 되었습니다. 이 모델을 바탕으로 그는 예술가 친구들을 위해 여러 집을 지었습니다. 그는 또한 브뤼셀 상점, 레스토랑 및 갤러리를 위한 일련의 혁신적인 유리 진열창을 디자인했는데, 이를 현지 비평가가 "진정한 독창성의 환상"이라고 불렀습니다.[36] 그는 이 운동이 인정받기 시작하던 1901년에 사망했습니다.[37]

앤트워프에서 태어난 헨리 판 데 벨데는 아르누보의 탄생에 또 다른 설립자였습니다. 반 데 벨데의 디자인은 브뤼셀에 있는 그의 거주지인 빌라 블루멘베르프(1895)의 내부를 포함했습니다.[38][39] 집의 외부는 예술공예운동의 창시자인 작가이자 이론가인 윌리엄 모리스의 거주지인 붉은 집에서 영감을 얻었습니다. 화가로서 훈련을 받은 Van de Velde는 일러스트레이션으로, 그리고 나서 가구 디자인으로, 그리고 마지막으로 건축으로 전향했습니다. Villa Bloemenwerf를 위해, 그는 거주지의 스타일에 맞는 직물, 벽지, 은제품, 보석, 그리고 심지어 의류를 만들었습니다.[40] 반 드 벨데는 파리로 가서 독일-프랑스 미술상 지크프리트 빙을 위해 가구와 장식을 디자인했고, 그의 파리 갤러리는 그 스타일에 이름을 붙였습니다. 그는 또한 초기 아르누보 이론가로 역동적이고 종종 반대되는 선을 사용할 것을 요구했습니다. Van de Velde는 다음과 같이 썼습니다: "선은 다른 모든 기본적인 힘과 같은 힘입니다. 여러 개의 라인이 합쳐졌지만 반대하는 것은 여러 개의 힘만큼 강력한 존재감을 가지고 있습니다." 1906년, 그는 벨기에를 떠나 바이마르(독일)로 향했고, 그곳에서 역사적 양식을 가르치는 것이 금지된 그랑듀칼 예술 공예 학교를 설립했습니다. 그는 벨기에로 돌아가기 전에 독일 베르흐분트에서 중요한 역할을 했습니다.[41]

브뤼셀의 아르누보 건축물의 데뷔는 새로운 양식의 장식 예술의 물결을 동반했습니다. 중요한 예술가들은 브뤼셀 정면에 바로크 효과를 내기 위해 연철을 사용했던 구스타브 스트라우벤, 매우 독창적인 의자와 관절 모양의 금속 가구로 유명한 가구 디자이너 구스타브 세루리에 보비, 그리고 잠자리, 나비의 형태로 보석을 만든 보석 디자이너 필립 울퍼스를 포함합니다. 백조와 [42]농어

1897년에 열린 브뤼셀 국제 박람회는 스타일에 대한 국제적인 관심을 불러 일으켰고, 호르타, 한카르, 반 데 벨데, 세르루리에-보비 등이 박람회 디자인에 참여했으며, 앙리 프라이빗-라이브몬트(Henri Private-Livemont)가 전시 포스터를 만들었습니다.

파리 – 메종 드 라르트 누보 (1895)와 카스텔 베랑제 (1895–1898)

  • Siegfried Bing invited artists to show modern works in his new Maison de l'Art Nouveau (1895).
    지그프리드 빙(Siegfried Bing)은 그의 새로운 메종 드 아르 누보(Maison de l'Art Nouveau, 1895)에서 현대 작품을 보여주기 위해 예술가들을 초대했습니다.
  • The Maison de l'Art Nouveau gallery of Siegfried Bing (1895)
    지그프리드 빙의 메종 드 라르트 누보 갤러리 (1895)
  • Poster by Félix Vallotton for the new Maison de l'Art Nouveau (1896)
    펠릭스 발로톤의 새로운 메종 드 라르누보 포스터 (1896)
  • Gateway of the Castel Béranger by Hector Guimard (1895–1898)
    헥토르 기마르(Hector Guimard, 1895–1898)에 의한 성 베랭거의 문
  • Breezeway of the Castel Béranger, with wall plates by Alexandre Bigot
    알렉상드르 비고의 벽판이 그려진 브리즈웨이 오브 더 카스텔 베랭거
  • Detail of main stairway of the Castel Béranger
    Castel Béranger의 주 계단에 대한 세부 사항

프랑스-독일 미술상이자 출판사인 지그프리드 빙은 이 스타일을 알리는 데 핵심적인 역할을 했습니다. 1891년, 그는 일본의 예술에 전념하는 잡지를 설립했고, 이것은 유럽에 일본주의를 널리 알리는데 도움을 주었습니다. 1892년, 그는 현대 회화와 장식 작품을 모두 포함한 피에르 보나르, 펠릭스 발로통, 에두아르 비야르, 툴루즈-로트렉, 외젠 그라셋 등 7명의 예술가들의 전시회를 조직했습니다. 이 전시회는 1895년 Sociét nationale des beaux-arts에서 전시되었습니다. 같은 해, 빙은 파리의 22 루 드 프로방스에 새로운 갤러리를 열었는데, 이 갤러리는 미술과 장식 예술 모두에서 새로운 작품에 전념했습니다. 갤러리의 인테리어와 가구는 아르누보 건축의 선구자 중 한 명인 벨기에 건축가 헨리 반 데 벨데가 디자인했습니다. 메종 드 라트 누보(Maison de l'Art Nouveau)에는 조르주 쇠라(Georges Seurat), 폴 시냐크(Paul Signac), 툴루즈-로트렉(Toulouse-Lautrec)의 그림, 루이 컴포트 티파니(Louis Comfort Tiffany)와 에밀 갈레(Emile Gallé)의 유리, 르네 랄리케(René Lalique)의 보석, 오브리 비어들리(Aubrey Beardsley)의 포스터가 전시되었습니다. 거기에 보여진 작품들은 스타일이 전혀 균일하지 않았습니다. 빙(Bing)은 1902년에 "아트 누보(Art Nouveau)는 창설 당시 어떤 식으로든 총칭이 되는 영광을 열망하지 않았습니다. 그것은 단지 모든 젊고 열정적인 예술가들이 자신들의 성향의 현대성을 보여주기를 열망하는 집결지로 열린 집의 이름이었습니다."[43]

이 스타일은 이웃 프랑스에서 빠르게 눈에 띄었습니다. 호르타의 호텔 타셀을 방문한 후, 헥토르 기마르는 1895년에서 1898년 사이에 새로운 양식의 최초의 파리 건물 중 하나인 Castel Béranger를 지었습니다.[nb 1] 파리 사람들은 조르주 외젠 하우스만이 나폴레옹 3세 아래 지은 거리 건축의 단조로움을 불평해왔습니다. 카스텔 베랑거는 휘어진 휘어진 휘어진 선과 자연스러운 형태를 가진 네오-고딕과 아르누보의 기이한 조합이었습니다. 그의 작업에 능숙한 홍보 담당자인 Guimard는 "어떤 대가를 치르더라도 피해야 할 것은...평행과 대칭 자연은 모든 건축물 중에서 가장 위대한 건축물이며, 자연은 평행한 것은 아무것도, 대칭인 것은 아무것도 만들지 않습니다."[45]

파리 시민들은 기마르의 독창적이고 그림 같은 스타일을 환영했습니다; 카스텔 베랑제는 파리에서 가장 새로운 파사드 중 하나로 선정되어 기마르의 경력을 시작했습니다. Guimard는 새로운 파리 메트로 시스템의 출입구를 디자인할 수 있는 권한을 부여받았는데, 이는 1900년 만국 박람회에 참가한 수백만 명의 방문객들의 관심을 끌게 했습니다.[10]

파리 만국박람회 (1900년)

주요 기사: 엑스포유니버설(1900)

파리 1900 박람회는 아르누보의 절정을 장식했습니다. 1900년 4월과 11월 사이에 전 세계에서 거의 5천만 명의 방문객을 끌어 모았고, 건축, 디자인, 유리 제품, 가구 및 장식 오브제를 선보였습니다. 만국 박람회의 건축물은 종종 아르누보와 보자르 건축물이 혼합되어 있었습니다: 주요 전시장인 그랑 팔레는 화려한 아르누보 계단과 전시장과는 전혀 관련이 없는 보자르 정면을 가지고 있었습니다.

프랑스 디자이너들은 모두 전시회를 위해 특별한 작품들을 만들었습니다: 랄리크 크리스탈과 보석, 앙리 베버와 조르주 푸케의 보석, 다음 유리, 도자기로 제작된 국립 세브르 박물관, 알렉상드르 비고의 도자기, 에밀 갈레의 조각된 유리 램프와 화병, 에두아르 콜론나와 루이 마조렐의 가구, 그리고 다른 많은 유명한 작품들. 공예 회사 1900년 파리 박람회에서 지그프리드 빙(Siegfried Bing)은 아르누보 빙(Art Nouveau Bing)이라는 정자를 선보였는데, 이 정자는 완전히 스타일로 장식된 여섯 개의 다른 인테리어를 특징으로 합니다.[46][47]

박람회는 유럽 전역과 그 밖의 지역에서 온 아르누보 디자이너와 예술가들을 위한 첫 번째 국제 쇼케이스였습니다. 수상자와 참가자에는 보스니아-헤르체고비나의 전시관 벽화를 만들고 전시관의 식당 메뉴를 디자인한 알퐁스 무차, 장식가이자 디자이너인 베를린의 브루노 폴과 브루노 뫼링, 토리노의 카를로 부가티, 바이에른의 베른하르트 판콕, 러시아 건축가이자 디자이너인 표도르 셰흐텔과 미국의 루이 컴포트 티파니 앤 컴퍼니.[48] 빈의 건축가 오토 바그너는 심사위원회의 일원이었고, 유리 욕조가 특징인 빈에 있는 자신의 마을 아파트의 아르누보 욕실 모형을 제시했습니다.[49] 요제프 호프만(Josef Hoffmann)은 파리 박람회에서 빈 분리주의 디자인을 강조하며 빈 전시회를 디자인했습니다.[50] 엘리엘 사리넨(Eliel Saarinen)은 핀란드의 파빌리온에 대한 상상력 있는 디자인으로 처음으로 국제적인 인정을 받았습니다.[51]

파리 박람회가 단연코 가장 큰 규모였지만, 다른 박람회들은 이 스타일을 대중화하는 데 많은 도움을 주었습니다. 1888 바르셀로나 만국 박람회는 스페인에서 모더니즘 양식의 시작을 알렸으며, Lluiis Domènechi Montaner의 일부 건물이 있었습니다. 1902년 이탈리아 토리노에서 열린 에스포지오네날 다테 장식 모더나(Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna)는 벨기에 출신의 빅토르 호타(Victor Horta), 비엔나 출신의 조셉 마리아 올브리치(Joseph Maria Olbrich) 등 유럽 전역의 디자이너들과 카를로 부가티(Carlo Bugatti), 갈릴레오 치니(Galileo Chini), 에우제니오 콰티(Eugenio Quarti) 등 현지 예술가들을 전시했습니다.[52]

국소 변형

아르누보

주요 기사: 파리의 에콜 드 낭시와 아르누보

1900년 만국 박람회 이후, 아르누보의 수도는 파리였습니다. 양식상 가장 호화로운 주거지는 쥘 라비로트에 의해 지어졌으며, 그는 정면을 도자기 조각 장식으로 완전히 덮었습니다. 가장 화려한 예는 랩 거리 29번지에 있는 라비로트 빌딩(1901)입니다. 사무실 건물과 백화점은 스테인드 글라스 큐폴라와 세라믹 장식으로 덮인 높은 정원을 특징으로 했습니다. 이 스타일은 특히 레스토랑과 카페에서 인기가 많았습니다. 맥심 at 3, rue Royale, Le Train bleu at the Gare de Lyon (1900).[53]

파리의 위상은 외국 예술가들을 그 도시로 끌어들였습니다. 스위스 태생의 예술가 외젠 그라셋(Eugène Grasset)은 프랑스 아르누보(Art Nouveau) 포스터를 처음 만든 사람들 중 한 명입니다. 그는 1885년 유명한 카바레 르 샤트 느와르를 장식하는 것을 도왔고, 1890년 페테스 드 파리의 첫 번째 포스터와 사라 베른하르트의 기념 포스터를 만들었습니다. 파리에서 그는 그의 제자들이 아우구스토 자코메티와 폴 베르통을 포함하는 게랭 예술 학교(Ecole normale d'enignement du dessin)에서 가르쳤습니다.[54][55] 스위스 태생의 테오필레-알렉산드르 슈타인렌은 1896년 파리 카바레 르 샤트누아르의 유명한 포스터를 만들었습니다. 체코의 예술가 알퐁스 무차(1860–1939)는 1888년 파리에 도착했고, 1895년 르네상스 시대의 빅토리엔 사르두의 연극 '지스몬다'에서 여배우 사라 베른하르트의 포스터를 만들었습니다. 이 포스터의 성공은 베른하르트의 연극 6편의 포스터 제작 계약으로 이어졌습니다.

로렌의 낸시라는 도시는 새로운 스타일의 또 다른 프랑스 수도가 되었습니다. 1901년, 에콜 드 낭시로도 알려진 Alliance De Industries D'art가 설립되어 장식 예술보다 회화와 조각을 중요시하는 위계 질서를 어지럽히는 데 전념했습니다. 그곳에서 일하는 주요 예술가들은 유리 꽃병과 램프를 만든 에밀 갈레, 유리 디자인을 한 다음 형제, 우아한 꽃과 식물 형태로 가구를 만든 디자이너 루이 마조렐을 포함했습니다. 건축가 앙리 소비지는 1902년에 그의 빌라 마조렐과 함께 낸시에게 새로운 건축 양식을 가져다 주었습니다.

프랑스 스타일은 The Studio, Arts et Idées, Artet Décoration을 포함한 새로운 잡지에 의해 널리 전파되었으며, 그의 사진과 컬러 리소그래피는 전세계 디자이너와 부유한 고객들에게 이 스타일을 알려주었습니다.

프랑스에서 이 스타일은 1900년에 정상에 이르렀고, 그 후 빠르게 유행에서 벗어나 1905년까지 프랑스에서 사실상 사라졌습니다. 아르누보는 명품 스타일로, 전문가와 고액의 보수를 받는 장인이 필요했고, 쉽게 또는 저렴하게 대량 생산할 수 없었습니다. 아르누보는 대량 생산이 가능한 몇 안 되는 제품 중 하나가 향수병이었고, 이것들은 오늘날에도 여전히 스타일대로 제조되고 있습니다.

아르누보

주요 기사: 브뤼셀의 아르누보와 앤트워프의 아르누보

벨기에는 1893년에 최초의 아르누보 주택 중 하나인 호텔 테셀(Hottel Tassel)과 같은 스타일의 변형된 세 개의 다른 타운하우스를 설계한 빅토르 호타(Victor Horta)의 건축 덕분에 아르누보의 초기 중심지였습니다. 그들은 현재 유네스코 세계 문화 유산입니다. 호르타는 건설 중인 호텔 테셀을 보러 온 젊은 헥토르 기마르의 작품에 강한 영향을 미쳤고, 후에 호르타가 아르누보의 "발명가"라고 선언했습니다.[56] 호르타의 혁신은 정면이 아니라 내부였는데, 철과 유리를 풍부하게 사용하여 공간을 개방하고 빛으로 방을 가득 채우고 바닥과 벽에 메아리치는 굽은 식물 형태의 연철 기둥과 난간으로 장식했으며, 호르타가 디자인한 가구와 카펫도 장식했습니다.[57]

폴 한카르는 브뤼셀의 아르누보의 또 다른 선구자였습니다. 그의 집은 1893년에 완성되었고, 호르타의 호텔 테셀과 같은 해에 지어졌으며, 정면에 그라피티 벽화가 그려져 있습니다. Hankar는 Viollet-le-Duc와 영국 공예 운동의 아이디어 모두에 영향을 받았습니다. 그의 구상은 장식 예술과 순수 예술을 일관된 전체로 모으는 것이었습니다. 그는 조각가 알프레드 크릭과 화가 아돌프 크레스핀에게 그들의 작품으로 집들의 정면들을 장식할 것을 의뢰했습니다. 가장 인상적인 예는 브뤼셀의 루 데파크츠/데파크츠스트라트 48번지에 예술가 알버트 시암베를라니를 위해 지어진 집과 스튜디오로, 그는 그림이 그려진 인물과 장식이 있는 스그라피토 벽화로 덮인 활기찬 정면을 만들었고, 콰트로센토, 즉 15세기 이탈리아의 장식 건축을 재현했습니다.[30] Hankar는 1901년에 그의 작품이 막 인정을 받고 있을 때 사망했습니다.[58]

귀스타브 스트라우벤(Gustave Strauben)은 21세에 자신의 연습을 시작하기 전에 호르타(Horta)와 함께 일하는 보조 디자이너(보조 디자이너)로서 경력을 시작했으며, 브뤼셀에서 가장 호화로운 아르누보(Art Nouveau) 건물 중 일부를 만들었습니다. 그의 가장 유명한 작품은 11, 광장 암비오릭스/암비오릭스 광장에 있는 생시르 하우스입니다. 이 집은 너비가 4미터(13피트)에 불과하지만 그의 정교한 건축적 발명으로 인해 비범한 높이를 갖게 되었습니다. 폴리크롬 벽돌과 갈은 쇠로 된 식물 형태의 말리는 네트워크로 전체가 사실상 아르누보-바로크 스타일로 덮여 있습니다.[59]

벨기에 출신의 다른 중요한 아르누보 예술가들은 건축가이자 디자이너인 앙리 판 데 벨데를 포함했지만, 그의 경력 중 가장 중요한 부분은 독일에서 보냈지만, 그는 유겐슈틸의 장식에 강한 영향을 미쳤습니다. 다른 사람들은 장식가 구스타브 세루리에 보비와 그래픽 아티스트 페르낭 크노프를 포함했습니다.[5][60][61] 벨기에 디자이너들은 벨기에 콩고에서 수입한 상아의 풍부한 공급을 이용했습니다; Philippe Wolfers와 같은 예술가들에 의해 돌, 금속, 상아를 결합한 혼합 조각은 인기가 있었습니다.[62]

니에우베 쿤스트

네덜란드에서, 그 양식은 Nieuwe Stijl ('새로운 양식') 또는 Nieuwe Kunst ('새로운 예술')로 알려졌고, 그것은 벨기에의 더 꽃무늬와 곡선 스타일과는 다른 방향을 취했습니다. 그것은 독일의 유겐슈틸과 오스트리아의 비엔나 분리의 더 기하학적이고 양식화된 형태에 의해 영향을 받았습니다.[62] 또한 인도네시아, 네덜란드 동인도 제도, 특히 자바 섬의 직물과 바틱의 디자인에 영향을 받았습니다.

이 스타일에서 가장 중요한 건축가이자 가구 디자이너는 헨드릭 페트루스 베를라지로, 역사적 스타일을 비난하고 순수하게 기능적인 건축을 옹호했습니다. 그는 "환시가 아니라 본질을 찾기 위해, 환상의 예술에 맞서 싸우고, 거짓을 인식하는 것이 필요합니다"라고 썼습니다.[63] 빅터 호르타와 가우디처럼, 그는 비올레 르 두크 건축 이론의 숭배자였습니다.[63] 그의 가구는 마치 금속인 것처럼 휘거나 비틀지 않고 엄격하게 기능하고 나무의 자연적인 형태를 존중하도록 설계되었습니다. 그는 이집트 가구의 예를 지적했고, 직각의 의자를 선호했습니다. 그의 첫 번째이자 가장 유명한 건축 작품은 건설주의 원칙에 따라 건설한 암스테르담 상품 거래소인 Beurs van Berlage (1896–1903)였습니다. 안방 벽을 장식하는 리벳 줄 등 모든 것이 기능적이었습니다. 그는 종종 자신의 건물들을 더 돋보이게 하기 위해 매우 높은 탑들을 자신의 건물들에 포함시켰는데, 이것은 빈의 조셉 마리아 올브리히와 핀란드의 엘리엘 사리넨을 포함한 이 시기의 다른 아르누보 건축가들이 사용했던 관습입니다.[64]

이 스타일의 다른 건물들로는 역시 베를라지가 지은 아메리칸 호텔(1898–1900)과 암스테르담의 헤르만 헨드릭 반데르스와 게릿 반 아르켈이 지은 아스토리아(1904–1905), 하를렘의 기차역(1906–1908), 로테르담의 홀랜드 아메리카 선(1917)의 전 사무실 건물(1917)이 있습니다.

이 스타일의 저명한 그래픽 아티스트와 일러스트레이터는 샐러드 오일 포스터에도 신비주의와 상징주의로 기울어진 얀 투롭(Jan Toorop)을 포함했습니다. 그들의 색깔과 디자인에서, 그들은 또한 때때로 자바 예술의 영향을 보여주었습니다.[64]

네덜란드 도자기와 도자기에서 중요한 인물로는 주리아안 콕과 테오 콜렌브랜더가 있습니다. 그들은 자바의 바틱 장식에서 차용한 독특한 형태의 도자기와 어두운 색과 밝은 색의 대조적인 조합으로 화려한 꽃무늬와 더 전통적인 아르누보 모티브를 사용했습니다.[65]

영국의 근대양식과 글래스고 학교

주요 기사: 모던 스타일 (영국 아르누보 스타일)
참고 항목: 글래스고 학교

아르누보는 1860년대에 시작되어 1880년대에 국제적인 인정을 받은 예술과 공예 운동에 영국에 뿌리를 두고 있습니다. 그것은 장식 예술에 대한 더 나은 대우를 요구했고, 중세 공예와 디자인, 그리고 자연에서 영감을 얻었습니다.[68] 모던 스타일의 주목할 만한 초기 예 중 하나는 1883년에 출판된 크리스토퍼 렌 경의 도시 교회에 대한 그의 에세이 표지를 위한 아서 맥머도의 디자인이며, 같은 해 그의 마호가니 의자도 마찬가지입니다.[69]

영국의 다른 중요한 혁신가들은 그래픽 디자이너 오브리 비어즐리를 포함했는데, 그의 그림은 그 스타일의 가장 눈에 띄는 특징이 된 곡선을 특징으로 합니다. 1880년대의 자유롭게 흐르는 연철이나 평평한 꽃무늬 직물 디자인도 도입될 수 있었는데, 이들 대부분은 19세기 디자인의 패턴에 어느 정도 자극을 주었습니다. 스타일에서 중요한 위치를 차지했던 다른 영국 그래픽 아티스트로는 월터 크레인과 찰스 애쉬비가 있습니다.[70]

런던의 리버티 백화점은 직물에 대한 화려한 양식의 꽃 디자인과 (스코틀랜드 혈통의) 맨스맨의 은, 퓨터, 보석 디자인을 통해 중요한 역할을 했습니다. 재료와 형태의 그의 보석 디자인은 보석 디자인의 역사적 전통에서 완전히 벗어났습니다.

아르누보 건축과 가구 디자인에 있어 영국에서 가장 중요한 중심지는 글래스고였으며, 스코틀랜드의 남작 건축과 일본의 디자인에서 영감을 받은 찰스 레니 매킨토시와 글래스고 학교의 창작물이 있었습니다.[71] 1895년부터 매킨토시는 런던, 비엔나, 토리노에서 열린 국제 박람회에 자신의 디자인을 전시했습니다. 그의 디자인은 특히 비엔나의 분리 스타일에 영향을 미쳤습니다. 그의 건축 창작물에는 글래스고 헤럴드 빌딩(1894)과 글래스고 예술 학교 도서관(1897)이 포함되었습니다. 그는 또한 유명한 화가이자 디자이너인 아내 마가렛 맥도날드 매킨토시와 긴밀히 협력하면서 가구 디자이너이자 장식가로서 주요한 명성을 확립했습니다. 그들은 기하학적인 직선과 부드럽게 휘어진 꽃 장식, 특히 스타일의 유명한 상징인 글래스고 로즈(Glasgow Rose)를 결합한 인상적인 디자인을 함께 만들었습니다.[72]

레온-빅토르 솔론은 민턴즈의 아트 디렉터로서 아르누보 도자기에 중요한 공헌을 했습니다. 그는 플라크와 튜브 줄로 된 화병을 전문적으로 판매했습니다(일반적으로 비엔나 예술 운동에서 이름을 따온 것으로 묘사됨).[73] 도자기 외에도 그는 리크 실크 산업을[74] 위한 직물을 디자인했고 1895년 서덜랜드 제본에 특허를 낸 책 바인더(뉴캐슬 언더 라임의 G.T. Bagguly)를 위한 더블루어를 디자인했습니다.

조지 스키퍼는 아마도 영국에서 가장 활발한 아르누보 건축가였을 것입니다. 1900-01년 동안 에드워드 에버라드의 인쇄 작품을 보관하기 위해 지어진 브리스톨의 에드워드 에버라드 건물에는 아르누보 정면이 있습니다. 묘사된 인물들은 모두 인쇄 분야에서 저명한 요하네스 구텐베르크와 윌리엄 모리스의 인물들입니다. 날개 달린 형상은 '빛의 정신'을 상징하고, 램프와 거울을 들고 있는 형상은 빛과 진리를 상징합니다.

독일의 유겐트 스틸

참고 항목: Jugendstill

German Art Nouveau는 흔히 Jugendstil, 혹은 'Youth Style'이라는 독일 이름으로 알려져 있습니다. 그 이름은 뮌헨에서 출판된 예술 저널 Jugend('청춘')에서 따온 것입니다. 이 잡지는 게오르크 히르트가 1896년에 설립한 것으로 1916년에 사망할 때까지 편집자로 남아 있었습니다. 그 잡지는 1940년까지 살아남았습니다. 20세기 초 동안, 유겐트 스틸은 그래픽 아트에만 적용되었습니다.[75] 특히 유겐드, 판, 심플리시무스와 같은 독일 잡지에서 볼 수 있는 타이포그래피와 그래픽 디자인의 형태를 언급했습니다. Jugendstil은 나중에 독일, 네덜란드의 Art Nouveau의 다른 버전에도 적용되었습니다. 이 용어는 발트해 국가들과 북유럽 국가들의 여러 언어들이 아르누보를 묘사하기 위해 독일어에서 차용한 것입니다(이름 짓기 섹션 참조).[12][76]

1892년 게오르크 히르트는 뮌헨 시각 예술가 협회를 위해 뮌헨 분리라는 이름을 선택했습니다. 1897년에 설립된 비엔나 분리 [77]독립과 베를린 분리 독립도 뮌헨 그룹에서 이름을 따왔습니다.

뮌헨에서 발행되는 저널 Jugend와 Simplicissimus와 베를린에서 발행되는 Pan은 Jugendstil의 중요한 지지자였습니다. Jugendstill 미술은 구불구불한 곡선과 더 많은 기하학적 선을 결합했고 소설, 광고, 전시 포스터의 표지에 사용되었습니다. 디자이너들은 1904년 아놀드 뵈클린 서체와 같이 이미지와 조화롭게 작동하는 서체의 독창적인 스타일을 자주 만들어냈습니다.

오토 에크만(Otto Eckmann)은 디 유겐드(Die Jugend)와 판(Pan)과 관련된 가장 유명한 독일 예술가 중 한 명이었습니다. 그가 가장 좋아하는 동물은 백조였고, 그의 영향력이 매우 커서 백조는 전체 운동의 상징이 되었습니다. 이 스타일의 또 다른 유명한 디자이너는 Richard Riemerschmid였는데, 그는 아르데코를 가리키는 냉철하고 기하학적인 스타일로 가구, 도자기, 그리고 다른 장식품들을 만들었습니다.[78] 뮌헨에 살고 있는 스위스의 예술가 헤르만 오브리스트는 키클라멘 꽃의 줄기에서 움직임을 암시하는 매우 양식화된 이중 곡선인 쿠페 드 푸트 또는 채찍질 모티프를 그렸습니다.

다름슈타트 예술가 식민지는 1899년 헤센 대공 에르네스트 루트비히에 의해 설립되었습니다. 식민지(웨딩 타워)의 가장 큰 건축물일 뿐만 아니라 대공의 집을 지은 건축가는 비엔나 분리 설립자 중 한 명인 조셉 마리아 올브리치(Joseph Maria Olbrich)였습니다. 식민지의 다른 주목할 만한 예술가들은 피터 베렌스와 한스 크리스티안센이었습니다. 어니스트 루트비히도 세기 초에 바드 나우하임에 있는 스파 단지를 재건할 것을 의뢰했습니다. 완전히 새로운 스프루델호프[de] 단지는 빌헬름 조스트[de]의 지휘 아래 1905-1911년에 건설되었으며 모든 예술의 종합이라는 쥬겐슈틸의 주요 목적 중 하나를 달성했습니다.[79] 아르누보 건축물을 의뢰한 또 다른 지배 가문의 일원은 헤센과 라인의 엘리자베스 공주였습니다. 그녀는 1908년 모스크바에 마르포-마린스키 수녀원을 설립했고 그곳의 카톨리콘은 아르누보 걸작으로 인정받고 있습니다.[80]

독일 제국의 또 다른 주목할 만한 연합은 1907년 뮌헨에서 다름슈타트 식민지의 예술가 요제프 마리아 올브리히, 페터 베렌스에 의해 헤르만 무테시우스의 주창으로 설립된 독일 연방이다. 브루노 폴과 다른 예술가들과 회사들.[81] 후에 벨기에인 헨리 판 데 벨데가 이 운동에[nb 2] 참여했습니다. 그가 바이마르에 세운 그랑듀칼 예술공예학교는 모더니즘 건축에서 가장 영향력 있는 조류 중 하나인 바우하우스의 전신이었습니다.[83]

베를린에서 유겐트슈틸은 여러 기차역의 건설을 위해 선택되었습니다. 가장 주목할 만한 것은 브루노 뫼링(1900–1902)의 ü로우스트라 ß(Bülowstra ße)이며, 다른 예로는 멕시코플라츠(1902–1904), 보타니셔 가르텐(1908–1909), 프로나우(1908–1910), 비텐베르크플라츠(1911–1913), 판코우(1912–1914) 역이 있습니다. 베를린의 또 다른 주목할 만한 건축물은 안뜰 정면에 폴리크롬 유약 벽돌을 사용한 하케셰 회페(Hackesche Höfe, 1906)입니다.

스트라스부르에 있는 아르누보(당시 독일 제국의 일부로 라이히슬란트 엘사 ß 로트링겐의 수도)는 독일과 프랑스 사이의 도시 역사를 반영하는 현지 종합을 운영하기 위해 낭시와 브뤼셀의 영향을 결합했다는 점에서 특정 브랜드였습니다.

오스트리아에서 분리 독립헝가리

빈 분리 독립

주요 기사: 빈 분리 독립

비엔나는 아르누보(Art Nouveau)의 독특한 변형의 중심이 되었고, 이는 비엔나 분리(Vienna Sepation)로 알려지게 되었습니다. 이 운동은 1892년에 설립된 뮌헨 분리주의에서 이름을 따왔습니다. 비엔나 분리는 1897년 4월 구스타프 클림트, 콜로만 모저, 요제프 호프만, 조셉 마리아 올브리치, 막스 쿠르츠와일, 에른스트 슈퇴르 등을 포함한 예술가 그룹에 의해 설립되었습니다.[77] 화가 클림트는 그룹의 회장이 되었습니다. 그들은 예술가들의 공식적인 조합인 비엔나 ü슬러하우스가 표현한 역사주의에 대한 보수적인 성향에 반대했습니다. 분리독립운동가들은 그들의 작품을 모든 매체에 홍보하기 위해 Ver Sacrum이라는 잡지를 설립했습니다.[85] 건축가 조셉 올브리치는 돔형 분리독립 건물을 새로운 스타일로 디자인했고, 이것은 구스타프 클림트와 다른 분리독립 예술가들의 그림에 대한 공개 행사가 되었습니다.

클림트는 세파 화가들 중 가장 잘 알려진 화가가 되었고, 종종 순수 미술 회화와 장식 회화 사이의 경계를 지워버렸습니다. 콜로만 모저는 잡지 삽화, 건축, 은식기, 도자기, 도자기, 도자기, 직물, 스테인드글라스 창문, 가구를 포함한 그의 작품에서 매우 다재다능한 예술가였습니다.

빈 분리 독립 운동의 가장 유명한 건축가는 오토 바그너로,[86] 그는 이 운동이 시작된 지 얼마 되지 않아 그의 제자 호프만과 올브리히를 따라가기 위해 이 운동에 참여했습니다. 그의 주요 프로젝트에는 도시 철도 네트워크(Stadtban), 링크 빈자일레 빌딩(Majolica House, House of Medalions, Köstlergasse)의 여러 역이 포함되었습니다. 칼스플라츠역은 현재 빈 박물관의 전시장입니다. 슈타인호프 정신병원(1904-1907)의 키르켐 슈타인호프는 전통적인 돔 형태의 외관이지만 현대적인 스테인드 글라스가 풍부한 세련되고 현대적인 골드와 화이트 인테리어를 가진 독특하고 정교하게 만들어진 분리 종교 건축의 한 예입니다.

1899년 조셉 마리아 올브리치는 다름슈타트 예술가 식민지로 이사했고, 1903년 콜로만 모저와 요제프 호프만은 가구, 카펫, 직물 및 장식품 디자이너와 장인을 위한 훈련 학교이자 작업장인 Wiener Werkstätte를 설립했습니다.[87] 1905년에 콜로만 모저와 구스타프 클림트는 빈에서 분리되었고, 이후 1907년에 콜로만 모저는 빈 베르흐슈테트를 떠났고, 다른 창립자 요제프 호프만은 독일 베르흐분트에 가입했습니다.[81] 구스타프 클림트와 요제프 호프만은 협력을 계속했고, 1908년 비엔나에서 쿤스트샤우 전시회를 조직했고, 모더니즘 건축의 도래를 알리는 브뤼셀의 스토클레 궁전을 지었습니다.[88][89] 이곳은 2009년 6월 유네스코에 의해 세계문화유산으로 지정되었습니다.[90]

헝가리인 스체치요

세체치오의 선구자이자 예언자인 건축가 외둔 레흐너는 헝가리 건축을 위해 역사주의에서 모더니즘으로의 전환을 기념하는 건물을 만들었습니다.[91] 헝가리 건축 양식에 대한 그의 아이디어는 건축 도자기와 동양적 모티프의 사용이었습니다. 그의 작품에서 그는 1886년까지 Zsolnay Pagher Manufactury에 의해 생산된 피고르가나이트를 사용했습니다.[91] 이 재료는 헝가리 의회 건물과 마티아스 교회와 같은 다른 양식의 헝가리의 주목할 만한 건물을 짓는 데 사용되었습니다.

외둔 레흐너의[92] 작품으로는 응용미술관(1893–1896)이 있으며, 비슷한 특징을 가진 다른 건물로는 지질박물관(1896–1899)과 우편저축은행 건물(1899–1902)이 있으며, 모두 부다페스트에 있습니다. 그러나 레흐너의 성공에 대한 헝가리 건축 기관의 반대로 그는 곧 이전의 건물들에 버금가는 새로운 수수료를 받을 수 없었습니다.[91] 그러나 레흐너는 새로운 양식을 대중화하는 데 주요한 역할을 한 다음 세대의 건축가들에게 영감을 주고 대가였습니다.[91] 마자르화 과정에서 수많은 건물들이 왕국 외곽에 있는 그의 제자들에게 의뢰되었습니다. 예를 들어, 마르셀 코모르 [후]와 데즈 ő 자카브는 사바드카 (현재 세르비아 수보티카)에 시나고그 (1901-1903)와 타운 홀 (1908-1910)을 짓도록 의뢰되었습니다. 군현(1905년 ~ 1907년)과 문화궁전(1911년 ~ 1913년)은 마로스바사흐릴리(현재의 루마니아 ș ârgu Mure Museppe)에 위치했습니다. 후에 레흐너 자신이 1909-1913년에 포조니(현재의 슬로바키아 브라티슬라바)에 파란색 교회를 지었습니다.

또 다른 중요한 건축가는 존 러스킨과 윌리엄 모리스의 추종자였던 캐롤리 코스였습니다. 카스는 핀란드 민족 낭만주의 운동을 모델로, 트란실바니아 방언을 영감으로 삼았습니다.[93] 그의 가장 주목할 만한 건물들은 제베게니의 로마 가톨릭 교회(1908-09), 부다페스트 시립 동물원(1909-1912)의 정자들과 패혈스젠티외르지의 세켈리 국립 박물관(현재 루마니아 스â투 게오르그, 1911-12)을 포함합니다.

  • Pax, mosaic by Miksa Róth, which received the silver medal at the Paris World Exhibition in 1900
    팍스, 1900년 파리 세계 전시회에서 은메달을 받은 미카 로스의 모자이크
  • Cabinet by Ödön Faragó, from Budapest (1901)
    부다페스트 출신 외묀헨 파라고 내각 (1901년)
  • Window with flower motives from the Villa Alpár in Budapest, by Miksa Róth (1903)
    꽃을 모티브로 한 창문, Miksa Roth (1903)

세체치오를 예술계에 알린 운동은 1901년 부다페스트 왕립 응용 예술 학교의 교수이자 존 러스킨과 윌리엄 모리스의 추종자인 알라다르 쾨뢰프 ő이 크리쉬에 의해 설립된 괴돌 ő 예술 식민지였습니다. 예술가들은 부다페스트의 프란츠 리스트 음악 아카데미를 포함한 많은 프로젝트에 참여했습니다.[95]

괴ö ő 예술 식민지의 일원인 미카 로스는 또한 그레샴 궁전(스테인 글라스, 1906)과 퇴뢰크 은행(mosaics, 1906)을 포함한 부다페스트 건물을 포함한 수십 개의 Squeczió 프로젝트에 참여했으며 마로스바샤흐릴리의 문화 궁전(1911-1913)을 위한 모자이크와 스테인드 글라스를 만들었습니다.

주목할 만한 가구 디자이너는 전통적인 인기 건축, 동양 건축, 국제적인 아르누보를 매우 그림 같은 스타일로 결합한 외덴 파라고[후]입니다. 헝가리의 또 다른 디자이너인 Pál Horti [hu]는 훨씬 더 냉철하고 기능적인 스타일을 가졌고, 섬세한 흑단과 황동의 흔적이 있는 오크로 만들어졌습니다.

보헤미아, 모라비아, 슬로바키아의 분리독립

프라하에서 가장 눈에 띄는 분리독립 건물들은 독특한 건축, 조각 그리고 그림을 가진 토탈 아트의 예들입니다.[97] 주요 철도역(1901-1909)은 요제프 판타가 설계한 역으로 바클라브 얀사의 그림과 라디슬라프 샬룬, 스타니슬라프 수차르다 등의 조각품이 전시되어 있습니다. 시청사(1904-1912)는 오스발드 폴리프카와 안토닌 발샤네크가 디자인한 것으로, 유명한 체코 화가 알퐁스 무차가 그렸고 요제프 ř아트카와 라디슬라프 샬룬의 조각상이 특징입니다. 폴리프카, 마 ř아트카, 샬룬은 스타니슬라프 수차르다와 함께 동시에 신시청 건설에 협력했고, 무차는 후에 성을 그렸습니다. 비투스 대성당의 스테인드글라스 창문은 그의 독특한 스타일입니다.

이 시기의 가장 중요한 체코인 건축가는 오토 바그너 밑에서 빈에서 공부한 얀 코트 ě라였습니다. 그의 가장 유명한 작품은 프라하의 12 벤츨라스 광장에 있는 페테르카 집(1899–1900), 프로스트 ě 조프에 있는 국립 집(1905–1907), 흐라덱 크라를로베에 있는 동보헤미아 박물관(1909–1912)입니다. 요제프 호프만, 위베르 게스너, 요제프 마리아 올브리치, 레오폴드 바우어와 같은 많은 중요한 비에네스 건축가들이 모라비아나 오스트리아 실레지아에서 태어났습니다.

헝가리의 세체치오와 국가 건축 요소를 결합한 스타일은 슬로바키아의 건축가 두샨 위르코비치에게 전형적이었습니다. 그의 가장 독창적인 작품은 사콜카의 문화원(현재 슬로바키아의 스칼리카, 1905), 1901-1903년 루하코비체(현재 체코)의 스파 건물, 갈리시아(현재 폴란드)의 노비 ż 미그로드 근처의 35개 전쟁 묘지 등이며, 대부분 현지 렘코(러시아)의 민속 예술과 목공(1915-1917)의 영향을 많이 받았습니다.

갈리시아 주

주요 기사: 폴란드와 폴란드의 아르누보

갈리시아에서 분리독립의 가장 중요한 중심지는 크라쿠프, 리비우, 비엘스코비아와였습니다. 크라쿠프에서 양식의 가장 중요한 예는 빈의 분리홀의 영향을 받아 프란치셰크 ą치 ń스키가 디자인한 예술 궁전(1898–1901)입니다. 크라쿠프에서 타데우시 스트리예 ń스키와 함께 디자인된 다른 중요한 작품들: 지구 아래의 집 (1904-1905)과 구 극장 (1903-1906). 가장 중요한 인테리어 디자이너는 많은 스테인드글라스 창문과 건물 인테리어를 디자인한 스타니스와프 비스피아 ń스키와 요제프 메호퍼였습니다. 전자의 가장 중요한 작품은 프란치스코 교회와 크라쿠프 의사회의 집(1905)에 있는 스테인드 글라스이고 후자는 지구 아래의 집 내부에 있는 스테인드 글라스입니다.

리비우에서 가장 중요한 건축가는 빈에서 공부하고 오토 바그너의 영향을 받은 브와디스와프 사드워스키였습니다. 그는 리비우 기차역 (1899–1904), 리비우 필하모닉 (1905–1908), 산업 학교 (1907–1908)를 설계했습니다. 바그너로부터 영감을 받은 또 다른 중요한 건축가는 이반 레빈스키(Ivan Levynskyi)였습니다.

비엘스코비아와에서 가장 유명한 건물 중 하나는 엠마누엘 로스(Emanuel Rost, 1903)의 소위 개구리 집입니다. 분리독립의 다른 중요한 예들은 Vienesse 건축가들에 의해 설계되었습니다: Stojawowskiego Street 51번지에 집을 설계한 Leopold Bauer (1903) 뿐만 아니라 Barlickiego Street 1번지에 집을 설계한 Max Fabiani.

슬로베니아, 보스니아, 크로아티아, 트리에스테에서 분리 독립

슬로베니아 분리주의 건축가 중 가장 많은 작품을 남긴 사람은 시릴 메토드 코흐였습니다.[98] 빈에서 오토 바그너의 수업을 배웠고, 레이바흐(현재 슬로베니아 류블랴나)에서 일했습니다. 1894년부터 1923년까지 시의회. 1895년 레이바흐 지진 이후, 그는 1900년부터 1910년까지 자신이 채택한 많은 세속적인 건물들을 분리형으로 디자인했습니다:[98] 포가치니크 하우스 (1901), 추덴 빌딩 (1901), 농부 대출 은행 (1906–07), 1904년 분리형으로 하우프트만 빌딩을 개조했습니다. 그의 경력의 하이라이트는 1906년 라드만스도르프(현재의 라도블리카)에 있는 대출 은행이었습니다.[98]

보스니아에서 활동한 또 다른 중요한 슬로베니아 건축가는 제수아 D 뿐만 아니라 그랜드 호텔 유니언(1902-1903)이나 류블랴나 시티 저축 은행(1902-1903)과 같은 작품의 작가인 요시프 반카시(Josip Vancash)였습니다. 살롬 맨션(1901)과 사라예보 중앙우체국(1907-1913). 또한 중요한 비엔나 분리 건축가인 요 ž 플레치니크와 막스 파비아니는 슬로베니아에서 태어났습니다. 후자는 트리에스테의 바르톨리 하우스(1906)와 같은 슬로베니아와 트리에스테의 일부 건물을 디자인했습니다.

크로아티아에서 분리독립의 가장 중요한 예로는 브예코슬라프 바슬(1903–1904)의 자그레브 칼리나 하우스(Kallina House)와 루돌프 루빈스키(Rudolf Lubinski, 1911–1913)의 자그레브 크로아티아 국가기록원(Colita State Archives)이 있습니다.

루마니아의 아르누보

  • Romulus Porescu House in Bucharest by Dimitrie Maimarolu (1905), mix of Beaux Arts and Art Nouveau[99]
    부쿠레슈티의 로물루스 포레스쿠 하우스, 디미트리 마이마롤루 (1905), 뷰 아트와 아르누보의[99] 혼합
  • Constanța Casino by Daniel Renard and Petre Antonescu (1905–1910), mix of Beaux Arts and Art Nouveau
    Daniel Renard and Petre Antonescu (1905–1910)의 Constan ț 카지노, Beaux Arts와 Art Nouveau 혼합
  • Black Eagle Palace in Oradea by Marcell Komor and Dezső Jakab (1907–08)
    마르셀 코모르와 데즈 ő 자카브의 오라데아 검은 독수리 궁전 (1907–08)
  • Mița the Cyclist House in Bucharest by Nicolae C. Mihăescu (1908), mix of Beaux Arts and Art Nouveau[100]
    니콜라에 C의 부쿠레슈티에 있는 자전거 타는 사람의 집 미ț. Beaux Arts와 Art Nouveau를 혼합한 Mih ăescu (1908)
  • Brück House in Timișoara (1911). Along with Oradea, Timișoara is part of the Art Nouveau European Route.[101]
    티미 ș오아라의 브뤼크 하우스 (1911). 오라데아와 함께 티미 ș오아라는 아르누보 유럽 루트의 일부입니다.
  • House at Strada Dimitrie Racoviță no. 16 in Bucharest (unknown date)
    부쿠레슈티의 스트라다 디미트리 라코비 ță 16호 (일자 미상)
  • Piața Mihail Kogălniceanu no. 7 in Bucharest (unknown date)
    부쿠레슈티의 피아 ț아 미하일 코그 ă lniceanu 7호 (일자 미상)

아르누보는 서유럽과 같은 시기(1890년대 초부터 1914년 제1차 세계 대전 발발까지)에 루마니아에 등장하지만, 이러한 양식의 건물은 거의 없으며, 뷰 아트(Beaux Arts)가 우세합니다. 그 중 가장 유명한 것은 콘스탄 ț 카지노입니다. 대부분의 루마니아 아르누보 건축의 예는 부쿠레슈티에 있는 로물루스 포레스쿠 하우스 또는 스트라다 바실레 라스크 ă르의 61호 집과 같은 뷰 아트와 아르누보를 혼합한 것입니다. 루마니아 건축에서 양식이 다소 불법적이었기 때문인데, 당시 오스트리아-헝가리 제국의 일부인 트란실바니아에서는 인구의 대다수임에도 불구하고 루마니아인들이 억압받고 차별을 받았기 때문입니다. 그래서 1900년대와 1910년대 초에 아르누보 집을 원했던 사람들은 스타일을 연상시키는 미묘한 장식품만 넣을 수 있었고, 나머지는 완전히 뷰 아트(Beaux Arts) 또는 일부 드문 경우에는 루마니아 부흥(Remania Rival)이었습니다. 이것의 예는 1914년 알프레드 포퍼의 부쿠레슈티의 파니와 이삭 포퍼 하우스(Strada Sfin ților 1번)인데, 주로 뷰 아츠 학파 스타일이지만 아치 문 위의 두 기둥과 꽃의 바닥에서 춤추고 악기를 연주하는 여성들의 아르누보 부조가 있습니다. 스타일을 연상시키는 빈번한 특징은 곡선의 목공 요소가 있는 아치형 창문입니다. 그러나 뷰 아트(Beaux Arts)와 로코코 리바이벌(Rocococo Revival) 건축은 특히 1890년대, 1900년대 및 1910년대에 곡선과 구불구불한 선을 사용하는 경향이 있기 때문에 이 창 특징이 반드시 Art Nouveau일 필요는 없습니다.

  • Cover of Literatură și Artă Română ('Romanian Literature and Arts') magazine (1899)
    문학 ă ș이 아트 ă 로마 ă ('루마니아 문학과 예술') 잡지 (1899)
  • Young woman by Ștefan Luchian, drawing for the cover of Ileana magazine (1900)
    ș 테판 루치안의 젊은 여성, 일레아나 잡지 표지 그림 (1900)
  • Spring, decorative panel by Luchian (1901)
    봄, 루치안의 장식판 (1901)
  • Woman with Lyre (Allegory of Music) by Nicolae Vermont (1903)
    니콜래 버몬트 (1903년)의 라이어와 함께한 여인 (음악의 알레고리)
  • Stamp of the Weaver Charity Society (1906)
    위버 자선회 우표 (1906)
  • The Water Fairy by Elena Alexandrina Bednarik (1908)
    엘레나 알렉산드리나 베드나릭의 물의 요정 (1908)
  • Cover of Convorbiri Critice magazine (1908)
    Convorbiri Critic 잡지 표지 (1908)

루마니아 출신의 가장 주목할 만한 아르누보 화가 중 한 명은 짧은 기간 동안 아르누보의 혁신적이고 장식적인 방향을 빠르게 이어받은 ș 테판 루치안이었습니다. 그 순간은 1897년에 일레아나 협회의 창립과 동시에 이루어졌는데, 그 회사는 유니언 호텔에서 "독립 예술가들의 전시"라는 제목의 전시회(1898)를 조직하고 잡지 - 일레아나 매거진 - 을 발행한 창립 멤버였습니다.[103]

트란실바니아는 아르누보와 루마니아 부흥 건물의 예를 모두 가지고 있으며, 전자는 오스트리아-헝가리 시대의 것입니다. 대부분은 "루마니아의 아르누보 수도"라는 별명을 가진 오라데아뿐만 아니라 티미 ș오아라, 타르구 무레 ș, 시비우에서도 찾아볼 수 있습니다.

이탈리아의 스틸 리버티

주요 기사: 자유의 양식, 밀라노의 아르누보, 토리노의 아르누보

이탈리아의 아르누보는 아르테누오바, 세련된 플로레알, 세련된 모더니즘 그리고 특히 세련된 자유로 알려져 있습니다. 리버티 스타일은 Arthur Lasenby Liberty와 그가 1874년 런던에 설립한 가게에서 이름을 따왔는데, 그 가게는 일본과 극동으로부터 장신구, 직물, 예술품을 전문적으로 수입하고 이탈리아에서 특히 인기가 있었던 화려한 직물을 전문으로 했습니다. 이 스타일의 주목할 만한 이탈리아 디자이너로는 갈릴레오 치니(Galileo Chini)가 있으며, 그의 도자기는 종종 마졸리카 패턴에서 영감을 받았습니다. 그는 후에 화가이자 연극 풍경 디자이너로 알려졌습니다; 그는 두 명의 유명한 푸치니 오페라 지아니 스키치와 투란도트를 위한 세트를 디자인했습니다.[108][109][12]

자유 양식 건축은 매우 다양했고, 종종 역사적 양식, 특히 바로크 양식을 따랐습니다. 정면은 종종 장식과 조각으로 흠뻑 젖었습니다. 리버티 양식의 예로는 팔레르모의 에르네스토 바실레의 빌리노 플로리오 (1899–1902), 밀라노의 주세페 소마루가의 궁전 카스틸리오니 (1901–1903), 밀라노의 카사 과조니 (1904–05) 등이 있습니다.[110]

화려한 프레스코화는 내부와 외부 모두에서 리버티 스타일의 인기 있는 특징이었습니다. 그들은 고전적인 주제와 꽃 주제를 모두 활용했습니다. 아케 델라 살루트의 목욕탕이나 밀라노의 까사 과조니의 목욕탕처럼 말입니다.

리버티 스타일 디자인에서 가장 중요한 인물은 건축가이자 장식가의 아들이자 리버티 조각가인 렘브란트 부가티의 아버지이자 유명한 자동차 디자이너인 에토레 부가티의 아들인 카를로 부가티였습니다. 그는 밀라노의 브레라 아카데미에서 공부했고, 후에 파리의 보자르 아카데미에서 공부했습니다. 그의 작품은 이국적인 느낌과 기이함으로 구별되었고, 은식기, 직물, 도자기, 그리고 악기를 포함했지만, 그는 1888년 밀라노 미술 박람회에서 처음으로 보여진 혁신적인 가구 디자인으로 가장 잘 기억되고 있습니다. 그의 가구는 종종 열쇠 구멍 디자인을 특징으로 하며 양피지와 비단을 포함한 특이한 덮개와 뼈와 상아로 된 상감을 가지고 있었습니다. 그것은 또한 때때로 달팽이와 코브라를 모방한 놀라운 유기적인 모양을 가지고 있었습니다.[111]

아르누보와 세르비아의 분리독립

주요 기사: 세르비아 § 아르누보와 분리주의 양식의 건축과 세르보-비잔틴 부흥기 건축

오스트리아와 가깝기 때문에-1918년까지 헝가리와 보이보디나는 제국의 일부였지만, 오늘날의 세르비아 북부와 베오그라드의 수도에서 빈 분리독립과 헝가리 제체치오는 널리 퍼져 있었습니다.[112] 오스트리아와 헝가리의 유명한 건축가들은 수보티카, 노비 사드, 팔리치, 즈렌자닌, 브르바스, 센타, 키킨다에서 많은 건물들을 디자인했습니다. 베오그라드의 아르누보 유산, 판체보, 아란첼로박, 브르냐치카 반자에는 프랑스, 독일, 오스트리아, 헝가리 및 현지 세르비아 운동이 혼합되어 있습니다. 수보티카의 시나고그의 굴곡진 꽃미모부터 베오그라드의 전신 건물에 있는 모라바 스타일의 영감을 받은 장미꽃까지, 아르누보 건축물은 오늘날 세르비아에서 다양한 모양을 취하고 있습니다.

1900년대 초, 사바 강과 다뉴브 강 북쪽에서 헝가리 국민 정서가 되살아나면서 수보티카와 센타의 건물들에 지역의 꽃 민족적 모티브를 불어넣었고, 작은 세르비아 왕국에서는 브란코 타네제비치와 드라구틴 잉키오스티리 메덴작(둘 다 오스트리아-헝가리 제국 출생)과 같은 민족적 낭만주의자들이 등장했습니다. 세르비아의 전통적인 모티브를 멋진 건물로 번역했습니다. 밀라노 안토노비치와 니콜라 네스토로비치와 같은 다른 건축가들은 부유한 후원자들의 집과 사업에 당시 유행했던 구불구불한 선과 자연스러운 모티브를 도입하여 그들의 세계성을 과시하고 파리, 뮌헨, 비엔나의 유행에 발맞출 수 있었습니다.[113]

스페인 모더니즘과 모더니즘

주요 기사: 모더니즘과 발렌시아의 아르누보

아르누보 양식이 벨기에와 프랑스에 등장한 것과 거의 동시에 카탈루냐의 바르셀로나에서 매우 독창적인 변형 양식이 등장했습니다. 그것은 카탈루냐어로 모더니즘, 스페인어로 모더니즘이라고 불렸습니다. 그것의 가장 유명한 창작자는 안토니 가우디였습니다. Gaudí는 Palau Guell (1886–1890)에서 매우 새로운 방식으로 꽃과 유기농 형태를 사용했습니다. 유네스코에 따르면, "이 공원의 건축은 예술과 공예 운동, 상징주의, 표현주의, 합리주의의 요소들을 결합했고, 20세기 모더니즘의 많은 형태와 기법들을 전파하고 영향을 미쳤습니다."[115][116][117] 그는 공예품을 도자기, 스테인드 글라스, 철공 단조품, 목공품 등으로 그의 건축에 접목시켰습니다. 귈 파빌리온 (1884–1887)과 파크 귈 (1900–1914)에서 그는 또한 폐 세라믹 조각을 사용하는 트렌카디스 (trencadís)라는 새로운 기술을 사용했습니다. 1903년경 그의 디자인인 카사 바틀로 (1904–1906)와 카사 밀라 (1906–1912)[114]는 아르누보의 양식적 요소와 가장 밀접한 관련이 있습니다.[118] 사그라다 파밀리아(Sagrada Família)와 같은 후기 건축물은 아르누보(Art Nouveau) 요소와 부흥주의자 네오고딕(Neo-Gothic) 요소를 결합했습니다.[118] 카사 바틀로, 카사 밀라, 귈 파빌리온, 파크 귈은 요셉 마리아 주홀과 협력한 결과로, 그는 산 조안 데스피(1913–1926), 타라고나 근처의 여러 교회(1918 및 1926), 바르셀로나의 죄악한 카사 플라넬스(1924)에 집을 지었습니다.

가우디의 지배적인 존재 외에도, 룰루스 도메네치 몬타네르는 바르셀로나의 아르누보를 카스텔 델스 트레스 드래곤스 (1888), 카사 로페스 모라, 팔라우 데 라 무시카 카탈라나 (1905), 산트 파우 병원 (1901-1930)과 같은 건물에 사용했습니다.[118] 후자의 두 건물은 유네스코에 의해 세계 문화 유산으로 등재되었습니다.[119]

또 다른 주요 모더니스트는 카사 마르티와 엘스 콰트레 개츠 카페, 카시미르 카사라모나 직물 공장(현재의 카이사 ò룸 미술관), 카사 마카야, 카사 아마틀러, 팔라우 델 바로 데 쿼드라스(2013년까지 10년 동안 카사 아시아 주택), 카사 데 레 푼크스('스파이크의 집')를 디자인한 요제프 푸이지 카다팔치였습니다.

독특한 아르누보 운동은 발렌시아 공동체에도 있었습니다. 몇몇 유명한 건축가들은 데메트리오 리브스 마르코, 비센테 파스쿠알 목사, 티모테오 브리에 몬토, 그리고 호세 마리아 마누엘 코르티나 페레스였습니다. 발렌시아의 아르누보 정의 특징은 장식에 도자기를 사용한 것으로, 정면과 장식 모두에서 주목할 만하며, 또한 발렌시아의 지역적 동기를 사용한 것입니다.

또 다른 주목할 만한 변형은 마드릴레니안 아르누보 또는 모더니즘 마드릴레뇨로, 롱고리아 궁전, 카지노 데 마드리드 또는 세멘테리오 데 라 알무데나와 같은 주목할 만한 건물들이 있습니다. 마드리드 출신의 유명한 모더니스트들은 건축가 호세 로페스 살라베리, 페르난도 아르보시 트레만티, 프란시스코 안드레스 옥타비오였습니다.

참고 항목: 알코이의 아르누보

모더니즘 운동은 그림, 그림, 조각, 유리와 금속 작품, 모자이크, 도자기, 가구 등 폭넓은 예술 유산을 남겼습니다. 그 일부는 카탈루냐 국립 미술관에서 찾을 수 있습니다.

그가 이전에 일했던 Le Chat Noir라는 파리 카페에 영감을 받아 Pere Romeui Borrás [ca]는 Els Quatre Gats (카탈란어로 네 마리 고양이)라는 이름의 카페를 바르셀로나에 열기로 결정했습니다.[120] 이 카페는 그의 포스터와 엽서로 이 운동을 홍보하는 데 도움을 준 파블로 피카소와 라몬 카사시 카보와 같은 바르셀로나 모더니즘의 가장 유명한 인물들의 중심적인 만남의 장소가 되었습니다. 카페를 위해 그는 1901년 신세기를 상징하는 자동차의 라몬 카사스와 페레 로메우라는 다른 구성으로 대체된 탠덤 위의 라몬 카사스와 페레 로메우라는 그림을 만들었습니다.

안토니 가우디(Antoni Gaudí)는 그가 지은 많은 집들을 위한 가구를 디자인했습니다. 한 예로 배틀 하우스(Battle House)라고 불리는 안락의자가 있습니다. 그는 또 다른 유명한 카탈루냐 가구 디자이너 가스파르 호마르(Gaspar Homar [ca], 1870–1953)에게 영향을 미쳤으며, 그는 종종 자신의 가구에 마케리와 모자이크를 결합했습니다.[121]

아르테 노바

아베이루(포르투갈)의 아르누보 변형은 아르테 노바라고 불렸고, 그것의 주요 특징은 과시였습니다: 인테리어를 보수적으로 유지하면서 정면에 그들의 부를 표현하기를 원했던 부르주아 계급이 그 양식을 사용했습니다.[123] 아르테 노바의 또 다른 특징은 아르테 누보를 모티브로 현지에서 생산된 타일을 사용했다는 점입니다.[123]

아르테 노바의 가장 영향력 있는 예술가는 프란시스코 아우구스토 다 실바 로차였습니다.[123] 건축가로서 훈련을 받지는 않았지만, 그는 아베이루와 포르투갈의 다른 도시들에서 많은 건물들을 디자인했습니다.[124][123] 그 중 하나인 메이저 페소아 레지던스는 아르누보 정면과 내부를 모두 갖추고 있으며 현재 아르테 노바 박물관을 유치하고 있습니다.[123]

포르투갈의 다른 도시들에도 아르테 노바의 다른 예들이 있습니다.[125][126] 그들 중 일부는 박물관 레지던스 박사입니다. 리스본의 마누엘 호아킴 노르테 주니오르의 아나스타치오 곤살베스(1904–1905), 주앙 케이로스의 카페 마제스틱(1921), 자비에 에스테베스의 리브라리아 렐로 서점(1906).

북유럽 국가의 유겐트 스틸

핀란드

아르누보(Art Nouveau)는 보통 유겐슈틸(Jugendstil)로 알려진 북유럽 국가들에서 인기가 있었고, 종종 각 나라의 국가 낭만주의 스타일(National Romantic Style)과 결합되었습니다. 유겐슈틸 건물이 가장 많은 북유럽 국가는 당시 러시아 제국의 일부였던 핀란드 대공국입니다.[127] 유겐트스틸 시기는 핀란드 미술의 황금기와 민족적 각성과 일치했습니다. 1900년 파리 만국 박람회 이후 핀란드의 대표적인 화가는 악셀리 갈렌칼렐라였습니다.[128] 그는 핀란드 민족 서사시인 칼레발라의 삽화와 공국의 수많은 유덴스틸 건물을 그린 것으로 유명합니다.

박람회에서 핀란드 전시관의 건축가는 헤르만 게셀리우스, 아르마스 린드그렌, 엘리엘 사리넨이었습니다. 그들은 1896년부터 1905년까지 함께 일했고 키르코눔미에 있는 공동 거주지 흐비트래스크(Hvitträsk, 1902년) 뿐만 아니라 포욜라 보험 건물(1899-1901)과 핀란드 국립 박물관(1905-1910)[129]을 포함하여 헬싱키에 많은 주목할 만한 건물들을 만들었습니다. 건축가들은 북유럽의 전설과 자연에서 영감을 받았으며, 따라서 거친 화강암 외관은 핀란드 국가에 속한다는 상징이 되었습니다.[130] 회사가 해체된 후, 사리넨은 미국 건축의 영향을 받아 헬싱키 기차역(1905-1914)을 더 명확한 형태로 설계했습니다.[130] 핀란드 국립박물관과 헬싱키 기차역 건설에서 사리넨과 함께 작업한 조각가는 에밀 위크스트룀입니다.

핀란드에서 몇 개의 주목할 만한 작품을 만든 또 다른 건축가는 Lars Sonck였습니다. 그의 주요 유겐트 스틸 작품으로는 탐페레 대성당(1902-1907), 장 시벨리우스(1903-1907)의 집인 아이놀라(Ainola), 헬싱키 전화 협회 본부(1903-1907), 헬싱키 칼리오 교회(1908-1912) 등이 있습니다. 또한 헬레네 슈제프벡의 동생 마그누스 슈제프벡은 1903년에 Jugendstil 스타일을 사용하여 결핵 요양소를 Nummela Sanatorium으로 알려지게 되었습니다.[131][132][133]

노르웨이

  • Viking-Art Nouveau chair by Lars Kinsarvik (1900)
    Lars Kinsarvik의 Viking-Art Nouveau 의자 (1900)
  • Art Nouveau Centre in Ålesund (1905–1907)
    아르누보 센터 (1905-1907)
  • Graphic design by Gerhard Munthe (1914)
    게르하르트 문테의 그래픽 디자인 (1914)
  • Interior of Art Nouveau Centre in Ålesund
    올레순드 아르누보 센터 내부
  • Ornaments of a door in Art Nouveau Centre in Ålesund
    올레순드 아르누보 센터에 있는 문 장식품

노르웨이는 또한 (스웨덴으로부터의) 독립을 열망하고 있었고 지역 아르누보는 바이킹의 민속 예술과 공예에 영감을 받은 부흥과 연결되었습니다. 주목할 만한 디자이너로는 전통적인 바이킹과 켈트 양식의 의자를 디자인한 라르스 키사르비크와 고대 바이킹 배의 용머리 엠블럼이 양식화된 의자를 디자인한 게르하르트 문테, 그리고 다양한 포스터, 그림, 그래픽이 포함되었습니다.[134]

노르웨이의 도시 올레순드는 1904년 1월 23일 화재 이후 완전히 재건되었기 때문에 스칸디나비아 아르누보의 중심지로 여겨집니다.[135] 1904년에서 1907년 사이에 엔지니어 프레데릭 æ세르가 설계한 도시 계획에 따라 약 350개의 건물이 지어졌습니다. 통일성과 다양성의 결합으로 올 스틸(All Stil)이라는 양식이 탄생했습니다. 양식의 건물들은 주겐스틸과 오선 교회의 탑이나 볏이 있는 지붕과 같은 토착적인 요소들의 선형 장식과 메아리를 가지고 있습니다.[135] 건물 중 하나인 백조약국은 현재 아르누보 센터를 주최하고 있습니다.

스웨덴과 덴마크

스웨덴[136] 스톡홀름의 엥겔브레크츠키르칸(1914)과 왕립 극극장(1901–1908), 덴마크 아르후스의 옛 시립 도서관(현재 덴마크 국립 비즈니스 기록관) 등 북유럽 국가들의 명작들이 여전히 존재합니다.[137] 후자의 건축가는 당시 아르후스에 커스텀 하우스, 극장 및 빌라 캄펜을 만든 내셔널 로맨틱 스타일의 지지자였던 핵 캄프만(Hack Kampmann)입니다. 덴마크의 가장 유명한 아르누보 디자이너는 은세공인 게오르그 젠슨이었습니다. 1914년 말뫼에서 열린 발트해 전시회는 스웨덴에서 유겐트스틸의 마지막 주요 징후로 볼 수 있습니다.[138]

러시아의 근대

주요 기사: 러시아의 미르 이스쿠스트바, 발레 루세스, 아르누보 건축

м одерн는 1898년 모스크바와 상트페테르부르크에서 알렉산드르 브누아와 레옹 박스트, 세르게이 디아길레프 수석 편집장에 의한 새로운 미술 저널인 м ир искусства(미르 이스쿠스트바, '예술의 세계')의 출판과 함께 등장한 매우 다채로운 러시아 변주곡입니다. 이 잡지는 미하일 브루벨, 콘스탄틴 소모프, 아이작 레비탄, 그리고 책 삽화가 이반 빌리빈을 포함한 러시아의 대표적인 예술가들의 전시회를 마련했습니다. 세계 예술 양식은 프랑스 아르누보의 식물과 꽃 형태를 덜 사용했습니다; 그것은 러시아 민속과 동화의 밝은 색상과 이국적인 디자인을 크게 활용했습니다. 미르 이스쿠스트바의 가장 영향력 있는 공헌은 바크스트와 브누아가 디자인한 의상과 세트로 디아길레프가 이끄는 발레단 루세스를 만든 것입니다. 이 새로운 발레단은 1909년 파리에서 초연되었으며, 1913년까지 매년 파리에서 공연했습니다. 브누아와 박스트가 디자인한 이국적이고 다채로운 세트는 프랑스 예술과 디자인에 큰 영향을 미쳤습니다. 의상과 세트 디자인은 파리의 주요 잡지인 L'Ilustration, La Vie Parisienne 및 Gazet du bonton에서 재현되었으며 러시아 스타일은 파리에서 ala bakst로 알려졌습니다. 이 회사는 처음에는 1차 세계대전 발발로 파리에 발이 묶였고, 그 후 1917년 러시아 혁명으로 인해 러시아에서 공연한 적이 없습니다.[139]

러시아 건축가들 중 순수한 아르누보 양식에서 가장 두드러진 인물은 표도르 셰흐텔(Fyodor Schechtel)입니다. 가장 유명한 예는 모스크바에 있는 랴부신스키 하우스입니다. 러시아 사업가이자 신문사 사장이 지었고, 러시아 혁명 이후 작가 막심 고리키의 거처가 되었고, 현재 고리키 박물관입니다. 콘크리트, 대리석, 화강암의 연마된 집합체로 만들어진 이 건물의 주요 계단은 바다의 파도처럼 흐르는 컬링 라인을 가지고 있으며, 떠다니는 해파리 형태의 램프에 의해 조명을 받습니다. 내부에는 화려한 모자이크 프레스코화로 장식된 문, 창문, 천장도 있습니다.[140] 러시아 상징주의의 주요 인물로 꼽히기도 하는 Schechtel은 모스크바 야로슬라프스키 기차역의 재건을 포함하여 모스크바의 여러 다른 랜드마크 건물들을 보다 전통적인 모스크바 부흥 스타일로 디자인했습니다.[140]

그 시기의 다른 러시아 건축가들은 역사적인 러시아 건축물로부터 끌어낸 러시아 부흥 건축물을 만들었습니다. 이 건물들은 대부분 나무로 지어졌으며 키에반 루스의 건축을 참조했습니다. 세르게이 말류틴이 만든 탈라슈키노의 테레모크 하우스(1901-1902)와 모스크바의 페르초바 하우스(1905-1907)가 그 예입니다. 그는 또한 미리스쿠스트바 운동의 일원이었습니다. 상트페테르부르크의 건축가 니콜라이 바실리예프는 1923년에 이주하기 전에 다양한 스타일로 건축했습니다. 이 건물은 세르게이 바슈코프가 만든 12, 13세기 블라디미르의 성 데메트리우스 대성당과 유리예프-폴스키의 성 게오르게 대성당의 조각에서 영감을 받아 만든 석각으로 가장 눈에 띕니다. 이 러시아 부흥 건축의 또 다른 예는 나중에 아이러니하게도 모스크바의 레닌 묘를 설계한 알렉세이 슈체프에 의해 갱신된 러시아 정교회인 마르포-마린스키 수녀원(1908-1912)입니다.

이 시기 러시아의 여러 미술 식민지가 러시아 부흥 양식으로 지어졌습니다. 가장 잘 알려진 두 식민지는 사바 마몬토프가 자금을 지원한 아브람체보와 마리아 테니셰바 공주가 자금을 지원한 스몰렌스크 주 탈라슈키노였습니다.

우크라이나 근대건축

주요 기사: 후술 분리

우크라이나 땅(러시아 제국의 남서부, 동부 갈리시아, 부코비나, 오스트리아-헝가리의 트랜스카르파티아)의 20세기 초 건축은 우크라이나 민속 건축과 자코파네 스타일과 같은 유럽 아르누보의 동향의 영향을 받아 발전했습니다. 우크라이나의 "현대" 건축물은 폴타바 주(Poltava Governorate)에서 처음 두각을 나타냈으며, 그곳에서 가장 적극적인 추진자는 바실 크리셰프스키(Vasyl Krychevskyi)와 오파나스 슬라스티온(Opanas Slastion)이었습니다. 1900년대 말과 1910년대 초에 키이우, 하르키우, 오데사, 카테르노슬라프 및 러시아 제국의 여러 곳에 "우크라이나 스타일"로 간단히 알려진 여러 건물이 건설되었습니다. 당시 오스트리아-헝가리의 일부였던 서우크라이나에서 현지 우크라이나 양식은 후툴 건축뿐만 아니라 서유럽 트렌드와 대우크라이나의 영향을 받았습니다.[141]

유겐슈틸스 (리가의 아르누보)

주요 기사: 리가의 아르누보 건축
  • Façade of house at Elizabetes ielā, 10b, by Mikhail Eisenstein (1903)
    Elizabethes ielā, 10b, Michail Eisenstein (1903)의 집 정면
  • Stairway in Pēkšēns House by Konstantīns Pēkšēns (1903), now hosting Riga Jūgendstils museum
    콘스탄트 ī엔스 ē엔스 ē엔스 ē엔스(1903년)의 ē엔스 하우스 계단, 현재 리가 유겐스틸스 박물관이 주최하고 있습니다.
  • National Romantic decoration on a house built by Pēkšēns (1908)
    ē크š ē(1908)에 의해 지어진 집에 대한 국가적 낭만주의 장식
  • Ministry of Education, built by Edgar Friesendorf (1911)
    에드가 프리젠도르프가 설립한 교육부 (1911)

오늘날 라트비아의 수도였던 리가는 당시 러시아 제국의 주요 도시 중 하나였습니다. 그럼에도 불구하고 리가의 아르누보 건축은 고유의 역학에 따라 발전했고, 그 양식은 도시에서 압도적으로 인기를 끌었습니다. 1896년 라트비아 민족지학 전시회와 1901년 산업 및 수공예품 전시회 직후, 아르누보는 이 도시의 지배적인 스타일이 되었습니다.[142] 따라서 아르누보 건축물은 리가 중심부에 있는 모든 건물의 3분의 1을 차지하며, 세계에서 이러한 건물이 가장 많이 밀집된 도시입니다. 아르누보 건축의 양과 질은 리가를 유네스코 세계문화유산에 포함시키는 기준 중 하나였습니다.[143]

리가의 아르누보 건축 양식에는 여러 가지 변형이 있었습니다.

  • Eclexic Art Nouveau에서는 꽃과 자연에서 영감을 받은 장식 요소가 가장 인기가 있었습니다. 그 변형의 예로는 미하일 아이젠슈타인의 작품들이 있습니다.
  • 수직 아르누보에서 기하학적 장식은 정면의 수직 구성에 통합되었습니다. 여러 백화점들이 이런 스타일로 지어졌고, 독일어로 "백화점 스타일" 또는 "바렌하우스"라고 불리기도 합니다.
  • National Romantic Art Nouveau는 지역 민속 예술, 기념비적인 양과 자연 건축 재료의 사용에서 영감을 받았습니다.

일부 후기 네오 고전주의 건물에는 아르누보의 세부 사항도 포함되어 있습니다.

스위스 라쇼드퐁의 스타일 사핀

주요 기사: 스타일 사핀
  • Villa Fallet with fir-inspired decoration by Le Corbusier (1904–05)
    르 코르뷔지에(Le Corbusier, 1904–05)의 영감을 받은 장식을 가진 빌라 팔레(Villa Falllet)
  • Crematorium (1908–1910), interior, with stylized fir tree design on ceiling. The symbolist murals by L'Epplattenier were added later.
    화장터(1908–1910), 천장에 양식화된 전나무 디자인의 인테리어. L'Eplattenier의 상징주의 벽화는 나중에 추가되었습니다.
  • Crematorium, with stylized sapin or pine cone detail
    스타일리시한 사핀 또는 솔방울 디테일이 있는 화장장
  • Crematorium, with pine cone detail
    솔방울 디테일이 있는 화장장

스타일 사핀("Fir-tree Style")이라고 불리는 변형이 스위스 뇌샤텔 주의 라쇼드퐁에서 나타났습니다. 이 스타일은 화가이자 예술가인 찰스 엘플라테니에에 의해 시작되었고 특히 쥐라 산맥의 사핀, '전나무', 그리고 다른 식물과 야생동물에서 영감을 받았습니다. 그의 주요 작품 중 하나는 삼각형 나무 형태, 솔방울 및 그 지역의 다른 자연 테마를 특징으로 하는 마을의 화장터였습니다. 스타일은 또한 쥬겐슈틸과 비엔나 분리의 더 기하학적인 스타일 요소들에서 혼합되었습니다.[144]

이 스타일의 또 다른 주목할 만한 건물은 1905년에 18세의 르 코르뷔지에(L'Eplattenier)의 학생이 디자인하고 지은 샬레(Villa Fallet La Chaux-de-Fonds)입니다. 집의 형태는 스위스의 전통적인 샬레였지만, 정면의 장식은 삼각형 나무와 다른 자연적인 특징들을 포함했습니다. 르 코르뷔지에(Le Corbusier)는 이 지역에 빌라 스토처(Villa Stotzer)를 포함한 두 개의 샬레를 더 전통적인 샬레 스타일로 지었습니다.[145][144][146][147]

미국의 티파니 스타일과 루이스 설리번

미국에서 Louis Comfort Tiffany의 회사는 American Art Nouveau에서 중심적인 역할을 했습니다. 1848년에 태어난 그는 뉴욕에 있는 국립 디자인 아카데미에서 공부한 후 24살 때부터 유리 작업을 시작했고, 아버지가 시작한 가업에 뛰어들어 1885년에는 고운 유리에 전념하는 자신의 회사를 설립했고, 그것의 착색을 위한 새로운 기술을 개발했습니다. 1893년, 그는 유리 화병과 그릇을 만들기 시작했고, 다시 더 독창적인 모양과 채색을 가능하게 하는 새로운 기술을 개발했고, 장식용 창유리로 실험을 시작했습니다. 유리 층들이 인쇄되고 대리석으로 덧씌워졌으며, 1895년 그의 새로운 작품들은 지그프리드 빙의 아르누보 갤러리에 소개되어 그에게 새로운 유럽 고객을 주었습니다. 1902년 그의 아버지가 사망한 후, 그는 티파니 사업 전체를 인수했지만, 여전히 그의 많은 시간을 유리 예술품을 디자인하고 제조하는 데 바쳤습니다. 토마스 에디슨의 권유로 그는 청동과 철의 구조물에 다양한 색상의 유리 음영이 있는 전기 램프를 제조하기 시작했고, 모자이크로 장식되어 각각 보석 한 조각을 조심스럽게 사용하여 여러 시리즈와 에디션으로 제작되었습니다. 디자이너와 장인으로 구성된 팀이 각 제품에 대해 작업했습니다. 특히 티파니 램프는 아르누보의 아이콘 중 하나가 되었지만, 티파니의 장인들은 특별한 창문, 화병, 그리고 다른 유리 예술품들을 디자인하고 만들었습니다. 티파니의 유리는 또한 1900년 파리 만국박람회에서 큰 성공을 거두었습니다; 영혼의 비행이라고 불리는 그의 스테인드 글라스 창문은 금메달을 땄습니다.[148] 콜롬비아 박람회는 티파니에게 중요한 장소였습니다. 그가 디자인한 예배당은 예술 산업 전시관에서 전시되었습니다. 티파니 채플은 뉴욕에 있는 티파니의 집 창문 중 하나와 함께 현재 플로리다 윈터 파크에 있는 찰스 호스머 모스 미국 미술관에 전시되어 있습니다.

미국 아르누보의 또 다른 중요한 인물은 건축가 루이 설리번이었습니다. 설리번은 미국 현대 건축의 선두적인 선구자였습니다. 그는 시카고 학교의 설립자, 최초의 마천루 중 일부의 건축가, 프랭크 로이드 라이트의 선생님이었습니다. 그의 가장 유명한 말은 "형식은 기능을 따른다" 입니다. 그의 건물들의 형태는 그들의 기능에 의해 형성되었지만, 그의 장식은 미국의 아르누보의 한 예였습니다. 유명한 화이트 시티의 신고전주의 건축물로 가장 유명한 시카고에서 열린 1893년 콜롬비아 박람회에서 그는 매우 기능적인 교통 건물을 위한 화려한 아르누보 입구를 디자인했습니다.[149][150]

Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899) (현재 설리번 센터)의 건축물이 현저하게 현대적이고 기능적이었지만, 그는 양식화된 꽃 장식으로 창문을 둘러쌌습니다. 그는 미네소타주 오와토나의 국립 농부 은행 (1907–1908)과 아이오와주 그리넬의 상인 국립 은행을 위해 똑같이 독창적인 장식을 발명했습니다. 그는 장식 형태가 끝 없이 진동하고, 급증하고, 섞고, 파생되어야 한다고 선언하면서 특히 미국의 다양한 아르누보를 발명했습니다. 그는 때때로 고딕과 아르누보 테마를 결합한 매우 정밀한 작품을 만들었습니다.[151]

아르누보

유럽 이민자들로 넘쳐나는 아르헨티나는 아르누보를 포함한 모든 예술적이고 건축적인 유럽 스타일을 환영했습니다. 유럽에서 온 젊은 건축가들이 와서 포트폴리오를 성장시켜 나중에 유럽으로 돌아가도록 장려하는 거대한 투자와 건설에 대한 유연한 규칙의 환경이 있었습니다. 그 결과, 아르헨티나는 대부분의 아르누보 건물을 가진 유럽 밖의 나라가 되었습니다.[152] 아르헨티나에서 가장 주목할 만한 아르누보 유산을 가진 도시는 부에노스아이레스, 로사리오, 마르델플라타입니다.[153]

파리는 19세기에 큰 대로와 도로가 건설되면서 부에노스 아이레스의 원형이 되었습니다.[152] 많은 건축가들(버지니오 콜롬보, 프란시스코 지아노티, 마리오 팔란티)이 이탈리아인이었기 때문에 프랑스의 영향과 함께 지역 양식도 이탈리아의 자유를 따르고 있었습니다. 훌리안 가르시아 누녜스의 작품에서 카탈루냐의 영향은 에두아르도 로드리게스 오르테가의 작품뿐만 아니라 1900년 바르셀로나에서 공부를 마쳤을 때 주목할 수 있습니다.[152] 비엔나 분리의 영향은 파소이 비아몬테 빌딩, 클럽 에스파뇰, 레지미엔토 데 그라나데로사 카바요, 사보이 호텔에서 찾아볼 수 있습니다.[152]

일부 지역적 특징은 이전에 존재했던 건물의 "초리조 하우스" 형식에 적응한 것인데, 이는 블록 내부에 실제로 깊은 건물을 위한 비교적 좁은 외관을 의미합니다. 공기와 빛을 위한 여러 개의 파티오 또는 구멍이 있고, 1800년대 말부터 부에노스 아이레스에서 법적으로 요구되는 모든 블록의 특징적인 "절단 모서리"가 있습니다. 물질적 가용성도 유럽과 달랐습니다. 그리고 건물들은 종종 시멘트를 모래와 다른 광물들과 섞어서 만든 파리의 돌을 모방한 "시밀피드라 파리"로 덮일 것입니다.

로사리오의 아르누보 도입은 바르셀로나에서 훈련한 프란시스코 로카 시모[es]와 연결됩니다.[154] 그의 클럽 에스파뇰 건물[es](1912)은 지역 회사인 Buxadera, Fornellsy Cía가 생산한 라틴 아메리카에서 가장 큰 스테인드 글라스 창문(타일과 도자기뿐만 아니라) 중 하나입니다.[155] 이 건물의 조각가는 바르셀로나 출신의 디에고 마사나입니다.[155]

아르누보에 대한 벨기에의 영향력은 빌라 오르티즈 바수알도로 대표되며, 현재 마르델 플라타에 후안 카를로스 카스타그니노 시립 미술관을 개최하고 있으며, 가구, 인테리어, 조명은 구스타브 세루리에-보비가 맡고 있습니다.

전 세계의 아르누보

아르헨티나와 마찬가지로, 다른 나라의 아르누보는 대부분 외국 예술가들의 영향을 받았습니다.

아르누보 모티프는 프랑스령 인도차이나 전역의 프랑스 식민지 시대 예술 양식에서도 찾아볼 수 있습니다.

베잘렐 학파라는 주목할 만한 예술 운동이 오스만 제국과 영국의 위임통치 후기에 팔레스타인 지역에서 나타났습니다. 그것은 "동양 예술과 유겐트 스틸의 융합"으로 묘사되어 왔습니다.[166] 제브 라반, 에브라임 모세 릴리엔, 아벨 판 등 베잘렐 학파와 관련된 여러 예술가들이 아르누보 스타일로 유명했습니다.[167]

특성, 장식 및 모티프

초기 아르누보는 특히 벨기에와 프랑스에서 백합, 덩굴, 꽃 줄기 및 기타 자연 형태에서 영감을 받은 물결 모양의 곡선 형태를 특징으로 하며, 특히 빅토르 호르타의 인테리어와 루이 마조렐 및 에밀 갈레의 장식에 사용되었습니다.[169] 그것은 또한 당시 유럽에서 인기 있었던 일본 미술에서 차용한 나비와 잠자리를 바탕으로 한 패턴을 그렸습니다.[169]

초기 아르누보는 또한 1894년 디자이너 헤르만 오브리스트가 그린 키클라멘 식물에 묘사된 쿠페 드 푸트 또는 "휘파람" 선과 같은 움직임을 표현하는 더 양식화된 형태를 종종 특징으로 삼았습니다. 헤르만 오브리스트의 벽걸이 키클라멘(1894)의 팬 매거진에 실린 설명은 " 채찍의 금이 가하면서 생긴 갑작스러운 폭력적인 곡선"에 비유했는데,[170] "휘파람"이라는 용어는 원래 스타일을 조롱하는 데 사용되었지만, 아르누보 예술가들이 사용한 특징적인 곡선에 자주 적용됩니다.[170] 싱커페이션된 리듬과 비대칭 모양의 장식적인 기복과 흐르는 선은 건축, 회화, 조각, 그리고 다른 형태의 아르누보 디자인에서 종종 발견됩니다.[170]

다른 꽃들은 백합, 등나무 그리고 다른 꽃들로부터 영감을 받아 인기가 있었습니다. 특히 루이 컴포트 티파니의 램프와 낸시와 에밀 갈레 학교의 예술가들에 의해 만들어진 유리 물체들. 자연에서 차용한 다른 곡선과 기복이 있는 형태에는 나비, 공작, 백조, 수련이 포함되었습니다. 많은 디자인들은 백합, 붓꽃 그리고 다른 꽃들의 줄기들과 얽혀있는 여성의 머리카락을 묘사했습니다.[171] 양식화된 꽃 형태는 특히 빅터 호타가 카펫, 난간, 창문, 가구 등에 사용했습니다. 또한 헥토르 기마르(Hector Guimard)에 의해 발루스트레이드(balustrade), 그리고 가장 유명한 것은 파리 지하철(Paris Metro) 입구의 램프와 난간에 광범위하게 사용되었습니다. Guimard는 설명했습니다: "연속적인 모든 것에서 피해야 하는 것은 평행과 대칭입니다. 자연은 가장 위대한 건설자이며 자연은 평행한 것을 만들지 못하고 대칭인 것을 만들지 못합니다."[172]

루이 마조렐(Louis Majorelle)과 헨리 반 드 벨데(Henry van de Velde)가 만든 것과 같은 이전의 아르누보(Art Nouveau) 가구는 귀중한 나무와 트림이 있는 마호가니(Mahogany)와 직각이 없는 곡선 형태를 포함하여 이국적이고 비싼 재료를 사용하는 것이 특징입니다. 가벼움을 주었습니다.

아르누보의 두 번째 단계에서는 1900년 이후 장식이 더 순수해졌고 선이 더 양식화되었습니다. 곡선과 형태는 다각형으로 진화한 다음 정육면체와 다른 기하학적 형태로 진화했습니다. 이 기하학적 형태들은 요제프 마리아 올브리히, 오토 바그너, 콜로만 모저, 요제프 호프만의 건축과 가구, 특히 아르데코와 모더니즘의 도래를 알린 브뤼셀의 스토클레 궁전에 특별한 효과와 함께 사용되었습니다.[88][89][90]

아르누보 건축의 또 다른 특징은 빛을 사용하고, 내부 공간을 개방하고, 벽을 제거하고, 채광등을 광범위하게 사용하여 최대의 빛을 내부로 끌어들였다는 것입니다. 빅터 호르타의 레지던스-스튜디오와 그가 지은 다른 집들은 휘어진 철골을 지지하는 광범위한 스카이라이트를 가지고 있었습니다. 호텔 테셀에서 그는 계단 주변의 전통적인 벽을 제거하여 계단이 실내 디자인의 중심 요소가 되었습니다.

동시대의 양식과 움직임과의 관계

예술 양식으로서 아르누보는 라파엘 전파와 상징주의 양식에 친화력을 가지고 있으며, 오브리 비어들리, 알퐁스 무차, 에드워드 번 존스, 구스타프 클림트, 얀 투롭과 같은 예술가들은 이러한 양식 중 하나 이상으로 분류될 수 있습니다. 그러나 상징주의 회화와는 달리 아르누보는 독특한 모습을 가지고 있으며, 장인 중심의 예술 공예 운동과는 달리 아르누보 예술가들은 순수 디자인을 위해 새로운 재료, 가공된 표면 및 추상화를 쉽게 사용했습니다.

Art Nouveau는 Arts and Crafts 운동이 그랬던 것처럼 기계의 사용을 피하지 않았습니다. 조각에는 유리와 연철이 주로 사용되어 건축에서도 조각적인 특징을 보였습니다. 오귀스트 로댕과 같은 예술가들은 도자기로 조각판을 제작하기도 했습니다.[175] 비록 그의 조각품은 아르누보로 여겨지지 않습니다.

아르누보 건축은 19세기 후반의 많은 기술 혁신, 특히 노출된 철과 불규칙한 모양의 큰 유리 조각을 건축에 사용했습니다.

아르누보 성향도 지역 스타일에 흡수되었습니다. 예를 들어 덴마크에서는 예술과 공예 스타일과 더 밀접한 관련이 있는 스ø비르케('미학 작품')의 한 측면이었습니다. 마찬가지로, 예술가들은 아르누보의 많은 꽃과 유기적인 모티브를 폴란드의 음워다 폴스카 ('젊은 폴란드') 스타일로 채택했습니다.[178] 그러나 Młoda Polska는 또한 다른 예술 스타일을 포함하고 예술, 문학 및 생활 방식에 대한 광범위한 접근 방식을 포함했습니다.

건축학적으로 아르누보는 현대적이기는 하지만 발터 그로피우스와 르 코르뷔지에와 같은 건축가들이 확립한 모더니즘 전통의 바깥에 존재하는 스타일과 친화력을 가지고 있습니다. 유기적 형태에 대한 선호를 공유하는 표현주의 건축과 특히 밀접한 관련이 있지만 장식에 대한 아르누보의 접근 방식에 대한 지적 불만에서 비롯되었습니다. 아르누보가 식물과 식물의 모티프에 초점을 맞춘 것과 달리, 표현주의는 동굴, 산, 번개, 수정 및 암석 형성과 같은 것에서 영감을 얻습니다.[180] 아르누보에 대한 반응으로 구상된 또 다른 스타일은 아르데코였는데, 아르데코는 현대 예술적 아방가르드에서 파생된 직선 스타일을 선호하여 유기적인 표면을 완전히 거부했습니다.

장르

아르누보는 회화와 조각으로 대표되지만 건축과 장식 예술에서 가장 두드러집니다. 그래픽 아트, 특히 포스터, 인테리어, 금속 및 유리 아트, 보석, 가구 디자인, 도자기 및 섬유에 적합했습니다.

포스터와 그래픽 아트

주요 기사: 아트 누보 포스터와 그래픽 아트

아르누보 시대에 그래픽 아트는 인쇄술, 특히 컬러 리소그래피의 새로운 기술 덕분에 번창했습니다. 예술은 더 이상 갤러리, 박물관, 살롱에 국한되지 않았습니다. 파리 벽과 유럽 전역과 미국으로 유통되는 일러스트 아트 매거진에서 발견할 수 있었습니다. 아르누보 포스터의 가장 인기 있는 주제는 여성이었습니다; 화려함, 현대성, 아름다움을 상징하는 여성들이었고, 종종 꽃으로 둘러싸여 있었습니다.

영국에서 아르누보 스타일의 선두적인 그래픽 아티스트는 오브리 비어즐리(Aubrey Beardsley, 1872–1898)였습니다. 그는 Le Morte d'Arthur를 위해 새긴 책 삽화로 시작했고, 그리고 나서 그에게 명성을 가져다 준 Oscar Wilde (1893)의 Salome을 위한 흑백 삽화로 시작했습니다. 같은 해, 그는 영국에서 페르난드 크노프와 같은 유럽 예술가들을 널리 알리는데 도움을 준 예술 잡지 스튜디오에 삽화와 포스터를 새기기 시작했습니다. 휘어진 선과 복잡한 꽃무늬는 본문만큼이나 눈길을 끌었습니다.[181]

스위스-프랑스 예술가 외젠 그라셋(1845–1917)은 프랑스 아르누보 포스터를 처음 만든 사람들 중 한 명입니다. 그는 1885년에 유명한 카바레 르 샤트누아르를 장식하는 것을 도왔고 페트 드 파리를 위한 그의 첫 번째 포스터를 만들었습니다. 그는 1890년 사라 베른하르트의 기념 포스터와 다양한 책 삽화를 만들었습니다. 예술가 디자이너 Jules Chéret, Georges de Feure 그리고 화가 Henri de Toulouse-Lautre는 파리 극장, 카페, 댄스 홀 카바레를 위한 포스터를 만들었습니다. 체코의 예술가 알퐁스 무차(1860–1939)는 1888년 파리에 도착했고, 1895년 빅토리엔 사르두의 연극 기스몬다에서 여배우 사라 베른하르트의 포스터를 만들었습니다. 이 포스터의 성공은 베른하르트의 연극 6편의 포스터 제작 계약으로 이어졌습니다. 그 후 4년 동안, 그는 이 여배우를 위해 세트, 의상, 그리고 심지어 보석까지 디자인했습니다.[182][183] 무차는 극장 포스터의 성공을 바탕으로 담배와 비누부터 맥주 비스킷에 이르기까지 다양한 제품의 포스터를 만들었는데, 모두 모래시계 모양의 이상화된 여성상을 특징으로 합니다. 그는 보석에서 비스킷 상자에 이르기까지 자신만의 독특한 스타일로 제품을 디자인했습니다.[184]

빈에서 그래픽과 포스터를 가장 많이 제작한 디자이너는 콜로만 모저(1868–1918)로 구스타프 클림트, 요제프 호프만과 함께 분리독립운동에 적극적으로 참여했고, 그림, 가구, 장식뿐만 아니라 이 운동의 잡지인 베르 사크룸의 일러스트레이션과 표지를 만들었습니다.[185]

페인팅

그림은 아르누보의 또 다른 영역이었지만, 아르누보와 관련된 대부분의 화가들은 주로 다른 운동, 특히 후기 인상주의와 상징주의의 구성원으로 묘사됩니다. 알퐁스 무차는 그를 좌절시킨 아르누보 포스터로 유명했습니다. 그의 아들이자 전기 작가인 지 ř 무차에 따르면, 그는 아르누보를 별로 생각하지 않았다고 합니다. "뭐야, 아르누보? 그가 물었습니다. "... 예술은 결코 새로운 것이 될 수 없습니다."[186] 그는 역사 화가로서 자신의 작품에 대해 가장 큰 자부심을 가졌습니다. 그의 아르누보에서 영감을 받은 그림 슬라바는 슬라브 의상을 입은 그의 후원자의 딸의 초상화로, 그의 연극 포스터를 본떠서 만들었습니다.[186]

아르누보와 가장 밀접하게 연관된 화가들은 1888년부터 1900년까지 파리에서 활동했던 후기 인상주의 화가들인 레 나비스(Les Nabis)였습니다. 그들의 목표 중 하나는 순수 예술과 장식 예술 사이의 장벽을 허무는 것이었습니다. 캔버스뿐만 아니라 장식용 스크린과 패널도 그렸습니다. 그들의 많은 작품들은 일본 판화의 미학에 영향을 받았습니다. 멤버들은 피에르 보나르, 모리스 데니스, 폴 랜슨, 에두아르 뷔야르, 케르 자비에 루셀, 펠릭스 발로톤, 폴 세루시에를 포함했습니다.[187]

오스트리아의 화가 구스타프 클림트는 아르누보 회화의 대변자였으며, 더 구체적으로 빈 분리주의 모더니즘 운동의 대표자였습니다. 클림트는 화려한 개인 스타일로 캔버스와 벽화를 그렸고, 빈 분리 갤러리에서 볼 수 있는 것과 같은 수공예품을 통해 그것을 표현하기도 했습니다. 클림트는 여성 누드에서 가장 반복되는 영감의 원천 중 하나를 발견했습니다. 그의 작품은 가우디의 장식 스타일을 따라 자연에서 영감을 받은 자연주의적이고 개성적이며 유기적인 스타일로 감각적입니다.

카탈루냐 모더니즘 화가들(라몬 카사스, 산티아고 루시뇰, 알레익 클라페스, 호아킴 선이어, 헤르메네길도 앙글라다 카마라사, 후안 브룰, 리카드 운하, 하비에르 고세, 요셉 마리아 세르트, 미겔 우틸로 등)은 파리의 전위와 밀접하게 연결되어 있었고, 안토니 가우디의 영향을 크게 받았습니다. 파블로 피카소가 그룹에서 나왔습니다.

앙글라다 카마라사의 제자들은 아르누보 그림을 남아메리카로 옮기는 일을 맡았던 아르헨티나 출신의 그레고리오 로페스 나길, 티토 치타디니, 라울 마자였습니다.

벨기에에서 Fernand Khnopff는 그림과 그래픽 디자인 모두에서 일했습니다. 구스타프 클림트의 벽 벽화는 스토클레 궁전을 위한 요제프 호프만(1905-1911)의 장식 계획에 통합되었습니다. 스토클레 궁전의 식당용 클림트 벽화는 후기 아르누보의 걸작으로 여겨집니다.

한 주제는 전통 회화와 아르누보에 모두 등장했습니다; 프랑스와 오스트리아의 화가와 포스터 예술가들에 의해 묘사된 미국 무용수 로이 풀러.[43]

아르누보 시대에, 특히 브뤼셀에서 인기를 끌었던 한 가지 특별한 양식은 집의 정면에 벽화를 만들기 위해 착색된 회반죽을 겹겹이 바르는 르네상스 시대에 발명된 기술인 스그라피토(sgraffito)였습니다. 이것은 특히 벨기에 건축가 폴 한카르가 두 명의 예술가 친구 폴 카우치와 알베르트 시암베를라니를 위해 지은 집에 사용되었습니다.

유리미술

주요 기사: 아르누보 유리 미술

유리 미술은 아르누보가 새롭고 다양한 표현 방식을 발견한 매체였습니다. 특히 프랑스에서는 투명성과 불투명성의 새로운 효과를 찾기 위해 치열한 실험이 진행되었습니다: 윈 카메오를 새기는 것, 이중층을 새기는 것, 그리고 시리즈 제작을 가능하게 한 기술인 산성 새기는 것. 낭시라는 도시는 프랑스 유리 산업의 중요한 중심지가 되었고, 다음에서 오귀스트와 안토닌이 이끄는 에밀 갈레와 다음 스튜디오의 작업장이 그곳에 위치했습니다. 그들은 어니스트 뷔시에르[fr], 앙리 베르제 (일러스트레이터)[fr], 아말릭 발터를 포함한 많은 유명한 디자이너들과 함께 작업했습니다. 그들은 다양한 색깔의 유리 조각을 완성되지 않은 조각에 눌러 유리를 새기는 새로운 방법을 개발했습니다. 그들은 집과 작업장이 낸시에 있었던 가구 디자이너 루이 마조렐과 종종 협력했습니다. 아르누보의 또 다른 특징은 주거용 살롱, 특히 낸시의 아르누보 하우스에서 그런 스타일의 꽃 테마가 있는 스테인드 글라스 창문을 사용했다는 것입니다. 많은 사람들이 빌라 마조렐과 다른 집들을 위해 창문을 만들었던 자크 그뤼버의 작품들이었습니다.[189]

벨기에에서 선도적인 회사는 유기농과 꽃 형태의 꽃병을 만든 발 생 람베르의 유리 공장이었는데, 그 중 많은 것들이 필리프 울퍼스가 디자인했습니다. 울퍼스는 상징주의적인 유리 작품을 만든 것으로 특히 유명했는데, 종종 금속 장식이 부착되어 있습니다. 당시 오스트리아-헝가리 제국의 한 지역이었던 보헤미아에서 J. & L. 랍마이어와 Joh라는 회사가 있었습니다. 로에츠 위트 또한 새로운 착색 기법을 실험하여 더욱 생생하고 풍부한 색상을 연출했습니다. 독일에서는 칼 쾨핑이 실험을 주도했는데, 칼 쾨핑은 바람에 날린 유리를 사용하여 매우 섬세한 꽃 모양의 안경을 만들었고, 매우 섬세하여 오늘날 남아있는 안경은 거의 없습니다.[190]

비엔나에서 분리독립운동의 유리 디자인은 프랑스나 벨기에의 유리 디자인보다 훨씬 더 기하학적이었습니다. 오토 프루처는 분리독립운동의 가장 엄격한 유리 디자이너였습니다.[190] 영국에서는 마가렛 맥도널드 매킨토시가 예술 애호가의 집이라고 불리는 건축 전시를 위해 많은 꽃무늬 스테인드 글라스 디자인을 만들었습니다.

미국에서 Louis Comfort 티파니(Louis Comfort Tiffany)와 그의 디자이너들은 그들의 램프로 특히 유명해졌는데, 그의 유리 음영은 일반적인 꽃 테마를 복잡하게 조각으로 사용했습니다. 티파니 램프는 1893년 시카고에서 열린 콜롬비아 박람회 이후 인기를 얻었는데, 그곳에서 티파니는 비잔틴과 같은 예배당에 램프를 전시했습니다. 티파니(Tiffany)는 유리에 색을 입히는 공정을 광범위하게 실험했고, 1894년 금속 산화물을 사용하여 용융 유리 내부를 색을 입히는 공정인 Favriel glass에 특허를 냈습니다. 그의 작업장은 스테인드글라스 창문, 스크린, 화병 및 다양한 장식품과 함께 다양한 꽃 디자인의 티파니 램프의 여러 시리즈를 제작했습니다. 그의 작품들은 처음에 독일로 수입되었고, 그 후 지그프리드 빙에 의해 프랑스로 수입되었고, 그 후 1900년 만국 박람회의 장식적인 감각들 중 하나가 되었습니다. 티파니의 미국 라이벌인 슈투벤 글래스는 1903년 뉴욕 코닝에서 프레데릭 카더에 의해 설립되었는데, 그는 티파니와 마찬가지로 열 공정을 사용하여 무지개 색으로 표면을 만들었습니다. 또 다른 주목할 만한 미국 유리 예술가는 종교적이고 순수하게 장식적인 주제에 복잡하고 다채로운 스테인드 글라스 창을 만든 존 라 파지(John La Farge)였습니다.[190]

교회의 스테인드글라스 창문의 예는 아르누보 종교 건물 기사에서 찾을 수 있습니다.

메탈아트

19세기 건축 이론가 비올레 르 뒤크는 현대 건물의 철골 구조를 숨기는 것보다 보여주는 것을 옹호했지만, 아르누보 건축가 빅토르 호르타와 헥터 기마르는 한 걸음 더 나아갔습니다: 그들은 건물의 내부와 외부 모두에서 꽃과 식물의 형태에서 영감을 받은 곡선에 철 장식을 추가했습니다. 그들은 내부에는 계단 난간, 내부에는 조명기구 및 기타 세부 사항, 외부에는 발코니 및 기타 장식품의 형태를 취했습니다. 이것들은 아르누보 건축의 가장 독특한 특징 중 일부가 되었습니다. 식물 형태의 금속 장식 사용은 곧 은식기, 램프 및 기타 장식품에서도 나타났습니다.[191]

미국에서 디자이너 조지 그랜트 엘름슬리는 시카고 건축가 루이스 설리번의 건물의 난간과 다른 실내 장식을 위해 매우 복잡한 주철 디자인을 만들었습니다.

프랑스와 미국 디자이너들이 꽃과 식물 형태를 사용한 반면, 조셉 마리아 올브리치와 다른 분리주의 예술가들은 찻주전자와 다른 금속 물체들을 더 기하학적이고 냉정한 스타일로 디자인했습니다.[192]

주얼리

  • Dragonfly Lady brooch by René Lalique, made of gold, enamel, chrysoprase, moonstone, and diamonds (1897–98)
    금, 에나멜, 크리소프라제, 문스톤, 다이아몬드로 만든 르네 랄리케의 잠자리 레이디 브로치 (1897–98)
  • Carved horn decorated with pearls, by Louis Aucoc (c. 1900)
    진주로 장식된 뿔 조각, Louis Aucoc c.(1900)
  • Translucent enamel flowers with small diamonds in the veins, by Aucoc (c. 1900)
    혈관에 작은 다이아몬드가 있는 반투명한 법랑질 꽃, by Aucoc c.(1900)
  • Flora brooch by Aucoc (c. 1900)
    플로라 브로치 by Aucoc c.(1900)
  • A corsage ornament by Philippe Wolfers (1900)
    Philippe Wolfers의 코르사주 장식품 (1900)
  • Brooch with woman by Lalique
    랄리크의 여자와 브로치
  • Necklace by Charles Robert Ashbee (1901)
    Charles Robert Ashbee의 목걸이 (1901)
  • Niké brooch by Wolfers (1902), collection King Baudouin Foundation, depot: KMKG-MRAH
    Niké Brooch by Wolfers (1902), 컬렉션 King Baudouin Foundation, 창고: KMKG-MRAH
  • Brooch of horn with enamel, gold and aquamarine by Paul Follot (1904–1909)
    폴 폴롯(Paul Follot, 1904–1909)이 에나멜, 금 및 아쿠아마린을 함유한 뿔 브로치
  • Bay Tree Fabergé egg (1911)
    베이 트리 파베르제 에그 (1911)

아르누보 주얼리의 특징은 미묘한 곡선과 선을 포함합니다. 그것의 디자인은 종종 꽃, 동물 또는 새를 포함한 자연물을 특징으로 합니다. 여성의 몸매도 카메오에 자주 등장해 인기가 많습니다. 이 목걸이는 종종 진주나 은으로 만든 긴 목걸이로 유리 구슬에 구멍을 내거나 은이나 금 펜던트로 끝나는 경우가 많았는데, 그 자체는 자수정, 페리도트 또는 시트린의 면이 있는 보석을 보관하기 위한 장식으로 종종 고안되었습니다.[193]

아르누보 시대는 주로 파리의 주요 회사들에 의해 주도된 보석 산업에 주목할 만한 양식 혁명을 가져왔습니다. 지난 두 세기 동안, 정교한 보석의 강조는 다이아몬드에 대한 극적인 설정을 만들어냈습니다. 아르누보의 통치 기간 동안 다이아몬드는 대개 조연 역할을 했습니다. 보석상들은 문, 가넷, 오팔, 문석, 아쿠아마린 및 기타 반귀석을 포함한 다양한 다른 돌들과 다른 에나멜링, 뿔, 주형 유리 및 상아를 포함한 다양한 새로운 기술을 사용하여 실험했습니다.

아르누보 양식의 초기 주목할 만한 파리 보석상으로는 루이 아우콕(Louis Aucoc)이 있으며, 그의 가족 보석 회사는 1821년으로 거슬러 올라갑니다. 아르누보 시대의 가장 유명한 디자이너 르네 랄리케는 1874년부터 1876년까지 아우콕 스튜디오에서 견습 기간을 보냈습니다. 랄리케는 잠자리에서 풀에 이르기까지 자연을 모델로 사용하여 아르누보 보석과 유리의 중심 인물이 되었습니다. 가구 디자이너로 가장 잘 알려진 폴 폴로트(Paul Follot)와 같은 전통적인 보석 세계 밖의 예술가들이 보석 디자인을 실험했습니다. 다른 유명한 프랑스 아르누보 보석 디자이너로는 쥘 브라토와 조르주 앙리가 있습니다. 미국에서 가장 유명한 디자이너는 루이 컴포트 티파니(Louis Comfort Tiffany)였는데, 그의 작품은 지그프리드 빙(Siegfried Bing)의 가게와 1900년 파리 박람회에서도 전시되었습니다.

영국에서 가장 눈에 띄는 인물은 실버 벨트 버클을 포함한 다양한 아르누보 작품을 만든 리버티 & 코 & 컴리크 디자이너 아치볼드 녹스(Archibald Knox)였습니다. C. R. Ashbee는 공작새 모양으로 펜던트를 디자인했습니다. 다재다능한 글래스고 디자이너 찰스 레니 매킨토시도 전통적인 켈트 상징을 사용하여 보석을 만들었습니다. 독일에서 위겐트스틸 보석의 중심지는 테오도르 파흐너를 포함한 대부분의 독일 회사가 위치한 포르츠하임이었습니다. 그들은 새로운 스타일에 대한 수요를 충족시키기 위해 빠르게 작품을 제작했습니다.[193]

건축과 장식

참고 항목: 아르누보 종교 건축물

아르누보 건축은 19세기 후반 유럽 건축을 지배했던 절충적인 양식에 대한 반동이었습니다. 장식을 통해 표현되었습니다: 장식용(꽃과 식물을 기반으로 한 것)[195][196] 또는 조각용(아래 각 섹션 참조). 사람들의 얼굴(또는 마스카론)은 장식을 의미하지만, 아르누보의 일부 형태에서는 다양한 형태의 조각(조각상 및 부조: 아래 각 섹션 참조)을 사용하는 것도 일반적이었습니다. 비엔나 분리 이전에, Jugendstil과 다양한 형태의 National 낭만주의 양식 정면은 비대칭이었고, 종종 다크롬 세라믹 타일로 장식되었습니다. 장식은 일반적으로 움직임을 암시했습니다. 구조와 장식 사이에는 구분이 없었습니다.[197] 식물과 꽃의 형태에 기초한 컬링 또는 "휘파람" 모티프는 초기 아르누보에서 널리 사용되었지만 장식은 브뤼셀의 스토클레 궁전(1905-1911)에서와 같이 비엔나 분리 및 기타 후기 양식에서 더 추상적이고 대칭적이 되었습니다.[198]

이 양식은 빅토르 호르타의 폴 한카르 (1893)와 호텔 테셀 (1892–93)에 의해 브뤼셀의 한카르 하우스에서 처음 나타났습니다. 호텔 테셀은 헥토르 기마르가 방문했는데, 그는 그의 첫 번째 주요 작품인 "카스텔 베랑제" (1897–98)에서 같은 스타일을 사용했습니다. 호르타(Horta)와 기마드(Guimard)는 또한 가구와 실내 장식, 문 손잡이와 카펫까지 디자인했습니다. 1899년, Castel Béranger의 명성을 바탕으로, Guimard는 1900년에 문을 연 새로운 파리 메트로의 역들의 입구를 설계하는 의뢰를 받았습니다. 비록 몇몇 원작들이 살아남았지만, 이것들은 파리의 아르누보 운동의 상징이 되었습니다.

파리에서 건축 양식은 나폴레옹 3세 치하의 파리의 총독인 조르주 외젠 하우스만이 건축 양식에 부과한 엄격한 규제에 대한 반응이기도 했습니다. 활창문은 마침내 1903년에 허용되었고, 아르누보 건축가들은 반대쪽 극단으로 가게 되었는데, 가장 눈에 띄는 것은 본질적으로 큰 조각 작품이었던 쥘 라비로트의 집들은 장식으로 완전히 덮여있었습니다. 프랑스 도시 낭시에 가구 디자이너 루이 마조렐(Louis Majorelle)의 거주지인 빌라 마조렐(Villa Majorelle, 1901–02) 주변에 아르누보 주택의 중요한 이웃이 나타났습니다. 앙리 소비지가 마조렐의 가구 디자인을 위한 쇼케이스로 디자인했습니다.[197]

많은 아르누보 건물들이 유네스코 세계 문화 유산 목록에 포함되었습니다 (베른, 부다페스트, 리비우, 파리, 포르투, 프라하, 리가, 상트페테르부르크, 스트라스부르 (뉴스타드), 비엔나). 그들과 함께, 별개의 객체로서 목록에 포함된 건물들이 있었습니다.

조각품

조각은 때때로 도자기와 교차하는 아르누보 예술가들에게 또 다른 표현 형태였습니다. 아가톤 레오나르의 목도리를 두른 도자기 조각가는 1900년 파리 박람회에서 도자기와 조각 모두에서 인정을 받았습니다. 다른 나라의 조각가들도 도자기 조각을 만들었습니다. 폴리크롬 병마용 조각상을 만든 보헤미안 스타니슬라프 수차르다와 라디슬라프 샬룬, 벨기에 샤를 반데르 스타펜, 카탈란 람베르트 에스컬러 [ca]. 그 당시의 또 다른 유명한 조각가는 스페인, 멕시코, 아르헨티나, 쿠바에 조각상을 만든 카탈루냐 출신의 아구스티 케롤 수비라츠였습니다.[200]

건축 조각에는 조각상뿐만 아니라 부조도 사용되었습니다. 아르누보 건축가와 조각가들은 동물의 모티브(나비,[201] 공작,[202] 백조,[203] 올빼미,[204] 박쥐,[205] 용,[206] 곰[207])에서 영감을 발견했습니다. 아틀란테스,[208] 카리아티드,[209] 푸티,[210] 가고일도[211] 사용되었습니다.

가구.

주요 기사: 아르누보 가구

아르누보 시대의 가구 디자인은 건물의 건축과 밀접하게 연관되어 있습니다; 건축가들은 종종 가구, 카펫, 조명 기구, 문 손잡이 및 기타 장식 세부 사항을 디자인했습니다. 가구는 종종 복잡하고 비쌌습니다; 보통 광택이 나거나 광택이 나는 미세한 마감재는 필수로 간주되었고, 대륙 디자인은 보통 만들기 위해 비싼 곡선 모양을 가진 매우 복잡했습니다. 또한 집의 주인이 방의 전체 효과를 방해하지 않고 가구를 변경하거나 다른 스타일로 조각을 추가할 수 없다는 단점이 있었습니다. 이 때문에 아르누보 건축이 유행을 타지 않게 되자 가구 양식도 상당 부분 사라졌습니다.

프랑스에서 가구 디자인과 제조의 중심지는 낸시였으며, 두 명의 주요 디자이너인 에밀 갈레와 루이 마조렐은 그들의 스튜디오와 워크샵을 가졌고, 1901년에 Alliance des Industries d'art (후에 Nancy School이라고 불림)가 설립되었습니다. 두 디자이너 모두 아르누보 디자인에서 인기 있는 모티브인 잠자리와 같은 꽃과 곤충을 포함하여 자연에서 가져온 형태에 구조와 장식을 기반으로 합니다. Gallé는 특히 풍경이나 시적 주제의 형태로 구호에 마케트리를 사용한 것으로 유명했습니다. 마조렐은 이국적이고 비싼 나무를 사용하는 것으로 유명했고, 식물을 주제로 조각한 청동을 가구 조각에 부착하는 것으로 유명했습니다. 두 디자이너 모두 첫 번째 제조 단계에 기계를 사용했지만 모든 부품은 수작업으로 완성되었습니다. 낸시 스쿨의 다른 유명한 가구 디자이너들은 외젠 발린(Eugène Vallin)과 에밀 앙드레(Emile André)를 포함했습니다. 둘 다 훈련을 받은 건축가들이었고, 둘 다 장식이 적고 휘어진 식물과 꽃을 더 가까이 따라가는 호르타(Horta)와 반 데 벨데(Van de Velde)와 같은 벨기에 디자이너들의 가구를 닮은 가구를 디자인했습니다. 다른 유명한 프랑스 디자이너들은 신고딕 양식의 비올렛-르-뒤크에서 영감을 얻은 앙리 벨리에-데스퐁텐과 새로운 주제로 프랑스 가구 산업에 새로운 활력을 불어넣기 위해 미술상 지크프리트 빙과 함께 일했던 조르주 드 포레, 외젠 가이야르, 에두아르 콜론나를 포함합니다. 그들의 작품은 "추상적인 자연주의", 직선과 곡선의 통일성, 로코코 영향력으로 유명했습니다. 빙 파빌리온의 드푀르 가구는 1900년 파리 박람회에서 금메달을 획득했습니다. 가장 특이하고 그림 같은 프랑스 디자이너는 프랑수아-루퍼트 카라빈으로, 그의 가구는 아르누보 요소와 상징성을 결합한 조각가 여성 누드 형태와 상징적인 동물, 특히 고양이를 특징으로 합니다. 다른 영향력 있는 파리의 가구 디자이너로는 샤를 플룸과 알렉산드르 샤르펜티에가 있습니다.[212] 많은 면에서 고전적인 프랑스 18세기 로코코 가구의 오래된 어휘와 기술은 새로운 스타일로 다시 해석되었습니다.[10]

벨기에에서 아르누보 운동의 선구적인 건축가인 빅토르 호르타와 앙리 반 데 벨데는 그들의 집을 위한 가구들을 활기찬 곡선과 최소한의 장식을 사용하여 디자인했습니다. 벨기에 디자이너 구스타브 세루리에-보비는 곡선 형태의 황동 스트립을 적용하여 장식을 더했습니다. Nieuwe Kunstor New Art라고 불리는 네덜란드에서 H. P. Berlag, Lion Cachet, Theodor Nieuwenhuis는 더 기하학적인 합리적인 형태로 영국 공예 운동의 다른 과정을 따랐습니다.

영국에서 찰스 레니 매킨토시의 가구는 순수하게 예술과 공예였고, 소박하고 기하학적이었으며, 긴 직선과 직각, 최소한의 장식을 가지고 있었습니다.[213] 대륙 디자인은 훨씬 더 정교했으며, 종종 작품의 기본 모양과 적용된 장식 모티프 모두에서 곡선 모양을 사용했습니다. 독일에서 페테르 베렌스와 유겐트 스틸의 가구는 대체로 합리주의적이었고, 기하학적인 직선과 표면에 약간의 장식이 부착되어 있었습니다. 그들의 목표는 프랑스 아르누보와 정반대였습니다. 구조의 단순함과 재료의 단순함. 저렴하고 쉽게 대량 생산할 수 있는 가구에 대한 것입니다. 오토 바그너, 요제프 호프만, 요제프 마리아 올브리치, 콜로만 모저가 이끄는 비엔나의 빈 베르크슈테트의 디자이너 가구도 마찬가지였습니다. 가구는 기하학적이고 최소한의 장식을 가지고 있었지만, 스타일에서는 국가적인 역사적인 선례, 특히 비데마이어 스타일을 따르는 경우가 많았습니다.[214]

이탈리아와 스페인 가구 디자인은 각자의 방향으로 진행되었습니다. 이탈리아의 카를로 부가티(Carlo Bugatti)는 1902년 토리노 국제 박람회를 위해 칠해진 양피지와 구리로 덮인 나무인 특별한 달팽이 의자를 디자인했습니다. 스페인에서는 안토니 가우디(Antoni Gaudí)와 모더니즘(Modernismo) 운동에 이어 가구 디자이너 가스파르 호마르(Gaspar Homar)가 카탈루냐의 역사적 스타일을 가미한 자연스러운 형태에서 영감을 얻은 작품을 디자인했습니다.[134]

미국에서 가구 디자인은 Art Nouveau보다 Arts and Crafts 운동, 즉 역사적인 미국 모델에 의해 더 자주 영감을 받았습니다. Art Nouveau 테마를 소개한 디자이너 중 한 명은 뉴욕 버팔로에 사는 Charles Rohlfs였는데, 그의 미국 화이트 오크 가구 디자인은 켈트 미술과 고딕 미술의 모티프에서 영향을 받았으며, 금속 트림에 Art Nouveau의 터치가 적용되었습니다.[134]

도자기

예술 도예 운동에 속하는 영어권 국가들에서, 도예를 포함한 도자기 예술은 아르누보 예술가들에게 또 하나의 번영하는 영역이었습니다. 19세기의 마지막 부분은 도자기 제조, 특히 결정화되고 무광택의 유리를 가진 고온(그랑푀) 도자기의 개발에서 많은 기술 혁신을 보았습니다. 동시에 유약의 상드보에우와 같은 몇 가지 소실된 기법들이 재발견되었습니다. 아르누보 도자기도 전통적이고 현대적인 일본과 중국 도자기의 영향을 받았는데, 그들의 식물과 꽃 모티브는 아르누보 양식과 잘 어울렸습니다. 프랑스에서도 예술가들이 전통적인 석기(grés) 방법을 재발견하고 새로운 모티브로 재창조했습니다.[219]

낸시에 있는 에밀 갈레(Emile Gallé)는 식물과 곤충의 자연주의적인 주제를 가진 자연적인 지구 색상의 토기 작품을 만들었습니다. 도자기는 또한 건축에서 중요한 새로운 용도를 발견했습니다. 아르누보 건축가인 쥘 라비로트(Jules Lavirote)와 헥토르 기마르(Hector Guimard)는 건축용 도자기로 건물의 정면을 장식하기 시작했는데, 그 중 많은 도자기는 알렉산드르 비고트(Alexandre Bigot) 회사에서 제작하여 독특한 아르누보 조각상의 외관을 제공했습니다.[219]

프랑스의 선구적인 아르누보 도예가 중 한 명은 어니스트 채플레였는데, 그의 도자기 경력은 30년에 달했습니다. 그는 일본과 중국의 원형에서 영향을 받은 석기를 생산하기 시작했습니다. 1886년부터 그는 화가 폴 고갱과 함께 조각상, 여러 개의 손잡이, 칠하고 부분적으로 유리를 입힌 석기 디자인을 작업했으며 조각가 펠릭스 브라케몽, 쥘 달루, 오귀스트 로댕과 함께 작업했습니다. 그의 작품들은 1900년 박람회에서 호평을 받았습니다.

주요 국립 도자기 회사들은 1900년 파리 박람회에서 중요한 위치를 차지했습니다: 파리 외곽의 국립 세브르 박물관; 님펜부르크, 마이센, 독일의 빌레로이 & 보흐, 영국의 돌턴. 다른 프랑스의 대표적인 도예가들로는 Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [fr], Auguste Delaherche가 있습니다.[220]

프랑스에서 아르누보 도자기는 때때로 조각으로 선을 넘었습니다. The Manufactures nationale de Sèvres를 위해 만들어진 도자기 조각상 Léonard는 1900년 파리 박람회에서 두 부문 모두에서 인정을 받았습니다.

헝가리 펙스에 있는 즈솔네이 공장은 1853년 미클로스 즈솔네이(1800–1880)에 의해 설립되었고 수석 디자이너 타데 시코르스키(1852–1940)와 함께 그의 아들 빌모스 즈솔네이(1828–1900)가 석기와 기타 도자기를 생산하기 위해 이끌었습니다. 1893년에 Zsolnay는 에오신으로 만든 도자기 조각을 소개했습니다. 그는 1873년 비엔나 세계 박람회를 포함한 세계 박람회와 국제 전시회에서 혁신적인 제품을 선보임으로써 공장을 세계적인 인지도로 이끌었고, 1878년 파리 세계 박람회에서 즈솔네이는 그랑프리를 받았습니다. 특히 아르누보 운동 기간 동안, 서리에 강한 즈솔네이 건물 장식은 많은 건물에서 사용되었습니다.[221]

도자기 타일도 포르투갈 아르테 노바의 특징으로 이 나라의 긴 아줄레조 전통을 이어갔습니다.

모자이크

모자이크는 특히 카탈루냐 모더니즘의 다른 운동의 많은 아르누보 예술가들에 의해 사용되었습니다. 안토니 가우디(Antoni Gaudí)는 폐 세라믹 조각을 사용하는 트렌카디스(trencadís)라고 불리는 재료 처리 분야에서 새로운 기술을 개발했습니다.

꽃무늬의 화려한 마이올리카 타일은 오토 바그너(1898)가 빈에 있는 마졸리카 하우스와 러시아 아브람체보 식민지의 작품들, 특히 미하일 브루벨의 작품들의 특징이었습니다.

섬유 및 벽지

직물과 벽지는 양식 초기부터 아르누보의 중요한 매개체였고, 아르누보 인테리어의 필수 요소였습니다. 영국에서 윌리엄 모리스의 직물 디자인은 공예 운동을 시작하고 아르누보를 시작하는 데 도움이 되었습니다. 많은 디자인들이 런던의 리버티 백화점을 위해 만들어졌고, 이는 유럽 전역에 이 스타일을 대중화시켰습니다. 그런 디자이너 중 한 명이 화려한 양식의 꽃무늬를 제공하는 실버 스튜디오였습니다. 다른 독특한 디자인은 글래스고 학교와 마가렛 맥도날드 매킨토시에서 왔습니다. 글래스고 학교는 양식화된 달걀, 기하학적 형태, "글래스고의 장미"를 포함한 몇 가지 독특한 모티브를 소개했습니다.

프랑스에서는 디자이너 외젠 그라셋(Eugène Grasset)이 1896년 La Plante et ses 응용 프로그램 장식품을 출판하여 다양한 꽃과 식물을 기반으로 한 Art Nouveau 디자인을 제안했습니다. 많은 패턴들이 뮬하우스, 릴, 리옹에 있는 주요 프랑스 섬유 제조업체들을 위해 독일과 벨기에 워크샵에 의해 설계되고 생산되었습니다. 독일 디자이너 헤르만 오브리스트(Hermann Obrist)는 꽃무늬, 특히 꽃줄기를 바탕으로 한 시클라멘(cyclamen)과 "휘파람" 스타일을 전문으로 하여 스타일의 주요 모티브가 되었습니다. 벨기에의 앙리 판 데 벨데는 브뤼셀의 살롱 라 리브레 에스테티크에서 폴 고갱과 나비스의 상징성에 영감을 받아 직물 작품인 라 베일레 앙제를 선보였습니다. 네덜란드에서 직물은 종종 동인도 제도에 있는 네덜란드 식민지의 바틱 패턴에서 영감을 얻었습니다. 민속 예술은 또한 노르웨이의 게르하르트 문테와 프리다 한센의 작품에서 중앙 유럽과 스칸디나비아의 태피스트리, 카펫, 자수 및 직물의 창조에 영감을 주었습니다. 오토 에크만의 다섯 개의 백조 디자인은 100개 이상의 다른 버전으로 등장했습니다. 헝가리 디자이너 János Vaszary는 Art Nouveau 요소와 민속적인 주제를 결합했습니다.[223]

박물관

아르누보 유산을 특징으로 하는 박물관은 다음과 같은 4가지 유형이 있습니다.

  • 광범위한 박물관(Art Nouveau에게 특별히 헌정된 것은 아니지만 이 스타일의 많은 유물 컬렉션이 있습니다. 아르누보 기념물은 이탤릭체로 표시됩니다.
  • 아르누보 예술가들의 집 박물관(알퐁스 무차 박물관을 제외한 모든 박물관은 아르누보 기념물입니다.)
  • 지역 아르누보 운동에 전념하는 박물관(모두 아르누보 기념물)
  • 박물관의 지위를 가지고 있거나 내부에 박물관이 있는 다른 아르누보 건물(지역 아르누보 운동/특정 예술가 전용이 아님).
나라 광범한 박물관 누보 미술관 지역 아르누보 운동에 전념하는 박물관 박물관의 지위를 가지고 있거나 내부에 박물관이 있는 다른 아르누보 건물들
오스트리아 빈 응용미술관 빈의 세페레이션 빌딩 빈의 카를플라츠와 히에츠의 바그너 파빌리온
아르헨티나 마르델플라타에 있는 후안 카를로스 카스타그니노 시립 미술관
벨기에 브뤼셀의 핀 드 시클 박물관, 헤미셈의 길리오 & 로엘란트 타일 박물관 브뤼셀의 메종과 아틀리에 호르타
브뤼셀의 카우치 하우스
브뤼셀의 오트리크 하우스 		벨기에 코믹 스트립 센터, 브뤼셀 악기 박물관
칠리 발파라이소의 팔라시오 바부리자
체코 흐라덱 크라를로베에 있는 동보헤미안 박물관 프라하 알퐁스 무차 박물관 올로모우크 현대미술관
덴마크 Museum Sønderjylland in Skærbæk
프랑스. 오르세 미술관, 장식 미술관, 카르나발레 미술관, 파리의 쁘띠 팔레 미술관; 하게나우 미술관의 역사; 스트라스부르의 현대미술관, 낭시 미술관 낭시의 빌라 마조렐; 윈겐쉬르모더의 랄리크 박물관[fr] 낸시에 있는 낸시 스쿨의 박물관 파리의 막심 레스토랑 위에 있는 막심의 아르누보 "컬렉션 1900" (20명 이상의 그룹만 해당)
핀란드 헬싱키의 아테네움과 핀란드 국립박물관, 투르쿠의 투르쿠 미술관 키르코눔미에 있는 Hvitträsk(헤르만 게셀리우스, 아르마스 린드그렌, 엘리엘 사리넨의 집)와 에스포에 있는 갈렌칼렐라 박물관.
독일. 베를린의 브뢰한 박물관, 카를스루에의 마졸리카 박물관, 마인츠의 란데스 박물관, 비스바덴의 비스바덴 박물관 다름슈타트에 있는 다름슈타트 식민지 박물관 하겐의 오스트하우스 박물관
헝가리 부다페스트에 있는 응용미술관과 그 분관인 Villa Görgy Rath 부다페스트에 있는 맥사 로스 하우스 박물관 부다페스트의 헝가리 왕가 부다페스트 지질박물관
이탈리아 카살레 몬페라토에 있는 시립 박물관 세르노비오의 빌라 베르나스코니
라트비아 리가 미술관
멕시코 멕시코시티에 있는 Museo del Objeto del Objeto
노르웨이 올레순드의 유겐슈틸 센터 노르웨이 오슬로 현대미술관
포르투갈 아베로에 있는 아르테 노바 박물관 박물관-리스본에 있는 아나스타시오 곤살베스 박사의 거주지
루마니아 스판투 게오르게 국립 세켈리 박물관 오라데아에 있는 다르바스라로슈 하우스
러시아 모스크바 주의 아브람체보 식민지, 모스크바의 전러시아 장식 미술관과 고리키 박물관, 상트페테르부르크의 러시아 정치사 박물관, 러시아 국립 박물관 울랴놉스크에[224] 있는 표도르 리브차크 하우스 박물관 스몰렌스크주 플레노보에 있는 탈라슈키노 미술 식민지 박물관 (러시아어만 해당) 모스크바의 실버 에이지 러시아 문학 박물관, 사마라의 현대 박물관, 탐보프의 아세프 유산, 가지나의 연해주 시립 박물관 및 셰르보프의 에스테이트 박물관(레닌그라드주 모두), 타간로그의 타간로그 건축 및 도시주의 박물관, 울랴놉스크의 벨 에포크 건축 박물관
세르비아 베오그라드 응용미술관 베오그라드에 있는 요반 크비이치의 집, 베오그라드에 있는 우로스 술래의 스튜디오, 노비사드에 있는 시나고그, 수보티카에 있는 시나고그, 수보티카에 있는 라이클 궁전
스페인 바르셀로나에 있는 카탈루냐 국립 미술관, 마드리드에 있는 카이사 ò룸, 살라망카에 있는 미술관 아르누보와 아트 데코, 코넬라 데 l브레가트에 있는 미술관 바르셀로나의 가우디 하우스 박물관, 까네 드 마르의 뤼스 도메네치 몬타네르 하우스 박물관 바르셀로나의 카탈루냐 모더니즘 박물관[ca], 노벨다의 아르누보 하우스-박물관[es] 사그라다 파밀리아, 바르셀로나 병원 데 산 파우, 카사 비센스
스웨덴 스톡홀름의 생물학 박물관, 예테보리의 뢰슈카 박물관
스위스 라쇼드퐁 미술관 [fr]
영국 런던의 빅토리아와 앨버트 박물관 글래스고의 켈빈그로브 박물관, 애크링턴의[226] 하워스 아트 갤러리 Glasgow의 Hunterian Museum과 Art Gallery에 있는 Mackintosh House 런던 호니만 박물관
우크라이나 체르니브치 미술관, 폴타바 향토사 박물관
미국 플로리다 윈터 파크의 찰스 호스머 모스 미술관, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 로스앤젤레스 게티 센터; 쿠퍼 휴이트, 뉴욕 스미스소니언 디자인 박물관, 시카고 아트 인스티튜트

박물관 지위는 없지만 공식적으로 무료 또는 비공식적으로 무료로 방문할 수 있는 많은 다른 아르누보 건물과 구조물이 있습니다(예: 기차역, 교회, 카페, 레스토랑, 펍, 호텔, 상점, 사무실, 도서관, 묘지, 분수뿐만 아니라 아직도 사람이 살고 있는 수많은 아파트 건물).

후세

"원초적인 사치"로 비판을 받은 아르누보는 1911년 이후 서서히 사라지기 시작했습니다.[227]

1930년대부터 1940년대와 1950년대까지 20세기 유럽 건축사에서 니콜라우스 페브스너, 시그프리드 기디온, 헨리-러셀 히치콕과 같은 영향력 있는 역사가들은 아르누보를 고려하지 않았습니다. 이것은 페브스너의 유럽 건축의 천재의 첫 번째 버전을 헥토르 기마르나 안토니 가우디에 대한 언급 없이 남겼습니다. 아르누보를 다룬 최초의 주요 작품들은 1950년대 말에 조니 와서(Johnny Watser)와 함께 출판되었습니다.

아르데코에 미친 영향

아르누보(Art Nouveau)는 1910년경 새로운 현대 스타일을 만들기 위한 여러 프랑스 디자이너들의 공동 노력으로 만들어진 스타일인 아르데코(Art Deco)로 이어진 요인 중 하나였습니다. 아르누보가 학술대회에 반대하며 19세기 부흥주의와 절충주의의 우월성을 깨뜨렸기 때문입니다. 그것의 다양한 표현을 통해, 그것은 대부분의 세계에서 곡선 모양의 식물 형태, 오스트리아-헝가리와 영국의 기하학적 장식, 북유럽, 중부 및 동유럽 국가의 민족 전통 재해석을 통해 더 이상 역사적 공식에 의존하지 않는 새로운 장식 시스템을 발명했습니다. 아르누보가 아르데코를 창안한 데에는 새로운 장식과 형태로 새로운 양식을 창조한다는 아이디어가 큰 기여를 했습니다. 아르누보의 또 다른 특징은 국내 명품에 중점을 둔다는 것입니다.

아르누보의 미세한 세부 사항과 간결한 선들 중 일부는 1920년대의 아르데코 건축과 디자인에서도 발견되지만 약간 단순화됩니다. 마찬가지로 아르누보 포스터에 의해 대중화된 평평한 색상과 눈에 보이는 윤곽은 아르데코 일러스트레이션에서 매우 자주 사용됩니다. 대상이나 건축 장식에 식물적 모티프가 자라고 형태를 갖춘 것처럼 보이는 많은 아르누보 디자인과 비교할 때, 대부분의 아르데코 작품은 신고전주의와 유사한 명확한 구성 구조를 가지고 있습니다.

프랑스-벨기에 아르누보에서 가져온 아이디어 외에도 영국과 비엔나에서 발견된 기하학적 모티브와 책에서도 영향을 받았습니다. 여기서 발견된 꽃, 나선형, 사각형들은 아르데코에서 발견된 것들과 매우 비슷합니다. 찰스 레니 매킨토시는 심지어 그의 후기 창작물에서 아르데코 형태를 기대했습니다. 스타일을 가장 잘 예상하는 분리주의 작품 중 하나는 브뤼셀의 스토클레 궁전으로, 지그구라트 모양의 후퇴, 계단 창문의 수직 슬릿, 전체적인 간결함과 수수한 장식이 있습니다.[233]

리바이벌스

1960년대에 포스트모더니즘이 탄생했습니다. 이것은 모더니즘(제2차 세계대전 이후의 현상)에 의문을 제기하는 운동이었고, 새로운 디자인에 역사적 양식의 요소를 포함시키고 재해석하는 것을 촉진했습니다. 아르누보에 관한 여러 국제 전시회가 1950년대에 열렸지만, 1960년대, 특히 포스트모더니즘의 부상과 함께 성공적인 부활이 나타났습니다. 전시회 외에도, 이 부활은 1900년경의 꽃 장식과 에로틱하게 "입술된" 예술 주제에서 당시 자신의 삶의 이상을 인식했던 "꽃의 힘" 세대와 관련이 있을 수 있습니다.

아르누보는 또한 같은 시기의 사이키델릭 록의 많은 포스터에 영감을 주는 주요 원천 중 하나였습니다. 1960년대 사이키델릭 아트 운동의 주요 지지자들은 릭 그리핀, 빅터 모스코소, 보니 맥린, 스탠리 마우스, 알톤 켈리, 웨스 윌슨과 같은 샌프란시스코 포스터 아티스트들이었습니다. 아르누보를 특징짓는 흙빛과 비교했을 때, 이 포스터들은 대조적으로 매우 포화된 색상을 가지고 있었고, 또한 때때로 읽기 어려운 매우 양식화된 텍스트를 가지고 있었습니다. 이 스타일은 약 1966년부터 1972년까지 번창했습니다.

단점으로는, 구스타프 클림트의 상징적인 그림들이 오늘날 머그컵, 접시, 냅킨, 열쇠고리 등 많은 키치한 기념품들에서 발견됩니다. 키치의 정의 중 하나가 "산업적 규모의 예술 작품을 복제하거나 복사하여 상업적으로 이용하는 것"이기 때문에 이것은 문제가 있습니다.[235] 키스는 셀 수 없이 많은 크기와 재료로 인쇄되었습니다. 비슷한 상황에 있는 것이 알퐁스 무차의 포스터입니다.

아르누보에서 영감의 주요 원천을 발견한 예술가들 중 한 명은 오스트리아의 화가이자 건축가인 프리덴스라이히 훈데르트바세르였습니다. 그는 에곤 쉴레, 바로크와 페르시아의 미니어처, 아르누보의 굴곡진 장식 등 다양한 출처에서 영감을 얻었습니다.[236]

참고 항목

메모들

  1. ^ 일부 연구자들에 의해 호텔 예세(1893)는 아르누보(Art Nouveau[44])의 것으로도 추정됩니다.
  2. ^ 예를 들어, 몇몇 출처들. Werkbund archive, 창립 멤버 중 한 명으로 Van de Velde를 꼽습니다.[82]
  3. ^ 러시아 황제 니콜라스 2세가 그의 아내에게 부활절 선물로 만든 것입니다.

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